Na Sala Dos Espelhos, adaptação do livro homônimo de Liv Strömquist, conta a história de uma mãe que, ao ver sua filha pré-adolescente entrar em crise com a própria aparência, enfrenta o desafio de criar uma menina feminista em um mundo cada vez mais caótico. Para isso, ela convida Nina, sua filha, e o público, a brincar de pensar sobre o mito da beleza que tanto aprisiona meninas e mulheres.

Clássico absoluto do cinema dos anos 1980, Flashdance ganhou o mundo a partir do filme lançado em 1983, que se tornou um fenômeno da cultura pop. O sucesso nas telas deu origem à adaptação para os palcos, que desde então vem conquistando plateias em diferentes países e agora chega ao Brasil em uma nova montagem. A história acompanha a jovem operária Alex Owens, que sonha em se tornar bailarina profissional. O musical preserva a energia, o romantismo e as músicas que marcaram gerações.

Tráfico se desenrola a partir do entendimento da coexistência entre as pulsões de vida e de morte em todo ser humano. A peça se passa na periferia de uma cidade latino-americana, cheia de desigualdades, onde vive Alex, um jovem garoto de programa. Os problemas familiares, o relacionamento conturbado com a sua namorada e a vontade de vencer na vida, representada pelo sonho de comprar uma moto de alto luxo, o levam para caminhos sedutores e também muito violentos.

Diante da ruína de uma companhia de Teatro de Variedades, dois artistas remanescentes realizam o último espetáculo, que tem como atração a famosa cantora Josefina – uma rata. Para surpresa dos atores, que já nem contavam com público, os ratos comparecem em peso para desfrutar da sublime arte da diva inigualável. Porém, a apresentação se torna incerta quando a cantora é anunciada e não entra em cena. Verificam que ela ainda estaria se preparando e pedem paciência ao público. Diante dessa adversidade, os atores são obrigados a improvisar para conter a ansiedade da plateia.

Ao investigar relações atravessadas pela perda, Algodão & Palha revela como o luto pode se tornar obsessão, e, pouco a pouco, evoluir para dinâmicas de controle, repetição e violência. Em uma casa onde o passado insiste em permanecer, o espetáculo expõe os mecanismos sutis que sustentam ciclos de violência contra a mulher, muitas vezes disfarçados de cuidado.

Tati vê sua vida sentimental virar de cabeça para baixo quando é abandonada pelo namorado e acaba se envolvendo com um professor que tenta explicar o amor por meio de teorias científicas inspiradas no comportamento animal. Entre aulas absurdas, reencontros inesperados e muitas confusões, forma-se um triângulo amoroso cheio de humor e identificação.

Quando foi a última vez que você recebeu uma carta? E quando foi a última vez que escreveu uma? Em “GRAFIA(s) de CONTATO”, os atores-bailarinos transformam o palco em um papel em branco e fazem da dança-teatral uma nova forma de escrita. Aqui, cada pequeno gesto diz mais que mil palavras. Entre amores, desamores, saudades, infâncias, cidades, viagens e tempos, tudo que surge é possibilidade de grafia. Entre silêncios e ruídos, o corpo torna-se escritor de mensagens para quem está longe, como uma tentativa de traçar pontes entre o que permanece e o que se perde no ato de comunicar.

Na dramaturgia, Amanda e Juuar procuram refletir sobre o que aconteceria no imaginário coletivo se as histórias contadas fossem de mulheres que respondem à violência, com desejos violentos intrínsecos e viscerais, em vez de sofrer. Para isso, buscaram inspiração nas obras Nada de Carne Sobre Nós e Onde Está Você Coração?, da argentina Mariana Enriquez, Crias, da equatoriana María Fernanda Ampuero, e em trecho adaptado do romance Cupim, da espanhola Layla Martinez.

Além da protagonista e de sua rival simbólica, o musical apresenta personagens icônicos do universo da boneca, inseridos em situações que equilibram humor e crítica. Ao propor uma experiência lúdica e emocional que costura passado e presente, diversão e reflexão, Susi, o Musical convida o público a revisitar memórias, questionar padrões impostos e reafirmar a autenticidade como valor essencial.

“Travessia” entrelaça a história real que deu origem ao célebre quadro “A Balsa de Medusa”, de Théodore Géricault, com o drama de um grupo de atores de culturas diversas que, ao disputar o papel de Clitenmnestra e Egisto, vê-se lançado às águas revoltas de uma sociedade que teima em moldar corpos, vozes e destinos. Entre testes teatrais, naufrágios pessoais e coletivos, o espetáculo navega rumo ao direito de cada um existir sem concessões.

