Um drama intenso que resgata a voz de Lotte, esposa de Stefan Zweig, cuja história foi calada pela História — até agora. Estrelando Hana Kolodny, indicada ao Prêmio Jovem Talento APTR por sua impressionante atuação no papel de Lotte,
e o consagrado Carlos Vereza, em uma performance que emociona e provoca.

Com direção de Isaac Bernat, “Rosa e a Semente” é o sexto espetáculo do Grupo Pedras e o primeiro voltado para o público infantil. Foi premiado nas categorias Melhor Texto e Melhor Atriz (Helena Stewart) do Prêmio Zilka Salaberry e Melhor Coletivo de Atores no Prêmio CBTIJ de teatro. Com o nascimento de três crianças no grupo, surgiu o desejo de transpor sua pesquisa de linguagem para esse novo universo. Livremente inspirada em “O Pote Vazio”, conto popular chinês, a peça conta a história do rito de passagem de uma menina que, apesar das adversidades, precisa manter a integridade e o compromisso com a verdade.

O musical reimagina a clássica história de Alice no País das Maravilhas em meio ao caos e à destruição da guerra. A trama acompanha Alice, uma jovem que se refugia em seu livro desgastado de Alice no País das Maravilhas, enquanto está presa em um abrigo antibombas com seu amigo de infância Alfred, que está gravemente doente. Enquanto os horrores da guerra se intensificam, Alice escapa para um mundo de fantasia onde pode reescrever sua própria história e encontrar força para lidar com a realidade brutal ao seu redor.

Em meio ao sertão nordestino, dois amigos pobres — João Grilo, astuto e malandro, e Chicó, medroso e falador — enfrentam diversas situações inusitadas para sobreviver às dificuldades da vida. Com muito humor e crítica social, a história mistura elementos da cultura popular brasileira, religiosidade e questões morais, conduzindo o público por uma jornada repleta de surpresas e reflexões sobre justiça, fé e redenção.

Cinco vezes campeão mundial em três categorias de pesos diferentes, Griffith foi o primeiro atleta com este perfil a assumir publicamente sua bissexualidade. Sua vida foi profundamente transformada após vencer o combate com Kid Paret, que havia chamado Emile de ‘bicha’ várias vezes em público e, no embate, foi nocauteado e faleceu, numa luta televisionada para todos os EUA em 1962. Negro e afro-caribenho, Griffith é uma figura de dimensões épicas, cuja trajetória nos permite discutir o quanto a sociedade contemporânea está — ou não — comprometida com a preservação dos direitos da população LGBTQIAPN+ e negra. O espetáculo busca dar corpo à memória de um herói complexo, que ousou desafiar as regras de seu tempo, um símbolo que rompeu paradigmas e enfrentou o peso do preconceito.

A montagem explora as regiões obscuras e inexplicáveis do comportamento humano para denunciar a opressão de gênero que assola a sociedade brasileira. A partir de um insólito triângulo amoroso entre um jovem médico, uma mulher que padece de uma doença incurável e seu marido – obcecado por experimentos científicos em torno da anatomia dos seres vivos – a peça investiga os limites éticos da ciência e do conhecimento. Para construir o universo da narrativa machadiana, a montagem se utiliza de elementos do “Teatro de Variedades”, popular em fins do século XIX. Através de cenas que se constituem como “atrações” de uma fictícia “Companhia São Januário de Extravagâncias”, a peça discute em chave burlesca as relações de dominação na atualidade brasileira, com ênfase à condição histórica de subalternidade do gênero feminino.

PAI, inspirado em uma história real, é um solo que acompanha a jornada de um homem confrontando os impactos duradouros dos abusos que sofreu nas mãos de suas figuras paternas. Em um espaço cru, impregnado de memória, ele revive episódios de violência, rituais, vergonha e silêncios — marcados por gestos de controle, crueldade e ternura fugidia. Ele busca clareza, encerramento e um sentido de identidade que vá além do passado que o assombra. À medida que o passado rompe a superfície do presente, PAI desafia o silêncio, entrelaçando emoção bruta com momentos de beleza e esperança. Essa performance visceral oferece um espaço para o diálogo, a cura e a possibilidade de, finalmente, deixar ir.

