A palavra magote remete a agrupamento, amontoado, ajuntamento. E é nessa lógica que o espetáculo se organiza: corpos que se unem em movimento para criar imagens, contar histórias e construir, juntos, uma enxurrada de possibilidades. Em cena, malabaristas, acrobatas, bailarinos excêntricos e cômicos se lançam ao espaço vazio como poetas do corpo. Magote é uma explosão de formas e cores, um jogo de composições físicas que traduz o enfrentamento do cotidiano em metáforas corporais. Um exercício de coletividade e generosidade que celebra os espaços comuns do circo – a trupe, a equipe, a família.

A trama gira em torno de uma atriz sem nome, como escolheu o autor, que, após uma estreia desastrosa, decide ocupar o teatro e anuncia que só sairá dali à força. O espetáculo que ela apresenta à plateia é uma mistura de embromação cômica e confissão emocional, alternando entre o absurdo, o humor rasgado e momentos de profundo desabafo. Aos poucos, o nonsense dá lugar a uma fala direta, dolorida e provocadora, expondo camadas de frustração, misoginia, abusos e a solidão de quem insiste em fazer arte em um país que frequentemente ignora sua cultura.

A história se passa dentro de um museu em São Paulo, durante uma tempestade que paralisa a cidade. Quatro trabalhadoras de um Museu ficam presas no trabalho, enquanto outras tentam chegar na instituição museológica à qualquer custo. Impedidas de retornar para casa por conta do desastre climático, elas seguem trabalhando ou seguem tentando chegar de qualquer forma ao trabalho, movidas pela urgência de garantir o sustento em meio ao caos." pois nem todas trabalhadoras trampam no museu e nem todas já estão lá, algumas estão tentando chegar ainda no trabalho.

Um espetáculo com as mais significativas peças do variado repertório de Lewis Major em colaboração com coreógrafos e seus dançarinos. Investiga diversas possibilidades poéticas, ritmos e ciclos universais. O grupo promete “uma noite cativante de dança, de conexão entre mundos interno e externo – de não dualidade – tudo ambientado em um turbilhão de movimento, som e luz”.

Inspirado por conceitos filosóficos que atravessam séculos – de Sócrates, Platão e Aristóteles às perspectivas afetivas mais contemporâneas –, o espetáculo investiga o amor em suas expressões de Eros (desejo), Filia (amizade) e Ágape (amor incondicional). A dramaturgia corporal dos intérpretes se constrói a partir dessas camadas, revelando o afeto em sua forma mais delicada, intensa e plural.

Enquanto filhas, esposas, mães e até viúvas, as mulheres vivem papeis impostos pela sociedade. Açúcar ou as irmãs Anne, um drama lírico sobre o tempo e o envelhecimento, Açúcar ou As Irmãs Anne começa com o reencontro, após décadas, de duas ex-parceiras de palco, que decidem revisitar as personagens que marcaram suas carreiras: as irmãs Mary Anne e Rose Anne, filhas de uma família burguesa decadente e moldadas por silêncios, aparências e expectativas sociais. No passado, elas próprias tiveram suas trajetórias interrompidas por imposições familiares: uma engravidou e a outra se casou.debate esses papeis e convida o público a refletir sobre os limites entre identidade e representação, memória e invenção, arte e vida.

Em um jogo provocador e insano de poder, identidade e dominação, dois personagens se enfrentam e se confundem numa ilha isolada, desafiando as fronteiras entre civilização e barbárie, controle e loucura. O texto, carregado de humor ácido e de linguagem surrealista, conduz o público por uma experiência radical que reflete, por meio do absurdo, as contradições da vida moderna.

As suspeitas são três mulheres foragidas conhecidas pelo nome de Boneca, Caveira e Viola. Os proprietários já colocaram as milícias à procura”. Seis corpas em cena. São mulheres? É ela, ele, elu? Bandidas? Andam em bando. Carregam um esqueleto. Roupas de couro. Movem-se juntas, mesmo que não ao mesmo tempo. Camuflam-se. Aos poucos, escapam memórias de vida pelo caminho. Memórias embaralhadas de dezessete antigas: lideranças de comunidade, caciques, fundadoras de movimento, ex-presas políticas. O medo, a fome, a resistência. Água pra deixar o rio correr. OKAN! Quem viu, verá.