Em maio de 2024, Marília Gabriela entra em cena para uma última entrevista, e dessa vez será ela a entrevistada, e por uma pessoa que lhe é muito familiar: seu filho caçula, Theodoro Cochrane. A comédia dramática “A Última Entrevista de Marília Gabriela” se passa durante um programa de entrevistas ao vivo no teatro, onde ficção e realidade se misturam e o que era para ser apenas uma entrevista vira um jogo perigoso que revela os arquétipos da relação entre mãe e filho. Durante o espetáculo, feminismo, conflitos geracionais, etarismo e a fronteira entre o público e o privado são alguns dos temas abordados que norteiam o texto, entretendo e emocionando o público. Sem a quarta parede, o espectador é convidado a participar ativamente da montagem, respondendo até ao famoso batebola, marca registrada de Marília Gabriela.

Filho de uma família de cortadores de cana, Edu Rosa parte de sua própria história como motor criativo do espetáculo, trazendo para a cena relatos e memórias de seus familiares. Inspirado por essa relação íntima com o universo do trabalho rural nos canaviais, o espetáculo articula memória pessoal, documentos históricos e depoimentos para investigar as permanências do sistema colonial nas formas contemporâneas de trabalho e poder. Mais do que um solo autobiográfico, a obra tensiona a ideia de progresso brasileiro e propõe ao público uma experiência que não separa estética e política, reafirmando o teatro como espaço de elaboração crítica da memória nacional.

“A pediatra” é a primeira adaptação para os palcos do romance homônimo que consagrou Andréa Del Fuego, vencedora do Prêmio José Saramago, idealizada por Inez Viana e Luis Antonio Fortes. Sucesso entre leitores, traduzido para sete idiomas, o romance foi considerado uma das melhores leituras de 2022 pelos críticos literários. A montagem teatral conta com adaptação e direção de Inez Viana e elenco formado por Debora Lamm e Luis Antônio Fortes. Debora Lamm interpreta uma pediatra que, paradoxalmente, odeia crianças e suas mães. Descrita como uma “vilã de humor vil”, ela é uma mulher privilegiada, classista e amoral cuja má conduta profissional e falta de empatia a levam a conflitos éticos e humanitários.

conheça Garganta Seca, um risco apagado no mapa do oeste. Uma cidade pequena, esquecida por Deus e pelo mundo. mas entre essas portas que rangem como ossos velhos, se escondem pecados. Promessas quebradas. E sonhos. Em busca desses sonhos, três forasteiros chegam a cidade a procura de um tesouro escondido, Billy, Miguel e Esther. Mas não será tarefa fácil! Pois diante de sua busca, um lenda os espreita silenciosamente... Que desafios eles encontrarão em seu caminho?

Mais do que uma adaptação, o musical Dom Casmurro é uma celebração da literatura brasileira. A montagem oferece uma experiência teatral vibrante, onde a força de Machado de Assis se encontra com a música e a emoção de um espetáculo contemporâneo, convidando o público a redescobrir um dos maiores clássicos da nossa cultura.

Quatro irmãos, de uma família do interior do Brasil, fazem um pacto na infância. Na juventude, deixam a casa dos pais e seguem caminhos distintos. O que parecia apenas o movimento natural da vida transforma-se em afastamento prolongado. Anos passam sem encontros, sem conversas profundas, sem revisões.

Nastassja Martin teve seu rosto desfigurado por um urso pardo em um encontro inesperado na região de Kamchatka, na Sibéria, em 2015. A autora então parte do relato desse acontecimento para pensar questões sociais, políticas e existenciais.

Fenômeno da internet brasileira e uma das personagens mais queridas da criançada, a Galinha Pintadinha chega com toda sua turma ao Teatro B32 para duas sessões do espetáculo Top 10 da Galinha Pintadinha. As apresentações acontecem nos dias 8 e 9 de março, sábado e domingo, a partir das 14h e prometem divertir toda a família. O novo show traz uma proposta dinâmica, resgatando a linguagem dos antigos programas de auditório da televisão. Comandado por uma MC carismática, o espetáculo apresenta os sucessos da Galinha Pintadinha e sua turma, convidando crianças e famílias a cantarem e dançarem juntos. A produção reflete o impacto do fenômeno digital, cujos vídeos ultrapassam bilhões de visualizações e conquistam públicos de diferentes países.A Rainha do mundo infantil acumula mais de 58 milhões de inscritos no YouTube e 40 bilhões de visualizações, centenas de produtos licenciados, e o seu conteúdo é reproduzido por diversos canais de TV e plataformas de streaming, em vários idiomas. Além de liderar o ranking infantil do Spotify com mais de 1,2 milhão de ouvintes mensais.

