Neste país de narrativas apagadas e distorcidas, o que é Estória e o que é História? Temos nos organizado a partir de qual perspectiva/narrativa? Qual cosmovisão consideramos diante da pergunta: Quem somos nós?

Ambientada em uma pequena aldeia portuguesa em 1936, a obra acompanha uma comunidade profundamente marcada pela religiosidade, pelo patriarcado e pelo controle social. Nesse ambiente, Joana, uma jovem que não se submete aos padrões estabelecidos, torna-se alvo de suspeitas e acusações que desencadeiam uma escalada de intolerância e violência.

Ambientada no ano de 1998, a narrativa coloca em foco o envelhecimento e a fragilidade da mente humana ao acompanhar um intelectual maduro confrontado pelo avanço da demência. Em meio a lapsos de lucidez, episódios absurdos do cotidiano e diálogos com o passado, o protagonista apega-se à busca obsessiva por uma canção específica — o lendário "nome do tango" —, encarada por ele como o último alento para manter acesa a própria identidade.

A peça acompanha Pérola, uma jovem que morreu aos 18 anos antes de conseguir realizar o sonho de se tornar atriz. Décadas depois, ela encontra uma maneira de atravessar a fronteira entre os mortos e os vivos e decide voltar ao mundo que deixou para trás em busca da oportunidade que não teve.

Escrita por Raphael Gama e dirigida pelo próprio Martini, a peça traz a dupla dando vida a Dulce e Yolanda. As personagens protagonizam um encontro divertidíssimo e cheio de reviravoltas na sala de espera de um hospital, enquanto aguardam a morte dos maridos. Juntas, elas compartilham vivências e revelam segredos. Tendo o casamento como ponto de partida, a comédia aborda temas como maternidade, relacionamentos, família, homossexualidade e bullying. O projeto propõe refletir sobre a vida de mulheres acima dos 60 anos sob o olhar masculino dos dois atores, oferecendo uma análise bem-humorada da sociedade atual pela perspectiva de quem viveu outros tempos.

Com direção de Lucas Mayor e Marcos Gomes, a montagem é dividida em três partes e aproxima situações vividas pelos artistas de textos de diferentes períodos da história do teatro. Antígona, de Sófocles, O jardim das cerejeiras, de Anton Tchekhov, e O Ator, de Plínio Marcos, são incorporados à dramaturgia para tratar de questões como a precarização do trabalho, o luto e a especulação imobiliária que afeta espaços independentes.

Dois corpos atravessam um mundo em colapso — um mundo onde a diferença se transforma em fronteira, onde pertencer, para alguns, tornou-se proibido, onde existir pode ser julgado e onde até o direito de criar raízes precisa ser defendido. Entre luz e escuridão, movimento e exaustão, surge o Homem-Árvore, que insiste em fincar raízes em um solo que o rejeita, e o Homem-Luz, que pedala sem parar para manter acesa uma existência ameaçada de apagamento. Juntos, atravessam um território instável, onde luz e sombra, matéria e imaginação, absurdo, sonho e realidade coexistem em permanente tensão.

Eulália Eugênia tem pavor da morte, mas precisa encarar seu maior pesadelo quando tem que ir ao cemitério se despedir de Rosimere, companheira de décadas e de tantas peripécias. Como o velório está vazio, é ela quem se aproxima do caixão para garantir que a amiga não parta sozinha. Entre lembranças e implicâncias, alterna gargalhadas e lágrimas em uma reflexão sincera sobre envelhecer e perder quem se ama.

Livremente inspirada no conto publicado originalmente em 1882, a montagem parte da história do médico Simão Bacamarte, interpretado por Roger Gobeth, que decide estudar a loucura e passa a internar moradores de Itaguaí na Casa Verde. O que começa como uma investigação científica se transforma gradualmente em uma disputa pelo controle da cidade.

Três homens — um fanático, um evangélico e um humilde — que, após participarem de um ato político, ficam presos em uma misteriosa antessala.

