O espetáculo mergulha em um intenso dilema moral através da história de Claire Zachanassian, uma milionária que retorna à sua cidade natal após ser rejeitada e humilhada anos atrás. Sua chegada, inicialmente recebida como uma oportunidade de redenção para a cidade, logo revela uma proposta surpreendente que desafia a ética dos moradores, testando até onde cada um está disposto a ir em troca de dinheiro e poder. Ao expor as contradições e fraquezas humanas frente à tentação financeira, a peça leva o público a refletir sobre o preço da integridade e os limites de nossas convicções. "A peça explora como a ganância e as concessões graduais podem corroer a integridade, refletindo sobre a fragilidade da moralidade humana e o poder sedutor do dinheiro," comenta o diretor Ronaldo Saad.

A peça conta a história de três mulheres desconhecidas que acabam se unindo pela falta, pela raiva e pela solidão. Úrsula, uma viúva excêntrica, confunde Aisha, uma mulher que acabou de ser abusada em um bar, com sua enteada desaparecida e as duas constroem uma relação fingindo ser quem elas não são. Quando a gata de Úrsula some, elas iniciam uma busca que termina no apartamento de Bete, uma senhora que parece esconder algum segredo.

Mostra a Tua Cara fala sobre o passado recente do Brasil. De quatro locais diferentes, quatro personagens revivem, por meio de diálogos fragmentados, o fim do regime militar no país e o começo da Nova República. A história se passa no Rio de Janeiro, no dia 23 de junho de 1996, o dia do assassinato de Paulo César Farias: em quatro bares diferentes do Rio, quatro personagens – um michê de sauna (Thadeu Matos), uma dona de casa classe-média (Ângela Rebello), um empresário (Alexandre Galindo) e uma cantora de axé (Letícia Isnard) – revivem os anos Collor e como estes mudaram suas vidas.

Que perguntas nós fazemos para continuar seguindo nesse mundo em ruínas? Esta é a questão colocada, para que nove atores e atrizes revelem o processo de um ensaio teatral de uma peça, no qual fazem palavras cruzadas e buscam dar algum sentido para suas vidas, enquanto não podem sair do local de apresentação – afinal, lá fora tudo está inconcebível. A ação se passa numa espécie de bunker teatral, onde o público aparece para respirar um pouco e se divertir, apesar do caos e violência no mundo externo.

Uma mulher, no intuito de curar-se de um ciúme doentio por um marido nada atraente, mergulha numa divertida jornada de autoconhecimento. A protagonista revive as histórias de seus relacionamentos e o início de sua carreira artística enquanto recebe o público em seu camarim, numa atmosfera intimista e inusitada, que situa a narrativa no limiar entre a ficção e a vida real. O espetáculo aborda de forma muito natural questões intrínsecas à alma feminina e de extrema relevância nos dias de hoje, como a ansiedade, a autoestima e a sexualidade; sempre sob a ótica tragicômica de uma mulher atormentada pelo ciúme.

A trama se passa nas horas que antecedem a abertura de um vernissage. Enquanto aguardam a chegada de uma mecenas, conflitos surgem entre um marchand emocionado, um artista ególatra, uma aprendiz manipuladora e um silencioso assistente. Com uma combinação de efeitos especiais, humor e muito sangue, “A Farsa do Olho Traído” discute narcisismo e arte, e conta com um cenário visualmente impactante e cenas com efeitos sangrentos inesquecíveis.

A história acontece entre o final de 2019 e o início de 2021 no décimo andar de um prédio antigo no centro de São Paulo, ao longo da pandemia de COVID-19. Ruth e Francisco acabam de chegar. Uma mãe divorciada e um filho saindo da adolescência. Ao chegarem conhecem Lucas e Danilo, um casal normal que enfrenta o humor difícil da nova vizinha. Mirela está prestes a receber a irmã Amanda pra passar uns tempos na cidade, crescer e trabalhar. Lívia e Marcelo vêm do interior com um sonho de família para realizar. Cláudia está mais sozinha do que nunca. Rafael até gosta da solidão, mas as coisas vão mudar. Ao longo do ano de 2020 esses vizinhos se relacionam e vivem as emoções do período de isolamento causado pela pandemia.

O acaso (ou destino?) age quando quatros pessoas completamente diferentes ficam presas em um elevador. A partir daí, um tédio incessante se instaura fazendo cada um se revelar através de perguntas e respostas. Dentre essas, surge a palavra “Quimera”. Na busca incessante pelo significado dessa palavra, eles adentram seus mais íntimos pensamentos.

