Escrita nos anos 1950, a peça retrata o colapso de uma família tradicional diante da perda de status social e da incapacidade de adaptação a um mundo em transformação. Ao abordar a decadência das elites agrárias após a crise do café de 1929, o texto expõe tensões econômicas, afetivas e morais que ainda ecoam na sociedade brasileira.

Entre muitos grãos de areia, cada um com sua personalidade – um risonho, um chorão, um sabichão, um mandão, um medroso – nasce um delicado retrato da diversidade humana desde a infância. Nesse universo minúsculo e cheio de vida, um grão sonhador se apaixona por uma estrela e decide seguir esse desejo, mesmo quando tudo ao seu redor insiste que aquele amor é impossível. Ao tentar alcançá-lo, o grão sonhador confronta os limites da lógica, das promessas fáceis e das expectativas, e é a própria natureza, com seu tempo e sabedoria, que conduz o desfecho poético dessa jornada.

Baseado em uma história real, o espetáculo parte da prisão arbitrária do professor Igor Mendes após os protestos que marcaram o Brasil a partir de 2013. No entanto, a montagem não busca reconstruir um caso ou revisitar um episódio político específico. O seu interesse está nas pessoas. Nos homens que habitam os espaços que a sociedade prefere não enxergar. Nos afetos que sobrevivem em meio à violência. Nas relações humanas que surgem quando tudo parece ter sido perdido.

No espetáculo Re-Circo, 18 artistas mostram suas habilidades enquanto contam uma história sobre como as práticas sustentáveis podem ser incorporadas de forma criativa e divertida no dia a dia. Há uma banda ao vivo, composta por baixo, guitarra, bateria, teclado, saxofone, flauta e dois cantores, tocando canções circenses tradicionais e composições próprias. Efeitos visuais e sonoros complementam o trabalho.

Brasil em Revista conta, canta e dança a história do Brasil por meio de episódios marcados pela resistência popular. Inspirado no teatro de revista, no teatro épico e na cultura popular brasileira, o espetáculo reúne 16 atores, atrizes e quatro músicos em uma jornada que atravessa diferentes períodos históricos, combinando humor, música e reflexão crítica sobre a formação do país.

A peça desconstrói e reconstrói conceitos milenares da história da civilização - corpo e alma, certo e errado, traidor e traído, obediência e desobediência. Sozinha no palco, Clarice Niskier conta histórias e parábolas da tradição judaica, valendo-se somente de uma cadeira e um grande pano preto que, concebido pela figurinista Kika Lopes, transforma-se em oito diferentes vestes – mantos, vestidos, burcas. O espaço cênico concebido por Luis Martins é limpo e remete a um longo corredor em perspectiva.

Em 2026, essa memória ganha novo corpo e voz no palco através de um encontro de gigantes. Soraya Ravenle, que iniciou sua brilhante carreira no teatro musical integrando o coro de ‘A Estrela Dalva’ (1987), grande sucesso de Borghi com Marília Pêra, retorna agora para ocupar o centro do palco e encarnar a própria estrela. Com sua potência vocal e sensibilidade, ela não interpreta apenas a “rainha do rádio”, mas a força da natureza que cantou a dor rasgada antes disso virar moda; a mulher que desafiou os moralismos de sua época com o peito aberto e a garganta em chamas. Soraya traz à cena o mito humano, o “rouxinol do Brasil”, que ensinou a um país inteiro que o sofrimento, quando cantado, vira beleza.

Num funeral, quatro pessoas se reencontram depois de 18 anos. A última vez em que se viram, eram crianças prestes a serem adotadas. Agora conversam e relembram os momentos antes da adoção, os primeiros momentos com as novas famílias e imaginam seus futuros

Embora escritos no século XIX, os seis contos abordam temas que seguem atuais, como desejo, vaidade, ciúme, jogos de poder e aparências sociais. Ao explorar as contradições da condição humana, Machado de Assis revela comportamentos que atravessam o tempo, reafirmando a força e a atualidade de sua obra.

