São três monólogos que possuem pontos em comum. O mesmo tema - “a noite escura da alma” - perpassa as dramaturgias que contam as histórias de duas santas e um santo, ícones carmelitas venerados na fé católica: Santa Benedita Tereza da Cruz (1891-1942) - Edith Stein, a Estrela e a Cruz, vivida em cena por Daniela Schitini; São João da Cruz (1542-1591) - João da Cruz, interpretado por Helder Mariani; e Santa Theresinha do Menino Jesus (1873-1897) - Theresinha, interpretada por Gabriela Cerqueira. Outras duas atrizes - Katia Naiane e Nicoli Rizzoli - atuam no espetáculo performando e conduzindo o público pela Catedral da Sé para o encontro com os três santos e “a noite escura da alma”.

Uma mulher, no intuito de curar-se de um ciúme doentio por um marido nada atraente, mergulha numa divertida jornada de autoconhecimento. A protagonista revive as histórias de seus relacionamentos e o início de sua carreira artística enquanto recebe o público em seu camarim, numa atmosfera intimista e inusitada, que situa a narrativa no limiar entre a ficção e a vida real. O espetáculo aborda de forma muito natural questões intrínsecas à alma feminina e de extrema relevância nos dias de hoje, como a ansiedade, a autoestima e a sexualidade; sempre sob a ótica tragicômica de uma mulher atormentada pelo ciúme.

Três Poetas-Operários conduzem o público por uma travessia poética inspirada na vida, na obra e no pensamento de Waly Salomão. Entre poemas, canções, memórias, o espetáculo transforma o palco em um território de encontros para celebrar a potência criadora de um dos artistas mais inquietos da cultura brasileira. O espetáculo convida cada espectador a embarcar numa experiência em que a poesia se torna alimento, a memória se revela uma ilha de edição e a imaginação um poder de transformação.

O roteiro se estrutura a partir da busca da protagonista — uma artista escritora — pela vida extraordinária de Veronika V, que se desdobra em muitas: professora, viajante, cantora, pistoleira e aventureira. A trama se permite brincar com imaginários de vingança e vingadoras, filmes e personagens, repertórios e memórias. Nessa busca, percorre diversos lugares, experiências e encontros com mulheres marcantes, misturando real e ficção.

Vivendo anos sob a máscara de um personagem hétero que ele mesmo criou, Dugin constrói um relato íntimo e potente sobre os pactos que fazemos para caber na sociedade. A peça expõe como a heteronormatividade ensina a mentir, performar e se aprisionar e aponta caminhos possíveis de coragem e pertencimento. “O espetáculo não é sobre assumir uma orientação sexual. É sobre o que a gente precisa esconder para continuar existindo sem ser punido por isso. A violência não começa no soco; começa no silêncio que a sociedade nos obriga a manter”, afirma Dugin.

Na tentativa de se curar de um ciúme doentio por um marido – que curiosamente é um homem pouco atraente – a atriz embarca em uma divertida jornada de autoconhecimento. Ao reviver histórias de seus relacionamentos e trazer lembranças do início de sua carreira artística, ela tenta entender de onde vem suas inseguranças. Por trás das situações absurdas e das risadas, o público reflete junto coma protagonista sobre suas próprias experiências.

Uma pessoa cai do topo de um prédio e não chega ao chão. Os anos passam e este corpo não consuma a queda. A partir daí, a vida das pessoas nos apartamentos desse edifício fica presa numa espécie de buraco negro pessoal, onde cada um vive uma experiência que não finaliza. Cada personagem fica preso em sua metáfora, ignorando o conjunto à sua volta. Trata-se de uma fábula contemporânea sobre a sensação de suspensão e paralisia geral do mundo moderno.

No espetáculo, Ana Hartmann interpreta Clarice Lispector no momento em que ela lê “O Ovo e a Galinha”. A partir do texto, a cena se transforma e a escritora passa a experimentar no próprio corpo as ideias, imagens e estados provocados pelo conto. O que começa com um ovo sobre uma mesa conduz a personagem por associações sobre existência, Deus, cotidiano, amor, trabalho e a tentativa de apreender aquilo que escapa à explicação.

Vivendo anos sob a máscara de um personagem hétero que ele mesmo criou, Dugin constrói um relato íntimo e potente sobre os pactos que fazemos para caber na sociedade. A peça expõe como a heteronormatividade ensina a mentir, performar e se aprisionar e aponta caminhos possíveis de coragem e pertencimento. “O espetáculo não é sobre assumir uma orientação sexual. É sobre o que a gente precisa esconder para continuar existindo sem ser punido por isso. A violência não começa no soco; começa no silêncio que a sociedade nos obriga a manter”, afirma Dugin.

“Bluey Ao Vivo – Diversão em Família!” oferece uma experiência imersiva que transporta o público diretamente para o coração da família Heeler. Na história, Bluey e seus familiares transformam cada cômodo da casa em um palco de brincadeiras e descobertas. Em cada espaço, situações divertidas reforçam a importância da união. Ao longo do espetáculo, os fãs são convidados a refletir sobre os valores da convivência em família, do apoio mútuo e da alegria de brincar. O show oficial brasileiro é resultado de uma parceria BBC Studios, Lotus Global e Turbilhão de Ideias.