Neste espetáculo, a Cia Três Cabeças utiliza desde o humor irônico até a mais dura seriedade para abordar as realidades do mercado de trabalho brasileiro, trazendo assuntos como desemprego, falta de diversidade, conceito de arte e direitos humanos de mulheres, negros e crianças. Durante a peça, o público assume o papel de visitantes de uma fábrica chamada Mercag4do enquanto três funcionários abrem sete caixas que dão vida a diferentes histórias de trabalhadores numerados, sempre com o intuito de mostrar a importância em garantir com que as engrenagens continuem funcionando e a realidade trabalhista do nosso país continue intacta, estando cada qual no seu devido lugar.

NÃO PEÇA’ é um espetáculo solo da atriz e autora Lucília de Assis indicada ao 32º Prêmio Shell pela dramaturgia. A peça conta a história de Jandira, funcionária que mora nos fundos do teatro onde também desempenha os papéis de faxineira, bilheteira e baleira. Ao tomar conhecimento que o elenco do espetáculo em cartaz se encontra preso em um engarrafamento de grandes proporções, Jandira recebe mais uma atribuição: segurar o público até a chegada dos atores. É assim que a funcionária, testemunha de inúmeras peças, mas habituada a subir no palco apenas para passar uma vassoura, passa a ocupar o lugar de linha de frente do espaço cênico e a contar suas histórias. Nem toda vida daria um filme, mas aqui a vida da funcionária Jandira, com certeza, acaba dando em uma peça. Ou melhor, em uma NÃO PEÇA.

O espetáculo é inspirado na obra “O Elogio da Loucura” de Erasmo de Rotterdam, um dos principais humanista e teólogo que viveu durante a idade média. Esta obra é uma total sátira a sociedade dos sécs. XV e XVI, e apresenta uma nova visão eclesiástica e renovadora da igreja, pois mostra a sociedade como um espelho de si mesma, porém sua obra acabou tornando-se atemporal. Nesta versão para o teatro, a atriz Leona Cavalli interpreta a Loucura, que mantém o seu discurso através da ótica e conteúdo da obra, com ironia e sarcasmo, um reflexo da sociedade de todos os tempos. A loucura, a insanidade mental, não é definida como uma condição humana que podemos adquirir. Erasmo trata a loucura de uma forma externa ao homem, e o homem só será louco se desejar ser. Música ao vivo e várias referências da Loucura: nas artes, na história e na sociedade, completam a encenação repleta de ironia e humor.

Nesta peça, um homem sem carisma e sua psiquiatra caminham juntos por pensamentos obsessivos e pelos labirintos da ansiedade patológica para, através de humor e de desespero ácidos, tentar responder a questões fundamentais da sociedade contemporânea: burrice institucional, harmonização facial e, claro, a vida secreta dos cachorros.

A peça conta a história da advogada Eva que, ao voltar para casa depois de um dia no tribunal, é surpreendida pela confissão de seu marido, Albano, sobre o assassinato de seu melhor amigo. De malentendido em mal-entendido, Cris, a viúva, se junta ao casal e as situações se desenrolam deixando o espectador perplexo, curioso e animado. Os personagens se envolvem em situações hilárias e absurdas, e o público não consegue mais escolher entre a gravidade da situação e o riso solto, “é possível rir de nossas mazelas e mentiras. Vivemos o tempo do discurso público, mas assumimos outro discurso na vida privada”, reflete Andreato. Com um enredo intrigante e diálogos afiados, "Adultério Involuntário" traz a mistura do gênero cômico com o suspense policial.

Leila Simplesmente Leila está entre a vida e a morte. Ao tentar fugir do que a espera, ela acaba trazendo uma convidada inesperada para a noite. De maneira atrapalhada e divertida, Leila tenta de mil formas escapar do inevitável. Ao lidar com seu apego, convida o público a fazer o mesmo e, como em um ritual, tentam juntos aprender a dizer 'adeus'.

Já imaginou como seriam as clássicas peças de Shakespeare se os atores estivessem bêbados? Esse é o mote do espetáculo Shakespeare Embriagado, que troca o teatro pelo bar para festejar a obra do dramaturgo inglês como você nunca viu. Em cada apresentação os atores bebem um pouco, mas um dos atores bebe um pouco a mais, seja Whisky ou Tequila acompanhado, na primeira dose, por um  espectador, para provar a veracidade da bebida. “Uma festa! Hilaridade e muita confusão acontecem quando os atores – alguns sóbrios e outros não – tentam manter o roteiro no trilho”, diz o produtor Henrique Benjamin, responsável pela montagem. Com o álcool, as tragédias de Shakespeare se tornam comédias, brinca Benjamin. A plateia tem poder de decisão em várias cenas, obrigando os atores a improvisarem e manterem o foco. Cada show é diferente do outro, e cada apresentação precisa de um “patrono”, que terá uma experiência premium, um trono real com mordomo, coquetel da casa e tomada de decisões importantíssimas para o desenvolvimento da trama. A plateia também pode ser escolhida como parte da “trupe de atores” ou como o “fantasma do rei”.