A história retrata João, que, já velho e inválido, recorda sua intensa e tumultuada relação com Teresa, um amor quase extremista e doentio, marcado pela impossibilidade de alcançar a perfeição e por um suicídio simulado de Teresa que João só descobre anos depois.

Overtongue é o espetáculo da artista brasileira Michelle Moura, sediada em Berlim, que trata da voz desencarnada e da confusão de significado como resposta ao caos informativo e à polarização do nosso tempo. A coreógrafa trabalha a voz como algo sensorial, não só como fala ou linguagem. Ao usar o ventriloquismo, ela faz a voz parecer descolada do corpo, criando uma experiência diferente para o público.

A trama acompanha Antônio, um mercador que contrai uma dívida com o agiota judeu Shylock para ajudar seu amigo Bassânio. Como garantia, Antônio oferece uma libra de sua própria carne. Com o não pagamento da dívida, o contrato desencadeia um julgamento dramático, colocando em pauta temas como justiça e preconceito.

Na dramaturgia, Amanda e Juuar procuram refletir sobre o que aconteceria no imaginário coletivo se as histórias contadas fossem de mulheres que respondem à violência, com desejos violentos intrínsecos e viscerais, em vez de sofrer. Para isso, buscaram inspiração nas obras Nada de Carne Sobre Nós e Onde Está Você Coração?, da argentina Mariana Enriquez, Crias, da equatoriana María Fernanda Ampuero, e em trecho adaptado do romance Cupim, da espanhola Layla Martinez.

“A pediatra” é a primeira adaptação para os palcos do romance homônimo que consagrou Andréa Del Fuego, vencedora do Prêmio José Saramago, idealizada por Inez Viana e Luis Antonio Fortes. Sucesso entre leitores, traduzido para sete idiomas, o romance foi considerado uma das melhores leituras de 2022 pelos críticos literários. A montagem teatral conta com adaptação e direção de Inez Viana e elenco formado por Debora Lamm e Luis Antônio Fortes. Debora Lamm interpreta uma pediatra que, paradoxalmente, odeia crianças e suas mães. Descrita como uma “vilã de humor vil”, ela é uma mulher privilegiada, classista e amoral cuja má conduta profissional e falta de empatia a levam a conflitos éticos e humanitários.

Inspirado no olhar da própria Tina Turner, que participou do desenvolvimento do espetáculo, o musical combina emoção, energia e uma trilha sonora repleta de clássicos que marcaram gerações TINA – TINA TURNER O MUSICAL é a história da lendária artista Tina Turner, a Rainha do Rock ‘n’ Roll, 12 vezes […]

No palco, acompanhada apenas de um foco de luz e uma cadeira, Stoklos interpreta duas rainhas rivais: as primas Mary Stuart e Elizabeth I. A sangrenta disputa pelo trono da Inglaterra, ocorrida há 400 anos, é apenas uma metáfora que a atriz utiliza para explorar temas universais como poder, opressão e liberdade.

Ambientado no interior da Inglaterra em 1759, o espetáculo é disparado a partir do julgamento de um crime hediondo em que um júri, formado exclusivamente por mulheres, coloca treze figuras, de origens e realidades diversas, dialogando sobre questões importantes do universo feminino: o olhar e o sentir da mulher sobre o seu próprio corpo, as dificuldades diante do universo do patriarcado, abuso, gravidez, maternidade, abandono, paixão, rejeição e sororidade.

Conhecido nos grandes Teatros do país, Jorge Takla marcou a história dos palcos brasileiros e do mundo dirigindo óperas e musicais de estrondoso sucesso. O diretor encena agora ‘Paris’ junto à Studio 3 Cia de Dança, com direção coreográfica do renomado Anselmo Zolla. A obra de teatro-dança desfila em uma coreografia surpreendente a arte de grandes personagens históricos da arte do século XX que viveram em Paris, tais como Vaslav Nijinsky, Igor Stravinsky, Cole Porter, Gabrielle Chanel, Isadora Duncan, Marlene Dietrich, Josephine Baker, Pablo Picasso, Tamara Karsavina e Boris Kochno, tendo como pano de fundo amores, polêmicas e eventos históricos (guerras, censuras, derrocadas) que marcaram sua arte.

