A palavra magote remete a agrupamento, amontoado, ajuntamento. E é nessa lógica que o espetáculo se organiza: corpos que se unem em movimento para criar imagens, contar histórias e construir, juntos, uma enxurrada de possibilidades. Em cena, malabaristas, acrobatas, bailarinos excêntricos e cômicos se lançam ao espaço vazio como poetas do corpo. Magote é uma explosão de formas e cores, um jogo de composições físicas que traduz o enfrentamento do cotidiano em metáforas corporais. Um exercício de coletividade e generosidade que celebra os espaços comuns do circo – a trupe, a equipe, a família.

Sem diálogos verbais, é conduzido ao vivo por 12 músicos da orquestra SP Pop’s Symphonic que executam clássicos do chorinho de Chiquinha Gonzaga, Ernesto Nazareth, Joaquim Calado, Candido das Neves e Zequinha de Abreu, seguindo a linha de processo criativo executada pelo maestro Ederlei Lirussi. Escrito e dirigido por Roberto Gotts, a peça tem figurinos assinados por JC Monteiro e cenário criado para ser itinerante composto ora por projeção, como nos tempos do cinema mudo, ora por painéis artísticos feitos para se adaptar às diferentes casas teatrais.

A trama gira em torno de uma atriz sem nome, como escolheu o autor, que, após uma estreia desastrosa, decide ocupar o teatro e anuncia que só sairá dali à força. O espetáculo que ela apresenta à plateia é uma mistura de embromação cômica e confissão emocional, alternando entre o absurdo, o humor rasgado e momentos de profundo desabafo. Aos poucos, o nonsense dá lugar a uma fala direta, dolorida e provocadora, expondo camadas de frustração, misoginia, abusos e a solidão de quem insiste em fazer arte em um país que frequentemente ignora sua cultura.

A história se passa dentro de um museu em São Paulo, durante uma tempestade que paralisa a cidade. Quatro trabalhadoras de um Museu ficam presas no trabalho, enquanto outras tentam chegar na instituição museológica à qualquer custo. Impedidas de retornar para casa por conta do desastre climático, elas seguem trabalhando ou seguem tentando chegar de qualquer forma ao trabalho, movidas pela urgência de garantir o sustento em meio ao caos." pois nem todas trabalhadoras trampam no museu e nem todas já estão lá, algumas estão tentando chegar ainda no trabalho.

Um espetáculo com as mais significativas peças do variado repertório de Lewis Major em colaboração com coreógrafos e seus dançarinos. Investiga diversas possibilidades poéticas, ritmos e ciclos universais. O grupo promete “uma noite cativante de dança, de conexão entre mundos interno e externo – de não dualidade – tudo ambientado em um turbilhão de movimento, som e luz”.

Inspirado por conceitos filosóficos que atravessam séculos – de Sócrates, Platão e Aristóteles às perspectivas afetivas mais contemporâneas –, o espetáculo investiga o amor em suas expressões de Eros (desejo), Filia (amizade) e Ágape (amor incondicional). A dramaturgia corporal dos intérpretes se constrói a partir dessas camadas, revelando o afeto em sua forma mais delicada, intensa e plural.

Inspirado na série homônima exibida no Disney+ e no YouTube, o musical infantojuvenil Os Óculos Mágicos de Charlotte conta a história de uma menina que, ao ganhar um par de óculos da Fada Belle, passa a enxergar o mundo como ele poderia ser: mais justo, colorido e gentil.

Enquanto filhas, esposas, mães e até viúvas, as mulheres vivem papeis impostos pela sociedade. Açúcar ou as irmãs Anne, um drama lírico sobre o tempo e o envelhecimento, Açúcar ou As Irmãs Anne começa com o reencontro, após décadas, de duas ex-parceiras de palco, que decidem revisitar as personagens que marcaram suas carreiras: as irmãs Mary Anne e Rose Anne, filhas de uma família burguesa decadente e moldadas por silêncios, aparências e expectativas sociais. No passado, elas próprias tiveram suas trajetórias interrompidas por imposições familiares: uma engravidou e a outra se casou.debate esses papeis e convida o público a refletir sobre os limites entre identidade e representação, memória e invenção, arte e vida.

