A trupe “O Grande Circo Mágico” está de volta da sua turnê triunfal pelo estrangeiro e apresenta a peça Gracias a La Vida. Livremente inspirado na cultura latina e na célebre Violeta Parra, o espetáculo acompanha o já centenário Robinson Crusoé enquanto revisita seu passado, relembrando o naufrágio que o deixou em profunda solidão. Com influências do Kabarett alemão e do circo-teatro, a peça trata de temas como a liberdade e a solidão a partir de uma abordagem satírica e irreverente, embalada por canções emblemáticas interpretadas pela banda da trupe, a aclamada Cosmic Blues Band.

Nessa versão da obra, o foco da montagem é a intimidade das duas jovens irmãs. Antes que a tragédia se consolide, Antígona e Ismênia são mostradas como jovens comuns - entre jogos, desejos e tentativas de viver uma vida ordinária - enquanto o mundo ao redor se deteriora.

“Batalha Oroboro – rap, repente, resistência” é um espetáculo de marionetes voltado para o público adulto inspirado nas batalhas de rima do hip hop, nos embates de repente nordestino e na trajetória de cego Aderaldo. A partir do diálogo entre Lyz, uma MC cega, e seu avô, um poeta nordestino que migrou para São Paulo, o espetáculo traz à cena as disputas poéticas, aproximando linguagens, tempos e estilos distintos e evidenciando as conexões entre passado e o presente.

Uma pessoa cai do topo de um prédio e não chega ao chão. Os anos passam e este corpo não consuma a queda. A partir daí, a vida das pessoas nos apartamentos desse edifício fica presa numa espécie de buraco negro pessoal, onde cada um vive uma experiência que não finaliza. Cada personagem fica preso em sua metáfora, ignorando o conjunto à sua volta. Trata-se de uma fábula contemporânea sobre a sensação de suspensão e paralisia geral do mundo moderno.

“Francisco de Assis 800 Anos – O Musical” acompanha a trajetória de Francisco desde a juventude até sua transformação em um dos grandes símbolos de fraternidade, paz e cuidado com a Criação. Entre inquietações, encontros com a pobreza, rupturas e descobertas, Francisco questiona os valores de seu tempo e escolhe um caminho de simplicidade, desprendimento e serviço ao próximo. A partir dessa jornada, o espetáculo revela não apenas a história de um homem, mas os conflitos e escolhas que continuam presentes no mundo contemporâneo. Por meio de teatro, música, poesia e euritmia, a montagem propõe uma experiência sensível e acessível a diferentes gerações, convidando o público a refletir sobre o que significa viver com mais humanidade, fraternidade e cuidado com o outro.

A dramaturgia de Do Cavalo Nada Sabemos toma como ponto de partida o episódio ocorrido em 3 de janeiro de 1889, na Piazza Carlo Alberto, em Turim. Ao ver um cocheiro espancando o animal, o filósofo Friedrich Nietzsche se atirou ao pescoço do cavalo para protegê-lo, chorou e, a partir daquele momento, entrou em colapso mental definitivo. A montagem usa essa cena para investigar violência, culpa e o desejo de reparação. A peça trata a separação entre natureza e cultura como um erro de origem da civilização e defende que é preciso libertar a vida dos pontos em que ela ainda está presa à conduta humana.

Com teatro, música ao vivo, humor, poesia e muito movimento, o Cabaré do Amor Rasgado celebra o amor como força de vida.

Três Poetas-Operários conduzem o público por uma travessia poética inspirada na vida, na obra e no pensamento de Waly Salomão. Entre poemas, canções, memórias, o espetáculo transforma o palco em um território de encontros para celebrar a potência criadora de um dos artistas mais inquietos da cultura brasileira. O espetáculo convida cada espectador a embarcar numa experiência em que a poesia se torna alimento, a memória se revela uma ilha de edição e a imaginação um poder de transformação.

