Ao deixar de lado o aspecto religioso e desmistificar a figura de Maria de Nazaré, mãe de Jesus, o espetáculo “Em Nome da Mãe” aborda a jornada íntima de uma jovem, pobre, não casada – e grávida, tendo por isso sofrido os preconceitos de uma sociedade conservadora, patriarcal e machista. A história milenar, escrita por homens na Bíblia, aqui é contada por sua protagonista antes de se tornar a mãe do filho de Deus. Baseada na obra homônima do premiado autor italiano Erri de Luca, a peça foi concebida para o palco por Suzana Nascimento, que também estrela o monólogo, em sua primeira montagem no Brasil.

Depois que Alex recebe uma mensagem privada do seu namorado que morreu, ele parte numa jornada seguindo pistas e enfrentando perigos numa tentativa de descobrir a verdade. Um thriller queer cheio de humor ácido que convida a plateia a refletir sobre autoexposição, drogas, paranoia, vida e morte na era do Instagram. Quando a privacidade já não existe mais, onde vamos parar?

Uma peça, um filme, um show. Uma atriz dirige um filme sobre o colapso de uma história de amor, e, como parte do filme, escolhe canções que narrariam a trajetória de auto compreensão de uma mulher negra em face de um fim: o abandono do outro abre margem para o encontro de si.

A 41ª edição do Festival de Férias do Teatro UOL acontece entre os dias 30 de junho e 3 de agosto, com 8 espetáculos, em cartaz de segunda a domingo, com temas diversos, que vão desde os clássicos atemporais, incluindo stand-up, palhaçaria e ciência, sempre com muita diversão e criatividade.

A peça esgarça de maneira clownesca o tecido do drama ao apresentar os próprios artesãos da obra em cena, escancarando até mesmo a fragilidade dos atores. Não se trata de uma crítica ao fazer revolucionário, mas uma evidência patética de nossos atos de esperança que se convertem mais em espera do que ação, uma sátira que nos atenta para o agora e para o agir efetivo que não será proveniente de nenhum tipo de inspiração.

Uma peça, um filme, um show. Uma atriz dirige um filme sobre o colapso de uma história de amor, e, como parte do filme, escolhe canções que narrariam a trajetória de auto compreensão de uma mulher negra em face de um fim: o abandono do outro abre margem para o encontro de si.

Enterrada até a cintura e depois até o pescoço, Winnie encontra em seus pequenos rituais a última linha de defesa contra o colapso, explorando pelo humor ácido de Beckett a fina camada que separa o otimismo da resignação.

Inspirada no universo cinematográfico de Quentin Tarantino, a história mergulha o público em uma noite de crime, humor ácido e personagens histriônicos à beira do colapso nervoso em uma trama verborrágica e cruel.

PRISMA – eu sou assim é uma aventura cheia de graça que se passa dentro e fora da cabeça de uma menina autista. A peça é o ponto de vista bem-humorado e inusitado desta criança e a plateia acompanha sua história: o nascimento, a infância, as relações familiares, a escola, as interações com os amigos e as primeiras descobertas de vida.

À noite, quando as luzes se apagam e os adultos acham que as crianças já dormiram, o quarto vira território fértil para a imaginação, sonhos, medos e lembranças. É nessa hora que Pipa, acompanhada de Nada, seu amigo imaginário, e Maju, sua boneca preferida, vai descobrindo que crescer é um movimento em todos os sentidos. Antes de dormir é uma peça sobre o fim da infância que une poesia, música e teatro para reconhecer essa passagem tão simbólica e intensa na vida de todos nós.

Ambientada em Nova York nos anos 90, a história acompanha Jon, um jovem compositor prestes a completar 30 anos que luta para realizar seu sonho de escrever um grande musical. Enquanto trabalha como garçom e se prepara para apresentar sua obra a uma plateia de especialistas da Broadway, ele enfrenta pressões emocionais vindas de todos os lados: da namorada Susan, que deseja uma vida fora da cidade, e do melhor amigo Michael, que opta por estabilidade em um emprego corporativo. Entre dúvidas e cobranças, Jon se vê diante de uma encruzilhada: vale a pena seguir sonhando?

A história acompanha Amendoim, interpretado por Vitor Rocha, um jovem que narra sua experiência com o avô diagnosticado com Alzheimer. Ao perceber que, apesar de o avô ter esquecido seu nome, ele ainda se lembra de seu sabor de sorvete favorito, Amendoim tem a ideia de transformar as memórias que compartilhou com ele em sabores de sorvete, acreditando que isso pode ajudá-lo a reviver essas lembranças. Em pouco mais de uma hora, a plateia é conduzida por uma jornada lúdica e bem-humorada, onde as fases da infância, adolescência e vida adulta de Amendoim se entrelaçam com a história do avô, criando uma forte conexão emocional com o público.Ao longo de pouco mais de uma hora, a plateia pode conhecer um pouco da infância, adolescência e vida adulta do personagem, conduzida por uma jornada bem-humorada e repleta de ludicidade, capaz de brincar com a própria memória de Vitor, mesclando seu texto, em pleno domínio, com pitadas de ineditismo, e que variam a cada sessão, com o uso de palavras sugeridas pelo próprio público, minutos antes do terceiro sinal soar.

O confronto de John, o professor e Carol, a aluna.