Samuel Hunter é um dramaturgo norte-americano conhecido por suas obras que exploram temas de isolamento, redenção e fragilidade humana, muitas vezes ambientadas em pequenas cidades dos Estados Unidos. “A Baleia” (The Whale), uma de suas peças mais aclamadas, estreou em 2012 e recebeu elogios pela sensibilidade com que aborda a história de um professor de inglês recluso e com obesidade severa que tenta se reconectar com sua filha adolescente.

Yerma é uma peça de teatro do poeta espanhol Federico García Lorca, aonde nos remete à Espanha de 1934. Yerma é uma mulher que vive o drama de não poder conceber um filho. E busca de todas as formas engravidar, e enfrenta a indiferença do seu marido, João, que não demonstra nenhum interesse em compartilhar de sua angústia. Então Maria, amiga de Yerma desabafa sobre a sensação de carregar um filho, o que deixa Yerma ainda mais frustrada. Obstinada, a protagonista procura desesperadamente um modo, mesmo contra a vontade de seu marido de obter a maternidade, mesmo que isso lhe custe qualquer preço.

Memórias, histórias e choques culturais de um imigrante libanês em sua luta pela sobrevivência numa terra estranha. A peça se propõe a discutir o conceito árabe de Maktub, que afirma que o Destino está escrito. Criação e atuação: Samir Murad. Quinta, sexta-feira e sábado, às 19 h e domingo, às 18h

O personagem mítico se debruça sobre as origens familiares para compreender seu destino. A peça usa toda a amplitude de interpretação oferecida pelas versões do mito. Criação e atuação: Samir Murad. Quinta, sexta-feira e sábado, às 19 h e domingo, às 18h

Explora a trajetória do dramaturgo, ator e diretor francês do início do século XX Antonin Artaud, seu trabalho, pensamentos e sua relação com a loucura. Criação e atuação: Samir Murad. Quinta, sexta-feira e sábado, às 19 h e domingo, às 18h

A montagem propõe uma contra-dramaturgia radical que atravessa teatro e cinema para construir uma narrativa fragmentada sobre desejo, ausência e identidade. Inspirado em autores como Marcelino Freire, Caio Fernando Abreu, Túlio Carella e Jomard Muniz de Britto, o solo mergulha em uma poética de textos, imagens e sons que tensionam os limites da cena e do corpo.

Em cena, a dança se une ao teatro e à música para criar um abrigo poético, onde é possível existir com verdade, mesmo em meio à dor. O laço vermelho deixa de ser só símbolo. Representa o HIV como atravessamento, narrativa coletiva, marca que não impede a vida. A obra é dividida em 12 cenas e costurada por canções emblemáticas como Bicho de Sete Cabeças (Geraldo Azevedo), Mulher do Fim do Mundo (Elza Soares), Mal Nenhum (Cazuza), Mulher (Linn da Quebrada) e Divino, Maravilhoso (Ney Matogrosso), entre outras

Em Senhora dos Afogados, a casa dos Drummond, a família matriz, é um cenário em ruínas. Margeada pelo mar, a casa é habitada pela atmosfera das mortes que, tanto no passado quanto no presente, arruinam as personagens. Imersa nesses ecos, a família Drummond naufraga. Mar e casa compõem um único ambiente plástico. Nessa superfície plana flutuam, insepultos, os mortos fantasmáticos que assombram as placentárias relações familiares dos vivos. Em torno do pai, Misael assenta-se o núcleo familiar. Um cadáver do passado institui, na fabulação, o enigma que move uma das faces do enredo: há dezenove anos, a amante de Misael fora morta, no dia mesmo em que o juiz celebrava suas bodas com Eduarda. Mas essa trama recobre um outro enigma: a misteriosa morte das filhas Dora e Clara, cujos corpos perderam-se no mar e sob o qual se esconde um conflito mais denso - o de Moema. Nelson Rodrigues, na ausência dos deuses, faz recair sobre sua protagonista uma fatalidade quiçá mais tenebrosa: a do desejo.