Vivendo anos sob a máscara de um personagem hétero que ele mesmo criou, Dugin constrói um relato íntimo e potente sobre os pactos que fazemos para caber na sociedade. A peça expõe como a heteronormatividade ensina a mentir, performar e se aprisionar e aponta caminhos possíveis de coragem e pertencimento. “O espetáculo não é sobre assumir uma orientação sexual. É sobre o que a gente precisa esconder para continuar existindo sem ser punido por isso. A violência não começa no soco; começa no silêncio que a sociedade nos obriga a manter”, afirma Dugin.

Sem demonizar a tecnologia ou transformar suas provocações em discurso moralista, o musical aproxima a fábula das inquietações de uma geração permanentemente conectada. Seus personagens convivem com notificações, distrações, comparação, pressa e a sensação de que alguma coisa mais importante pode estar acontecendo em outro lugar. Ao mesmo tempo, a obra chama atenção para uma contradição cada vez mais presente: sabe-se muito sobre aquilo que acontece do outro lado do mundo e, muitas vezes, quase nada sobre quem está logo ao lado

Bernardo não saiu com ninguém desde que terminou o namoro. Olavo passa as noites nos bares e saunas gay da cidade. Caio prefere sexo casual com quem não precisa encontrar no dia seguinte. João gosta mesmo é de se apaixonar. Através dos quatro personagens, a peça faz um recorte da experiência de ser um homem gay (mas não só) nos dias de hoje, discutindo inseguranças afetivas, amizades, relações casuais, expectativas e frustrações com o amor romântico. Entre uma saída e outra com os boys do aplicativo, Caio convence seu melhor amigo, Bernardo, a se jogar no mundo dos encontros amorosos. Só que Bernardo não esperava que João fosse se apaixonar tão rápido. Nem João sabia que Bernardo fosse lidar tão mal com os próprios sentimentos - e com a reaproximação do ex-namorado, Olavo. Seria mais fácil se fosse como nos filmes, mas quase sempre é só a vida real mesmo.

A homenagem coincide com um período de grande projeção para o título ao redor do mundo. Em 2026, as comemorações reuniram novas montagens e concertos especiais em diferentes países, entre eles a produção estrelada por Ben Platt e Rachel Zegler, apresentada no London Palladium e posteriormente levada ao Hollywood Bowl e ao Radio City Music Hall, sob direção e regência do próprio Jason Robert Brown. A programação incluiu ainda o lançamento de um álbum ao vivo oficial, reafirmando a relevância do musical um quarto de século após sua estreia.

O trabalho, suas condições de realização e as relações de poder que atravessam a vida cotidiana são o ponto de partida dos três espetáculos que integram a Mostra do Grupo II no Teatro Arthur Azevedo, em São Paulo. Após as apresentações de “Ofício”, realizadas nos dias 16, 17 e 18 de outubro, o coletivo segue com “Por um trabalho” e “Eu, minhas convicções e um moleque preto com arma na mão”, que abordam questões como precarização profissional, acessibilidade, luto, especulação imobiliária, violência urbana, segurança pública e encarceramento da população negra.

De um lado do rio, uma onça acorda no meio da noite sentindo uma coceira estranha no peito. Inquieta, procura a Velha Ventania - aquela que tece o tempo. Do outro lado do rio mora uma criança que acorda no meio da noite porque seu coração treme. A Dona Onça e a Velha Ventania escutaram o coração da criança e terão que atravessar o rio. Como desvendar um coração que treme?

Um guia turístico convida o público a uma visita ao coração humano. Entre a expectativa da chegada da pessoa amada e a elaboração do término dessa relação, ele conduz os visitantes por um passeio existencial e bem-humorado que reflete sobre o amor e a inevitável solidão que atravessa a existência humana.

Uma pessoa cai do topo de um prédio e não chega ao chão. Os anos passam e este corpo não consuma a queda. A partir daí, a vida das pessoas nos apartamentos desse edifício fica presa numa espécie de buraco negro pessoal, onde cada um vive uma experiência que não finaliza. Cada personagem fica preso em sua metáfora, ignorando o conjunto à sua volta. Trata-se de uma fábula contemporânea sobre a sensação de suspensão e paralisia geral do mundo moderno.

