Baseada na obra psicografada por Vera Lúcia Marinzeck de Carvalho, pelo espírito de Antônio Carlos, "Reconciliação" narra a história de Raul, um menino bondoso que sofre com os maus-tratos do pai, Manuel. Manuela, a mãe, tenta proteger o filho, mas ambos acabam sendo brutalmente assassinados por Manuel.

Dois trabalhos artísticos surgidos durante a pandemia em 2020 se mesclam para a criação de CANTO AO FIM. O espetáculo de dança, resultado da parceria inédita entre Clarissa Sacchelli e Isabel Ramos Monteiro, que voltaram seus olhares para os labores envolvidos nos gestos de cuidados recebidos e doados. Em CANTO AO FIM, que acontece em meio a uma instalação de som e luz, Clarissa Sacchelli e Isabel Ramos Monteiro levam para a cena a oralidade, as canções de ninar, os gestos que não se arquivam pois são atualizados a todo tempo na transmissão corpo a corpo. São gestos que moldaram os gestos das duas artistas, movimentos forjados por danças pregressas e formas que orientam danças futuras. No palco, Isabel assume a partitura dos gestos e Clarissa comanda em tempo real a paisagem sonora.

A história se inicia com uma Mulher que, ao finalmente encontrar o Criador dos limites da América Latina, arrasta uma das linhas de seus mapas abrindo uma fresta. Este ato evoca uma entidade capaz de trafegar por tempos antigos, entrelaçar narrativas e revisitar a história da proibição da dança no deserto.

O evento, que desde 2015 tem o objetivo de difundir o teatro produzido nas periferias do Estado de São Paulo, apresenta um panorama teatral de artistas e grupos independentes que atuam em comunidades populares ou periferias do estado de São Paulo. A programação é formada por 11 sessões teatrais (adultos, infantis e teatro de rua), duas oficinas de formação e uma vivência artística (ocorrida), além da Feira do Livro.

Concebido, dirigido e interpretado por Marta Soares, o solo de dança “Les Poupées” tem como ponto de partida as fotografias de bonecas realizadas pelo fotógrafo surrealista alemão Hans Bellmer que foi influenciado pelos contos de E.T.A. Hoffman, em especial pelo conto “O Homem de Areia” que deu origem ao ballet Copélia, pelos movimentos dadaísta e surrealista e pelos experimentos psicanalíticos realizados no início do século XX por Charcot e Freud com pacientes histéricas. Bellmer buscava ao fotografar as suas bonecas, as quais montava, desmontava e remontava, o que ele determinou como “inconsciente físico” que, de uma forma breve, seriam os caminhos que os desejos inconscientes percorrem pelo corpo. Inspirado pelas fotografias de Hans Bellmer e pelas fontes internas da sua criadora o solo “Les Poupées” também explora, ao transgredir a lógica formal da distinção de oposições categóricas no corpo como dentro/fora, figura/fundo, homem/mulher, morto/vivo e animado/inanimado, o conceito “informe” segundo o sociólogo francês Georges Bataille para refletir sobre a condição do sujeito na contemporaneidade.

Força Estranha explora as dimensões intrigantes da dança, envolvendo corpo, espaço, luz, som e outros elementos. O espetáculo investiga o espaço como um componente essencial da coreografia, utilizando uma abordagem dinâmica para explorar sensações, afetos e imaginação. O objetivo é criar uma força enigmática que faz tudo ao redor dançar. Após uma década desde a estreia do dueto Intérprete em Crise, Clarice Lima e Aline Bonamin retornam ao palco com esta nova colaboração. O trabalho radicaliza a noção de empatia cinestésica e busca criar um espaço utópico que une tempos e matérias, celebrando a dança como ritual e produção de vitalidade. Força Estranha foi premiada pela XI edição do Prêmio Denilton Gomes - Criação em Dança e foi realizada com apoio do Programa Municipal de Fomento à Dança para a cidade de São Paulo - Secretaria Municipal de Cultura

Antropo100 – antropocentro! Pretende alçar o aspecto crítico do fazer arte nos dias de hoje, onde ainda nos deparamos com visões fragmentadas e até preconceituosas sobre as possibilidades de mesclas de estilos e linguagens artísticas. O propósito é levar a arte do povo a plateias heterogêneas, identificar-se com a cultura brasileira, transformar o material bruto deste país em possibilidades artísticas diversas e, assim, transpor a linha divisória entre popular e erudito. Na década de 20 do século passado, estas vontades foram, e ainda são (ou poderiam ser), o sentido do fazer arte. Vontades e feitos que designaram um diferente futuro para a arte brasileira. O tema do espetáculo atravessa algumas obras surgidas no início do século, passando por situações reconhecidas historicamente daquela época, trazendo alguns ícones modernistas e outros posteriores àquela semana que, como fruto das transformações, vieram a contribuir grandiosamente para a arte brasileira.