A peça esgarça de maneira clownesca o tecido do drama ao apresentar os próprios artesãos da obra em cena, escancarando até mesmo a fragilidade dos atores. Não se trata de uma crítica ao fazer revolucionário, mas uma evidência patética de nossos atos de esperança que se convertem mais em espera do que ação, uma sátira que nos atenta para o agora e para o agir efetivo que não será proveniente de nenhum tipo de inspiração.

BOI MATERIAL se passa em uma feira de exposição, quando um grupo de artistas é contratado para entreter o espetáculo. Durante a Expô, esses artistas se percebem como parte da complexa engrenagem, um jogo de poder cujos movimentos incidem diretamente contra as existências vivas do planeta. Em meio ao leilão de gado, que ironicamente perpassa a iconografia do boi na história da pintura brasileira, o grupo subverte o jogo, ora assumindo o papel dos donos da Terra, ora especulando sobre um levante.

Criada pelo dramaturgo argentino Nelson Ansiporovich e dirigida no Brasil por Yuna Machado e Rocío Crey, a obra propõe uma experiência cênica imersiva de alta intensidade, atravessada por teatro performativo, banda e DJ ao vivo, ações físicas e interação constante com o público. Ao longo de mais de uma década de trajetória, o espetáculo já reuniu mais de 30 mil espectadores em diferentes países, com apresentações realizadas em cidades como Buenos Aires, Nova York e Barcelona.

"ARRANCO PEDAÇO (UM DELÍRIO ERÓTICO)" nasce do desejo do diretor Christian Landi de criar um experimento cênico a partir da obra “A Doença da Morte”, de Marguerite Duras, investigando, de forma poética, a incapacidade de amar e a solidão radical — temas que assombram as relações contemporâneas. Com uma narrativa erótica e atmosférica, o espetáculo aborda o desencontro, o amor idealizado em tensão com a realidade, e personagens que habitam o plano da carne e do desejo, tentando não sucumbir ao fracasso da intimidade. Em cena, 19 artistas-criadores dão corpo a esse delírio sexy, cínico, musicado e imagético, contribuindo ativamente para a construção da obra e expandindo a direção de Landi. O espetáculo convida o espectador a aguçar os sentidos e se lançar numa viagem lynchiana — como sentar-se à mesa com Alice e o Chapeleiro, atravessar a madrugada ao som de Letrux, ou engolir, sem anestesia, a pílula vermelha de Matrix.

Embora escritos no século XIX, os seis contos abordam temas que seguem atuais, como desejo, vaidade, ciúme, jogos de poder e aparências sociais. Ao explorar as contradições da condição humana, Machado de Assis revela comportamentos que atravessam o tempo, reafirmando a força e a atualidade de sua obra.

Escrita nos anos 1950, a peça retrata o colapso de uma família tradicional diante da perda de status social e da incapacidade de adaptação a um mundo em transformação. Ao abordar a decadência das elites agrárias após a crise do café de 1929, o texto expõe tensões econômicas, afetivas e morais que ainda ecoam na sociedade brasileira.

Enterrada até a cintura e depois até o pescoço, Winnie encontra em seus pequenos rituais a última linha de defesa contra o colapso, explorando pelo humor ácido de Beckett a fina camada que separa o otimismo da resignação.

Inédito no Rio, o solo “Hamlet 16x8”, com Rogério Bandeira e direção de Marco Antonio Rodrigues, parte do livro “Hamlet e o Filho do Padeiro: Memórias Imaginadas”, autobiografia em que Boal revisita a infância, o Teatro de Arena, a prisão, o exílio e sua trajetória internacional. Rodrigues constrói a encenação ao lado de Bandeira, ator com trajetória ligada à pesquisa teatral. A cena vai peneirando os achados, os ditos e os quereres de Boal, representando toda uma geração do teatro brasileiro refundada no Teatro de Arena. A peça “Hamlet 16x8” estreou em São Paulo em 2021, tendo sido indicada na categoria Melhor Espetáculo do Prêmio APCA (Associação Paulista de Críticos de Arte).

