A partir das provocações que a performance vem fazendo ao teatro ao longo dos anos, esta peça-palestra constrói um campo auto ficcional, a partir de documentos, relatos autobiográficos, teoria queer e feminismos para investigar o corpo lésbica na sociedade. Tendo a travessia das tartarugas marinhas como metáfora de sobrevivência e resistência, a obra propõe uma experiência poética que imagina futuros possíveis marcados pelo afeto, pela igualdade e pela liberdade.

A peça é um mosaico de monólogos ácidos, cômicos e dolorosamente humanos, que expõem personagens à beira do colapso: um ator que sabe tudo, critica todos e nunca termina nada; pessoas que buscam afeto em robôs para não enfrentar a complexidade do outro; crenças rasas disfarçadas de salvação; relações mediadas por telas, filtros e discursos prontos. Todos falam demais, escutam pouco e acreditam, com convicção assustadora, que estão certos.

Livremente inspirada no conto publicado originalmente em 1882, a montagem parte da história do médico Simão Bacamarte, interpretado por Roger Gobeth, que decide estudar a loucura e passa a internar moradores de Itaguaí na Casa Verde. O que começa como uma investigação científica se transforma gradualmente em uma disputa pelo controle da cidade.

A comédia acompanha um ator veterano que abandona o palco no meio de uma apresentação de Macbeth, irritado com celulares e distrações da plateia. Nos bastidores, o episódio desencadeia um embate sobre o pacto entre palco e público e os limites dessa convivência. No elenco estão Norival Rizzo, Walter Breda, Fábio Esposito, Ana Andreatta, Conrado Sardinha e Natália Beukers.

O espetáculo investiga os últimos dias de vida de Jararaca, cangaceiro morto pela polícia e hoje reverenciado como santo popular em Mossoró/RN, tensionando as fronteiras entre memória, mito e apagamento histórico. A obra propõe um olhar crítico sobre as violências de Estado que atravessam passado e presente, refletindo sobre quem tem o direito de narrar a história. Ao confrontar o público, lança perguntas inquietantes: Quais vidas são marcadas para morrer? E que outras versões ainda seguem soterradas pelo silêncio?

Costurando saberes e o modo de vida de populações ribeirinhas da amazônia cabocla do norte do Brasil, em relação com as narrativas míticas da Cabocla Encantada Mariana,"Do Ventre à cabeça" cria conexões poéticas entre tradição, memória e saberes populares amazônidas. O espetáculo parte dos ensinamentos de uma avó ribeirinha, revisitando ancestralidades amazônidas em conexão com a Encantaria e o Tambor de Mina.

Um pequeno acidente de trânsito, que quase resultou num atropelamento, acaba provocando a aproximação entre o Sr Green, um velho e solitário judeu ortodoxo, e Ross, um jovem executivo de 29 anos que, graças ao juiz Kruger, foi acusado de negligência na direção e considerado culpado pela ocorrência. A pena consiste em fazer com que Ross deva prestar serviço comunitário junto à vítima uma vez por semana, pelos próximos seis meses. A ação da peça se passa no velho apartamento do Sr. Green. Tudo parece ter sido adquirido há muito tempo e se mantido intocável desde então. 

Primeiro espetáculo solo do ator Vladimir Brichta, “O Menor Palco do Mundo” parte do texto do premiado autor australiano Kim Crotty. A história real aborda a paternidade por meio de temas como presença, ausência, afeto e reparação dos vínculos. A montagem propõe uma reflexão sensível sobre os laços familiares e sobre as histórias que contamos para permanecer próximos daqueles que amamos.

Barulhos acompanha Rosa, uma menina que, enquanto enfrenta com a mãe o luto pela morte da avó, passa a encontrar nos sonhos uma garota misteriosa que procura sua casa perdida. Nesse mundo onírico, um barulho estranho faz o chão se mover e arrasta todas as casas. Rosa e a menina atravessam uma jornada com uma onça falante, uma cabeça sem corpo e um guia cientista, tentando recuperar aquilo que se desloca sem parar.

Na trama, Mauricio (Alexandre Acquiste) é a imagem do sucesso: empresário bem-sucedido, casado e pai de família. Sua estrutura aparentemente inabalável é posta à prova quando ele decide alugar um quarto de hotel para vivenciar sua primeira experiência sexual com outro homem. O escolhido é Rafa (Bruno Gadiol), um jovem e experiente garoto de programa.

A Raiz é um monólogo onde a personagem única é um narrador que conta a estória de um menino andrógino, a descoberta de sua sexualidade, do amor e do preconceito da sociedade. Um conto repleto de poesia e delicadeza escrito por Newton Moreno, um dos mais premiados dramaturgos nacionais, narrado pelo ator Claudio Fontana e dirigido por Elias Andreato

Em cena, Durvalina é uma mulher que deixou São João do Paraíso (MG) há mais de três décadas, carregando o sonho de comprar uma máquina de costura para a mãe. Hoje vende bolos e café num ponto de ônibus em São Paulo, onde compartilha causos e memórias com quem passa. Inspirado em "Contando Causos", espetáculo de 2010 sobre a obra de Rolando Boldrin, o solo tem atuação de Geni Cavalcante, direção artística de Ronaldo Aguiar e dramaturgia de Nereu Afonso da Silva. Uma homenagem à cultura popular brasileira e aos migrantes que vieram para a cidade grande.

