Depois de oito apresentações pontuais e esgotadas no início do ano passado, em março de 2025, o espetáculo Contus d Fadas para Kabezas Dialetykas retorna ao Teatro Oficina para curta temporada de cinco semanas, às segundas e terças-feiras. O espetáculo tem em suas veias a paixão de Kafka pelo teatro popular e é uma encenação inédita a partir de contos curtos do autor. A montagem atravessa sete de suas narrativas, criando uma engrenagem disparadora de imagens, gestos e palavras que vão do embate com a “lei” ao desejo de fusão com a terra. “Um contra-feitiço, em compasso báquico, à civilização ocidental, diz a diretora Fabiana Serroni.

Criado a partir da leitura de “Torquatália”, uma antologia de obras de Torquato Neto, conduzida por Paulo Roberto Pires, a vida e obra de Torquato Neto ganham uma nova dimensão ao migrarem do universo literário para o palco teatral. No espetáculo sem quarta parede e com duração de 80 minutos, Tuca Andrada apresenta as impressões e marcas que teve ao se envolver com o poeta e convoca o público a interagir; perguntando, fazendo críticas e tirando dúvidas, o que o torna sempre renovado a cada noite. O espetáculo se desenvolve numa arena ou semi arena onde o público esta dentro da ação. Como se numa roda de amigos o ator começasse a contar a história de um artista inclassicável/não enquadrável, sobre qualquer aspecto, e o efeito produzido dessa obra nesse ator. Durante pouco mais de uma hora, o mundo e o tempo de Torquato Neto toma conta do ator e ele narra sua visão da história, com a ajuda apenas de um banco, sonoplastia, música, dança e com um chão coberto com poesias do Poeta.

Com linguagem musical e forte apelo cênico, a dramaturgia conecta passado e presente a partir de textos, músicas e referências históricas. A ação se passa em um festival de rock, com 15 intérpretes em múltiplos papéis e banda ao vivo, elemento central da encenação.

Um ser alado cai no quintal de um ser humano. É a partir dessa premissa que a narrativa se desenvolve. O ser humano, um catador de lixo que tenta sobreviver à miséria que assola sua família, vê sua rotina mudar com a queda de um ser alado em seu quintal. O espanto inicial dá lugar à necessidade de identificar o estranho ser, gerando um permanente questionamento quanto à definição do ser alado. Seria um anjo? Um frango? Um delírio provocado pela fome? É nessa teia que o espectador é convidado a se equilibrar, enquanto os dois seres se digladiam em um intenso confronto dialético. O exílio forçoso de um, e a miséria do outro, pontuam a trama, que apresenta um cenário pós-apocalíptico permeado de desesperança. Um ser alado e um ser humano, no abismo de suas percepções, preconceitos, medos e dúvidas.

Inspirado em Medea, da mítica grega, o espetáculo Medea Depois do Sol estreia e cumpre temporada no Sesc Ipiranga, entre 06 a 29 de março de 2026, propondo uma leitura da personagem, a partir de temas como: Violência de gênero, colonização latinoamericana e ecofeminismo.

O espetáculo, com direção do espetáculo é de Allan Oliveira, é baseado em “David Copperfield”, livro de Charles Dickens publicado em 1850, e é centrado no personagem que é um menino órfão de pai que cresce enfrentando perdas, injustiças e desafios que moldam seu caráter desde muito cedo. Criado inicialmente sob os cuidados da mãe e da babá, sua infância é interrompida pela chegada de figuras autoritárias e cruéis que o lançam em um mundo de repressão e sofrimento.

A história retrata João, que, já velho e inválido, recorda sua intensa e tumultuada relação com Teresa, um amor quase extremista e doentio, marcado pela impossibilidade de alcançar a perfeição e por um suicídio simulado de Teresa que João só descobre anos depois.