À noite, quando as luzes se apagam e os adultos acham que as crianças já dormiram, o quarto vira território fértil para a imaginação, sonhos, medos e lembranças. É nessa hora que Pipa, acompanhada de Nada, seu amigo imaginário, e Maju, sua boneca preferida, vai descobrindo que crescer é um movimento em todos os sentidos. Antes de dormir é uma peça sobre o fim da infância que une poesia, música e teatro para reconhecer essa passagem tão simbólica e intensa na vida de todos nós.

A história será contada em três planos. O primeiro plano se passa no presente, durante a gravação de um documentário em homenagem aos 50 anos de carreira de Fafá de Belém. A partir de suas lembranças, vão surgindo os demais planos. O segundo plano representa a memória da infância, em uma Belém lírica — entre mitos e lendas. No terceiro plano, assistimos à construção da carreira da cantora — de Belém para o mundo. Três atrizes interpretarão a cantora nas fases da infância, juventude e maturidade: Fafá-menina, Fafá-cantora e Fafá de Belém. No início da peça, os planos se estabelecem de forma independente; a partir de determinado momento, eles se atravessam e se completam.

PRISMA – eu sou assim é uma aventura cheia de graça que se passa dentro e fora da cabeça de uma menina autista. A peça é o ponto de vista bem-humorado e inusitado desta criança e a plateia acompanha sua história: o nascimento, a infância, as relações familiares, a escola, as interações com os amigos e as primeiras descobertas de vida.

Criada pelo dramaturgo argentino Nelson Ansiporovich e dirigida no Brasil por Yuna Machado e Rocío Crey, a obra propõe uma experiência cênica imersiva de alta intensidade, atravessada por teatro performativo, banda e DJ ao vivo, ações físicas e interação constante com o público. Ao longo de mais de uma década de trajetória, o espetáculo já reuniu mais de 30 mil espectadores em diferentes países, com apresentações realizadas em cidades como Buenos Aires, Nova York e Barcelona.

Em uma montagem repleta de humor, poesia e música, talentosas atrizes dão vida aos diversos personagens desta trama encantadora. O espetáculo, revela a jornada da protagonista em direção à superação de seus temores. Ao enfrentar o Lobo, ela descobre a importância de abraçar a coragem e seus próprios medos.

De todas as filhas de Seu Noronha com Dona Aracy, Silene é a mais nova - e também a mais mimada. Ela tem direito a uma boa educação em um colégio interno, pois é a esperança da família de cinco mulheres: pelo menos uma se casará na igreja, virgem, virando o símbolo de salvação moral da família. As outras quatro irmãs, Aurora, Arlete, Débora e Hilda, que ainda não se casaram, se empenham em juntar dinheiro para o enxoval da caçula enquanto enfrentam o temperamento agressivo do pai. Mas a situação muda radicalmente quando Silene é acusada, no colégio, de matar a pauladas uma gata prenha.

Com uma narrativa inspiradora, o espetáculo aborda temas como resiliência, empatia, justiça e superação, mostrando que tamanho nunca define grandeza — porque todos possuem dentro de si a capacidade de fazer a diferença.

Inspirado nas vivências do subúrbio carioca, o espetáculo musical inédito “Pra te ver feliz” tem texto e direção de João Batista, direção musical de Marcelo Alonso Neves, com idealização da Cia. Dramática de Comédia e produção e realização de Bruno Mariozz, da Palavra Z Produções Culturais. A peça estreia em 10 de julho de 2026 no Teatro Sesc Ginástico, com temporada até 9 de agosto (quintas e sextas, às 19h; sábados e domingos, às 17h). A montagem é o segundo espetáculo da trilogia “Dá samba”, iniciada em 2013 com o musical “Quando a gente ama”, construído a partir da obra de Arlindo Cruz.

A narrativa acompanha a trajetória de uma jovem violentada por dois colegas de escola que, após engravidar, é obrigada pela família a deixar a cidade para ter o filho longe dos olhares da comunidade. Seis anos depois, ela retorna com a criança para apresentar o filho ao pai. O reencontro faz emergir memórias, silêncios e conflitos que atravessam o tempo, conduzindo a história entre a tragédia e a possibilidade de reconstrução.

