Um ser alado cai no quintal de um ser humano. É a partir dessa premissa que a narrativa se desenvolve. O ser humano, um catador de lixo que tenta sobreviver à miséria que assola sua família, vê sua rotina mudar com a queda de um ser alado em seu quintal. O espanto inicial dá lugar à necessidade de identificar o estranho ser, gerando um permanente questionamento quanto à definição do ser alado. Seria um anjo? Um frango? Um delírio provocado pela fome? É nessa teia que o espectador é convidado a se equilibrar, enquanto os dois seres se digladiam em um intenso confronto dialético. O exílio forçoso de um, e a miséria do outro, pontuam a trama, que apresenta um cenário pós-apocalíptico permeado de desesperança. Um ser alado e um ser humano, no abismo de suas percepções, preconceitos, medos e dúvidas.

Amigos de longa data, Martini e Saback procuravam um texto com personagens masculinos que fugissem dos estereótipos tradicionais. Diante da dificuldade de encontrar um texto pronto, decidiram criar a própria peça. O resultado foi uma espécie de mosaico cômico que expõe, de forma crítica e divertida, a sensibilidade por trás dos chamados “machões”. São histórias de um personagem chamado Adamastor, visto em 4 possíveis versões - desquitado, viúvo, solteirão e casado.

Com linguagem musical e forte apelo cênico, a dramaturgia conecta passado e presente a partir de textos, músicas e referências históricas. A ação se passa em um festival de rock, com 15 intérpretes em múltiplos papéis e banda ao vivo, elemento central da encenação.

A encenação, uma comédia, com linguagem de palhaçaria, amplia o olhar sobre as origens do teatro ao incorporar tradições como os griots africanos, expressões das Américas e narrativas que remontam aos primeiros agrupamentos humanos, deslocando a perspectiva exclusivamente eurocêntrica. A proposta destaca o teatro como espaço de encontro entre artistas e espectadores, onde imaginação e invenção se constroem coletivamente.

Iago recebe Otelo para um banquete logo após o mouro receber o título de general. Leonardo recebe Thiago para um jantar e discutirem sobre fazer um espetáculo que é prelúdio da peça Otelo de Shakespeare. As relações estão em um jogo de pistas falsas e acobertação que só se revela no final. De mais real apenas a comida que é cozida de fato em cena.

Um dia, esse gravador é roubado e passa a circular nas mãos de um estranho. Sendo chantageado pelo estivador César, ele se lança num jogo de sedução e crime. Um legionário assassinado na cidade e uma invasão seguida de roubo de expressiva quantia no navio temperam a trama num misto de drama e suspense. Inesperadamente um triângulo amoroso é formado com final surpreendente. O navio vai zarpar. Quem segue com eles?

Uma mulher cearense, nascida na Roça Velha, região do Cariri, dança em um palco reflexivo, como se o tempo fosse um buraco sem fim, cavando um movimento entre gerações que se entrelaçam sem sequencialidade, insistente na força do presente. Um inventário de gestos guia a proposta de Clemente, como uma expedição que ativa camadas do luto ao mesmo tempo que articula a força da vida, modificando as oposições recorrentes entre a vida e a morte, num desenho que as indefine. Uma peça que olha adiante no agora. Há, ainda, três movimentos: ESPERAR, PLANTAR, TRANSFORMAR.

Uma das comédias de maior sucesso está de volta! “O Marido da Minha Mulher” conta a história de Alex (Daniel Rocha) um fanfarrão convicto e incorrigível, casado com Bruna (Fefe), uma dona de casa bonita e inteligente, que vive solitária. Numa de suas farras, Alex acaba sofrendo um acidente deixando viúva a bela esposa. Após a morte dele, a jovem viúva será disputada por Nico (Conrado Caputo), um mauricinho convicto, e por Paulo (Ton Prado), melhor amigo de Alex. Para impedir que ela se case com seu desafeto, o morto volta à Terra e pede ajuda a seu melhor amigo. Assim se desenrola uma trama de confusões hilariantes, cheia de surpresas.

A peça como um corpo sem órgãos, partindo do inconsciente como máquina desejante, através de um texto lírico dramático, singular e radical: o espetáculo do Teatro Esquizo foca na potência mágica da fala e a sua força ritualística ancestral de nos fazer ver uma América Latina inédita, cyberpunk e fantasmática.

