”Eu e Ela: visita a Carolina Maria de Jesus” é uma releitura das obras “Quarto de Despejo”, de Carolina Maria de Jesus, e do curta-metragem "O papel e o mar" (2010), de Luiz Antonio Pilar. Idealizado e interpretado por Dirce Thomaz, o espetáculo em 13 cenas constrói um diálogo entre duas mulheres negras de tempos distintos, unidas por vivências de exclusão, resistência e criação. Esse entrelaçamento, traça conexões entre o passado e o presente a partir da escrita potente e da trajetória de Carolina Maria de Jesus.

O grupo Refinaria Teatral e a Cooperativa Paulista de Teatral realizarão uma nova edição da mostra Encontro Paulista de Teatro de Grupo durante os meses de julho e agosto. Ao todo serão mais de 30 ações públicas, sendo dez apresentações de diferentes grupos, 10 oficinas, além de debates e palestras!

O premiado “Zepelim (ou O Balão que Nunca Existiu)” fala sobre crianças à margem de uma sociedade, fala de fome, preconceito, sonhos, exploração do trabalho infantil e amizade. A fim de explorar a experiência do espectador, foram criadas cenas em que a narração se faz presente, usando como técnica o Teatro Épico de Brecht, onde em alguns momentos são propostas cenas não verbais, em outros, cenas com bonecos, tudo isso sempre amarrado com a música feita ao vivo e composta originalmente para o espetáculo. Todos os objetos cênicos e cenário foram construídos a partir de materiais de reuso/recicláveis, para dar ainda mais profundidade à essa pesquisa sobre essa menina que mora em um lixão. O espetáculo foi vencedor do Prêmio Aplauso Brasil como Melhor Espetáculo para o Público Infantil e Jovem de 2017, ano de sua estreia e desde então circula em festivais, unidades do SESC e SESI.

O espetáculo reúne duas coreografias autorais de grande impacto na dança contemporânea brasileira: “Anima – Imensidão Adentro”, de Alan Keller, e “Castelo”, de Alessandro Sousa Pereira. A montagem explora temas como resistência, força, coragem, cansaço, sensibilidade e medo – emoções que atravessam o corpo e se desdobram em potência poética e visual.

Com uma ferida aberta que não cicatriza, Filoctetes, herói, não herói o suficiente, é incapaz de suportar a dor. Diante da presença sem trégua de sua carne podre e de seus gritos aterradores, seus companheiros de guerra decidem abandoná-lo, no caminho para Troia. Durante nove anos, Filoctetes habita sozinho a Ilha de Lemnos.

“Uma ode aos obstinados bailarinos, às horas incansáveis para alcançar coisas incríveis, um tributo a dedicação às ambições físicas”. Oito acrobatas de elite investigam as habilidades físicas, e como obtê-las, como aperfeiçoá-las, e como transformar suas vidas. Ten Thousand Hours é uma homenagem à linguagem física que define a identidade do grupo Gravity and Other Myths, em uma celebração aos corpos e às coisas incríveis que podemos fazer como ele todos os dias.

O que significa recuperar a liberdade? Seis pessoas que passaram pelo sistema prisional brasileiro têm suas trajetórias entrelaçadas. Diante das dificuldades de reinserção social e reconstrução da própria vida, cada uma delas, a seu modo, tenta encontrar uma saída. As marcas do período atrás das grades permanecem na memória, no corpo e nos afetos. Exu, o orixá das encruzilhadas e destrancador dos caminhos, aparece como uma presença provocativa ao despertar naqueles sujeitos a fome de novos começos e a avidez por dignidade.

Inspirado nos pensamentos da autora bell hooks, o espetáculo entende o amor não como romantização, mas sim, como uma prática de liberdade. Amar, para corpos negros, é um gesto radical de resistência à desumanização e uma recusa ativa às lógicas coloniais que tentam romper e apagar os laços afetivos e comunitários. A obra parte da simbologia do carvão, aquilo que foi queimado, mas não destruído; uma matéria que resiste e permanece viva. Por meio dos movimentos de cinco intérpretes criadores em cena e da performance musical eletrônica ao vivo, o espetáculo constrói um território de afetos forjados entre cicatrizes e renascimentos.