Entre lajes e vielas, pipas e sonhos, meninos recém-saídos do ninho desabam sem nem poder abrir as asas. Em uma manobra arriscada, a jovem-passarinha Antígona rompe a gaiola para lutar por esses irmãos-quase-filhos, junto a um bando de garotas-pássaras. Diante da epidemia de feminicídios e violências contra mulheres que assombram o país, a peça ganha relevo ao retratar mulheres que insurgem contra o Estado e os poderes paralelos. Um convite para uma revoada inadiável, que busca refletir sobre as opressões e amarras sociais impostas às mulheres e crianças, redesenhando outras possibilidades de mundo.

A peça é um mosaico de monólogos ácidos, cômicos e dolorosamente humanos, que expõem personagens à beira do colapso: um ator que sabe tudo, critica todos e nunca termina nada; pessoas que buscam afeto em robôs para não enfrentar a complexidade do outro; crenças rasas disfarçadas de salvação; relações mediadas por telas, filtros e discursos prontos. Todos falam demais, escutam pouco e acreditam, com convicção assustadora, que estão certos.

Três Poetas-Operários conduzem o público por uma travessia poética inspirada na vida, na obra e no pensamento de Waly Salomão. Entre poemas, canções, memórias, o espetáculo transforma o palco em um território de encontros para celebrar a potência criadora de um dos artistas mais inquietos da cultura brasileira. O espetáculo convida cada espectador a embarcar numa experiência em que a poesia se torna alimento, a memória se revela uma ilha de edição e a imaginação um poder de transformação.

A história traz, de um lado, um refinado teólogo representante da tradição e dos velhos costumes da Igreja; do outro, um religioso carismático e com fama de rebelde disposto a construir pontes com as mudanças do mundo moderno. O cardeal argentino Jorge Bergoglio está decidido a pedir sua aposentadoria devido a divergências sobre a forma como o Papa Bento XVI tem conduzido a Igreja. No entanto, ele é surpreendido por um convite pessoal que mudará seu destino: um encontro com o próprio Papa.

Livremente inspirada no conto publicado originalmente em 1882, a montagem parte da história do médico Simão Bacamarte, interpretado por Roger Gobeth, que decide estudar a loucura e passa a internar moradores de Itaguaí na Casa Verde. O que começa como uma investigação científica se transforma gradualmente em uma disputa pelo controle da cidade.

O espetáculo Um Tempo Chamado Yayá conta a trágica história de uma mulher confinada em sua casa. A montagem aborda a vida de Dona Yayá, herdeira reclusa em um casarão no centro de São Paulo, e discute questões de saúde mental, gênero e patrimônio cultural em uma imersão sobre o desequilíbrio mental e suas questões.

Antígona: 1964, nasce da pesquisa sobre uma pluralidade de dramaturgias que discorrem sobre o mito de Antígona em contextos históricos diversos. Colocando em diálogo a tragédia de Sófocles, as releituras de Jean Anouilh e Bertolt Brecht e textos autorais de jovens atores escritos a partir da reflexão sobre seu tempo histórico, o espetáculo problematiza: quem decide o que deve ser preservado e o que deve ser esquecido?

Mais do que uma apresentação circense, a montagem propõe um convite para desacelerar. Em um cotidiano cada vez mais tomado pela pressa, Tertulia e Fifi abrem uma pequena fresta para o público parar, brincar e acreditar no impossível

Em cena, Durvalina é uma mulher que deixou São João do Paraíso (MG) há mais de três décadas, carregando o sonho de comprar uma máquina de costura para a mãe. Hoje vende bolos e café num ponto de ônibus em São Paulo, onde compartilha causos e memórias com quem passa. Inspirado em "Contando Causos", espetáculo de 2010 sobre a obra de Rolando Boldrin, o solo tem atuação de Geni Cavalcante, direção artística de Ronaldo Aguiar e dramaturgia de Nereu Afonso da Silva. Uma homenagem à cultura popular brasileira e aos migrantes que vieram para a cidade grande.

