A dramaturgia de Do Cavalo Nada Sabemos toma como ponto de partida o episódio ocorrido em 3 de janeiro de 1889, na Piazza Carlo Alberto, em Turim. Ao ver um cocheiro espancando o animal, o filósofo Friedrich Nietzsche se atirou ao pescoço do cavalo para protegê-lo, chorou e, a partir daquele momento, entrou em colapso mental definitivo. A montagem usa essa cena para investigar violência, culpa e o desejo de reparação. A peça trata a separação entre natureza e cultura como um erro de origem da civilização e defende que é preciso libertar a vida dos pontos em que ela ainda está presa à conduta humana.

Sem demonizar a tecnologia ou transformar suas provocações em discurso moralista, o musical aproxima a fábula das inquietações de uma geração permanentemente conectada. Seus personagens convivem com notificações, distrações, comparação, pressa e a sensação de que alguma coisa mais importante pode estar acontecendo em outro lugar. Ao mesmo tempo, a obra chama atenção para uma contradição cada vez mais presente: sabe-se muito sobre aquilo que acontece do outro lado do mundo e, muitas vezes, quase nada sobre quem está logo ao lado

Na montagem, o grupo de teatro Os Confusos ocupa há mais de dez anos um galpão abandonado, transformado em espaço de criação, encontro e resistência. Durante os ensaios de O Círculo de Giz Caucasiano, a chegada de pessoas da comunidade com uma ordem de despejo interrompe o processo e coloca em risco a continuidade daquele espaço coletivo. Diante da ameaça, os limites entre ficção e realidade começam a se desfazer, fazendo com que o grupo e a comunidade reconheçam, na história encenada, conflitos que atravessam suas próprias vidas.

1963, madrugada do dia 2 para 3 de março, centro do Rio de Janeiro: um corpo que cai. Estirado no chão está José Nogueira, repórter investigativo. Qual a verdade oficial sobre o homem que ficou em coma por dez dias naquele ano? Espião da Marinha? Amigo de João Goulart? Jornalista da ação anticomunista? 2026, em uma sala de ensaio aberta ao público, três atores tentam juntar os fragmentos da história pré-ditadura, enquanto escrevem os atos trágicos de uma democracia agonizante.

REDRDN desafia a linguagem a voltar-se contra si mesma, por meio de uma sequência de ações que desmontam o sexo, o casamento, o trabalho, o corpo, a família para tensionar as forças que moldam a existência das mulheres.

A VIDA DE UM SER tem concepção e criação de Artur Slama – que também assina a direção – e Vinicius Gonzalez. Em cena, os próprios criadores dão vida aos irmãos em uma narrativa que parte do cotidiano para chegar a questões mais amplas sobre a condição humana. Dormir, comer, ir ao banheiro, trabalhar, cumprir tarefas e seguir a rotina fazem parte da existência, mas o espetáculo pergunta o que existe entre uma obrigação e outra. Onde entram o amor, a poesia, a sensibilidade, o desejo, a memória e a necessidade de estar junto?

Baal é inspirado no deus fenício da fertilidade e fecundação. Na peça, ele representa o retorno do homem à sua essência mais primitiva e selvagem. Rejeitando as regras da sociedade, Baal explora seus desejos sem culpa, cruzando limites entre o encantamento e a destruição, amoral, mas em um mundo amoral. Baal - O Mito da Carne conta a história do amor dilacerado entre Baal (Fonseca) e Ekart (Daniel Ortega), com referências ao tórrido romance vivido entre Rimbaud e Verlaine. Juntos, eles caminham pelo mundo deixando corpos e poesias por onde passam, ao mesmo tempo em que são consumidos por esse mundo. Formando um triângulo amoroso com Sophie (Stella Rocha), estendem ao público uma conturbada discussão dialética sobre empatia. “Baal e Ekart não se encaixam em nenhuma definição de gênero e para eles pouco importa. Isso quer dizer que não é possível rotula-los, defini-los”, comenta o diretor. O espetáculo sugere que, numa sociedade controlada pelo capital, onde as atitudes se tornam mecânicas e insossas, só uma força transgressora pode despertar as pessoas para a vida.

