Como Todos os Atos Humanos investiga a naturalização da violência e a perpetuação histórica das estruturas patriarcais. Em uma inversão do mito de Electra, o espetáculo constrói uma narrativa sombria sobre uma filha inexistente que, simultaneamente fascinada e subjugada pela figura paterna, rompe o ciclo de dominação ao exterminá-lo, furando seus olhos com um estilete. Esse “parricídio ocular” de forte carga simbólica — instaura em cena o aniquilamento arquetípico do patriarcado e da vigilância que a ordem masculina impõe ao corpo e ao destino da mulher.

Toda tarde, João, José e um grupo de amigos se reúne para jogar capoeira, no bairro da Ribeira. É um momento de descontração e divertimento entre os amigos. A forte amizade entre João e José fica abalada quando José leva João para ver um show de sua “amada” Juliana e ela passa a frequentar a roda de capoeira da Ribeira. Juliana teve um forte romance com João no passado que terminou quando ele engravidou a jovem Juci. Juliana seguiu seu sonho de ser cantora e passou a cantar nos bares da cidade; nesse tempo também se tornou atuante nos movimentos contra a ditadura e passou a ser vigiada pelos militares.

Um Juiz autoritário, que ninguém obedece, encontra o Vereador que estava desaparecido há meses e descobre que ele sequestrou ilegalmente tupis aliados, o que pode desencadear um ataque contra a pequena vila de 300 habitantes isolada do mundo europeu pela íngreme Serra do Mar. Quando o Procurador chega informando que o Governador-geral do Brasil está a caminho, tudo vira de pernas pro ar. Como receber um nobre português em condições tão precárias? Mesmo assim, esta que viria a ser, mais de 400 anos depois, a maior cidade das Américas, tem seu primeiro ímpeto de progresso econômico com a exploração da mão de obra indígena em larga escala.

A peça-instalação foi criada a partir da icônica e polêmica escultura francesa ‘A Bailarina de 14 anos’, do escultor Edgar Degas, em fricção com os relatos autobiográficos da bailarina brasileira Verônica Santos. Com dramaturgia inédita de Dione Carlos, o espetáculo revela um corpo fraturado por violências físicas e simbólicas e também por tentativas de apagamento da visibilidade de uma bailarina clássica negra. A obra propõe uma espacialidade imersiva onde a performer e a dramaturga ritualizam um diálogo íntimo e, diante do público, elaboram um plano de vingança.

Durante o ensaio de uma comédia de Pirandello, um grupo de funcionários negros do teatro interrompe a cena e reivindica o direito de narrar a própria história. A partir desse gesto, o espetáculo transforma o palco em campo simbólico de disputa entre personagens/personas brancos e negros, visibilidade e apagamento, representação e existência.

Dois casais de gerações diferentes se encontram em um quarto de hotel. Segredos e mentiras começam a ser revelados e trazem à tona um divertido turbilhão de sentimentos, com muita emoção e desafios, que mudarão a vida deles para sempre.

Em Senhora dos Afogados, a casa dos Drummond, a família matriz, é um cenário em ruínas. Margeada pelo mar, a casa é habitada pela atmosfera das mortes que, tanto no passado quanto no presente, arruinam as personagens. Imersa nesses ecos, a família Drummond naufraga. Mar e casa compõem um único ambiente plástico. Nessa superfície plana flutuam, insepultos, os mortos fantasmáticos que assombram as placentárias relações familiares dos vivos. Em torno do pai, Misael assenta-se o núcleo familiar. Um cadáver do passado institui, na fabulação, o enigma que move uma das faces do enredo: há dezenove anos, a amante de Misael fora morta, no dia mesmo em que o juiz celebrava suas bodas com Eduarda. Mas essa trama recobre um outro enigma: a misteriosa morte das filhas Dora e Clara, cujos corpos perderam-se no mar e sob o qual se esconde um conflito mais denso - o de Moema. Nelson Rodrigues, na ausência dos deuses, faz recair sobre sua protagonista uma fatalidade quiçá mais tenebrosa: a do desejo.

