Já imaginou como seriam as clássicas peças de Shakespeare se os atores estivessem bêbados? Esse é o mote do espetáculo Shakespeare Embriagado, que troca o teatro pelo bar para festejar a obra do dramaturgo inglês como você nunca viu. Em cada apresentação os atores bebem um pouco, mas um dos atores bebe um pouco a mais, seja Whisky ou Tequila acompanhado, na primeira dose, por um  espectador, para provar a veracidade da bebida. “Uma festa! Hilaridade e muita confusão acontecem quando os atores – alguns sóbrios e outros não – tentam manter o roteiro no trilho”, diz o produtor Henrique Benjamin, responsável pela montagem. Com o álcool, as tragédias de Shakespeare se tornam comédias, brinca Benjamin. A plateia tem poder de decisão em várias cenas, obrigando os atores a improvisarem e manterem o foco. Cada show é diferente do outro, e cada apresentação precisa de um “patrono”, que terá uma experiência premium, um trono real com mordomo, coquetel da casa e tomada de decisões importantíssimas para o desenvolvimento da trama. A plateia também pode ser escolhida como parte da “trupe de atores” ou como o “fantasma do rei”.

Um ator em um estúdio improvisado e uma equipe fazem o exercício ficcional de recriar fragmentos da trajetória da vida e obra do escritor. A peça contém cinco cenas curtas, prólogo e epílogo. Lima Barreto, é contado em primeira pessoa com suas certezas, contradições e seus sonhos de futuro.

Em uma Atenas tomada pela tensão entre tradição e pensamento livre, Sócrates — o filósofo que desafiava certezas e incitava a juventude a questionar — é arrastado ao tribunal. Acusado por cidadãos atenienses de corromper os jovens e de profanar os deuses da cidade, ele enfrenta seu destino com ironia sagaz e lógica implacável. Não suplica por clemência, mas defende a vida como um dever sagrado, transformando sua apologia num manifesto sobre liberdade e integridade.

Quando a luz acaba, Ayó, Ayrá e Obá atravessam um prédio-labirinto em busca de uma saída, mas descobrem que o mistério é ainda maior: a rua desapareceu. Guiados por Kossi, uma criança que costura caminhos, eles encontram personagens, memórias e desafios no limite entre o real e o imaginário. Jogos, redes, algoritmos e histórias antigas fazem parte desse caminho, enquanto cada um precisa descobrir novos modos de olhar para o mundo e para si mesmo além das telas.

Quando o síndico falta justamente no dia da reunião mais importante do condomínio, Waldisney, o porteiro mais falante e carismático da cidade, decide assumir o comando da assembleia. O problema é que os moradores — vividos pelo próprio público — têm reclamações, confusões e opiniões para tudo. Entre fofocas de vizinhança, barracos, causos hilários e muito improviso, Waldisney transforma a reunião em uma divertida celebração do humor, relembrando situações que todo brasileiro já viveu ou presenciou.

Em cena, os bebês são reconhecidos como pesquisadores natos: cada sessão se constrói no encontro com suas reações, silêncios, movimentos e curiosidades. Sem momentos delimitados de interação, a experiência acontece na escuta e na atenção compartilhadas.

ma criação inspirada na mitologia dos orixás e na representação simbólica do xirê – cerimônia tradicional de saudação e exaltação aos orixás. A obra segue a sequência ritual das danças que se inicia com Exu, percorre diversos orixás e se encerra com Oxalá. O espetáculo entrelaça ritualidades, cantos e movimentos que expressam os orixás – entidades que representam forças da natureza e são responsáveis por criar e reger o Aiyê (Terra) em conexão com o Orum (Céu).

O espetáculo apresenta personagens inspirados em mitos afrobrasileiros e convida o público a celebrar a diversidade. Duas araras, azul e amarela, disputam a importância de suas cores até a chegada da arara vermelha, que revela a história da arara de muitas cores, mostrando a beleza de serem coloridos.

Ao longo da montagem, manifestações como forró, frevo, baião, cavalo-marinho, caboclinhos, maracatu e o próprio Mamulengo integram a narrativa e evidenciam referências presentes na cultura popular pernambucana. Com "Goitá", a Cisne Negro Cia. de Dança dá continuidade ao desenvolvimento de trabalhos que dialogam com diferentes manifestações culturais brasileiras.

Conduzido e operado de forma solo pelo carismático artista Seu Lé, este microcirco ambulante acoplado a uma bicicleta viaja pelo espaço e pelo tempo para encantar públicos de todas as idades. Misturando as linguagens clássicas do circo de rua e do teatro de variedades com o fascinante universo da física e da acústica, o espetáculo apresenta números interativos construídos com aparelhos completamente inusitados.

Sentimentos ocultos, lembranças doloridas e contradições. O espectador é convidado a embarcar com Guta em uma jornada de autodescoberta e redenção, quando o passado bate à sua porta porta.

A peça traz um tema original, afeto e sexualidade em corpos PCDs. É um tema inédito nos palcos que se aprofunda na reflexão desses corpos que são “marginais”, abafados e negados socialmente. A ficção entra como um elemento reflexivo, pelo fato de conectar o público com as semelhanças que existem entre todos nós e que são encobertas pelo preconceito e pela falta de conhecimento. A peça propõe ao espectador uma aproximação com a intimidade, mas sobretudo com a vitalidade desses indivíduos.

Como seríamos se pudéssemos inventar um outro Eu? Um Eu que nos faz livres por algum momento. Que celebra a vida que não se tem. Que deseja o que desconhece. Que desconfia de todas as certezas que se tinha e coloca o tempo em suspensão. Há quatro anos, temos desenvolvido oficinas artísticas em casas de acolhidas e outras instituições que enfrentam desafios dos mais variados. Em comum, em todos esses espaços, encontramos pessoas que desejam ser vistas e ouvidas.  Nasceu o projeto SOPRO e, com ele, o nosso desejo de encontrar o humano, onde a existência muitas vezes é negada nos seus direitos mais básicos. 

A dramaturgia do musical explora a riqueza de estilos presentes na obra do artista – que passeia pelo jazz, samba, ritmos afro-brasileiros e pop –, além de destacar a força de suas letras, que falam de amor, amizade, superação e esperança. Essa conexão emocional, presente em suas canções, será transportada para o palco de forma envolvente, criando uma experiência única para o público.

Na trama, Pablo (Leandro Luna) pede ao seu melhor amigo Martín (Beto Schultz) que vá morar com ele e sua namorada Sofía (Julianne Trevisol). O objetivo é claro: desestabilizar a relação para provocar o fim do namoro. O plano se estende por uma semana – tempo suficiente para expor fragilidades, egoísmos e contradições dos três personagens. A convivência forçada serve de pano de fundo para discutir os limites dos relacionamentos afetivos contemporâneos, por meio do humor. A encenação aposta no riso como meio de provocar reflexão sobre o modo como construímos – e desmontamos – nossas relações interpessoais.