Histórias da América Latina que correm por todo o espetáculo, construindo pistas de alguma identidade continental. Como o Brasil se vê latino-americano? Na obra, a corrida é vista como metáfora, numa tentativa de aproximação entre pés e corações das nossas personagens.

A distopia criada por Nelson Baskerville a partir da tragédia carioca de Nelson Rodrigues ressurge como um espelho cruel das hipocrisias brasileiras, amplificadas pelo recente avanço da extrema direita. Edgard, um homem marcado pela miséria apesar de anos de dedicação ao patrão Werneck, recebe uma proposta tentadora: casar-se com Maria Cecília, jovem rica e "bonitinha" , mas envolta em um passado controverso. O dilema entre dinheiro e moralidade o arrasta por um universo de desejos reprimidos, traições e valores distorcidos.

Além da protagonista e de sua rival simbólica, o musical apresenta personagens icônicos do universo da boneca, inseridos em situações que equilibram humor e crítica. Ao propor uma experiência lúdica e emocional que costura passado e presente, diversão e reflexão, Susi, o Musical convida o público a revisitar memórias, questionar padrões impostos e reafirmar a autenticidade como valor essencial.

Para celebrar seus 80 anos de vida e 60 de carreira, a atriz Ana Lúcia Torre divide com o público memórias e reflexões em um espetáculo vibrante, revelador e cheio de emoção, em que fala letras de diversas músicas icônicas de Chico Buarque, com participação do pianista Diógenes Junior. Quem assiste se identifica totalmente com os temas essenciais que compõem a narrativa, como arte, amores, separações, maternidade, resistência, sociedade e o tempo. Letras de clássicos como Meu Guri, Beatriz, Geni e o Zepelim, Valsinha, Atrás da Porta e Olhos nos Olhos, entre muitas outras, compõem o roteiro repleto de delicadeza e bom humor.

Uma peça-ensaio sobre a branquitude ou o terror da violência racial entre nós. Numa cena de rua, o linchamento emerge como rito e expressão de uma dessolidariedade estrutural e estruturante, assombrando uma sociedade regida por um inconsciente escravocrata. No conto, a trajetória de um homem branco livre e pobre, numa sociedade em que o único dado que garante seu estatuto jurídico de livre, diferindo-o de uma pessoa escravizável, estava na cor de sua pele. Em cena, o terror emerge dando a ver o teor próprio da violência racial, em deslizamentos de linguagem entre o cinema e a música.

CHOQUE! Procurando Sinais de Vida Inteligente é uma obra vibrante, multifacetada e atual. Mais do que uma peça feminista ou de crítica social, é uma reflexão espirituosa e comovente sobre o que nos torna humanos, e sobre os sinais de inteligência (afeto e empatia) que ainda podem ser encontrados entre nós.

Através das experiências pessoais dos performers Pedro Granato e Letícia Calvosa, o projeto propõe uma narrativa que atravessa as fronteiras entre o público e o privado, o político e o pessoal. Calvosa, uma mulher negra que enfrentou dilemas sobre as cotas ao ingressar na universidade, e Granato, um homem branco que foi gestor público de formação, refletem sobre como o racismo moldou suas trajetórias educacionais.

Após conquistar a liberdade do manicômio, Louco, Maluco e Doido iniciam uma viagem em busca da família desaparecida de Maluco. A jornada, no entanto, os conduz a encontros com pessoas imprevisíveis, situações inusitadas, permeadas por riscos, equívocos e comicidades típicas de um mundo onde o absurdo se revela cotidiano. Com texto e direção de Romulo Bózsa, o espetáculo apresenta 20 personagens, interpretados por um elenco de oito atores, que se revezam em cena em um jogo ágil e multifacetado. A narrativa propõe reflexões bem-humoradas acerca das estruturas sociais contemporâneas, tensionando a tênue fronteira entre razão e loucura. Nesta montagem, a viagem dos loucos configura-se como uma paródia da própria trajetória humana: a vida. Ao aproximar o universo dos personagens daquele vivido por todos nós, o espetáculo convida o público a revisitar a normalidade e seus limites por meio de uma comédia que combina crítica e leveza.

Entre mito e carne, personagens do Éden reimaginado e figuras ficcionais se encontram em um espaço que é, simultaneamente, jardim, deserto e altar. Cada gesto desfaz e refaz vínculos, revelando o que há de luminoso e cruel no encontro humano. O público é convidado a atravessar esse território sensorial onde o Éden deixa de ser promessa e se torna espelho - um reflexo instável de nossos desejos, conflitos e sombras.

