Como o Atlântico Sul, que entrou pela fenda de um antigo continente há 140 milhões de anos, ou como a nuvem de areia que atravessa mais de 2 mil quilômetros do Saara às Américas, "Ecos da Separação" alarga tempo e território. Uma aparição que traz ao palco uma experiência sensorial com frames de sonhos, gestos e sonoridades que resistem ao esquecimento e convocam presenças negras. Inaê Moreira cria relações poéticas com o N'goni, rochas e rastros de si mesma, enquanto a DJ Marta Supernova constrói paisagens sonoras em tempo real.

Rosa é uma menina que ama o circo. Em um dia de chuva, ela brinca sozinha em casa; seu olhar inusitado transforma o lugar em um espaço mágico, onde ela cria seu próprio mundo e vive aventuras. A cada nova brincadeira, Rosa enfrenta desafios como ser uma acrobata e os riscos e a magia de ser uma equilibrista.

Brinquedos e seres mágicos decidem viver numa comunidade na floresta, longe do mundo dos humanos, onde não há poluição e nem consumo desenfreado. A chegada de três gatos a esse recanto de paz, provoca discussões sobre confiança, respeito, amizade e democracia.

Em “ARGILA”, ergue-se barro, mito e ciência numa poesia cênica que convida o público a moldar, agora, o futuro que ainda nos cabe. É possível reimaginar o mundo antes que ele desapareça? A argila, matéria milenar que guarda pegadas e aceita novas formas, simboliza a urgência de sonhar coletivamente antes que a Terra ceda ao peso de nossas pegadas.

Um viajante do tempo tenta retornar ao dia do "Massacre de Mueda" em 1969, onde mais de 300 moçambicanos foram mortos pelo exército português, mas se vê preso dentro das memórias de um filme. Com a ajuda de um ator esquecido, de uma mulher cyborg e do fantasma de uma cantora, o viajante do tempo tenta retomar o fio de suas memórias e responder à pergunta: para onde vai um futuro que nunca chega? Uma fábula futurista sobre as ruínas do tempo e do cinema.

Em sua versão presencial, o espetáculo amplia ainda mais a proposta interativa ao convidar o público a participar ativamente da cena. A experiência se dá em múltiplas camadas: o público pode escolher quais cenas deseja assistir, cumprimentar os intérpretes, entregar depoimentos, dançar junto e, em determinado momento, até tirar os sapatos e pisar descalço sobre um grande tapete vermelho. TIREM OS SAPATOS E DANCEM CONOSCO é mais que um espetáculo: é um chamado ao toque, à escuta, ao movimento e ao risco. A obra só acontece por inteiro quando cada pessoa aceita esse convite e transforma a experiência em presença.

Jill e Ollie querem contar para vocês sobre a casa dos sonhos - ou melhor, sobre como eles conseguiram a casa dos sonhos. Algumas coisas que eles fizeram para isso talvez não tenham sido legais. Tem gente que vai dizer que foram até mesmo chocantes. Mas eles vão explicar. Vocês vão entender. Vocês PRECISAM entender. Escutem a história e me digam: Vocês não fariam o mesmo?

O grupo Refinaria Teatral e a Cooperativa Paulista de Teatral realizarão uma nova edição da mostra Encontro Paulista de Teatro de Grupo durante os meses de julho e agosto. Ao todo serão mais de 30 ações públicas, sendo dez apresentações de diferentes grupos, 10 oficinas, além de debates e palestras!

“TcHiBuM! – A Liga Aquática” conta a história de Junior e Yasmin, duas crianças que adoram brincar perto da água. Um dia, Yasmin joga um canudo nas águas da baía. O canudo é arremessado de volta e acerta a menina, que, ao olhar de perto é puxada magicamente para uma aventura no fundo do mar junto de seu amigo

O premiado “Zepelim (ou O Balão que Nunca Existiu)” fala sobre crianças à margem de uma sociedade, fala de fome, preconceito, sonhos, exploração do trabalho infantil e amizade. A fim de explorar a experiência do espectador, foram criadas cenas em que a narração se faz presente, usando como técnica o Teatro Épico de Brecht, onde em alguns momentos são propostas cenas não verbais, em outros, cenas com bonecos, tudo isso sempre amarrado com a música feita ao vivo e composta originalmente para o espetáculo. Todos os objetos cênicos e cenário foram construídos a partir de materiais de reuso/recicláveis, para dar ainda mais profundidade à essa pesquisa sobre essa menina que mora em um lixão. O espetáculo foi vencedor do Prêmio Aplauso Brasil como Melhor Espetáculo para o Público Infantil e Jovem de 2017, ano de sua estreia e desde então circula em festivais, unidades do SESC e SESI.

O espetáculo reúne duas coreografias autorais de grande impacto na dança contemporânea brasileira: “Anima – Imensidão Adentro”, de Alan Keller, e “Castelo”, de Alessandro Sousa Pereira. A montagem explora temas como resistência, força, coragem, cansaço, sensibilidade e medo – emoções que atravessam o corpo e se desdobram em potência poética e visual.

Com uma ferida aberta que não cicatriza, Filoctetes, herói, não herói o suficiente, é incapaz de suportar a dor. Diante da presença sem trégua de sua carne podre e de seus gritos aterradores, seus companheiros de guerra decidem abandoná-lo, no caminho para Troia. Durante nove anos, Filoctetes habita sozinho a Ilha de Lemnos.

“Uma ode aos obstinados bailarinos, às horas incansáveis para alcançar coisas incríveis, um tributo a dedicação às ambições físicas”. Oito acrobatas de elite investigam as habilidades físicas, e como obtê-las, como aperfeiçoá-las, e como transformar suas vidas. Ten Thousand Hours é uma homenagem à linguagem física que define a identidade do grupo Gravity and Other Myths, em uma celebração aos corpos e às coisas incríveis que podemos fazer como ele todos os dias.

Inspirado nos pensamentos da autora bell hooks, o espetáculo entende o amor não como romantização, mas sim, como uma prática de liberdade. Amar, para corpos negros, é um gesto radical de resistência à desumanização e uma recusa ativa às lógicas coloniais que tentam romper e apagar os laços afetivos e comunitários. A obra parte da simbologia do carvão, aquilo que foi queimado, mas não destruído; uma matéria que resiste e permanece viva. Por meio dos movimentos de cinco intérpretes criadores em cena e da performance musical eletrônica ao vivo, o espetáculo constrói um território de afetos forjados entre cicatrizes e renascimentos.

DODÔ parte de experimentações cênicas baseadas na obra de Samuel Beckett, especialmente em sua abordagem da linguagem, do silêncio e do absurdo. A peça não segue uma narrativa linear e se organiza como um inventário de memórias inventadas, pausas, ruídos e afetos. Criado por pessoas com afasia, condição neurológica que compromete a linguagem, o espetáculo explora improvisações, fragmentos de fala, silêncios e movimentos, propondo uma poética do intervalo, da escuta e da presença. O nome “DODÔ” surgiu espontaneamente nos ensaios, em referência à sonoridade de “Esperando Godot”, texto clássico de Beckett.