Idealizado por Moira Braga, o espetáculo parte da descoberta da artista, aos sete anos de idade, de uma condição genética rara - Stargardt -, que causaria a perda de sua visão, para investigar os múltiplos sentidos da hereditariedade, do genético ao social. Há quase duas décadas atuando como autora, bailarina e atriz em espetáculos de dança, teatro e no audiovisual, esta é a primeira vez que Moira traz ao palco sua biografia, e tematiza a doença de Stargardt. A dramaturgia, composta pela atriz junto com o diretor do espetáculo Pedro Sá Moraes, entrelaça eventos da vida pessoal e dos antepassados de Moira a referências históricas e mitológicas — como o mito grego das Moiras: três irmãs funestas que tecem o destino de todos os seres. Entre o biográfico, o poético e o político, Hereditária reflete sobre o quanto de nossas vidas é predeterminado e o quanto temos o poder de escolher.

De 3 a 8 de fevereiro (terça-feira a domingo), o Itaú Cultural (IC) abre a sua programação de artes cênicas com a 8ª edição do projeto a_ponte: cena do teatro universitário, que tem como proposta contribuir para a renovação da cena artística estudantil e aproximar os estudantes de artes cênicas das várias regiões do Brasil. Em 2026, as atividades dão luz à presença de artistas negros em cena, e também levam ao palco projetos cênicos que agregam a música e a escrita, que conduzem a próxima edição do edital de a_ponte, que terá inscrições abertas de 2 de fevereiro a 3 de abril.

A jornalista Nádia (Fernanda de Freitas) entrevista o assassino confesso Adailton (Rafael Primot), que, por sua vez, acusa o executivo Tite (Rogério Brito) de ser o mandante do crime ocorrido dentro de um supermercado. A partir desse encontro, o caso ganha novas proporções nas mídias sociais e desencadeia uma série de desdobramentos inesperados. Inspirado em um fato real. Um incidente trágico que dá início a um intenso drama sobre preconceito, busca por justiça e a manipulação da verdade em uma sociedade marcada pela força da mídia e por julgamentos precipitados. Dirigido por Lavínia Pannunzio e Eric Lenate, traz no elenco nomes como Fernanda de Freitas, Rafael Primot e Rogério Brito. O texto, relevante para os dias atuais, recebeu o prêmio do Estado para montagens inéditas (Proac 2024).

A peça desconstrói e reconstrói conceitos milenares da história da civilização - corpo e alma, certo e errado, traidor e traído, obediência e desobediência. Sozinha no palco, Clarice Niskier conta histórias e parábolas da tradição judaica, valendo-se somente de uma cadeira e um grande pano preto que, concebido pela figurinista Kika Lopes, transforma-se em oito diferentes vestes – mantos, vestidos, burcas. O espaço cênico concebido por Luis Martins é limpo e remete a um longo corredor em perspectiva.

Abandonada por Jasão, que decide se casar com Creúsa, filha do rei Creonte, a feiticeira Medea vê ruir não apenas o seu matrimônio, como também sua identidade. Movida pela fúria e pela vingança, ela envia presentes envenenados para sua rival, o que culmina na morte da família real. Para atingir o marido no que ele tem de mais precioso, Medea assassina os próprios filhos.

{FÉ}STA transforma o picadeiro em um ritual traçado por quatro pontos inerentes à condição humana: morte, nascimento, união e fé. Entre acrobacias, dança e música, o Coletivo Protagonistas celebra o ciclo da vida e a força que transita entre mundos.

Durante o ensaio de uma comédia de Pirandello, um grupo de funcionários negros do teatro interrompe a cena e reivindica o direito de narrar a própria história. A partir desse gesto, o espetáculo transforma o palco em campo simbólico de disputa entre personagens/personas brancos e negros, visibilidade e apagamento, representação e existência.

