A comédia acompanha um ator veterano que abandona o palco no meio de uma apresentação de Macbeth, irritado com celulares e distrações da plateia. Nos bastidores, o episódio desencadeia um embate sobre o pacto entre palco e público e os limites dessa convivência. No elenco estão Norival Rizzo, Walter Breda, Fábio Esposito, Ana Andreatta, Conrado Sardinha e Natália Beukers.

Com o humor afiado de sempre, Nany People interpreta uma mulher que acredita que o mundo gira em torno de si. Mas descobre, da forma mais surpreendente, que nem tudo é como ela quer.

Rodrigo Contreiras é um ator que todo brasileiro conhece, um galã absoluto das novelas, um rostinho que as marcas exploram para vender qualquer tipo de produto. Mas, por trás do sorriso de porcelana, ferve uma crise existencial: cansado de ser apenas um "corpo sarado com milhões de seguidores", ele decide destruir sua imagem de perfeição para ser levado a sério pela elite intelectual.

A Raiz é um monólogo onde a personagem única é um narrador que conta a estória de um menino andrógino, a descoberta de sua sexualidade, do amor e do preconceito da sociedade. Um conto repleto de poesia e delicadeza escrito por Newton Moreno, um dos mais premiados dramaturgos nacionais, narrado pelo ator Claudio Fontana e dirigido por Elias Andreato

A montagem preserva a estrutura fundamental da dramaturgia original, mas incorpora cenas e situações criadas pelo coletivo durante o processo de pesquisa. A encenação combina música original executada ao vivo, dança, partituras corporais e projeções. Em determinados momentos, os atores deixam seus personagens para falar diretamente com o público, expondo os mecanismos da representação e estabelecendo uma relação entre ficção e realidade.

A peça começa quando o autor Doug Wright assiste a uma palestra de Charlotte von Mahlsdorf e, encantado com ela e sua história, escreve-lhe uma carta pedindo autorização para criar uma peça sobre sua vida. Charlotte aceita e começa a lhe conceder uma série de entrevistas. Nascida em 1928 sob o nome de Lothar Berfelde, desde jovem se afirmava como mulher e assim viveu, assumindo sua identidade feminina em meio à violenta sociedade nazista. Os encontros entre Doug e Charlotte são intercalados por memórias e novos acontecimentos, que vão surpreendendo e transformando o olhar e os relatos de Doug. “O espetáculo não segue uma cronologia, vai e volta no tempo. Esta é a mágica do teatro porque ela [Charlotte] faz todos os personagens citados nas entrevistas. O ator que vive a Charlotte e que vive o Doug, os dois estão em cena, e ela vai vivenciando as histórias das pessoas que passaram por sua vida”, detalha Edwin. Doug.

O Grupo Egrégora, apresenta: O Arquiteto e o Imperador da Assíria de Fernando Arrabal. Um clássico do Teatro do Absurdo em temporada no Teatro Arthur Azevedo. Num insano jogo de poder e dominação envolvendo o questionamento sobre a vida moderna, uma terrível constatação está prestes a acontecer.

Duas amigas tentam celebrar 5 anos de amizade e enfrentam todas as problemáticas da vida cotidiana as afastando. Para recuperar aquilo que tanto falta, decidem organizar uma viagem de reconexão que acaba levando ambas por outros caminhos. Tóxicas é uma comédia sobre amor, não aquele romântico que a gente volta no final do dia, mas aquele para o qual a gente retorna sempre.

Prontos para ir a um casamento, figurino de festa e tudo, Lígia e Alberto são obrigados a ficar em casa por conta de um forte temporal. Impedidos de sair, a conversa, de início corriqueira, deságua em acalorada discussão quando vêm à tona feridas ainda não cicatrizadas de uma relação longa e desgastada.

Biê tem 9 anos e sente tudo de um jeito enorme e muitas vezes isso aparece em forma de lágrimas. Mas será que existe só choro de tristeza ou de alegria? Entre descobertas, aventuras e encontros inesperados, ela embarca em uma jornada pelo universo dos sentimentos, aprendendo que cada emoção tem seu lugar e sua importância. Com humor, delicadeza e imaginação, a peça convida crianças e adultos a refletirem sobre empatia, acolhimento e a beleza de expressar o que sentimos.

Ao voltar da guerra, o general Macbeth se depara com três bruxas num descampado, que profetizam seu futuro como rei da Escócia. Motivados pela previsão, ele e sua esposa, Lady Macbeth, tramam o assassinato do rei Duncan e a usurpação da coroa. O crime, no entanto, leva o casal a ser consumido pela culpa, precipitando o reino em uma espiral de terror e despotismo. Tomado pela angústia e paranoia, à medida que vê sua coroa ameaçada, Macbeth se converte em um tirano.