O público é recebido por quatro artistas – Claudiu's (Renato Ribeiro), Clóvis (Vinicius Ramos), Elisabetana (Gislaine Pereira) e Pamplona (Gabi Zanola) – que preparam o picadeiro. O que começa como uma rotina simples logo se transforma em celebração. Entre risadas, canções e improvisos, os personagens compartilham memórias que ecoam o passado e o presente das famílias circenses: a mulher que fugiu com o circo, o filho de equilibristas, o poeta que fez do picadeiro sua casa e a palhaça que encontrou na estrada o seu lar. No encontro entre bastidores e espetáculo, a trupe costura comicidade e emoção para falar da arte de conviver.

Iago recebe Otelo para um banquete logo após o mouro receber o título de general. Leonardo recebe Thiago para um jantar e discutirem sobre fazer um espetáculo que é prelúdio da peça Otelo de Shakespeare. As relações estão em um jogo de pistas falsas e acobertação que só se revela no final. De mais real apenas a comida que é cozida de fato em cena.

O espetáculo narra a história de Jeffinho, um menino muito talentoso que adora fazer rimas e passinhos. Ele mora em uma comunidade que faz divisa através de uma RUA com um dos bairros mais ricos da cidade. Um dia, brincando, ele conhece Lucas, um garoto da mesma idade e que mora do lado de lá. Apesar das diferenças, eles se tornarão amigos e viverão, juntos, descobertas boas e ruins sobre o mundo e a sociedade. Com muita música, dança, aprendizado e diversão, a história fala sobre oportunidades, sonhos e amizade.

E se uma trupe de palhaços mergulhasse num universo muito singular (e fofo), como o dos bebês? dito e feito! O mais novo espetáculo dos Parlapatões foi feito para as crianças (é também sobre elas), mas para divertir toda a família. “dito e feito” faz duas temporadas com entrada gratuita, em diferentes localidades na capital paulista.

Após o sucesso de três apresentações especiais em Juiz de Fora, Minas Gerais, Mouhamed Harfouch leva seu monólogo “Meu Remédio” para o Rio de Janeiro, com estreia marcada para 10 de janeiro de 2025, no Teatro Ipanema. Dirigido por João Fonseca, o espetáculo traz uma narrativa profundamente pessoal e emotiva, onde Harfouch mergulha na sua história de vida, lidando com temas como identidade, pertencimento e aceitação de sua própria história. A peça é uma mistura de comédia e drama, resultado de um processo criativo íntimo que levou o artista a revisitar momentos de sua própria trajetória, especialmente sua relação com seu nome e sua herança cultural.

O que leva um homem pacífico, que sente repulsa por qualquer tipo de violência, que aprendeu a viver evitando conflitos – para não ser alvo da agressividade de outras pessoas – o que leva esse homem a cometer um ato extremamente violento? É a partir dessa pergunta que nasce a escrita de O Motociclista no Globo da Morte. O texto apresenta a história de Antonio, um matemático, um homem racional e sensato que, numa tarde de um dia qualquer, se vê̂ envolvido numa espiral de violência quando almoçava em um bar. É a partir deste fato, que muda a sua vida para sempre, e enquanto conta ao público com riqueza de detalhes o que aconteceu, que Eduardo vai tecendo considerações sobre as diversas formas de violência que resultam da vida em sociedade. E se é possível, aos seres humanos como indivíduos, combater essa violência ou se é inevitável render-se a ela.

Em Bailarinas Incendiadas, a narrativa se desenrola por meio de instruções projetadas em uma tela, evocando filmes mudos e experimentos brechtianos. Os intérpretes Luciana Acunã, Tatiana Saphir, Carla Di Gracia, Matias Sendón e Agustín, o palco se transforma em um espaço compartilhado com o público, onde o fogo, ausente, mas central, precisa ser reconstruído através do gesto e da encenação.

I MÍSSIL é um jogo de palavras proposto pela cantora e ativista brasileira Linn da Quebrada que articula a expressão em inglês I miss you (sinto sua falta) com a imagem de um projétil (míssil em português). Um trocadilho que, ao criar um campo de forças entre o que já foi e o que ainda está por vir, entrelaça as noções de memória e projeção, buscando por em movimento uma dança transtemporal.