Durante a conversa, os personagens passam a se provocar, como em um jogo entre essas figuras opostas, desestabilizando crenças e valores, que se desnudam e refletem acerca de suas escolhas. A todo instante, um dos personagens parece dominar a cena quando, com um simples gesto, o outro rouba a atenção e o poder momentâneo do diálogo. As distâncias e as proximidades existentes entre Careta e Benvindo, remetem à metáfora dos homens que lhes assistem na plateia. Palhaços é um convite à reflexão sobre nossas vidas, o que faz com que o público ultrapasse o espaço da lona, do espaço cênico, para ver de perto o verdadeiro palhaço.

Toda tarde, João, José e um grupo de amigos se reúne para jogar capoeira, no bairro da Ribeira. É um momento de descontração e divertimento entre os amigos. A forte amizade entre João e José fica abalada quando José leva João para ver um show de sua “amada” Juliana e ela passa a frequentar a roda de capoeira da Ribeira. Juliana teve um forte romance com João no passado que terminou quando ele engravidou a jovem Juci. Juliana seguiu seu sonho de ser cantora e passou a cantar nos bares da cidade; nesse tempo também se tornou atuante nos movimentos contra a ditadura e passou a ser vigiada pelos militares.

Um Juiz autoritário, que ninguém obedece, encontra o Vereador que estava desaparecido há meses e descobre que ele sequestrou ilegalmente tupis aliados, o que pode desencadear um ataque contra a pequena vila de 300 habitantes isolada do mundo europeu pela íngreme Serra do Mar. Quando o Procurador chega informando que o Governador-geral do Brasil está a caminho, tudo vira de pernas pro ar. Como receber um nobre português em condições tão precárias? Mesmo assim, esta que viria a ser, mais de 400 anos depois, a maior cidade das Américas, tem seu primeiro ímpeto de progresso econômico com a exploração da mão de obra indígena em larga escala.

Num ponto de ônibus no meio do nada, cinco caras se encontram depois de uma desastrosa festa de casamento num sítio. A responsável pela barbárie é Betty Braite, uma feminista radical e traficante de prazeres ilícitos. Dizem que ela está morta. Ou pior: viva.

“Camiseta de Amora” traz a linha tênue entre a vida e o sonho, desdobrada na jornada póstuma de um garoto periférico de 11 anos, cujas reflexões profundas ganham vida após a sua morte. É o primeiro espetáculo do coletivo AGÔ – Teatro Popular e traz à efervescência da favela, seus sons, sabores e dessabores, revisita suas memórias íntimas, e tece um rico painel de vivências que abraçam desde ancestralidades e religiosidade até os desafios da violência do Estado e a ausência de infraestrutura básica.

Escrita em 1928 por Virginia Woolf, “Orlando: Uma Biografia” conta a história de um jovem nascido no século 16 que vive por mais de 300 anos. Aos 30 anos, na metade do livro, ele passa por uma misteriosa mudança de sexo e se transforma numa mulher. Aos 36, ela é vista pela última vez, no dia 11 de outubro de 1928. O que aconteceu com Orlando depois disso, ninguém sabe bem. Ao longo do século 20, ele percorreu dezenas de países trabalhando como bailarina em diversas companhias e também dominou a técnica da mudança de sexo e da oscilação de gênero: ora aparecia como mulher, ora como homem. Quando Somos Quando imagina o que aconteceu com o personagem após o livro e nos abre um caminho para pensar a própria natureza da Dança.

Um jovem misterioso carrega uma mala antiga cheia de pedras e objetos que guardam histórias fascinantes de aventuras, mitos e fantasias. O público é envolvido numa jornada poética entre o real e o imaginário.