Um guia turístico convida o público a uma visita ao coração humano. Entre a expectativa da chegada da pessoa amada e a elaboração do término dessa relação, ele conduz os visitantes por um passeio existencial e bem-humorado que reflete sobre o amor e a inevitável solidão que atravessa a existência humana.

O espetáculo Um Tempo Chamado Yayá conta a trágica história de uma mulher confinada em sua casa. A montagem aborda a vida de Dona Yayá, herdeira reclusa em um casarão no centro de São Paulo, e discute questões de saúde mental, gênero e patrimônio cultural em uma imersão sobre o desequilíbrio mental e suas questões.

“Francisco de Assis 800 Anos – O Musical” acompanha a trajetória de Francisco desde a juventude até sua transformação em um dos grandes símbolos de fraternidade, paz e cuidado com a Criação. Entre inquietações, encontros com a pobreza, rupturas e descobertas, Francisco questiona os valores de seu tempo e escolhe um caminho de simplicidade, desprendimento e serviço ao próximo. A partir dessa jornada, o espetáculo revela não apenas a história de um homem, mas os conflitos e escolhas que continuam presentes no mundo contemporâneo. Por meio de teatro, música, poesia e euritmia, a montagem propõe uma experiência sensível e acessível a diferentes gerações, convidando o público a refletir sobre o que significa viver com mais humanidade, fraternidade e cuidado com o outro.

No espetáculo, os personagens ganham vida através de performances habilidosas e figurinos meticulosamente elaborados que capturam a magia da série. Cenografia imersiva, elementos multimídia e tecnologia de palco inovadora transportam os espectadores diretamente para as ruas icônicas de Paris, recriando a atmosfera que os fãs conhecem do mundo animado.

Três Poetas-Operários conduzem o público por uma travessia poética inspirada na vida, na obra e no pensamento de Waly Salomão. Entre poemas, canções, memórias, o espetáculo transforma o palco em um território de encontros para celebrar a potência criadora de um dos artistas mais inquietos da cultura brasileira. O espetáculo convida cada espectador a embarcar numa experiência em que a poesia se torna alimento, a memória se revela uma ilha de edição e a imaginação um poder de transformação.

Entre lajes e vielas, pipas e sonhos, meninos recém-saídos do ninho desabam sem nem poder abrir as asas. Em uma manobra arriscada, a jovem-passarinha Antígona rompe a gaiola para lutar por esses irmãos-quase-filhos, junto a um bando de garotas-pássaras. Diante da epidemia de feminicídios e violências contra mulheres que assombram o país, a peça ganha relevo ao retratar mulheres que insurgem contra o Estado e os poderes paralelos. Um convite para uma revoada inadiável, que busca refletir sobre as opressões e amarras sociais impostas às mulheres e crianças, redesenhando outras possibilidades de mundo.

O Purgatório dos Vivos é uma tríade cênica. Encenada por atores seniores, ganhadores do prêmio de melhor espetáculo profissional, melhor ator e indicado a melhor direção no festival 2º FESTECA-Caieiras/2026. A Cia Loxodonta investiga como ainda nos sustentamos ou não diante de tantas pressões modernas. Usando uma estética bem limpa e direta, o espetáculo transita entre o absurdo, a farsa e a distopia para mostrar as máscaras que usamos no dia a dia. Entre um sapato que aperta, uma mala que não nos leva a lugar nenhum e um círculo que isola, a peça disseca o quanto a nossa identidade se perde nessa era dos algoritmos. É um convite urgente para romper com o que nos é imposto e encarar o esgotamento de estar vivo. Uma performance sobre a coragem de sentir em um mundo que nos quer apenas como marionetes aprisionadas nas caixas de vidro das telas.

A trupe “O Grande Circo Mágico” está de volta da sua turnê triunfal pelo estrangeiro e apresenta a peça Gracias a La Vida. Livremente inspirado na cultura latina e na célebre Violeta Parra, o espetáculo acompanha o já centenário Robinson Crusoé enquanto revisita seu passado, relembrando o naufrágio que o deixou em profunda solidão. Com influências do Kabarett alemão e do circo-teatro, a peça trata de temas como a liberdade e a solidão a partir de uma abordagem satírica e irreverente, embalada por canções emblemáticas interpretadas pela banda da trupe, a aclamada Cosmic Blues Band.

Nessa versão da obra, o foco da montagem é a intimidade das duas jovens irmãs. Antes que a tragédia se consolide, Antígona e Ismênia são mostradas como jovens comuns - entre jogos, desejos e tentativas de viver uma vida ordinária - enquanto o mundo ao redor se deteriora.

Sem saber-se uma chasqui - mensageira atemporal do Império Inca, e herdeira de um enorme quipu, um sistema de arquivo com memórias atadas em fios e nós, a atriz parte em jornada buscando reconstruir aquilo que ainda não é capaz de decifrar.