O espetáculo investiga a ideia de contágio em episódios que ficaram conhecidos como “histeria coletiva”, atualmente chamada de “doença psicogênica de massa”. Partindo da hipótese de que essa psicopatologia pode ser disparada em ambientes muito opressivos, o que isso diz sobre situações da nossa modernidade? A composição coreográfica é quase como um passeio pela Idade Média que se relaciona de forma distópica com a contemporaneidade.

Inspirada na vida e na militância da bailarina italiana Marietta Baderna (1828–1870), a peça parte de sua trajetória como inspiração para uma criação performática que dialoga com seu espírito transgressor. Ousada e inovadora, Marietta desafiou o conservadorismo do século XIX ao fundir o rigor do balé clássico à ginga do lundu — dança de matriz africana que, na época, era símbolo de resistência dos povos escravizados.

A trama revela a história de Emma, Robert e Jerry, cujos destinos se cruzam em um triângulo amoroso que põe à prova as fronteiras entre intimidade, amizade e lealdade. Narrada de trás para frente, a peça expõe segredos e contradições, convidando o espectador a se debruçar sobre os silêncios e ambiguidades que permeiam as relações humanas.

Entre delírios poéticos e embates reais, Quixote enfrenta seus próprios gigantes — que aqui ganham rostos humanos: o preconceito, a intolerância, a violência e a desigualdade. Ao seu lado, personagens intensos e simbólicos constroem uma narrativa emocionante sobre coragem, amor, espiritualidade e resistência.

A peça conta a história da boneca Antonia, que testemunha o sofrimento de sua “família” - a menina Hanna, seu irmão Michael, a mãe Elena e o pai Igor -, diante dos efeitos devastadores de um dos maiores desastres nucleares da história.

“Travessia” entrelaça a história real que deu origem ao célebre quadro “A Balsa de Medusa”, de Théodore Géricault, com o drama de um grupo de atores de culturas diversas que, ao disputar o papel de Clitenmnestra e Egisto, vê-se lançado às águas revoltas de uma sociedade que teima em moldar corpos, vozes e destinos. Entre testes teatrais, naufrágios pessoais e coletivos, o espetáculo navega rumo ao direito de cada um existir sem concessões.

Uma atriz e um ator, em sério conflito e decididos a encerrar a parceria profissional, recebem uma carta sem remetente. Com a ajuda de Telonaldo, um telão cheio de personalidade, viajam até a Índia e descobrem que o misterioso remetente é ninguém menos que Mahatma Gandhi. À medida que revivem episódios emblemáticos da vida do líder pacifista, percebem novas formas de diálogo e reconciliação. O espetáculo mescla linguagem teatral e audiovisual. A encenação utiliza animações 2D projetadas em um telão-personagem, o divertido Telonaldo, que conversa com os atores, cria cenários, transporta o público para a Índia e ajuda a contar a história ora de forma objetiva, ora subjetiva. A montagem propõe um encontro sensível e poético com a trajetória de Gandhi, convidando crianças, jovens e adultos a refletirem sobre empatia, respeito, coragem e as pequenas potências da não violência no cotidiano.

MOSCOU PARA PRINCIPIANTES investiga, de uma forma provocativa e bem-humorada, os sentidos contemporâneos do trabalho e sua relação com o desejo e a capacidade de criação de outras realidades possíveis em tempos instáveis. Com procedimentos livremente inspirados nos diálogos de As Três Irmãs, de Anton Tchekhov, a dramaturgia recorre à transcrição poética de uma série de conversas promovidas em dois núcleos de mulheres, três atrizes em processo de criação e um grupo de aposentadas da terceira idade.

Inspirado na colonização da América e dos territórios do mundo todo, o espetáculo conduz o espectador a viajar por um tempo passado que encontra analogias contínuas com o presente. 2 MUNDOS conta a história do encontro de duas culturas opostas, onde se revelam os sentimentos e motivações mais profundas da humanidade. Quando no embate das diferenças explode a luta pela vida, a morte de um jovem acontece trazendo uma nova esperança.

Um garoto, em seu último dia na locadora em que trabalha, tem a difícil tarefa de escolher apenas um filme de lá para levar com ele. Nesse mergulho saudosista e nostálgico, acompanhamos as várias histórias e memórias desse personagem que aprende a rebobinar seu caminho até ali.