Barulhos acompanha Rosa, uma menina que, enquanto enfrenta com a mãe o luto pela morte da avó, passa a encontrar nos sonhos uma garota misteriosa que procura sua casa perdida. Nesse mundo onírico, um barulho estranho faz o chão se mover e arrasta todas as casas. Rosa e a menina atravessam uma jornada com uma onça falante, uma cabeça sem corpo e um guia cientista, tentando recuperar aquilo que se desloca sem parar.

Baal é inspirado no deus fenício da fertilidade e fecundação. Na peça, ele representa o retorno do homem à sua essência mais primitiva e selvagem. Rejeitando as regras da sociedade, Baal explora seus desejos sem culpa, cruzando limites entre o encantamento e a destruição, amoral, mas em um mundo amoral. Baal - O Mito da Carne conta a história do amor dilacerado entre Baal (Fonseca) e Ekart (Daniel Ortega), com referências ao tórrido romance vivido entre Rimbaud e Verlaine. Juntos, eles caminham pelo mundo deixando corpos e poesias por onde passam, ao mesmo tempo em que são consumidos por esse mundo. Formando um triângulo amoroso com Sophie (Stella Rocha), estendem ao público uma conturbada discussão dialética sobre empatia. “Baal e Ekart não se encaixam em nenhuma definição de gênero e para eles pouco importa. Isso quer dizer que não é possível rotula-los, defini-los”, comenta o diretor. O espetáculo sugere que, numa sociedade controlada pelo capital, onde as atitudes se tornam mecânicas e insossas, só uma força transgressora pode despertar as pessoas para a vida.

Bruna Longo acaba de morrer e procura elaborar o luto de si mesma – a única coisa que não podemos fazer empiricamente – enquanto reflete sobre a relação humana com a finitude, o tabu da morte na vida cotidiana e o processo de eliminação do rito fúnebre nas sociedades capitalistas ocidentais. O espetáculo QUEDA DE BALEIA, OU CANTO PARA DANÇAR COM MINHA MORTE é inspirado na morte do pai da atriz.

Três homens — um fanático, um evangélico e um humilde — que, após participarem de um ato político, ficam presos em uma misteriosa antessala.

A peça acompanha a história de Bruno, um homem experiente que tem sua rotina transformada ao se envolver com Matheus, um jovem que chega trazendo novas descobertas, expectativas e dilemas. A relação, marcada por intensas emoções, também revela inseguranças, mentiras e os desafios de conciliar universos distintos.

O que acontece quando deixamos de contar histórias e passamos apenas a transmitir informações? Em Abysmo, Alessandra Queiroz se coloca em cena para investigar a palavra, a memória e as formas de comunicação em um tempo marcado pelo excesso de informação. Entre textos, documentos, autobiografia e referências históricas, a atriz dá voz a mulheres e aproxima passado e presente para refletir sobre quem pode falar, quem é escutado e o que se perde quando uma experiência deixa de ser narrada.

Com direção de Lucas Mayor e Marcos Gomes, a montagem é dividida em três partes e aproxima situações vividas pelos artistas de textos de diferentes períodos da história do teatro. Antígona, de Sófocles, O jardim das cerejeiras, de Anton Tchekhov, e O Ator, de Plínio Marcos, são incorporados à dramaturgia para tratar de questões como a precarização do trabalho, o luto e a especulação imobiliária que afeta espaços independentes.

De 13 a 17 de outubro de 2026 (de terça-feira à sábado), o Centro Cultural Arte em Construção, sede do Instituto Pombas Urbanas (@institutopombasurbanas), recebe a 10ª edição do Encontro de Teatro Comunitário, reunindo espetáculos, circo, música, cultura popular, seminários, vivências e intercâmbios entre artistas brasileiros e latino-americanos. Todas as atividades são gratuitas, com tradução em LIBRAS e abertas ao público.

Uma avó (Dona Irene) pouco convencional, extrovertida e cheia de vida está passando um período hospedada na casa de sua neta (Gabriela). Enquanto a jovem enfrenta Transtorno de Déficit de Atenção e Hiperatividade (TDAH), ansiedade e o peso de um relacionamento tóxico, a avó lida com outro desafio: a dificuldade de voltar ao mercado de trabalho por conta do Etarismo Corporativo, que insiste em negar espaço e valor à sua experiência. Entre festas, aplicativos de relacionamento e a vontade de viver intensamente, Dona Irene e Gabriela, ao dividirem a mesma rotina, acabam se envolvendo em situações hilárias e emocionantes que as aproximam e revelam lições profundas sobre amor, autoestima, solidariedade feminina e a importância de permanecer fiel a si mesmo.