A montagem preserva a estrutura fundamental da dramaturgia original, mas incorpora cenas e situações criadas pelo coletivo durante o processo de pesquisa. A encenação combina música original executada ao vivo, dança, partituras corporais e projeções. Em determinados momentos, os atores deixam seus personagens para falar diretamente com o público, expondo os mecanismos da representação e estabelecendo uma relação entre ficção e realidade.

O espetáculo investiga os últimos dias de vida de Jararaca, cangaceiro morto pela polícia e hoje reverenciado como santo popular em Mossoró/RN, tensionando as fronteiras entre memória, mito e apagamento histórico. A obra propõe um olhar crítico sobre as violências de Estado que atravessam passado e presente, refletindo sobre quem tem o direito de narrar a história. Ao confrontar o público, lança perguntas inquietantes: Quais vidas são marcadas para morrer? E que outras versões ainda seguem soterradas pelo silêncio?

São três monólogos que possuem pontos em comum. O mesmo tema - “a noite escura da alma” - perpassa as dramaturgias que contam as histórias de duas santas e um santo, ícones carmelitas venerados na fé católica: Santa Benedita Tereza da Cruz (1891-1942) - Edith Stein, a Estrela e a Cruz, vivida em cena por Daniela Schitini; São João da Cruz (1542-1591) - João da Cruz, interpretado por Helder Mariani; e Santa Theresinha do Menino Jesus (1873-1897) - Theresinha, interpretada por Gabriela Cerqueira. Outras duas atrizes - Katia Naiane e Nicoli Rizzoli - atuam no espetáculo performando e conduzindo o público pela Catedral da Sé para o encontro com os três santos e “a noite escura da alma”.

Na trama, o escultor Rubek (Celso Frateschi) vive um casamento monótono e infeliz com sua jovem esposa, Maja (Maria Manoella). O artista tenta reconstruir a própria história ao reencontrar Irene (Maria Fernanda Candido), mas o encontro não representa uma retomada do passado, e sim o confronto com aquilo que os dois deixaram de viver. A montagem estabelece um diálogo com a sociedade contemporânea ao apresentar personagens que já não parecem viver plenamente, permanecendo expostos, enquanto sentimentos e dores se transformam em espetáculo. A obra coloca em questão o que se sacrifica em nome da criação e a que custo.

A peça é um mosaico de monólogos ácidos, cômicos e dolorosamente humanos, que expõem personagens à beira do colapso: um ator que sabe tudo, critica todos e nunca termina nada; pessoas que buscam afeto em robôs para não enfrentar a complexidade do outro; crenças rasas disfarçadas de salvação; relações mediadas por telas, filtros e discursos prontos. Todos falam demais, escutam pouco e acreditam, com convicção assustadora, que estão certos.

A partir da adaptação de cinco contos de Clarice Lispector, composta pelos textos Via Crucis, Menino a Bico de Pena, A Legião Estrangeira, Amor e O Ovo e a Galinha, o espetáculo aborda conceitos de família, relações afetivas e alteridade sob o olhar de Clarice. A adaptação e direção é de Cesar Ribeiro, com as atrizes Clara Carvalho, Magali Biff, Mariana Muniz e Vera Zimmermann.

Ao voltar da guerra, o general Macbeth se depara com três bruxas num descampado, que profetizam seu futuro como rei da Escócia. Motivados pela previsão, ele e sua esposa, Lady Macbeth, tramam o assassinato do rei Duncan e a usurpação da coroa. O crime, no entanto, leva o casal a ser consumido pela culpa, precipitando o reino em uma espiral de terror e despotismo. Tomado pela angústia e paranoia, à medida que vê sua coroa ameaçada, Macbeth se converte em um tirano.

Com o humor afiado de sempre, Nany People interpreta uma mulher que acredita que o mundo gira em torno de si. Mas descobre, da forma mais surpreendente, que nem tudo é como ela quer.

Na montagem, o grupo de teatro Os Confusos ocupa há mais de dez anos um galpão abandonado, transformado em espaço de criação, encontro e resistência. Durante os ensaios de O Círculo de Giz Caucasiano, a chegada de pessoas da comunidade com uma ordem de despejo interrompe o processo e coloca em risco a continuidade daquele espaço coletivo. Diante da ameaça, os limites entre ficção e realidade começam a se desfazer, fazendo com que o grupo e a comunidade reconheçam, na história encenada, conflitos que atravessam suas próprias vidas.