LAS NEURONAS explora como corpo, atenção, ação coletiva e dispositivos moldam nossa percepção da realidade e nossa experiência cotidiana. Entre o cômico e o poético, a montagem provoca o público a refletir sobre consciência, percepção e sobre nossa relação com os dispositivos tecnológicos. Com participação do público, experimentos científicos são recriados de forma bem-humorada. Dados científicos se conectam às vivências das artistas e espectadores, dialogando com dinâmicas de grupos humanos, florestas e animais. A peça é um convite à escuta e observação ativa e nos desafia a tomar posse de nossa mente e corpo.

Em Baixa Sociedade, o público acompanha Otávio, um homem disposto a tudo para mudar de vida — mentir, fingir, inventar — acreditando que o sucesso depende apenas da aparência certa. A partir dessa trama, Juca de Oliveira constrói um retrato divertido e incômodo do brasileiro contemporâneo: aquele que sonha em subir, mas não percebe que o chão ainda está por fazer. Com humor afiado, “Baixa Sociedade” marca o encontro de dois grandes nomes da cena brasileira — e promete fazer o público rir, pensar e se reconhecer.

Entre mito e carne, personagens do Éden reimaginado e figuras ficcionais se encontram em um espaço que é, simultaneamente, jardim, deserto e altar. Cada gesto desfaz e refaz vínculos, revelando o que há de luminoso e cruel no encontro humano. O público é convidado a atravessar esse território sensorial onde o Éden deixa de ser promessa e se torna espelho - um reflexo instável de nossos desejos, conflitos e sombras.

Quem se lembra do próprio nascimento? Ninguém. Mas eu me lembro do meu. Lembro em todos os detalhes: do meu nascimento e da minha infância. E posso garantir: eu era muito mais feliz antes de nascer. Vida boa era a minha quando eu estava guardado ainda dentro da minha mãe. Silêncio, sossego e serviço de quarto. Aqui fora há barulho, bagunça, bando de ladrões. Eu me sinto exilado no mundo. Mas se viver não tem remédio, temos ao menos o consolo da comédia.

Após o sucesso de três apresentações especiais em Juiz de Fora, Minas Gerais, Mouhamed Harfouch leva seu monólogo “Meu Remédio” para o Rio de Janeiro, com estreia marcada para 10 de janeiro de 2025, no Teatro Ipanema. Dirigido por João Fonseca, o espetáculo traz uma narrativa profundamente pessoal e emotiva, onde Harfouch mergulha na sua história de vida, lidando com temas como identidade, pertencimento e aceitação de sua própria história. A peça é uma mistura de comédia e drama, resultado de um processo criativo íntimo que levou o artista a revisitar momentos de sua própria trajetória, especialmente sua relação com seu nome e sua herança cultural.

O Sesc Santana apresenta o espetáculo circense “Ela”, criação da Troupe Guezá. A montagem reúne três mulheres em cena e utiliza composições acrobáticas para construir uma narrativa sobre experiências e representações do feminino. A dramaturgia é estruturada a partir de sequências acrobáticas não lineares, nas quais as intérpretes trabalham com movimentos de solo e interação corporal. A proposta parte das experiências das artistas e utiliza o corpo como elemento central para desenvolver a narrativa cênica.

Cinco mulheres, um bar e nenhum acordo: Cia das Madás estreia “Enquanto Não Decidimos” no Bar Teatro Basalto Em cena, cinco atrizes com trajetórias consistentes se reúnem em um bar transformado em palco para discutir o próprio fazer artístico. Não há consenso sobre o que apresentar ao público — e […]

A terra tem memória. E, em RUPESTRE – o que a terra conta, ela ganha corpo, som, textura e movimento para dialogar com quem está começando a descobrir o mundo. Novo espetáculo da 2 Mililitros Cia. Teatral, voltado para bebês de até três anos, a montagem estreia dando continuidade à pesquisa continuada do grupo em criações para a primeira infância e encerra uma trilogia inspirada nos elementos da natureza.