A trama percorre, por meio de quadros musicais e poéticos, vivências que vão do nascimento à infância, da descoberta dos desejos ao encontro transformador com a arte. Nesse percurso, também emergem os desafios que atravessam vidas e corpos dissidentes.

Texto escrito por Reinaldo Maia em 1977 coloca em cena o absurdo de uma menina estar sendo acusada de ter comido uma banana no Reino das Bananas. Comandado pelo Rei Leonino esse reino no qual os outros animais estão perdendo suas funções sociais é onde se passa a história. O que acontecerá no final só os espectadores poderão decidir a cada dia.

Na trama, Mauricio (Alexandre Acquiste) é a imagem do sucesso: empresário bem-sucedido, casado e pai de família. Sua estrutura aparentemente inabalável é posta à prova quando ele decide alugar um quarto de hotel para vivenciar sua primeira experiência sexual com outro homem. O escolhido é Rafa (Bruno Gadiol), um jovem e experiente garoto de programa.

A história de Luiz Gama, abolicionista vendido pelo próprio pai para pagar uma dívida de jogo, inspira o espetáculo que aproxima passado e presente para refletir sobre a liberdade. Com capoeira, poesia, música e brincadeiras, “GinGama” convida o público a participar de uma disputa cênica e conhecer a trajetória de um homem que conquistou a própria liberdade e lutou pela de centenas de pessoas. 

Alçada ao posto de protagonista, a mulher, guardiã de uma atividade em vias de extinção, que atua como ponto - função que "sopra" o texto quando o elenco esquece as falas - sai das sombras dos bastidores para recontar sua vida e fragmentos da história do próprio teatro. Sopro é também uma história de amor, de intriga, de trabalho, de política, de vingança, de solidão, de amizade e todas passadas num teatro.

Na peça, Nathália interpreta Rosa, atriz que fundou um teatro ao lado da irmã e do cunhado, ambos já falecidos. Durante décadas, os três mantiveram o espaço, que se tornou uma referência cultural de sua geração. Com o passar dos anos, porém, Rosa se vê sozinha diante das dificuldades financeiras e da falta de recursos para manter o teatro aberto.

Na montagem, o grupo de teatro Os Confusos ocupa há mais de dez anos um galpão abandonado, transformado em espaço de criação, encontro e resistência. Durante os ensaios de O Círculo de Giz Caucasiano, a chegada de pessoas da comunidade com uma ordem de despejo interrompe o processo e coloca em risco a continuidade daquele espaço coletivo. Diante da ameaça, os limites entre ficção e realidade começam a se desfazer, fazendo com que o grupo e a comunidade reconheçam, na história encenada, conflitos que atravessam suas próprias vidas.

Livremente inspirada no conto publicado originalmente em 1882, a montagem parte da história do médico Simão Bacamarte, interpretado por Roger Gobeth, que decide estudar a loucura e passa a internar moradores de Itaguaí na Casa Verde. O que começa como uma investigação científica se transforma gradualmente em uma disputa pelo controle da cidade.

Costurando saberes e o modo de vida de populações ribeirinhas da amazônia cabocla do norte do Brasil, em relação com as narrativas míticas da Cabocla Encantada Mariana,"Do Ventre à cabeça" cria conexões poéticas entre tradição, memória e saberes populares amazônidas. O espetáculo parte dos ensinamentos de uma avó ribeirinha, revisitando ancestralidades amazônidas em conexão com a Encantaria e o Tambor de Mina.

Ao voltar da guerra, o general Macbeth se depara com três bruxas num descampado, que profetizam seu futuro como rei da Escócia. Motivados pela previsão, ele e sua esposa, Lady Macbeth, tramam o assassinato do rei Duncan e a usurpação da coroa. O crime, no entanto, leva o casal a ser consumido pela culpa, precipitando o reino em uma espiral de terror e despotismo. Tomado pela angústia e paranoia, à medida que vê sua coroa ameaçada, Macbeth se converte em um tirano.