DODÔ parte de experimentações cênicas baseadas na obra de Samuel Beckett, especialmente em sua abordagem da linguagem, do silêncio e do absurdo. A peça não segue uma narrativa linear e se organiza como um inventário de memórias inventadas, pausas, ruídos e afetos. Criado por pessoas com afasia, condição neurológica que compromete a linguagem, o espetáculo explora improvisações, fragmentos de fala, silêncios e movimentos, propondo uma poética do intervalo, da escuta e da presença. O nome “DODÔ” surgiu espontaneamente nos ensaios, em referência à sonoridade de “Esperando Godot”, texto clássico de Beckett.

O Festival Allegria oferece a cada edição uma grade de atrações, especialmente planejada, com eventos circenses múltiplos, espetáculos de teatro em vários formatos e musicais que prometem embalar crianças e adultos, reforçando a importância do acesso à cultura na primeira infância, bem como em todas as idades. São apresentações que conjugam artes cênicas (teatro, circo e intervenções) e música, distribuídas pelos espaços, em diversos horários.

A palavra magote remete a agrupamento, amontoado, ajuntamento. E é nessa lógica que o espetáculo se organiza: corpos que se unem em movimento para criar imagens, contar histórias e construir, juntos, uma enxurrada de possibilidades. Em cena, malabaristas, acrobatas, bailarinos excêntricos e cômicos se lançam ao espaço vazio como poetas do corpo. Magote é uma explosão de formas e cores, um jogo de composições físicas que traduz o enfrentamento do cotidiano em metáforas corporais. Um exercício de coletividade e generosidade que celebra os espaços comuns do circo – a trupe, a equipe, a família.

Sem diálogos verbais, é conduzido ao vivo por 12 músicos da orquestra SP Pop’s Symphonic que executam clássicos do chorinho de Chiquinha Gonzaga, Ernesto Nazareth, Joaquim Calado, Candido das Neves e Zequinha de Abreu, seguindo a linha de processo criativo executada pelo maestro Ederlei Lirussi. Escrito e dirigido por Roberto Gotts, a peça tem figurinos assinados por JC Monteiro e cenário criado para ser itinerante composto ora por projeção, como nos tempos do cinema mudo, ora por painéis artísticos feitos para se adaptar às diferentes casas teatrais.

A trama gira em torno de uma atriz sem nome, como escolheu o autor, que, após uma estreia desastrosa, decide ocupar o teatro e anuncia que só sairá dali à força. O espetáculo que ela apresenta à plateia é uma mistura de embromação cômica e confissão emocional, alternando entre o absurdo, o humor rasgado e momentos de profundo desabafo. Aos poucos, o nonsense dá lugar a uma fala direta, dolorida e provocadora, expondo camadas de frustração, misoginia, abusos e a solidão de quem insiste em fazer arte em um país que frequentemente ignora sua cultura.

A história se passa dentro de um museu em São Paulo, durante uma tempestade que paralisa a cidade. Quatro trabalhadoras de um Museu ficam presas no trabalho, enquanto outras tentam chegar na instituição museológica à qualquer custo. Impedidas de retornar para casa por conta do desastre climático, elas seguem trabalhando ou seguem tentando chegar de qualquer forma ao trabalho, movidas pela urgência de garantir o sustento em meio ao caos." pois nem todas trabalhadoras trampam no museu e nem todas já estão lá, algumas estão tentando chegar ainda no trabalho.

Um espetáculo com as mais significativas peças do variado repertório de Lewis Major em colaboração com coreógrafos e seus dançarinos. Investiga diversas possibilidades poéticas, ritmos e ciclos universais. O grupo promete “uma noite cativante de dança, de conexão entre mundos interno e externo – de não dualidade – tudo ambientado em um turbilhão de movimento, som e luz”.