A peça é um mosaico de monólogos ácidos, cômicos e dolorosamente humanos, que expõem personagens à beira do colapso: um ator que sabe tudo, critica todos e nunca termina nada; pessoas que buscam afeto em robôs para não enfrentar a complexidade do outro; crenças rasas disfarçadas de salvação; relações mediadas por telas, filtros e discursos prontos. Todos falam demais, escutam pouco e acreditam, com convicção assustadora, que estão certos.

Alçada ao posto de protagonista, a mulher, guardiã de uma atividade em vias de extinção, que atua como ponto - função que "sopra" o texto quando o elenco esquece as falas - sai das sombras dos bastidores para recontar sua vida e fragmentos da história do próprio teatro. Sopro é também uma história de amor, de intriga, de trabalho, de política, de vingança, de solidão, de amizade e todas passadas num teatro.

Ao voltar da guerra, o general Macbeth se depara com três bruxas num descampado, que profetizam seu futuro como rei da Escócia. Motivados pela previsão, ele e sua esposa, Lady Macbeth, tramam o assassinato do rei Duncan e a usurpação da coroa. O crime, no entanto, leva o casal a ser consumido pela culpa, precipitando o reino em uma espiral de terror e despotismo. Tomado pela angústia e paranoia, à medida que vê sua coroa ameaçada, Macbeth se converte em um tirano.

Uma mulher, no intuito de curar-se de um ciúme doentio por um marido nada atraente, mergulha numa divertida jornada de autoconhecimento. A protagonista revive as histórias de seus relacionamentos e o início de sua carreira artística enquanto recebe o público em seu camarim, numa atmosfera intimista e inusitada, que situa a narrativa no limiar entre a ficção e a vida real. O espetáculo aborda de forma muito natural questões intrínsecas à alma feminina e de extrema relevância nos dias de hoje, como a ansiedade, a autoestima e a sexualidade; sempre sob a ótica tragicômica de uma mulher atormentada pelo ciúme.

Livremente inspirada no conto publicado originalmente em 1882, a montagem parte da história do médico Simão Bacamarte, interpretado por Roger Gobeth, que decide estudar a loucura e passa a internar moradores de Itaguaí na Casa Verde. O que começa como uma investigação científica se transforma gradualmente em uma disputa pelo controle da cidade.

São três monólogos que possuem pontos em comum. O mesmo tema - “a noite escura da alma” - perpassa as dramaturgias que contam as histórias de duas santas e um santo, ícones carmelitas venerados na fé católica: Santa Benedita Tereza da Cruz (1891-1942) - Edith Stein, a Estrela e a Cruz, vivida em cena por Daniela Schitini; São João da Cruz (1542-1591) - João da Cruz, interpretado por Helder Mariani; e Santa Theresinha do Menino Jesus (1873-1897) - Theresinha, interpretada por Gabriela Cerqueira. Outras duas atrizes - Katia Naiane e Nicoli Rizzoli - atuam no espetáculo performando e conduzindo o público pela Catedral da Sé para o encontro com os três santos e “a noite escura da alma”.

Costurando saberes e o modo de vida de populações ribeirinhas da amazônia cabocla do norte do Brasil, em relação com as narrativas míticas da Cabocla Encantada Mariana,"Do Ventre à cabeça" cria conexões poéticas entre tradição, memória e saberes populares amazônidas. O espetáculo parte dos ensinamentos de uma avó ribeirinha, revisitando ancestralidades amazônidas em conexão com a Encantaria e o Tambor de Mina.

Baal é inspirado no deus fenício da fertilidade e fecundação. Na peça, ele representa o retorno do homem à sua essência mais primitiva e selvagem. Rejeitando as regras da sociedade, Baal explora seus desejos sem culpa, cruzando limites entre o encantamento e a destruição, amoral, mas em um mundo amoral. Baal - O Mito da Carne conta a história do amor dilacerado entre Baal (Fonseca) e Ekart (Daniel Ortega), com referências ao tórrido romance vivido entre Rimbaud e Verlaine. Juntos, eles caminham pelo mundo deixando corpos e poesias por onde passam, ao mesmo tempo em que são consumidos por esse mundo. Formando um triângulo amoroso com Sophie (Stella Rocha), estendem ao público uma conturbada discussão dialética sobre empatia. “Baal e Ekart não se encaixam em nenhuma definição de gênero e para eles pouco importa. Isso quer dizer que não é possível rotula-los, defini-los”, comenta o diretor. O espetáculo sugere que, numa sociedade controlada pelo capital, onde as atitudes se tornam mecânicas e insossas, só uma força transgressora pode despertar as pessoas para a vida.

Na peça, Nathália interpreta Rosa, atriz que fundou um teatro ao lado da irmã e do cunhado, ambos já falecidos. Durante décadas, os três mantiveram o espaço, que se tornou uma referência cultural de sua geração. Com o passar dos anos, porém, Rosa se vê sozinha diante das dificuldades financeiras e da falta de recursos para manter o teatro aberto.

