O teatro narrativo sempre existiu. Por causa disso, soa até redundante juntar essas duas palavras, teatro e narrativo. Mas, curiosamente apartada da categoria de ator, havia – e ainda há – a figura do contador de histórias. Um livro pode virar peça de teatro, com texto dialógico. Aliás, o que seria do teatro dito infantil sem a literatura infantil? Mas o mesmo livro pode ser só narrado para o público por um contador. Lido com entonações, técnicas muito específicas de oralidade. Por que não o chamar também de ator?
Alguns desses contadores, com o tempo, procuraram levar sua incrível técnica de “oralidade cadenciada”, por assim dizer, para um outro lugar dentro do que se convencionou chamar de artes cênicas: juntaram contar com encenar, narrar com atuar. O que, afinal, equivale a dizer: teatro. Para esses artistas, não bastava mais se sentar com o público em círculo, portando um livro ao colo, para narrar um conto – o que já era (e é) uma delícia, por conter em si a essência da arte teatral. Queriam mais. E, para nosso deleite e de nossas crianças, os espetáculos narrativos ganharam as grades de programação dos teatros no horário vespertino.
O universo bem particular do ofício de contadores de histórias, ao longo dos anos, foi se aproximando lenta e gradualmente do teatro dito comercial e ocupando seu espaço merecido na gavetinha categorizada da dramaturgia para crianças. Sim, repito, parece óbvio, afinal fazer teatro é contar histórias – e, portanto, contar uma história já é fazer teatro. Mas me refiro a passar a chamar de peça de teatro o seguinte “acontecimento” cênico: um contador no palco, em primeiro lugar modulando sua voz a serviço do conto narrado, página por página, mas também assumindo persona de ator, conduzido por um diretor, abraçado por cenografia, fazendo trocas de figurinos, apoiado por trilha sonora, engrandecido pelo desenho de luz. Um espetáculo completo, positivamente “contaminado” por diversas linguagens, não apenas uma “contação” em estado puro.
O épico potencializa cada cena
Nessa linha, surgiu em São Paulo, há 28 anos, fundado por Simone Grande, o grupo As Meninas do Conto, que começou sua carreira recebendo crianças em uma editora para “apenas” contar histórias. Ao longo do tempo, criou uma trajetória muito consistente e virou referência, tendo como esteios de sua dramaturgia justamente as histórias e contos da tradição oral. A dramaturgia adotada em todos os espetáculos prioriza o hipnotizante jogo entre narrar e interpretar, ou seja, cada história é sempre desenvolvida pensando de antemão nessa alternância das intérpretes entre serem, na mesma peça, narradoras e personagens. O épico potencializa a cena interpretada, no melhor estilo do que pregam os teóricos brechtianos. Esse entra-e-sai das atrizes nas peles de suas personagens cativou o público mirim desde o início e fez de As Meninas do Conto um coletivo exemplar, um modelo para grupos de todo o Brasil.
Tudo isso está de novo em cena, exatamente assim. A nova peça é Joana e o Príncipe Silencioso. Saí da sessão, na magnética sala do Sesc Consolação, pensando: essa peça, feita desse jeito, só elas poderiam fazer, só esse grupo daria conta de fazer. Refiro-me ao magnífico jogo de múltiplas histórias contadas umas depois das outras, ou mesmo concomitantemente, ou, ainda, intercaladamente. É preciso ter os 28 anos de bem-sucedida trajetória para dar conta dessa tarefa. Que brilhante encenação. Que multiplicidade de narrativas interpostas, lançadas ao público em um só espetáculo, dinâmico, fluente, criativo. Tem a história da dupla de narradoras (Simone Grande e Helena Castro), e tem a história que elas começam a contar, e tem a história dentro da história, e tem mais três histórias dentro dessa outra história, e tem mais isso e tem mais aquilo… ufa, que intrincado quebra-cabeças narrativo!
Foi por isso que saí de lá pensando que talvez nunca As Meninas do Conto tenham sido tanto As Meninas do Conto. Tanto, no sentido de tão intensamente, tão completamente, tão diversificadamente. É um espetáculo que, além de todas as histórias e suas inúmeras camadas narrativas, traz também a camada que talvez, para quem as acompanhou desde o início, seja a mais emocionante: a camada da história do próprio grupo, como se a peça fosse sendo envolvida por um delicado papel de presente, e virasse, ao final, um pacote festivo denso, que contém nele tudo o que grupo representa, tudo o que construiu, tudo o que aprendeu a fazer de melhor. Joana e o Príncipe Silencioso, mais do que encadear história por história, é tijolo por tijolo erigindo para a plateia toda a grandiosidade concreta de uma trajetória sólida.
