Entre os maiores eventos de artes cênicas do país, o Niterói em Cena - Festival Internacional de Teatro apresenta a Mostra Peças (a mais aguardada do evento), de 24 a 28 de setembro, no Teatro Popular Oscar Niemeyer e na Praça João Saldanha. São quatro atrações do Brasil e outras três da Alemanha, de Moçambique e do Peru. O 17º Niterói em Cena tem patrocínio da Secretaria Municipal das Culturas (SMC) de Niterói. Na mostra, estarão em cartaz os espetáculos “Dance Machines”, da Alemanha; “Ngati” (Sangue), de Moçambique; “O Figurante”, monólogo com Mateus Solano; “Antes do ano que vem”, com Mariana Xavier; “Beringela, A Grande”, coprodução entre Brasil e Peru; e os premiados “Tom na Fazenda”, idealizado por Armando Babaioff com direção de Rodrigo Portella, e “Pelada – A hora da Gaymada”, idealizado e dirigido por Orlando Caldeira.

História baseada em um garoto que passa seus dias em frente a um jogo de videogame. Negando café, almoço, jantar, hora de banho e de estudar. Sonhando com as sensações de ter aqueles poderes. (mal sabia ele...) Até que finalmente Victor se transforma em um dos seus bonecos / robôs, indo viver experiências nada agradáveis dentro da prisão que é uma tela de computador. Sentindo na própria pele o que seus bonecos virtuais sentem, ele começa finalmente a descobrir limites.

“A Família Addams” traz a história de quando a família lida com o crescimento da jovem Wandinha Addams que declara que quer se casar. A família Beineke, família do suposto amor de Wandinha, visita os Addams e para Mortícia e Gomez, torna-se um acontecimento horripilante quando descobrem que são uma família tradicional e concordam em fazer um jantar com as duas famílias. No decorrer da história, os Beinekes passam a conhecer sobre os ancestrais dos Addams e suas normalidades, sendo uma delas O JOGO. A confusão rola solta quando Fester pede ajuda aos fantasmas que saem da tumba para ajudarem Wandinha e o jovem Lukas a terem um final infeliz.

“Um determinado momento da vida em que surgem memórias repentinas, involuntárias e vívidas de experiências pessoais passadas. Em muitos casos, essas memórias poderosas estão intimamente ligadas a eventos traumáticos.” Esse é o conceito de Flashback, mas poderia ser sobre a vida de Édipo, não é? Então será! Vamos a Édipo REC, a tragédia à la Magiluth.

“Bar da Esquina” é um espetáculo de dança fundamentado na dramaturgia de Nelson Rodrigues e Carlos Heitor Cony, com o intuito de traduzir em carioquês o espetáculo “Café Muller”, da coreógrafa alemã Pina Bausch. A partir da pesquisa, oito atores bailarinos dançam as noites cariocas com encantos, expectativas, traições e desconfortos que cintilam na memória passada, presente e futura vividas nos bares. A apresentação é parte do edital Viva Talento, contemplada pela Lei Paulo Gustavo e tem patrocínio do Governo Federal, Ministério da Cultura, Prefeitura da Cidade do Rio de Janeiro e Secretaria de Cultura da Cidade do Rio de Janeiro.

O CORPO QUE EU HABITO é um espetáculo híbrido em que dança, teatro, música e performance, se mesclam com o objetivo de promover uma reflexão sobre o corpo de cada indivíduo no aqui e agora. No espetáculo, cada artista / intérprete traz para o palco suas experiências, histórias e particularidades, explorando as possibilidades e potencialidades de seus corpos. Em cena, 7 bailarinos compõem seus solos que acabam por se tangenciar formando duos, trios e momentos de encenação coletiva que darão a dinâmica da convivência entre diferentes conhecimentos e signos, provocando um “debate coreográfico” sobre tempo, espaço, sentimento, vivências, herança, memória, história, sentimento de pertencimento. Entendemos que este mapeamento da ‘construção corporal’ também se faz a partir de experiências não escolhidas de uma consequência involuntária do tempo e dos acontecimentos.

Antônio (Sérgio Siviero) oferece a sua vida em sacrifício ao participar de um reality show com uma performance ambientada em um macabro teatro de variedades, auxiliado por Phedra (Tânia Granussi), uma espécie de anjo da morte.