 A peça acompanha duas mulheres em jornadas paralelas. Laura (Mariana Coggiola), mãe de uma criança autista, tenta conciliar os cuidados com a filha com a retomada da vida profissional. Já Fernanda (Carol Porto), professora de yoga e amiga de Laura, enfrenta sucessivas tentativas de engravidar enquanto convive com a frustração e o silêncio em torno da infertilidade. A amizade entre as duas se transforma em espaço de acolhimento, escuta e resistência.

Em cena, os bebês são reconhecidos como pesquisadores natos: cada sessão se constrói no encontro com suas reações, silêncios, movimentos e curiosidades. Sem momentos delimitados de interação, a experiência acontece na escuta e na atenção compartilhadas.

A trama do espetáculo apresenta uma narrativa ao mesmo tempo inquietante e absurda: uma mãe e um pai lamentam a morte de seu único filho – até que, inesperadamente, a campainha toca e lá está ele, sujo, faminto e incapaz de explicar o que aconteceu. A rotina familiar é retomada, mas o menino desaparece novamente, repetidas vezes, com os pais reagindo de maneiras que se transformam a cada retorno. Esse ciclo revela gradualmente os contornos de uma família disfuncional, incapaz de reconhecer a realidade que a cerca.

MANHÊ! conduz a plateia para uma incursão ao maravilhoso, misterioso, paradoxal e assustador mundo da “maternagem” – esse termo cunhado com precisão para deixar, na maioria das vezes, exclusivamente a cargo da mãe os cuidados e as responsabilidade sobre a criança.

Um santuário de animais, uma árvore e sua sombrinha abrem espaço para o encontro de duas histórias. A de ZIZINHA, uma veterinária que cuida dos bichos resgatados, e a de ZEZINHO, um garoto curioso que ainda busca descobrir qual será o seu caminho quando crescer. Movido por essa inquietação, Zezinho visita o santuário e conhece Zizinha. A partir desse encontro, os dois compartilham suas trajetórias, reveladas por meio das histórias metafóricas dos animais que habitam aquele lugar.

Em uma Atenas tomada pela tensão entre tradição e pensamento livre, Sócrates — o filósofo que desafiava certezas e incitava a juventude a questionar — é arrastado ao tribunal. Acusado por cidadãos atenienses de corromper os jovens e de profanar os deuses da cidade, ele enfrenta seu destino com ironia sagaz e lógica implacável. Não suplica por clemência, mas defende a vida como um dever sagrado, transformando sua apologia num manifesto sobre liberdade e integridade.

A dramaturgia do musical explora a riqueza de estilos presentes na obra do artista – que passeia pelo jazz, samba, ritmos afro-brasileiros e pop –, além de destacar a força de suas letras, que falam de amor, amizade, superação e esperança. Essa conexão emocional, presente em suas canções, será transportada para o palco de forma envolvente, criando uma experiência única para o público.

O espetáculo apresenta personagens inspirados em mitos afrobrasileiros e convida o público a celebrar a diversidade. Duas araras, azul e amarela, disputam a importância de suas cores até a chegada da arara vermelha, que revela a história da arara de muitas cores, mostrando a beleza de serem coloridos.

A história traz, de um lado, um refinado teólogo representante da tradição e dos velhos costumes da Igreja; do outro, um religioso carismático e com fama de rebelde disposto a construir pontes com as mudanças do mundo moderno. O cardeal argentino Jorge Bergoglio está decidido a pedir sua aposentadoria devido a divergências sobre a forma como o Papa Bento XVI tem conduzido a Igreja. No entanto, ele é surpreendido por um convite pessoal que mudará seu destino: um encontro com o próprio Papa.

Após o sucesso de três apresentações especiais em Juiz de Fora, Minas Gerais, Mouhamed Harfouch leva seu monólogo “Meu Remédio” para o Rio de Janeiro, com estreia marcada para 10 de janeiro de 2025, no Teatro Ipanema. Dirigido por João Fonseca, o espetáculo traz uma narrativa profundamente pessoal e emotiva, onde Harfouch mergulha na sua história de vida, lidando com temas como identidade, pertencimento e aceitação de sua própria história. A peça é uma mistura de comédia e drama, resultado de um processo criativo íntimo que levou o artista a revisitar momentos de sua própria trajetória, especialmente sua relação com seu nome e sua herança cultural.

Com texto e atuação de Hermes Carpes e Rodrigo Brich, a peça acompanha a jornada de Bruno, um homem maduro que se vê envolvido em um relacionamento desafiador com Matheus, um jovem cheio de sonhos e inquietações. Inspirada em histórias reais, "Meu Garoto" revela as nuances das relações afetivas atuais, abordando questões como diferenças geracionais, expectativas sociais e os dilemas emocionais que atravessam a vida contemporânea. "Meu Garoto" aborda temas universais como o amor, o desejo e as ilusões, mas também convida à reflexão sobre questões contemporâneas, como a influência das redes sociais nos relacionamentos e os desafios das diferenças de geração. Além disso, o espetáculo questiona as normas impostas pela sociedade e abre espaço para debates importantes sobre autenticidade, empatia e liberdade emocional.

O espetáculo acompanha um dia na vida da palhaça na rua, mostrando o que ela faz para sobreviver e ser feliz. Acompanhada de sua solidão, Jurubeba cria uma realidade própria, com seus jogos, seu ritmo, seu próprio “reino”. Dentro desse universo, a “Catadora de Ilusões” compartilha seus medos, alegrias e desejos, buscando trazer o lado humano e comum a todos nós.