Nesse sentido, Joana e o Príncipe Silencioso é, além de tudo, um tributo a essa trajetória longeva da própria companhia, ao talento que o grupo sempre teve para contar história atrás de história. Joana e o Príncipe Silencioso vira isso, essa autocelebração de um estilo vitorioso, que foi sendo burilado a cada novo espetáculo, pacientemente, até chegar nesse suprassumo da arte narrativa que a gente vê no palco do Sesc Consolação. Por terem feito tudo o que fizeram, e que a gente foi aplaudindo ano após ano, é que agora elas puderam mostrar algo tão maravilhosamente ardiloso, tão plenamente arquitetado e concebido. Isso fica muito evidente ao final de tudo. É um espetáculo volumoso, potente, feito de acúmulos. Não à toa há no texto a pergunta: “Você se lembra de como tudo começou?” Uma pergunta simples, que tem uma óbvia primeira intenção, mas que embute em si tudo o que eu fiquei tentando argumentar aqui em vários parágrafos: o valor histórico-cumulativo desse espetáculo.
Um som diferente para cada conto: requinte musical
Nesse trânsito entre narrar e realizar/encarnar as figuras no palco, Simone e Helena perseguem a precisão física e gestual, além de contar muito com um dos maiores encantos da arte teatral: usar objetos cenográficos e adereços como complementos na condução das narrativas. A música, executada ao vivo, também é uma marca dessa bem-sucedida companhia, aqui novamente presente e com o requinte de trazer um instrumento diferente a cada nova história que surge: sanfona, viola, tambor, flauta. Helena Castro nos encanta com sua versatilidade de musicista. A cena da flauta “conversando” com a personagem é muito bem-feita. A direção musical é de uma craque, Renata Mattar, que também compôs todas as deliciosas canções, que as atrizes defendem com louvor.
Bom, se há outra coisa que As Meninas do Conto sempre souberam fazer bem foi escolher parceiros para a equipe criativa. Em Joana e o Príncipe Silencioso, a ficha técnica explode de competências estelares. Renata Mattar, na música, já citei. Eric Nowinski na direção geral. Telumi Hellen, na cenografia e figurinos. Ricardo Silva na iluminação, ao lado de Eric. Bruno Rudolf orquestrando as sombras. Letícia Doretto nos movimentos. E Paulo Rogério Lopes na dramaturgia, repetindo a dupla de Caminho da Roça com Simone Grande.
Na direção, ressalto o talento para o casamento de linguagens diversas: teatro de objetos, teatro de sombras, teatro de bonecos… tudo harmonioso. Muitas decisões parecem ter sido tomadas, provavelmente em conjunto (na parceria do diretor com os autores e as intérpretes), sobre como seria cada cena, qual seria feita com boneco, o que viria na forma de teatro de sombras, o que seria com objetos, e assim por diante – e todas essas decisões, pelo que se vê no resultado final, foram acertadas. Na cenografia, a poltrona da avó é de chorar de tão expressiva e bem ilustrada, só para citar um exemplo. Nos figurinos, o bom gosto dos brilhos, apliques e bordados, sem excessos nem arroubos exibicionistas. Na luz, a parcimônia também joga a favor. Na dramaturgia, a inteligência de brincar com as palavras na medida certa, materializando-as nas cenas, mas também carregando-as de afeto. Nesse jogo múltiplo de tantas histórias no mesmo espetáculo, a habilidade de Simone e Paulo Rogério para a fluência narrativa é posta à prova a cada minuto – e como eles brilham!
Quando os entrevistei para uma reportagem da estreia da peça, semanas atrás, Simone Grande ressaltou a homenagem que, em sendo avó, quis fazer a todas as avós, que são verdadeiros seres de luz, depositórios de histórias – e portanto de afetos – em cada família. Isso fica claro vendo a peça. É lindo. Mas, sobretudo, fica claro na primeira aparição da avó no palco, representada apenas por um vestido e sua poltrona. Que síntese incrível. Que uso inteligente da parte pelo todo. A cena é feita com solenidade, marcação lenta, trilha marcante, como se uma rainha estivesse entrando em cena, ou algo assim. De arrepiar. Mais uma camada da peça: esse tributo das Meninas do Conto às Avós do Conto, e, em última análise, à ancestralidade contida na arte de contar e recontar.
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