O Teatro para Bebês: Ninho Musical convida o público a embarcar em uma jornada sensorial e lúdica. Utilizando elementos da natureza, o espetáculo constrói imagens singulares que alimentam a imaginação dos pequenos. A sonoridade é enriquecida pelos músicos, e a interação direta das bailarinas com a plateia cria momentos de proximidade que derrubam a quarta parede, tornando o espetáculo ainda mais envolvente.

PARLENDÔ é um projeto musical autoral para as Infâncias, que convida o público a participar de uma inusitada viagem musical. Para isso, o show conta com intervenção teatral, adereços, elementos cenográficos e projeção. Todos esses recursos são utilizados para potencializar a experiência do público! As músicas contam histórias que abordam temas como a diversidade; o livre brincar; sentimentos como saudade, medo e coragem; a preservação da natureza; a criatividade e a imaginação; e até a alimentação saudável.

Em um mundo dominado pela imagem nos meios de comunicação, estariam as palavras perdendo sua força vital? Ou será que, ao contrário, estariam ficando ainda mais fortes, pois cada vez mais raras? No espetáculo “Fantasiosa Exposição da Palavra”, a atriz e dramaturga Cecilia Ripoll propõe uma reflexão sobre o impacto gerado pela invasão dos símbolos no campo das palavras.

O enredo da ópera segue a situação dos judeus exilados de sua terra natal pelo rei babilônico Nabucodonosor II. Com libreto de Temistocle Solera e baseada em passagens bíblicas do antigo testamento, Nabucco é uma trama complexa sobre as ocupações, guerras, violência política e poder. A obra foi criada durante a época da ocupação austríaca no norte da Itália, e acabou sendo utilizada como hino não-oficial e símbolo cultural da luta de libertação nacional que desembocou no processo de unificação italiana. Nabucco foi um sucesso imediato quando teve sua estreia no Teatro alla Scala, em Milão, o que estabeleceu a grandiosidade de Verdi como compositor em um momento conturbado, tanto para o autor, quanto para seu país. Musicalmente, passeia entre ritmos energéticos e propulsivos, contrastados com momentos mais líricos em um fervor musical comovente. Vários trechos da ópera ganharam bastante autonomia, sendo o principal deles o Va, Pensiero que coloca o coro como peça fundamental da dramaticidade da obra.

A terceira edição da MOSTRA ZLGBT+ promete agitar o Teatro Flávio Império na Zona Leste de São Paulo. Realizada de 18 a 21 de setembro pelo Coletivo Acuenda a mostra será palco de apresentações artísticas conectadas com a diversidade. Na ocasião também acontece a 10ª edição do Concurso Drag D’água voltada para as artistas com mais de cinco anos de carreira

Num beco, próximo à saída de serviço de um teatro, duas pessoas dialogam sobre questões alusivas ao próprio teatro e confrontam pensamentos acerca da existência, gerando um embate filosófico sobre o ser e o não-ser. Com o transcorrer da conversa, descobrem que esse encontro pode se tornar, ainda, um acerto de contas.

Vapor fala de um estado forçado de fuga, de refúgio, de necessidade de abrigo. Fala do direito universal à moradia, dos conflitos que passam pelo pertencimento e pela propriedade. Fala da necessidade de se mudar com tudo de mais importante, tendo que deixar para trás outras importâncias. Fala de quem invade, de quem está em constante movimento como tática de sobrevida e de elaboração de sua existência.

Dois policiais (um homem e uma mulher) invadem repentinamente a casa de um casal a procura do filho deles, Bruno, cujo paradeiro os pais desconhecem. Começam a inventariar uma série de objetos que se acumularam num canto, retirando o significado que cada um tinha quando estava em determinado local. A sensação de que nada será como antes torna-se ponto de partida para que cada uma das personagens comece a perceber quem realmente é. Na catarse de cada personagem, as sombras revelam que na solidão, na tristeza e no desamparo sofrido por cada uma dessas criaturas está o cerne do mundo contemporâneo, em que os seres humanos desaparecem ou tentam escapar da melhor maneira que podem, porque, socialmente, não encontram apoio que lhes permita crescer de acordo com as suas necessidades pessoais. A obra também propõe um exercício inspirado na linguagem do cineasta Rainer Werner Fassbinder: o ar espectral, a experimentação, o estranhamento nas atuações – indo do melodrama ao absurdo – e a repetição, como formas de estabelecer um distanciamento que termina por promover a identificação.