Para abrir as cortinas do TEATROIQUÈ, o diretor e iluminador Caetano Vilela apresenta Odisseia: Instalação para um retorno, uma releitura contemporânea do épico de Homero. Nessa montagem, ele propõe uma nova visão da jornada de Ulisses, apostando na interseção entre performance ao vivo, música, arte expositiva e recursos audiovisuais de ponta. Em parceria com os atores Diego Machado e Thiago Brianti, Vilela transforma o palco em um ambiente imersivo, onde o público é convidado a cruzar as fronteiras tradicionais do teatro. Desde o momento em que entram na sala, os espectadores se deparam com uma instalação cênica – a direção de arte é de Fábio Namatame – que remete a um espaço museológico. São 18 totens e 30 objetos dispostos como em uma galeria de arte, todos etiquetados com trechos extraídos da Odisseia e referências à narrativa mítica. 

O espetáculo é uma criação da companhia brasileira de teatro, com texto e direção de Marcio Abreu a partir do diálogo com a obra do escritor, capoerista e neurocientista, Sidarta Ribeiro, em especial o livro “Sonho Manifesto: Dez exercícios urgentes de otimismo apocalíptico”.

No coração de São Paulo, onde luzes de néon se misturam ao cheiro de fumaça e história, o Bar Queen não apenas resiste — ele floresce. Mais do que um ponto de encontro, é um espaço onde a arte pulsa, a memória é cultivada e as histórias ganham voz. É neste ambiente vibrante que o espetáculo Amores Vermelhos sob o Sol de Morango ganha vida. Sob a direção de Bora Jorge, o Coletivo CIATRÔ mergulha no universo de Caio Fernando Abreu, trazendo ao palco os contos de Morangos Mofados para explorar a fragilidade do amor e a efemeridade dos encontros.

O espetáculo estabelece um diálogo entre a origem da gumboot dance e o contexto da mineração e da siderurgia no Brasil, propondo uma reflexão sobre os impactos socioeconômicos e ambientais da atividade ao redor do mundo. O título faz menção ao lingotamento contínuo, uma das etapas da transformação do minério de ferro em aço, e se refere ao estado de exaustão da população frente à crise político-ambiental que o mundo atravessa.

Três mulheres 40+ ficam presas em um elevador e, em apenas dezessete minutos sem sinal, ventilação ou filtros, desabafos, confissões e risadas tomam conta. As angústias do corpo em mudança, a sobrecarga familiar, o desejo em trânsito e a vergonha de falar sobre o óbvio se misturam ao surreal: um pentelho branco ganha voz e os hormônios fazem piquete numa greve. Inspirada em histórias reais, Mulheres em Chamas transforma o medo de envelhecer em humor e reconhecimento.

“Eu Também Sou Médico” é uma peça de comédia com o influenciador e médico Bruno Baroni e a atriz e roteirista Thaisa Damous, com quem, também, divide o texto. O espetáculo mistura stand up e cenas cômicas sobre as loucuras, perrengues e alegrias dos profissionais da saúde. Somando quase 3 milhões de seguidores em suas redes, Bruno traz aos palcos a enfermeira Sandra, figura conhecida em seu perfil. A direção é da comediante Camila Vaz e de Thaisa Damous.

É noite de lançamento da invenção farmacêutica mais ousada da década: a autoestima do homem hétero, sintetizada em pílulas. Carina, a criadora da fórmula, revela ao público os componentes do medicamento, reencenando situações hilárias e dando vida aos personagens masculinos que serviram de “matéria-prima” para sua criação que promete revolucionar o mundo. O problema é que ninguém estava preparado para as consequências… nem ela própria!