Construído como um mosaico poético sobre as infâncias, o espetáculo apresenta cinco cenas independentes, cada uma protagonizada por uma personagem chamada Ana. Interpretadas por Fabiana Fields, John Halles, Juliana Garcia, Juliane Pimenta e Márcio Borges, as cinco Anas revelam diferentes configurações familiares, afetos e atravessamentos sociais, compondo um retrato múltiplo das maneiras de ser e estar no mundo durante a infância.

O solo conta a história do jornalista Emanuel Goldfarb, que recebe o singelo convite de um professor para compareça pessoalmente a uma aula e explique aos seus alunos o que é ser judeu. Emanuel passa então a refletir sobre atender ou não a esse chamado. Com legítimo "humor judaico", ele irá revisitar sua ancestralidade e acessar lembranças que há muito tempo estavam adormecidas. Suas memórias e reflexões passam pela origem familiar, pela diáspora do povo judeu desde a antiguidade até os dias atuais, pelas tradições e por sua própria hereditariedade, temas que são abordados por ele alternando emoção, razão e muito humor.

A peça narra a trajetória de William Shakespeare desde a infância, quando o contato com uma trupe mambembe desperta seu desejo de ser ator. Ao seguir para Londres, ele começa trabalhando na guarda de carruagens nos arredores dos teatros até que, por um acaso do destino, é convidado a substituir um ator em um ensaio dos palhaços Juca e Pinduca.O diferencial da trama reside em um par de luvas herdado de sua avó. Shakespeare acredita que sua inspiração para escrever as peças que o tornariam famoso está diretamente ligada ao uso desses acessórios. A trama se desenvolve entre o sucesso da companhia e os desafios enfrentados quando o jovem autor perde suas luvas e, consequentemente, sua confiança criativa.

Iago recebe Otelo para um banquete logo após o mouro receber o título de general. Leonardo recebe Thiago para um jantar e discutirem sobre fazer um espetáculo que é prelúdio da peça Otelo de Shakespeare. As relações estão em um jogo de pistas falsas e acobertação que só se revela no final. De mais real apenas a comida que é cozida de fato em cena.

Ao investigar relações atravessadas pela perda, Algodão & Palha revela como o luto pode se tornar obsessão, e, pouco a pouco, evoluir para dinâmicas de controle, repetição e violência. Em uma casa onde o passado insiste em permanecer, o espetáculo expõe os mecanismos sutis que sustentam ciclos de violência contra a mulher, muitas vezes disfarçados de cuidado.

Criado a partir da leitura de “Torquatália”, uma antologia de obras de Torquato Neto, conduzida por Paulo Roberto Pires, a vida e obra de Torquato Neto ganham uma nova dimensão ao migrarem do universo literário para o palco teatral. No espetáculo sem quarta parede e com duração de 80 minutos, Tuca Andrada apresenta as impressões e marcas que teve ao se envolver com o poeta e convoca o público a interagir; perguntando, fazendo críticas e tirando dúvidas, o que o torna sempre renovado a cada noite. O espetáculo se desenvolve numa arena ou semi arena onde o público esta dentro da ação. Como se numa roda de amigos o ator começasse a contar a história de um artista inclassicável/não enquadrável, sobre qualquer aspecto, e o efeito produzido dessa obra nesse ator. Durante pouco mais de uma hora, o mundo e o tempo de Torquato Neto toma conta do ator e ele narra sua visão da história, com a ajuda apenas de um banco, sonoplastia, música, dança e com um chão coberto com poesias do Poeta.

A temática da memória é o eixo central desta edição, propondo uma reflexão sobre as narrativas que constroem o Brasil e as histórias que muitas vezes permanecem invisibilizadas. Por meio do teatro, da dança e do circo, as obras buscam criar espaços para a escuta e a reconstrução de fatos, revisitando o passado para compreender as urgências do presente. "Teimar até que brote" se insere nesse contexto ao se inspirar na organização das agricultoras urbanas da Zona Leste de São Paulo. A montagem aborda o processo de criação de uma horta comunitária em terrenos anteriormente ocupados por descarte e entulho, destacando a ação coletiva necessária para transformar o ambiente urbano e a lógica das cidades.

Ao lado do primo Joaquim, Caio ganha asas — ou melhor, rodas. Juntos, embarcam em viagens inesquecíveis sobre uma bicicleta mágica e colorida, atravessando florestas encantadas, mergulhando nas profundezas do oceano, encontrando piratas e criaturas fascinantes. Em meio às descobertas, também aprendem sobre cuidado e empatia, como ao salvar uma tartaruga presa nas redes de um pescador.