A companhia de dança paulistana Damas em Trânsito e os Bucaneiros (prêmios Funarte Klauss Vianna, Estímulo à Dança Paulista e Denilto Gomes) fará a última apresentação de Trilhares. A performance itinerante percorre diferentes espaços do Centro Cultural (subsolo, biblioteca, jardins e rampas) e arredores e tem trilha original executada ao vivo.

A Trilogia em Dança-Tragédia propõe uma discussão de temáticas acerca da estigmatização, desumanização, extermínio e invisibilidade das pessoas pretas, de toda comunidade LGBTQIAPN+, pessoas com transtornos mentais, pessoas com deficiência, mulheres, dos povos originários e pessoas que vivem e/ou convivem com o HIV ou AIDS

O espetáculo acompanha a trajetória da Mulher X e o seu confronto com o móvel que a acompanhou desde a infância e adolescência, na casa da mãe, até a sua trajetória profissional de sucesso na vida adulta: o sofá. Depois de acolher ali amores, amigos, familiares, ela sente agora a presença do vazio. Algo a incomoda e o inevitável encontro com fragmentos de si vem à tona, fazendo com que ela embarque em uma viagem para dentro de si mesma.

Em setembro, a Terça Aberta no Kasulo traz três criações em processo: A falsa ilusão de ser predadora, de Karla Ribeiro; 0-1, de Beatriz Falleiros; e MATER, de Débora Vaz. O público assiste aos espetáculos e, em seguida, participa de um bate-papo mediado pelas curadoras do projeto, a atriz Janaina Leite, e a bailarina e coreógrafa Vanessa Macedo, que dirige a Cia Fragmento de Dança.

AO VIVO [dentro da cabeça de alguém] dialoga com a obra de Anton Tchekhov, especialmente com seu texto seminal A Gaivota e dá sequência a uma das linhas de pesquisa da companhia brasileira de teatro, que reflete os tempos atuais a partir de diálogos inventivos com os clássicos. Durante o processo de criação, a partir da obra do autor russo, algumas indagações foram feitas para a constituição da dramaturgia, como: quais questões levantadas por Tchekhov atravessam o tempo e chegam até nós, hoje? E de que modo? Como expandir essas questões? E que formas são possíveis, hoje? Há formas novas, futuros possíveis?

Uma comissão, formada por artistas de diferentes formações e gerações da dança, busca exumar na rua quatro danças do histórico Balé IV Centenário que tematizaram o Brasil e que tiveram artistas locais como responsáveis pela criação: “Fantasia Brasileira”, “Lenda do Amor Impossível”, “O Guarda-Chuva” e “A Cangaceira”. Aqui, exumar essas danças não é apenas mostrar as poucas imagens, gestos, histórias e problemas dessas danças entre o clichê e a radicalidade, mas reorganizar isso tudo no corpo e no espaço, do jeito que for possível. A cada dia se apresenta um programa com duas danças que partem desses restos para formar pinturas vivas desses balés, criando quadros breves daquilo que se lembra - seja a beleza de cada dança ou a violência do desmanche da companhia.

Com o projeto “Sônia Mota: Arte da Presença / Presença na Arte”, composto por uma série de ações – performance, lançamento de livro, exibição de vídeo e oficinas -, que acontecerão entre agosto e setembro de 2024, a artista celebra 76 anos de vida, dos quais 68 dedicados à Dança, que começou a estudar aos oito anos, na Escola Municipal de Bailado (atual Escola de Dança de São Paulo), e aos 15 já atuava profissionalmente, dançando em programas de TV, e em seguida dando aulas e compondo elenco de grandes companhias. Concebido por Sônia Mota, coreografado e dirigido pela artista portuguesa Carla Jordão, “Sem Fim“ revisita o caminho percorrido pela artista, muitas vezes turbulento e tenaz, de forma suave e gentil. “A maneira de me expressar dançando está se mostrando agora mais calma e serena; a tendência de me mexer, sempre muito rapidamente, ralentou-se como minha alma, que vem se apaziguando e, portanto, minha dança tem se tornado mais íntima e essencial“, avalia Sonia Mota, que acredita que “assim se complementam e se renovam os ciclos da vida”.

“Sempre mais que um” se refere aos vários corpos existentes em um corpo presente, permeado pelo espaço e por temporalidades. Balizados pela improvisação cênica e acompanhados pela luz de Hernandes de Oliveira e a trilha original composta por Antonio Porto, corpos materializam imagens e são diluídos com o espaço, numa busca permanente por atualizar o momento num fluxo contínuo. Em cena, cinco performers – Maurício Florez, Maria Fernanda Machado, Mariana Molinos, Raony Iaconis e Rebeca Tadiello –, contaminados pelo frescor de um estado de antecedência ao momento presente, constroem um espaço de afeto coletivo a partir do dinamismo do campo relacional (quando afetamos e nos deixamos afetar).