Dois corpos atravessam um mundo em colapso — um mundo onde a diferença se transforma em fronteira, onde pertencer, para alguns, tornou-se proibido, onde existir pode ser julgado e onde até o direito de criar raízes precisa ser defendido. Entre luz e escuridão, movimento e exaustão, surge o Homem-Árvore, que insiste em fincar raízes em um solo que o rejeita, e o Homem-Luz, que pedala sem parar para manter acesa uma existência ameaçada de apagamento. Juntos, atravessam um território instável, onde luz e sombra, matéria e imaginação, absurdo, sonho e realidade coexistem em permanente tensão.

A peça acompanha Pérola, uma jovem que morreu aos 18 anos antes de conseguir realizar o sonho de se tornar atriz. Décadas depois, ela encontra uma maneira de atravessar a fronteira entre os mortos e os vivos e decide voltar ao mundo que deixou para trás em busca da oportunidade que não teve.

Em uma cidade do interior da Rússia, Olga, Macha e Irina vivem à espera de uma mudança. Moscou, onde passaram parte de suas vidas, representa a possibilidade de recomeçar e recuperar um tempo que parece perdido. Mas o desejo de partir esbarra no cotidiano e em projetos que continuam sendo adiados. Enquanto os anos passam, as três irmãs procuram sentido para o presente, divididas entre o apego às lembranças e a expectativa de um futuro diferente. Em torno delas, relações e promessas se transformam. O clássico de Anton Tchekhov expõe a distância entre desejar outra vida e agir para torná-la possível.

No reino das bexigas, todas as pessoas sobrevivem vendendo a única coisa que lhes resta: o sopro, a energia vital. Ao final de cada dia, atendendo às ordens do rei, um soldado passa recolhendo as bexigas cheias. Dois palhaços sonham com dias melhores, de plena respiração e de brisa suave. Mas também disputam e competem entre si. Até o momento em que encontram seus iguais: o público.

Na Inglaterra vitoriana, em meio ao impacto das ideias de Darwin, o filósofo Henry Sidgwick enfrenta uma profunda crise de fé e cogita deixar a Universidade de Cambridge, que exigia de seus professores fidelidade ao credo anglicano. Em busca de uma resposta, mergulha em um dilema que coloca em confronto a razão, a moral, Deus e a possibilidade da vida após a morte.

Renovada é um espetáculo de técnicas aéreas, acrobacia e dança criado e interpretado pela multiartista Marina Viski e dirigido por Tayná Ibanêz. Renovada propõe uma reflexão sobre a essência cíclica da vida - altos e baixos, cheio e vazio. Buracos que às vezes fazem cair e às vezes são essenciais para que haja luz.

Após percorrer 13 países da América Latina, Igor Veloso apresenta sua jornada de mochileiro em peça teatral. Com a mochila nas costas e vendendo fitinhas do Senhor do Bonfim para financiar o caminho, o artista reúne relatos, costumes e vivências colhidas ao longo do continente. Em diálogo com a música e a dança, o espetáculo revela a diversidade cultural latino-americana e provoca o público a pensar sobre os laços que unem povos e territórios.

Você Morre Um palhaço faz seu showzinho ao vivo. Carpideiras contratadas. Moscas no passinho. Uma alma em busca de um pedaço no céu.Perseguição Policial e filosofia de coveiros. E, no meio disso tudo, alguém sobrevive... e decide contar. E você? Sabia que você morre? Sim, é possível. “Você Morre” é um espetáculo de comicidade construído em esquetes que atravessam as fases do luto, articulando palhaçaria, bufonaria e humor físico. A morte dá partida a uma sucessão de situações absurdas que expõem nossas maneiras de lidar com a perda. A paródia também alcança o próprio fazer teatral, colocando em jogo suas convenções e aquilo que ainda permanece vivo na cena.