As férias da criançada vão ficar ainda mais animadas com a ocupação que o coletivo Eranos Círculo de Arte preparou para o Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo, entre os dias 3 de julho e 4 de agosto. Todas as atrações são gratuitas.

Em um jogo provocador e insano de poder, identidade e dominação, dois personagens se enfrentam e se confundem numa ilha isolada, desafiando as fronteiras entre civilização e barbárie, controle e loucura. O texto, carregado de humor ácido e de linguagem surrealista, conduz o público por uma experiência radical que reflete, por meio do absurdo, as contradições da vida moderna.

As suspeitas são três mulheres foragidas conhecidas pelo nome de Boneca, Caveira e Viola. Os proprietários já colocaram as milícias à procura”. Seis corpas em cena. São mulheres? É ela, ele, elu? Bandidas? Andam em bando. Carregam um esqueleto. Roupas de couro. Movem-se juntas, mesmo que não ao mesmo tempo. Camuflam-se. Aos poucos, escapam memórias de vida pelo caminho. Memórias embaralhadas de dezessete antigas: lideranças de comunidade, caciques, fundadoras de movimento, ex-presas políticas. O medo, a fome, a resistência. Água pra deixar o rio correr. OKAN! Quem viu, verá.

A narrativa parte de uma visita inesperada, Narizinho, influencer digital, vai ao encontro de Pedrinho, hoje operador do agronegócio. Durante a conversa, relembram a infância vivida no Sítio e, com a ajuda de um livro antigo e o pó de pirlimpimpim, embarcam em uma nova aventura fantástica. Em cena, personagens como Emília, Visconde de Sabugosa, Rabicó, Dr. Caramujo, Dona Benta e Tia Anastácia retornam à imaginação do público, renovando os laços com a literatura infantil brasileira.

O Sesc Santo Amaro recebe temporada de Turma da Mantiqueira, o projeto criado por Beto Andreatta, diretor da companhia de teatro da Pia Fraus e Ricardo Prato, fundador do Estúdio Canto da Coruja, é inspirado no ambiente da Serra da Mantiqueira, combinando música, arte e educação ambiental, com o objetivo de conscientizar as crianças, sobre a importância de proteger a biodiversidade da Serra da Mantiqueira, um dos ecossistemas mais abundantes do Brasil. As composições são uma homenagem ao local e um alerta sobre a preservação da sua fauna e flora, de forma lúdica. Os arranjos, cenários e bonecos foram criados com o objetivo de serem educativos e interativos, promovendo a participação das crianças.

A história começa quando Olokun convida um pescador a conhecer as profundezas do oceano. Ele fica fascinado com a beleza da vida marinha e as riquezas da mãe de todas as águas. A performance animada da Cia. O Casulo Viajante promove temas ambientais para crianças e jovens.

Para abrir as cortinas do TEATROIQUÈ, o diretor e iluminador Caetano Vilela apresenta Odisseia: Instalação para um retorno, uma releitura contemporânea do épico de Homero. Nessa montagem, ele propõe uma nova visão da jornada de Ulisses, apostando na interseção entre performance ao vivo, música, arte expositiva e recursos audiovisuais de ponta. Em parceria com os atores Diego Machado e Thiago Brianti, Vilela transforma o palco em um ambiente imersivo, onde o público é convidado a cruzar as fronteiras tradicionais do teatro. Desde o momento em que entram na sala, os espectadores se deparam com uma instalação cênica – a direção de arte é de Fábio Namatame – que remete a um espaço museológico. São 18 totens e 30 objetos dispostos como em uma galeria de arte, todos etiquetados com trechos extraídos da Odisseia e referências à narrativa mítica.