A Encontrarte apresenta Charlie e a Fantástica Fábrica de Chocolate, um espetáculo que reúne teatro, dança e música para conduzir o público ao universo extraordinário da misteriosa fábrica de Willy Wonka.

Essa é uma emergência: abandonem suas casas e sigam em direção ao ponto de encontro. A mineração segue a todo o vapor pelo curso do Rio Paraopeba, até invadir a história de Luzia Medeiros, funcionária de uma mineradora. De Vila Rica no século XVIII a Brumadinho no século XXII, Luzia descobre que “morre-se de febre e de fome sobre as riquezas da terra”.

Cartas da Prisão é uma tentativa de tornar visível aquilo que a sociedade insiste em manter invisível”, fala a dramaturga Nanna de Castro que rompe deliberadamente o limite entre realidade e ficção, transitando entre depoimentos verdadeiros e fictícios, entre o noticiário e o poético. Obras como Mulheres que Amam Demais, de Robin Norwood, e Loucas de Amor, de Gilmar Mendes, são referências importantes. “Dentre as facetas das relações abusivas, sempre me intrigaram as mulheres que se correspondem com criminosos sexuais confessos na prisão. É comum que assassinos recebam centenas de cartas de amor de mulheres que os conhecem apenas pelo noticiário. É como se o abuso fosse não apenas aceito ou perdoado, mas acolhido.

O espetáculo reúne cinco histórias de encontros e desencontros que vibram a intensidade latina. Durante o carnaval, vidas se entrelaçam nesse drama contemporâneo, que une teatro, dança e música ao vivo. "'Drama Latinoamericano' é as histórias que guardamos do carnaval."

Antígona: 1964, nasce da pesquisa sobre uma pluralidade de dramaturgias que discorrem sobre o mito de Antígona em contextos históricos diversos. Colocando em diálogo a tragédia de Sófocles, as releituras de Jean Anouilh e Bertolt Brecht e textos autorais de jovens atores escritos a partir da reflexão sobre seu tempo histórico, o espetáculo problematiza: quem decide o que deve ser preservado e o que deve ser esquecido?

O espetáculo investiga o adoecimento docente na escola pública, traduzindo as cicatrizes e as vozes de professoras e professores em uma narrativa visual e poética. A realidade e o delírio transformam o vazio burocrático e a exaustão em matéria cênica, revelando a sala de aula como um espaço onde colapso e resistência habitam o mesmo chão. A peça expõe a crise da educação como projeto político. Uma denúncia em forma de poesia cênica sobre aqueles que, mesmo diante do impossível, insistem em inventar o amanhã.

A nova montagem ganha especial significado em 2026, ano que marca os 30 anos da morte de Caio Fernando Abreu. Um dos principais escritores brasileiros a colocar em circulação experiências de desejo, sexualidade, solidão e dissidência, Caio permanece como referência para diferentes gerações LGBTQIAP+. Ao retomar PEQUENO MONSTRO, a Homograma não busca reproduzir a montagem apresentada originalmente em São Paulo, em 2022, mas reler o conto a partir de outros corpos, territórios e experiências.

Drama imersivo e itinerante inspirado livremente em obras do cineasta Ingmar Bergman. Uma famosa cantora lírica visita a sua filha no casarão que ela divide com o marido presbítero. Durante a visita, mãe e filha tentam se reaproximar e dirimir as mágoas do seu passado. Nessa montagem do Núcleo Teatro de Imersão, os espectadores percorrem os diversos ambientes do casarão, sem separação entre palco e plateia.

Para seu concerto de violino, o palhaço Seu Cocó preparou um repertório de canções conhecidas para o público, com muito capricho, metodismo e organização. No entanto, uma mosca surge no palco atrapalhando a execução de seu número musical, e para piorar a situação, a própria característica excêntrica do músico contribui para a confusão. No final, palhaço e plateia descobrem a verdadeira intenção do inseto.

Num ponto de ônibus no meio do nada, cinco caras se encontram depois de uma desastrosa festa de casamento num sítio. A responsável pela barbárie é Betty Braite, uma feminista radical e traficante de prazeres ilícitos. Dizem que ela está morta. Ou pior: viva.