A montagem, dirigida e adaptada por Luize, chega ao palco 20 anos depois da criação do texto original, sem transportar a história integralmente para o presente. A proposta é investigar o que permanece reconhecível na estrutura familiar criada por Passô e, a partir dela, acrescentar procedimentos, linguagens e questões que surgiram durante o processo de criação universitário. O resultado reúne quatro atores e dois músicos em cena, com música original executada ao vivo, dança, partituras corporais, projeções e momentos em que os intérpretes deixam os personagens para falar diretamente com o público.

A obra une dança, música e projeção de videoartes mesclada por efeitos eletroacústicos, visuais e coreográficos. Ao tematizar a água em suas simbologias, o espetáculo procura apresentar a trama interdependente da vida da água com a vida dos seres humanos e como a água se apresenta como uma metáfora de diferentes estados psicológicos do ser humano.

Três Carpideiras são encarregadas de velar o corpo da filha mais jovem de uma família aristocrática. No decorrer do velório, estranham comportamentos anormais dos membros da família. Perplexas diante das hilárias e incomuns situações que vão se deparando, as rezadeiras acabam surpreendendo umas com as outras com revelações pessoais inimagináveis.

Para seu concerto de violino, o palhaço Seu Cocó preparou um repertório de canções conhecidas para o público, com muito capricho, metodismo e organização. No entanto, uma mosca surge no palco atrapalhando a execução de seu número musical, e para piorar a situação, a própria característica excêntrica do músico contribui para a confusão. No final, palhaço e plateia descobrem a verdadeira intenção do inseto.

A comédia acompanha um ator veterano que abandona o palco no meio de uma apresentação de Macbeth, irritado com celulares e distrações da plateia. Nos bastidores, o episódio desencadeia um embate sobre o pacto entre palco e público e os limites dessa convivência. No elenco estão Norival Rizzo, Walter Breda, Fábio Esposito, Ana Andreatta, Conrado Sardinha e Natália Beukers.

Acompanhamos o encontro de duas meninas, Chica e Maria, uma vinda de Alagoas, a outra de Minas Gerais. Ao se mudarem para São Paulo, elas são obrigadas a lidar com os desafios da migração, especialmente na escola. Com saudade de suas terras natais, embarcam em uma fuga imaginada: uma viagem fantástica pelo Rio São Francisco, que as ensina a superar medos e desafios, mostrando a elas o poder da amizade. É na brincadeira que compartilham a importância da cultura popular na construção de suas identidades, se fortalecem e ganham coragem para enfrentar os obstáculos que surgem pelo caminho.

No cenário minimalista composto apenas por uma cadeira e assinado por Analu Prestes (assim como o figurino), a professora aposentada Maria Emília passeia pelas ruas de São Paulo no dia de seu aniversário de 62 anos e se choca ao avistar a capa de uma revista na banca de jornal com um casal seminu enlaçado, estopim para sua indignação com o caos em que vê a sociedade mergulhada. Decide, então, escrever uma carta ao diretor do Jornal da Tarde para expor sua revolta e, à medida em que mentalmente elabora a carta, tem seu pensamento disperso entre recordações e impressões sobre os acontecimentos à sua volta.

Diferentemente do projeto anterior, dessa vez, Mel conta a história de Rita com base no livro da cantora, lançado em 2016 e um dos maiores sucessos editoriais do Brasil. O livro narra os altos e baixos da carreira de Rita com uma honestidade escancarada, a ponto de ter sido apontado como “ensinamento à classe artística” pelo jornal O Estado de São Paulo. A ideia do novo musical surgiu quando Mel gravou a versão em audiolivro, como Rita, em 2022. O texto de Rita, numa narrativa envolvente e perfeita para um musical biográfico, conta do primeiro disco voador avistado por ela ao último porre. Sem se poupar, ela fala da infância e dos primeiros passos na vida artística; de Mutantes e de Tutti-Frutti; de sua prisão em 1976, na ditadura; do encontro de almas com Roberto de Carvalho; das músicas e dos discos clássicos; do ativismo pelos direitos dos animais; dos tropeços e das glórias.