Com uma proposta que combina teatro musical, recursos modernos e linguagem acessível, a produção convida crianças, jovens e adultos a mergulharem no universo de Oz. O público acompanha uma jornada que reforça valores humanos, como empatia e superação, em uma experiência que busca ser acolhedora e inspiradora do começo ao fim

A comédia acompanha um ator veterano que abandona o palco no meio de uma apresentação de Macbeth, irritado com celulares e distrações da plateia. Nos bastidores, o episódio desencadeia um embate sobre o pacto entre palco e público e os limites dessa convivência. No elenco estão Norival Rizzo, Walter Breda, Fábio Esposito, Ana Andreatta, Conrado Sardinha e Natália Beukers.

Teimar até que brote, se inspira na organização das agricultoras urbanas periféricas da Zona Leste e mergulha no desafiador e poético processo de criação de uma horta comunitária na Zona Leste. A peça ecoa as vozes que revelam a imensa teimosia e o sonho coletivo necessários para transformar um terreno “Condenado a num dá nada”, repleto de lixo, pedras e cercado pela lógica urbana. Narrando a jornada desde a árdua remoção de pedras até a espera pelo brotar, a peça celebra a resistência de fazer vingar a vida em “Terra desenganada”, mostrando como a terra não só muda pessoas, mas também representa um ato profundo de fincar raízes de esperança e possibilidade em meio à disputa por espaço na periferia.

Em 2026, essa memória ganha novo corpo e voz no palco através de um encontro de gigantes. Soraya Ravenle, que iniciou sua brilhante carreira no teatro musical integrando o coro de ‘A Estrela Dalva’ (1987), grande sucesso de Borghi com Marília Pêra, retorna agora para ocupar o centro do palco e encarnar a própria estrela. Com sua potência vocal e sensibilidade, ela não interpreta apenas a “rainha do rádio”, mas a força da natureza que cantou a dor rasgada antes disso virar moda; a mulher que desafiou os moralismos de sua época com o peito aberto e a garganta em chamas. Soraya traz à cena o mito humano, o “rouxinol do Brasil”, que ensinou a um país inteiro que o sofrimento, quando cantado, vira beleza.

Não nem nada é o que está dado: 4 atuantes convidam o público a perceber o absurdo do cotidiano num mosaico de cenas da nossa contemporaneidade distópica - a fragmentação dos sujeitos e das relações, a comunicação interrompida, o excesso e a velocidade das informações e a alienação do próprio ser são alguns disparadores da peça plano-sequencia que, em tempos de crise do indivíduo, ousa conquistar o público durante 12 episódios - não pela tragédia que propõe enquanto tema, mas pela potência da forma com que o faz: em coletivo.

Livremente inspirada em "Bartleby, o Escriturário de Wall Street, de Herman Melville, a peça Bartolomeu: Que Será Que Nele Deu? 2.0, com texto e direção de Claudia Schapira, desenvolve — por meio de uma sequência de cenas episódicas —, a trajetória de Bartolomeu, um copista que, ao preferir não fazer”, para a engrenagem de trabalho na qual está inserido, e vai se tornando cada vez mais recluso, passando a despertar um misto de repulsa e admiração. Sua recusa inabalável eleva a narrativa ao absurdo extremo para refletir sobre a lógica desumana do desempenho constante, sintoma latente da sociedade contemporânea.

Entre o espelho e o estômago, ‘Borboletas’ mergulha nas fissuras da identidade, do corpo e do controle. Em cena, o cotidiano de uma jovem se mescla a fragmentos de memória, programas performativos, vozes do desejo e da culpa. Enquanto vomita confissões, o corpo se torna espaço político e poético - palco de resistência e autodestruição. Escrita a partir da autoetnografia, a peça transforma a vivência dos transtornos alimentares e sua gênese patriarcal em matéria cênica, costurando fragmentos de diário, cenas ficcionais e ações performativas em um rito de exposição irônica. “Borboletas” é um processo em aberto — como a própria carne — onde cada repetição reinventa o reflexo, o afeto e a metamorfose.