Em 1945, quando a 2ª Guerra Mundial está perto do fim, um emigrante polonês, Clausewitz (Eric Lenate), desembarca no porto do Rio de Janeiro, em busca de uma nova vida como agricultor. No cais é colocado perante Segismundo (Fernando Billi), um oficial da alfândega que desconfia que Clausewitz seja um nazista tentando entrar no Brasil. Sem um salvo-conduto assinado por Segismundo, Clausewitz será obrigado a voltar ao cargueiro e seguir viagem. Para a obtenção desse salvo-conduto, Segismundo propõe um inusitado desafio ao estrangeiro, o que leva os dois homens a confrontar suas memórias: de um lado um ator que perdeu tudo, do outro um ex-torturador que sempre cumpriu ordens.

Roma, 6 de maio de 1938. Enquanto Benito Mussolini e Adolf Hitler firmam sua aliança política — em uma parada com massiva presença da população — Antonietta, dona de casa e mãe de seis filhos, é impedida de ir para ficar em casa cuidando dos afazeres domésticos. Em meio ao caos, seu pássaro de estimação voa até a janela do vizinho Gabriele. Ele, demitido da rádio por ser gay e na iminência de ser preso, não iria a um desfile com essa temática. Entre conversas sobre sonhos, frustrações e desejos, nasce uma amizade extraordinária e um amor platônico que, naquele dia, mudará suas vidas para sempre.

De 3 a 8 de fevereiro (terça-feira a domingo), o Itaú Cultural (IC) abre a sua programação de artes cênicas com a 8ª edição do projeto a_ponte: cena do teatro universitário, que tem como proposta contribuir para a renovação da cena artística estudantil e aproximar os estudantes de artes cênicas das várias regiões do Brasil. Em 2026, as atividades dão luz à presença de artistas negros em cena, e também levam ao palco projetos cênicos que agregam a música e a escrita, que conduzem a próxima edição do edital de a_ponte, que terá inscrições abertas de 2 de fevereiro a 3 de abril.

A história retrata João, que, já velho e inválido, recorda sua intensa e tumultuada relação com Teresa, um amor quase extremista e doentio, marcado pela impossibilidade de alcançar a perfeição e por um suicídio simulado de Teresa que João só descobre anos depois.

Três Irmãs de Anton Tchekhov conta a história de três irmãs — Olga, Macha e Irina — que vivem em uma pacata cidade do interior da Rússia, mas que sonham com uma vida melhor em Moscou. Presas a uma rotina vazia, elas enfrentam o tédio, a saudade do passado e a esperança de um futuro que nunca chega. Ao redor delas, o tempo passa, as promessas se desfazem e a vida segue sem grandes mudanças. A peça revela um retrato profundo da fragilidade humana e do desespero existencial diante da inércia e da passagem do tempo. O texto questiona a capacidade do ser humano de agir e transformar a própria realidade, com os personagens constantemente desejando mudar, mas permanecendo paralisados em suas circunstâncias.

Gerião é o personagem principal da Gerioneida, um poema lírico narrativo escrito por volta de 650 A.C pelo poeta grego Estesícoro, cujos poucos fragmentos foram encontrados somente em 1967, no Egito. A peça conta a sua história misturando fragmentos da peça original grega com criações de Anne Carson e intervenções de Bianca e de Daniela. Gerião, um menino que também é um monstro vermelho alado, revela o terreno vulcânico de sua alma frágil e atormentada em uma autobiografia que ele começa a escrever aos cinco anos de idade.

A obra “Nuviõ ou Quero Cê Balão” reflete sobre a experiência da perda de um filho e a busca dos pais por suas memórias mais profundas, evocando imagens poéticas ligadas à natureza e à infância. A obra discorre sobre perdas, idas, ausências, entretanto sem clara evidencia nos caracteres da cena, pois nossa busca é encontrar elos essenciais indivíduo, em seus sentidos, emoções, sentimentos, como uma compreensão as primordialidades da vida, em seu constante reconstituir.