A montagem propõe a tradução da narrativa literária para a linguagem da cênica. O espetáculo acompanha a ideia de percurso presente no livro e aborda escolhas, deslocamentos e encontros que surgem ao longo da trajetória de um indivíduo. A criação utiliza elementos coreográficos para construir uma narrativa inspirada na jornada descrita na obra literária.

“Requebrando” se configura como uma intervenção de dança que propõe a criação de um ambiente coletivo, organizado como um baile. A atividade estabelece um percurso sonoro que atravessa diferentes ritmos e ambiências, conduzindo a experiência do público. A construção coreográfica parte de vivências relacionadas a corpos femininos periféricos e afrodiaspóricas

Adaptação e direção de Stella Tobar, da obra do pacifista japonês Daisaku Ikeda, é um convite à cultura da esperança. Ideal para todas as idades, em especial público infantil, o enredo segue a história de profunda amizade entre um garoto e um senhor que cuida da única cerejeira sobrevivente aos ataques de bomba no pós-guerra do Japão. E os desafios da família em sobreviver a esse período de reconstrução. A luta por fazer a cerejeira florescer ensinará sobre coragem, força e esperança para vencer as dificuldades. . O cenário é composto por taikôs (tambores do Japão), painéis e bonsai, que ajudam a compor o enredo de forma lúdica e vibrante.

Planeta Pelúcia narra a história de uma criança que, ao desejar crescer antes do tempo, invade o quartinho de bagunça dos adultos, lugar onde ainda não deveria entrar. Lá dentro, mesmo sentindo que seu maior sonho foi realizado, algo bastante estranho toma conta de sua realidade, já que o mundo dos adultos é, digamos, peculiar. Assim, após chegar lá, ela terá que percorrer um longo caminho de volta à sua infância, reencontrando com a criança que, ao fim, nunca deixou de ser.

Dois jovens, irmãos negros e gêmeos não idênticos, encontram-se trancados em uma cozinha desativada. Entre talheres, panelas e restos de folhetos de supermercados, expõem suas feridas, desejos e a violência cínica e silenciosa das “pessoas de bem”. Enquanto a fome aperta, questionam: corpos como o deles têm direito de existir para além da sobrevivência?

Improvisações Selvagens é um espetáculo teatral inspirado no filme argentino Relatos Selvagens, no qual, diante de uma realidade crua e imprevisível, os personagens caminham sobre a linha tênue que separa a civilização da barbárie. Autoria e criação do espetáculo de Aline Bourseau, traz uma dramaturgia, construída pela técnica de improvisação (improv), na categoria “long-form”. Com duração de 60 minutos o espetáculo traz 5 histórias que se desdobram em 9 cenas inspiradas em relatos reais pessoais e também ficcionais, narrados pelos atores baseados numa emoção sugerida pelo público.

Uma mulher cearense, nascida na Roça Velha, região do Cariri, dança em um palco reflexivo, como se o tempo fosse um buraco sem fim, cavando um movimento entre gerações que se entrelaçam sem sequencialidade, insistente na força do presente. Um inventário de gestos guia a proposta de Clemente, como uma expedição que ativa camadas do luto ao mesmo tempo que articula a força da vida, modificando as oposições recorrentes entre a vida e a morte, num desenho que as indefine. Uma peça que olha adiante no agora. Há, ainda, três movimentos: ESPERAR, PLANTAR, TRANSFORMAR.

O “Romeu e Julieta” do teatro ídiche ganha agora uma versão para o teatro musical. Nesta nova montagem do clássico do início do século XX, o amor “proibido” entre dois jovens é retratado por meio da fusão entre drama, música, dança e circo, atravessando o universo mágico e instigante da cabala e de seus mistérios.

Cabaré Profano celebra o direito de existir, de viver com intensidade, liberdade e verdade, transformando o palco em um espaço de resistência e reflexão, onde cada pecado e desejo se torna oportunidade de autoconhecimento. É uma celebração da existência em um mundo que, muitas vezes, ainda empurra essas histórias para os porões da alma.

A história inspirada no clássico “Romeu e Julieta”, de William Shakespeare, mantém o amor como temática principal. “Romeu e Romeu”, destaca no palco com leveza e com bastante humor, as dificuldades do cotidiano do casal Romeu (Guilherme Chelucci) e Zinho (Pedro Pilar), os ciúmes, os dilemas domésticos e, certamente, o preconceito. A proposta é que o público reviva essa história tão conhecida e mostrar que tudo poderia ser alterado, com um final diferente onde o preconceito não venceria o amor é só uma atitude verdadeira poderia trazer a tão esperada felicidade.