A montagem parte da história clássica de Teseu e do Minotauro para construir uma narrativa ambientada em um universo rural brasileiro. O canavial, inspirado nas lembranças de infância e adolescência de Regina França em uma fazenda da família, transforma-se em um labirinto onde referências da mitologia grega se misturam às memórias e personagens desse cotidiano.

True West narra a instável relação entre dois irmãos, Austin e Lee, acentuada pelas diferenças em seus estilos de vida e ambições. Austin é um roteirista educado e bem-sucedido; Lee, um andarilho instável e agressivo. Quando Lee aparece inesperadamente na casa da mãe deles, os conflitos de personalidade e ressentimentos reprimidos começam a emergir, revelando suas inseguranças mais profundas e o desejo latente de viver a vida do outro. True West questiona a identidade e a herança familiar, além de ser uma poderosa reflexão sobre masculinidade e busca desesperada por relevância na sociedade capitalista.

Cabaré da Vida Pequena é uma peça sobre histórias extraordinárias de pessoas comuns. O roteiro mistura realidade, ficção, teorias, histórias e canções e foi desenvolvido a partir de um processo de criação colaborativa com o grupo, assim como nos trabalhos anteriores da companhia.

A montagem nasceu a partir do curta “DOCE (desilusão)”, criado por Caio e Kelvin em 2020 e, desde então, se expandiu para uma obra cênica mais profunda e sensorial. Um dos objetivos do espetáculo é atravessar a instabilidade psíquica sem seguir uma narrativa tradicional, mas por meio de imagens, movimentos e atmosferas.No espetáculo, o corpo do ator não é apenas um veículo de movimento, mas um gerador de imagens perturbadoras e revelações psicológicas.

Renovada é um espetáculo de técnicas aéreas, acrobacia e dança criado e interpretado pela multiartista Marina Viski e dirigido por Tayná Ibanêz. Renovada propõe uma reflexão sobre a essência cíclica da vida - altos e baixos, cheio e vazio. Buracos que às vezes fazem cair e às vezes são essenciais para que haja luz.

Você Morre Um palhaço faz seu showzinho ao vivo. Carpideiras contratadas. Moscas no passinho. Uma alma em busca de um pedaço no céu.Perseguição Policial e filosofia de coveiros. E, no meio disso tudo, alguém sobrevive... e decide contar. E você? Sabia que você morre? Sim, é possível. “Você Morre” é um espetáculo de comicidade construído em esquetes que atravessam as fases do luto, articulando palhaçaria, bufonaria e humor físico. A morte dá partida a uma sucessão de situações absurdas que expõem nossas maneiras de lidar com a perda. A paródia também alcança o próprio fazer teatral, colocando em jogo suas convenções e aquilo que ainda permanece vivo na cena.

A montagem, dirigida e adaptada por Luize, chega ao palco 20 anos depois da criação do texto original, sem transportar a história integralmente para o presente. A proposta é investigar o que permanece reconhecível na estrutura familiar criada por Passô e, a partir dela, acrescentar procedimentos, linguagens e questões que surgiram durante o processo de criação universitário. O resultado reúne quatro atores e dois músicos em cena, com música original executada ao vivo, dança, partituras corporais, projeções e momentos em que os intérpretes deixam os personagens para falar diretamente com o público.

A trama percorre, por meio de quadros musicais e poéticos, vivências que vão do nascimento à infância, da descoberta dos desejos ao encontro transformador com a arte. Nesse percurso, também emergem os desafios que atravessam vidas e corpos dissidentes.

Com o humor afiado de sempre, Nany People interpreta uma mulher que acredita que o mundo gira em torno de si. Mas descobre, da forma mais surpreendente, que nem tudo é como ela quer.