Ambientada no ano de 1998, a narrativa coloca em foco o envelhecimento e a fragilidade da mente humana ao acompanhar um intelectual maduro confrontado pelo avanço da demência. Em meio a lapsos de lucidez, episódios absurdos do cotidiano e diálogos com o passado, o protagonista apega-se à busca obsessiva por uma canção específica — o lendário "nome do tango" —, encarada por ele como o último alento para manter acesa a própria identidade.

A partir das provocações que a performance vem fazendo ao teatro ao longo dos anos, esta peça-palestra constrói um campo auto ficcional, a partir de documentos, relatos autobiográficos, teoria queer e feminismos para investigar o corpo lésbica na sociedade. Tendo a travessia das tartarugas marinhas como metáfora de sobrevivência e resistência, a obra propõe uma experiência poética que imagina futuros possíveis marcados pelo afeto, pela igualdade e pela liberdade.

A montagem preserva a estrutura fundamental da dramaturgia original, mas incorpora cenas e situações criadas pelo coletivo durante o processo de pesquisa. A encenação combina música original executada ao vivo, dança, partituras corporais e projeções. Em determinados momentos, os atores deixam seus personagens para falar diretamente com o público, expondo os mecanismos da representação e estabelecendo uma relação entre ficção e realidade.

O espetáculo investiga os últimos dias de vida de Jararaca, cangaceiro morto pela polícia e hoje reverenciado como santo popular em Mossoró/RN, tensionando as fronteiras entre memória, mito e apagamento histórico. A obra propõe um olhar crítico sobre as violências de Estado que atravessam passado e presente, refletindo sobre quem tem o direito de narrar a história. Ao confrontar o público, lança perguntas inquietantes: Quais vidas são marcadas para morrer? E que outras versões ainda seguem soterradas pelo silêncio?

A trama percorre, por meio de quadros musicais e poéticos, vivências que vão do nascimento à infância, da descoberta dos desejos ao encontro transformador com a arte. Nesse percurso, também emergem os desafios que atravessam vidas e corpos dissidentes.

Essa é uma emergência: abandonem suas casas e sigam em direção ao ponto de encontro. A mineração segue a todo o vapor pelo curso do Rio Paraopeba, até invadir a história de Luzia Medeiros, funcionária de uma mineradora. De Vila Rica no século XVIII a Brumadinho no século XXII, Luzia descobre que “morre-se de febre e de fome sobre as riquezas da terra”.

Na peça, Hollis Jay é um homem que nunca viveu uma relação afetiva ou sexual. Sensível, introspectivo e profundamente inseguro, ele marca um encontro com Ellie, uma mulher simples e direta. Quando percebe que ela também está interessada, entra em pânico. Entre hesitações, silêncios e tentativas desastradas de aproximação, o encontro vira uma comédia sobre o medo da intimidade e a coragem de se deixar ver.

Cartas da Prisão é uma tentativa de tornar visível aquilo que a sociedade insiste em manter invisível”, fala a dramaturga Nanna de Castro que rompe deliberadamente o limite entre realidade e ficção, transitando entre depoimentos verdadeiros e fictícios, entre o noticiário e o poético. Obras como Mulheres que Amam Demais, de Robin Norwood, e Loucas de Amor, de Gilmar Mendes, são referências importantes. “Dentre as facetas das relações abusivas, sempre me intrigaram as mulheres que se correspondem com criminosos sexuais confessos na prisão. É comum que assassinos recebam centenas de cartas de amor de mulheres que os conhecem apenas pelo noticiário. É como se o abuso fosse não apenas aceito ou perdoado, mas acolhido.

O espetáculo reúne cinco histórias de encontros e desencontros que vibram a intensidade latina. Durante o carnaval, vidas se entrelaçam nesse drama contemporâneo, que une teatro, dança e música ao vivo. "'Drama Latinoamericano' é as histórias que guardamos do carnaval."

Antígona: 1964, nasce da pesquisa sobre uma pluralidade de dramaturgias que discorrem sobre o mito de Antígona em contextos históricos diversos. Colocando em diálogo a tragédia de Sófocles, as releituras de Jean Anouilh e Bertolt Brecht e textos autorais de jovens atores escritos a partir da reflexão sobre seu tempo histórico, o espetáculo problematiza: quem decide o que deve ser preservado e o que deve ser esquecido?

Drama imersivo e itinerante inspirado livremente em obras do cineasta Ingmar Bergman. Uma famosa cantora lírica visita a sua filha no casarão que ela divide com o marido presbítero. Durante a visita, mãe e filha tentam se reaproximar e dirimir as mágoas do seu passado. Nessa montagem do Núcleo Teatro de Imersão, os espectadores percorrem os diversos ambientes do casarão, sem separação entre palco e plateia.

Para seu concerto de violino, o palhaço Seu Cocó preparou um repertório de canções conhecidas para o público, com muito capricho, metodismo e organização. No entanto, uma mosca surge no palco atrapalhando a execução de seu número musical, e para piorar a situação, a própria característica excêntrica do músico contribui para a confusão. No final, palhaço e plateia descobrem a verdadeira intenção do inseto.