A história acompanha o entrelaçamento de tramas amorosas e disputas no limite entre sonho e realidade. Quatro jovens de Atenas se perdem na floresta enquanto tentam decidir seus destinos amorosos, ao mesmo tempo em que o reino das fadas vive suas próprias tensões, guiadas pela disputa entre Oberon e Titânia, e pela travessura de Puck, que embaralha desejos e identidades.

Em intensa atividade desde 2004 no bairro do Perus, extremo noroeste da cidade de São Paulo, o Grupo Pandora de Teatro é um um dos mais consagrados da cidade. E, para celebrar os 10 anos de funcionamento da sua sede, o coletivo realiza a 11ª edição do Ato Artístico Coletivo Perus. O festival é gratuito e acontece entre os dias 19 de fevereiro e 1º de março.

Cinderela revisita o clássico conto da jovem sonhadora em uma montagem ágil e cheia de humor. Nesta versão moderna, apenas dois atores interpretam todos os personagens — Cinderela, Madrasta, as irmãs Anastácia e Drizella, o Rei, o Príncipe, os conselheiros e até os ratinhos — numa performance marcada pela criatividade, agilidade e um irresistível jogo cênico. A história acompanha Cinderela enfrentando as injustiças impostas pela família enquanto guarda, com delicadeza e força, o desejo de uma vida melhor. Com a intervenção mágica da Fada Madrinha, ela chega ao Baile Real, vive um encontro encantador com o Príncipe e deixa para trás o famoso sapatinho de cristal que mudará seu destino. Com trocas de personagens em segundos, interpretações hilárias, surpresas visuais e muita imaginação, o espetáculo transforma o conto tradicional em uma experiência original, leve e encantadora —capaz de envolver crianças e adultos.

O espetáculo infantil Alice no País das Maravilhas, escrito e dirigido por Leandro Mariz, apresenta a jornada de uma garota sonhadora em busca de um mundo de aventuras e descobertas, onde tudo pode acontecer. Misturando fantasia, humor e personagens icônicos, a peça celebra a força da imaginação e mostra como crescer também pode ser aprender a olhar de modo diferente para o mundo. Unindo tecnologia e arte, o espetáculo inova ao utilizar projeções em 3D com óculos de lentes azul e vermelha e músicas originais, que ampliam o universo lúdico e aproximam a magia da cena.

Em tempos em que tudo é padronizado e desumanizado, Renovada propõe uma visão de mundo na qual a liberdade de expressão e a diversidade de experiências humanas são redescobertas e celebradas. O público é convidado a refletir sobre suas próprias experiências de mudança, resiliência e superação.

Uma contadora aposentada, exímia na arte de “ajustar” números, mas incapaz de organizar a própria vida, entra em desespero ao ver a filha prestes a sair de casa em busca de independência. Enquanto tenta, a qualquer custo, impedir essa partida, ela passa a receber ligações misteriosas de sua mãe já falecida, vindas diretamente de um “além” peculiar.

Com uma linguagem atual, o espetáculo cria uma experiência imersiva que leva o público para dentro da realidade da juventude da Zona Leste – seus corres, afetos, sonhos, desafios e potências. Em cena, doze artistas, incluindo o poeta convidado Jé Versátil, se apresentam com trilha sonora ao vivo, misturando poesia slam, dança, projeções visuais e números de circos como acrobacias, lira, diabolô, rola-rola, homem-foca, monociclo e manipulação de objetos.

UM GRITO NO ESCURO é um espetáculo multimídia que investiga os mecanismos de opressão e censura durante a ditadura militar brasileira (1964–1985). Ao combinar materiais de arquivo com recriação ficcional, a obra constrói uma paisagem fragmentada de memória, silêncio e resistência. Por meio de uma linguagem cênica híbrida, que integra teatro físico, projeções de vídeo, paisagens sonoras e luz, o trabalho transforma documentos e depoimentos reais em uma experiência sensorial, na qual a história não é apenas documentada, mas recriada poeticamente.