No palco, acompanhada apenas de um foco de luz e uma cadeira, Stoklos interpreta duas rainhas rivais: as primas Mary Stuart e Elizabeth I. A sangrenta disputa pelo trono da Inglaterra, ocorrida há 400 anos, é apenas uma metáfora que a atriz utiliza para explorar temas universais como poder, opressão e liberdade.

A Última Valsa de Zelda Fitzgerald revisita a trajetória e a obra de uma mulher brilhante, intensa e silenciada pela história. Do interior dos Estados Unidos à consagração como ícone dos anos 1920 ao lado de F. Scott Fitzgerald, o espetáculo acompanha sua ascensão social, os conflitos no casamento, a disputa pela autoria da própria vida, as tentativas de se afirmar como artista e o agravamento de sua saúde mental. Entre festas, delírios e internações, emerge o retrato de uma mulher que lutou para existir com voz própria, muito além do papel de musa ao qual foi tantas vezes reduzida.

Cinderela revisita o clássico conto da jovem sonhadora em uma montagem ágil e cheia de humor. Nesta versão moderna, apenas dois atores interpretam todos os personagens — Cinderela, Madrasta, as irmãs Anastácia e Drizella, o Rei, o Príncipe, os conselheiros e até os ratinhos — numa performance marcada pela criatividade, agilidade e um irresistível jogo cênico. A história acompanha Cinderela enfrentando as injustiças impostas pela família enquanto guarda, com delicadeza e força, o desejo de uma vida melhor. Com a intervenção mágica da Fada Madrinha, ela chega ao Baile Real, vive um encontro encantador com o Príncipe e deixa para trás o famoso sapatinho de cristal que mudará seu destino. Com trocas de personagens em segundos, interpretações hilárias, surpresas visuais e muita imaginação, o espetáculo transforma o conto tradicional em uma experiência original, leve e encantadora —capaz de envolver crianças e adultos.

Durante a ditadura militar, três casais de brasileiros exilados – burgueses, operários e intelectuais – são obrigados a conviver no mesmo espaço físico. Apesar das diferenças, eles se descobrem ligados por um mesmo sentimento: o de viver em um tempo suspenso e não pertencer a lugar nenhum.

Na peça o veterano autor de telenovelas Miguel Marques (José Trassi) é procurado por um Homem misterioso (Fábio Rabin) que quer contratá-lo para um grande e também misterioso projeto. O profissional se diz sobrecarregado de trabalho no momento e tenta esquivar-se do convite a todo custo. O misterioso contratante porém não desiste facilmente. Desta sua insistência surgem lembranças de trabalhos antigos do escritor. E até cenas de roteiros que o autor ainda pensa em escrever. Este percurso pelas lembranças e pensamentos que brotam da conversa dos dois protagonistas é também o mote perfeito para que os dois atores/comediantes da montagem vivam uma série de personagens cômicos diferentes, em situações facilmente identificáveis pelo público, durante o espetáculo. Das “famosas telenovelas” do autor, desfilarão pelo palco trechos das inusitadas obras “Hemograma de Intrigas”, “A Múmia do Meu Marido” e “A vizinha tá de olho no peru”, entre várias outras. Uma comédia deliciosa para toda família!

Ambientado no interior da Inglaterra em 1759, o espetáculo é disparado a partir do julgamento de um crime hediondo em que um júri, formado exclusivamente por mulheres, coloca treze figuras, de origens e realidades diversas, dialogando sobre questões importantes do universo feminino: o olhar e o sentir da mulher sobre o seu próprio corpo, as dificuldades diante do universo do patriarcado, abuso, gravidez, maternidade, abandono, paixão, rejeição e sororidade.

Abigail mora sozinha em seu apto e recebe visitas filha.

Espetáculo de palhaçaria ocupa o palco do Tetro B32 para diversão da criançada e toda família Para seu concerto de violino, o palhaço Seu Cocó preparou um repertório de canções conhecidas para o público, com muito capricho, metodismo e organização. No entanto, uma mosca surge no palco atrapalhando a execução […]

Dois jovens, irmãos negros e gêmeos não idênticos, encontram-se trancados em uma cozinha desativada. Entre talheres, panelas e restos de folhetos de supermercados, expõem suas feridas, desejos e a violência cínica e silenciosa das “pessoas de bem”. Enquanto a fome aperta, questionam: corpos como o deles têm direito de existir para além da sobrevivência?