Quando foi a última vez que você recebeu uma carta? E quando foi a última vez que escreveu uma? Em “GRAFIA(s) de CONTATO”, os atores-bailarinos transformam o palco em um papel em branco e fazem da dança-teatral uma nova forma de escrita. Aqui, cada pequeno gesto diz mais que mil palavras. Entre amores, desamores, saudades, infâncias, cidades, viagens e tempos, tudo que surge é possibilidade de grafia. Entre silêncios e ruídos, o corpo torna-se escritor de mensagens para quem está longe, como uma tentativa de traçar pontes entre o que permanece e o que se perde no ato de comunicar.

“Do subsolo, a substância do mundo emerge. É uma emergência que o asfalto, o concreto, o cimento e o aço não conseguem conter. Raizes racham tudo. Nada que jogam no lixo vai pra fora; é um verso, universo, não avesso. Não existe avesso. Não existe espaço vazio. O underground sempre vaza para cima” (Freemas, relato colhido em Troca Coletica Criativa). A partir de pesquisas documentais e performáticas, o trabalho busca compreender as disputas territoriais e simbólicas travadas pelos movimentos culturais underground ao longo do tempo, em especial na cidade de São Paulo. O conceito de “território criativo em conflito”, aqui, é compreendido como a disputa permanente entre práticas culturais insurgentes e os mecanismos de captura, mercantilização e controle da arte e da vida urbana. Corpo-território, registro, troca e festa compõem todo o percurso desta pesquisa que será celebrada na presença de todos que quiserem comparecer.

Livremente inspirado em "Uma Outra Tempestade", de Raquel Carrió e Flora Lauten, e em diálogo com diferentes textos de William Shakespeare e "Uma Tempestade" de Aimé Césaire, Pra Fazer Tempestade propõe uma fabulação radical sobre a diversidade étnico-cultural do mundo diante da hegemonia colonial. Depois de um naufrágio, diversas personagens de Shakespeare aportam numa ilha do Sul Global, onde são questionados, desafiados, zombados e curados por uma legião de Encantados de diferentes origens. Num jogo face-a-face e repleto de transmutações perguntas pairam no ar: Onde estará Próspero? Para onde foi Caliban?

Três Irmãs de Anton Tchekhov conta a história de três irmãs — Olga, Macha e Irina — que vivem em uma pacata cidade do interior da Rússia, mas que sonham com uma vida melhor em Moscou. Presas a uma rotina vazia, elas enfrentam o tédio, a saudade do passado e a esperança de um futuro que nunca chega. Ao redor delas, o tempo passa, as promessas se desfazem e a vida segue sem grandes mudanças. A peça revela um retrato profundo da fragilidade humana e do desespero existencial diante da inércia e da passagem do tempo. O texto questiona a capacidade do ser humano de agir e transformar a própria realidade, com os personagens constantemente desejando mudar, mas permanecendo paralisados em suas circunstâncias.

Um Juiz autoritário, que ninguém obedece, encontra o Vereador que estava desaparecido há meses e descobre que ele sequestrou ilegalmente tupis aliados, o que pode desencadear um ataque contra a pequena vila de 300 habitantes isolada do mundo europeu pela íngreme Serra do Mar. Quando o Procurador chega informando que o Governador-geral do Brasil está a caminho, tudo vira de pernas pro ar. Como receber um nobre português em condições tão precárias? Mesmo assim, esta que viria a ser, mais de 400 anos depois, a maior cidade das Américas, tem seu primeiro ímpeto de progresso econômico com a exploração da mão de obra indígena em larga escala.

“INTENSO - meu retorno de Saturno” trata do amor gay com sensibilidade e bom humor, trazendo um tema que gera bastante interesse do público, retratado em diversas produções, mas ainda não relatado desta forma sob a ótica de um casal gay. O público LGBT terá a chance de se ver representado em muitas camadas e em cena, Vitor alterna momentos de riso e melancolia com naturalidade, revelando sua maturidade artística e presença cênica