A peça de Carlo Goldoni conta a clássica história do astuto Arlequim que, para conseguir um prato de comida, passa o tempo todo se dividindo entre as solicitações de dois patrões. Uma patroa é Beatriz, disfarçada de seu irmão, Federico, que morreu em uma briga. Ela chega em Veneza buscando reencontrar seu namorado Florindo, suposto assassino de Frederico. Florindo é o segundo patrão de Arlequim. As confusões nascem dele misturar e não ter certeza das ordens recebidas e de suas tentativas de fazer, ao menos, uma refeição. “Arlequim, Servidor de Dois Patrões” trata, com humor e lirismo, da fome. Arlequim é o arquétipo fundamental para se compreender o que é a esperteza de quem vive na pobreza. A encenação de Hugo Possolo aproxima a obra original da nossa cultura, do Brasil de hoje e suas contradições sociais. Sem sair da época e do local onde transcorre a trama de Comédia Dell’Arte, os Parlapatões se valem da arte da palhaçaria para encenar uma aventura lúdica e cômica apoiados em elementos da cultura popular brasileira.

Uma mulher, no intuito de curar-se de um ciúme doentio por um marido nada atraente, mergulha numa divertida jornada de autoconhecimento. A protagonista revive as histórias de seus relacionamentos e o início de sua carreira artística enquanto recebe o público em seu camarim, numa atmosfera intimista e inusitada, que situa a narrativa no limiar entre a ficção e a vida real. O espetáculo aborda de forma muito natural questões intrínsecas à alma feminina e de extrema relevância nos dias de hoje, como a ansiedade, a autoestima e a sexualidade; sempre sob a ótica tragicômica de uma mulher atormentada pelo ciúme.

A VIDA DE UM SER tem concepção e criação de Artur Slama – que também assina a direção – e Vinicius Gonzalez. Em cena, os próprios criadores dão vida aos irmãos em uma narrativa que parte do cotidiano para chegar a questões mais amplas sobre a condição humana. Dormir, comer, ir ao banheiro, trabalhar, cumprir tarefas e seguir a rotina fazem parte da existência, mas o espetáculo pergunta o que existe entre uma obrigação e outra. Onde entram o amor, a poesia, a sensibilidade, o desejo, a memória e a necessidade de estar junto?

A trama percorre, por meio de quadros musicais e poéticos, vivências que vão do nascimento à infância, da descoberta dos desejos ao encontro transformador com a arte. Nesse percurso, também emergem os desafios que atravessam vidas e corpos dissidentes.

Essa é uma emergência: abandonem suas casas e sigam em direção ao ponto de encontro. A mineração segue a todo o vapor pelo curso do Rio Paraopeba, até invadir a história de Luzia Medeiros, funcionária de uma mineradora. De Vila Rica no século XVIII a Brumadinho no século XXII, Luzia descobre que “morre-se de febre e de fome sobre as riquezas da terra”.

Na peça, Hollis Jay é um homem que nunca viveu uma relação afetiva ou sexual. Sensível, introspectivo e profundamente inseguro, ele marca um encontro com Ellie, uma mulher simples e direta. Quando percebe que ela também está interessada, entra em pânico. Entre hesitações, silêncios e tentativas desastradas de aproximação, o encontro vira uma comédia sobre o medo da intimidade e a coragem de se deixar ver.

Cartas da Prisão é uma tentativa de tornar visível aquilo que a sociedade insiste em manter invisível”, fala a dramaturga Nanna de Castro que rompe deliberadamente o limite entre realidade e ficção, transitando entre depoimentos verdadeiros e fictícios, entre o noticiário e o poético. Obras como Mulheres que Amam Demais, de Robin Norwood, e Loucas de Amor, de Gilmar Mendes, são referências importantes. “Dentre as facetas das relações abusivas, sempre me intrigaram as mulheres que se correspondem com criminosos sexuais confessos na prisão. É comum que assassinos recebam centenas de cartas de amor de mulheres que os conhecem apenas pelo noticiário. É como se o abuso fosse não apenas aceito ou perdoado, mas acolhido.

O espetáculo reúne cinco histórias de encontros e desencontros que vibram a intensidade latina. Durante o carnaval, vidas se entrelaçam nesse drama contemporâneo, que une teatro, dança e música ao vivo. "'Drama Latinoamericano' é as histórias que guardamos do carnaval."

Antígona: 1964, nasce da pesquisa sobre uma pluralidade de dramaturgias que discorrem sobre o mito de Antígona em contextos históricos diversos. Colocando em diálogo a tragédia de Sófocles, as releituras de Jean Anouilh e Bertolt Brecht e textos autorais de jovens atores escritos a partir da reflexão sobre seu tempo histórico, o espetáculo problematiza: quem decide o que deve ser preservado e o que deve ser esquecido?

Drama imersivo e itinerante inspirado livremente em obras do cineasta Ingmar Bergman. Uma famosa cantora lírica visita a sua filha no casarão que ela divide com o marido presbítero. Durante a visita, mãe e filha tentam se reaproximar e dirimir as mágoas do seu passado. Nessa montagem do Núcleo Teatro de Imersão, os espectadores percorrem os diversos ambientes do casarão, sem separação entre palco e plateia.

Para seu concerto de violino, o palhaço Seu Cocó preparou um repertório de canções conhecidas para o público, com muito capricho, metodismo e organização. No entanto, uma mosca surge no palco atrapalhando a execução de seu número musical, e para piorar a situação, a própria característica excêntrica do músico contribui para a confusão. No final, palhaço e plateia descobrem a verdadeira intenção do inseto.