“Batalha Oroboro – rap, repente, resistência” é um espetáculo de marionetes voltado para o público adulto inspirado nas batalhas de rima do hip hop, nos embates de repente nordestino e na trajetória de cego Aderaldo. A partir do diálogo entre Lyz, uma MC cega, e seu avô, um poeta nordestino que migrou para São Paulo, o espetáculo traz à cena as disputas poéticas, aproximando linguagens, tempos e estilos distintos e evidenciando as conexões entre passado e o presente.

Sem demonizar a tecnologia ou transformar suas provocações em discurso moralista, o musical aproxima a fábula das inquietações de uma geração permanentemente conectada. Seus personagens convivem com notificações, distrações, comparação, pressa e a sensação de que alguma coisa mais importante pode estar acontecendo em outro lugar. Ao mesmo tempo, a obra chama atenção para uma contradição cada vez mais presente: sabe-se muito sobre aquilo que acontece do outro lado do mundo e, muitas vezes, quase nada sobre quem está logo ao lado

A montagem parte da história clássica de Teseu e do Minotauro para construir uma narrativa ambientada em um universo rural brasileiro. O canavial, inspirado nas lembranças de infância e adolescência de Regina França em uma fazenda da família, transforma-se em um labirinto onde referências da mitologia grega se misturam às memórias e personagens desse cotidiano.

True West narra a instável relação entre dois irmãos, Austin e Lee, acentuada pelas diferenças em seus estilos de vida e ambições. Austin é um roteirista educado e bem-sucedido; Lee, um andarilho instável e agressivo. Quando Lee aparece inesperadamente na casa da mãe deles, os conflitos de personalidade e ressentimentos reprimidos começam a emergir, revelando suas inseguranças mais profundas e o desejo latente de viver a vida do outro. True West questiona a identidade e a herança familiar, além de ser uma poderosa reflexão sobre masculinidade e busca desesperada por relevância na sociedade capitalista.

Com teatro, música ao vivo, humor, poesia e muito movimento, o Cabaré do Amor Rasgado celebra o amor como força de vida.

Cabaré da Vida Pequena é uma peça sobre histórias extraordinárias de pessoas comuns. O roteiro mistura realidade, ficção, teorias, histórias e canções e foi desenvolvido a partir de um processo de criação colaborativa com o grupo, assim como nos trabalhos anteriores da companhia.

A montagem nasceu a partir do curta “DOCE (desilusão)”, criado por Caio e Kelvin em 2020 e, desde então, se expandiu para uma obra cênica mais profunda e sensorial. Um dos objetivos do espetáculo é atravessar a instabilidade psíquica sem seguir uma narrativa tradicional, mas por meio de imagens, movimentos e atmosferas.No espetáculo, o corpo do ator não é apenas um veículo de movimento, mas um gerador de imagens perturbadoras e revelações psicológicas.

Renovada é um espetáculo de técnicas aéreas, acrobacia e dança criado e interpretado pela multiartista Marina Viski e dirigido por Tayná Ibanêz. Renovada propõe uma reflexão sobre a essência cíclica da vida - altos e baixos, cheio e vazio. Buracos que às vezes fazem cair e às vezes são essenciais para que haja luz.

Você Morre Um palhaço faz seu showzinho ao vivo. Carpideiras contratadas. Moscas no passinho. Uma alma em busca de um pedaço no céu.Perseguição Policial e filosofia de coveiros. E, no meio disso tudo, alguém sobrevive... e decide contar. E você? Sabia que você morre? Sim, é possível. “Você Morre” é um espetáculo de comicidade construído em esquetes que atravessam as fases do luto, articulando palhaçaria, bufonaria e humor físico. A morte dá partida a uma sucessão de situações absurdas que expõem nossas maneiras de lidar com a perda. A paródia também alcança o próprio fazer teatral, colocando em jogo suas convenções e aquilo que ainda permanece vivo na cena.

A montagem, dirigida e adaptada por Luize, chega ao palco 20 anos depois da criação do texto original, sem transportar a história integralmente para o presente. A proposta é investigar o que permanece reconhecível na estrutura familiar criada por Passô e, a partir dela, acrescentar procedimentos, linguagens e questões que surgiram durante o processo de criação universitário. O resultado reúne quatro atores e dois músicos em cena, com música original executada ao vivo, dança, partituras corporais, projeções e momentos em que os intérpretes deixam os personagens para falar diretamente com o público.

A dramaturgia de Do Cavalo Nada Sabemos toma como ponto de partida o episódio ocorrido em 3 de janeiro de 1889, na Piazza Carlo Alberto, em Turim. Ao ver um cocheiro espancando o animal, o filósofo Friedrich Nietzsche se atirou ao pescoço do cavalo para protegê-lo, chorou e, a partir daquele momento, entrou em colapso mental definitivo. A montagem usa essa cena para investigar violência, culpa e o desejo de reparação. A peça trata a separação entre natureza e cultura como um erro de origem da civilização e defende que é preciso libertar a vida dos pontos em que ela ainda está presa à conduta humana.

Com o humor afiado de sempre, Nany People interpreta uma mulher que acredita que o mundo gira em torno de si. Mas descobre, da forma mais surpreendente, que nem tudo é como ela quer.