Inspirada no universo cinematográfico de Quentin Tarantino, a história mergulha o público em uma noite de crime, humor ácido e personagens histriônicos à beira do colapso nervoso em uma trama verborrágica e cruel.

O que acontece quando a violência começa dentro de casa e encontra nas redes sociais um caminho para se espalhar? Em Nudes, a dramaturga Druila Pacaya constrói uma narrativa intensa sobre abuso, manipulação, exposição não consentida de imagens íntimas e os efeitos devastadores do julgamento social. Com direção de Kikha Danttas, a leitura dramatizada propõe um encontro entre arte e reflexão, reafirmando o teatro como espaço de escuta, diálogo e transformação.

 A peça acompanha duas mulheres em jornadas paralelas. Laura (Mariana Coggiola), mãe de uma criança autista, tenta conciliar os cuidados com a filha com a retomada da vida profissional. Já Fernanda (Carol Porto), professora de yoga e amiga de Laura, enfrenta sucessivas tentativas de engravidar enquanto convive com a frustração e o silêncio em torno da infertilidade. A amizade entre as duas se transforma em espaço de acolhimento, escuta e resistência.

Em cena, os bebês são reconhecidos como pesquisadores natos: cada sessão se constrói no encontro com suas reações, silêncios, movimentos e curiosidades. Sem momentos delimitados de interação, a experiência acontece na escuta e na atenção compartilhadas.

MANHÊ! conduz a plateia para uma incursão ao maravilhoso, misterioso, paradoxal e assustador mundo da “maternagem” – esse termo cunhado com precisão para deixar, na maioria das vezes, exclusivamente a cargo da mãe os cuidados e as responsabilidade sobre a criança.

Em uma Atenas tomada pela tensão entre tradição e pensamento livre, Sócrates — o filósofo que desafiava certezas e incitava a juventude a questionar — é arrastado ao tribunal. Acusado por cidadãos atenienses de corromper os jovens e de profanar os deuses da cidade, ele enfrenta seu destino com ironia sagaz e lógica implacável. Não suplica por clemência, mas defende a vida como um dever sagrado, transformando sua apologia num manifesto sobre liberdade e integridade.

A dramaturgia do musical explora a riqueza de estilos presentes na obra do artista – que passeia pelo jazz, samba, ritmos afro-brasileiros e pop –, além de destacar a força de suas letras, que falam de amor, amizade, superação e esperança. Essa conexão emocional, presente em suas canções, será transportada para o palco de forma envolvente, criando uma experiência única para o público.

O espetáculo apresenta personagens inspirados em mitos afrobrasileiros e convida o público a celebrar a diversidade. Duas araras, azul e amarela, disputam a importância de suas cores até a chegada da arara vermelha, que revela a história da arara de muitas cores, mostrando a beleza de serem coloridos.

A história traz, de um lado, um refinado teólogo representante da tradição e dos velhos costumes da Igreja; do outro, um religioso carismático e com fama de rebelde disposto a construir pontes com as mudanças do mundo moderno. O cardeal argentino Jorge Bergoglio está decidido a pedir sua aposentadoria devido a divergências sobre a forma como o Papa Bento XVI tem conduzido a Igreja. No entanto, ele é surpreendido por um convite pessoal que mudará seu destino: um encontro com o próprio Papa.

Após o sucesso de três apresentações especiais em Juiz de Fora, Minas Gerais, Mouhamed Harfouch leva seu monólogo “Meu Remédio” para o Rio de Janeiro, com estreia marcada para 10 de janeiro de 2025, no Teatro Ipanema. Dirigido por João Fonseca, o espetáculo traz uma narrativa profundamente pessoal e emotiva, onde Harfouch mergulha na sua história de vida, lidando com temas como identidade, pertencimento e aceitação de sua própria história. A peça é uma mistura de comédia e drama, resultado de um processo criativo íntimo que levou o artista a revisitar momentos de sua própria trajetória, especialmente sua relação com seu nome e sua herança cultural.