Improvisações Selvagens é um espetáculo teatral inspirado no filme argentino Relatos Selvagens, no qual, diante de uma realidade crua e imprevisível, os personagens caminham sobre a linha tênue que separa a civilização da barbárie. Autoria e criação do espetáculo de Aline Bourseau, traz uma dramaturgia, construída pela técnica de improvisação (improv), na categoria “long-form”. Com duração de 60 minutos o espetáculo traz 5 histórias que se desdobram em 9 cenas inspiradas em relatos reais pessoais e também ficcionais, narrados pelos atores baseados numa emoção sugerida pelo público.

O “Romeu e Julieta” do teatro ídiche ganha agora uma versão para o teatro musical. Nesta nova montagem do clássico do início do século XX, o amor “proibido” entre dois jovens é retratado por meio da fusão entre drama, música, dança e circo, atravessando o universo mágico e instigante da cabala e de seus mistérios.

A comédia acompanha um ator veterano que abandona o palco no meio de uma apresentação de Macbeth, irritado com celulares e distrações da plateia. Nos bastidores, o episódio desencadeia um embate sobre o pacto entre palco e público e os limites dessa convivência. No elenco estão Norival Rizzo, Walter Breda, Fábio Esposito, Ana Andreatta, Conrado Sardinha e Natália Beukers.

Cinco mulheres, um bar e nenhum acordo: Cia das Madás estreia “Enquanto Não Decidimos” no Bar Teatro Basalto Em cena, cinco atrizes com trajetórias consistentes se reúnem em um bar transformado em palco para discutir o próprio fazer artístico. Não há consenso sobre o que apresentar ao público — e […]

TIP – gorjeta, em inglês - compõe o nome escolhido para o corajoso relato de autoficção da atriz Milla Fernandez que, com direção de Rodrigo Portella e direção musical de Federico Puppi, leva à cena uma experiência vivida durante a pandemia de 2020/21. As necessidades batiam à porta e os horizontes eram inexistentes. Então, com apoio do marido e dos pais, Milla buscou no sexo virtual a garantia de uma fonte de renda imediata. Sem nenhum conhecimento prévio daquele universo, e sem ideia do que encontraria, mergulhou no mundo do entretenimento adulto, satisfazendo como camgirl desejos de clientes anônimos em troca de gorjetas (TIPs, em inglês).

Finlândia nos conduz ao interior de um quarto de hotel em Helsinque, onde Paula e Jiddu, um casal em processo de separação, tentam estabelecer um último e necessário diálogo. O que começa como uma conversa íntima rapidamente se transforma em um embate profundo sobre amor, poder, cuidado e pertencimento. A partir desse encontro carregado de tensão e afeto, a peça revela as complexidades emocionais de um casal em crise diante das transformações estruturais das relações contemporâneas. 

Após o sucesso de três apresentações especiais em Juiz de Fora, Minas Gerais, Mouhamed Harfouch leva seu monólogo “Meu Remédio” para o Rio de Janeiro, com estreia marcada para 10 de janeiro de 2025, no Teatro Ipanema. Dirigido por João Fonseca, o espetáculo traz uma narrativa profundamente pessoal e emotiva, onde Harfouch mergulha na sua história de vida, lidando com temas como identidade, pertencimento e aceitação de sua própria história. A peça é uma mistura de comédia e drama, resultado de um processo criativo íntimo que levou o artista a revisitar momentos de sua própria trajetória, especialmente sua relação com seu nome e sua herança cultural.

A trama mergulha na rotina de Augusto, um figurante que luta para encontrar a si próprio em meio a uma rotina pobre de sentido, que o mantém num lugar muito aquém da sua potência como ser humano. O Figurante reflete sobre a dificuldade de se conectar com a própria essência e sobre os desafios de assumir o controle da própria narrativa. Augusto (Mateus Solano) é um figurante dedicado, experiente e acostumado a servir em produções audiovisuais. Vive uma rotina previsível como se fosse figurante de sua própria história. Aos poucos, ele vai despertando e questionando a importância de seu trabalho e de sua vida. Como ressignificar sua existência? 

Operilda é uma jovem feiticeira de 225 anos, apaixonada por música brasileira, que precisa deixar o celular de lado e usar somente sua memória e imaginação para contar uma história sobre o surgimento do choro, estilo musical que nasceu no Rio de Janeiro no final do século XIX. Com humor e criatividade, Operilda, sua amiga Vassorilda e o grupo musical Chorildos passeiam pelo Brasil colonial até chegar aos dias atuais, traçando um paralelo entre o desenvolvimento da cidade do Rio de Janeiro e do chorinho. Nascido da mistura de ritmos europeus e africanos, o choro foi criado e popularizado por músicos geniais que entram nessa história junto com Operilda.