Através das experiências pessoais dos performers Pedro Granato e Letícia Calvosa, o projeto propõe uma narrativa que atravessa as fronteiras entre o público e o privado, o político e o pessoal. Calvosa, uma mulher negra que enfrentou dilemas sobre as cotas ao ingressar na universidade, e Granato, um homem branco que foi gestor público de formação, refletem sobre como o racismo moldou suas trajetórias educacionais.

Inspirado no olhar da própria Tina Turner, que participou do desenvolvimento do espetáculo, o musical combina emoção, energia e uma trilha sonora repleta de clássicos que marcaram gerações TINA – TINA TURNER O MUSICAL é a história da lendária artista Tina Turner, a Rainha do Rock ‘n’ Roll, 12 vezes […]

Dois casais de gerações diferentes se encontram em um quarto de hotel. Segredos e mentiras começam a ser revelados e trazem à tona um divertido turbilhão de sentimentos, com muita emoção e desafios, que mudarão a vida deles para sempre.

Iago recebe Otelo para um banquete logo após o mouro receber o título de general. Leonardo recebe Thiago para um jantar e discutirem sobre fazer um espetáculo que é prelúdio da peça Otelo de Shakespeare. As relações estão em um jogo de pistas falsas e acobertação que só se revela no final. De mais real apenas a comida que é cozida de fato em cena.

Uma atriz e um ator, em sério conflito e decididos a encerrar a parceria profissional, recebem uma carta sem remetente. Com a ajuda de Telonaldo, um telão cheio de personalidade, viajam até a Índia e descobrem que o misterioso remetente é ninguém menos que Mahatma Gandhi. À medida que revivem episódios emblemáticos da vida do líder pacifista, percebem novas formas de diálogo e reconciliação. O espetáculo mescla linguagem teatral e audiovisual. A encenação utiliza animações 2D projetadas em um telão-personagem, o divertido Telonaldo, que conversa com os atores, cria cenários, transporta o público para a Índia e ajuda a contar a história ora de forma objetiva, ora subjetiva. A montagem propõe um encontro sensível e poético com a trajetória de Gandhi, convidando crianças, jovens e adultos a refletirem sobre empatia, respeito, coragem e as pequenas potências da não violência no cotidiano.

O espetáculo apresenta, em formato autobiográfico, episódios relacionados à formação artística de Seven e à influência do ambiente circense em seu desenvolvimento profissional. A encenação articula memórias, pensamentos e experiências do artista para abordar escolhas e acontecimentos cotidianos que impactam trajetórias individuais ao longo do tempo.

A distopia criada por Nelson Baskerville a partir da tragédia carioca de Nelson Rodrigues ressurge como um espelho cruel das hipocrisias brasileiras, amplificadas pelo recente avanço da extrema direita. Edgard, um homem marcado pela miséria apesar de anos de dedicação ao patrão Werneck, recebe uma proposta tentadora: casar-se com Maria Cecília, jovem rica e "bonitinha" , mas envolta em um passado controverso. O dilema entre dinheiro e moralidade o arrasta por um universo de desejos reprimidos, traições e valores distorcidos.

Acompanhamos o encontro de duas meninas, Chica e Maria, uma vinda de Alagoas, a outra de Minas Gerais. Ao se mudarem para São Paulo, elas são obrigadas a lidar com os desafios da migração, especialmente na escola. Com saudade de suas terras natais, embarcam em uma fuga imaginada: uma viagem fantástica pelo Rio São Francisco, que as ensina a superar medos e desafios, mostrando a elas o poder da amizade. É na brincadeira que compartilham a importância da cultura popular na construção de suas identidades, se fortalecem e ganham coragem para enfrentar os obstáculos que surgem pelo caminho.

O espetáculo infantil Alice no País das Maravilhas, escrito e dirigido por Leandro Mariz, apresenta a jornada de uma garota sonhadora em busca de um mundo de aventuras e descobertas, onde tudo pode acontecer. Misturando fantasia, humor e personagens icônicos, a peça celebra a força da imaginação e mostra como crescer também pode ser aprender a olhar de modo diferente para o mundo. Unindo tecnologia e arte, o espetáculo inova ao utilizar projeções em 3D com óculos de lentes azul e vermelha e músicas originais, que ampliam o universo lúdico e aproximam a magia da cena.

Para celebrar seus 80 anos de vida e 60 de carreira, a atriz Ana Lúcia Torre divide com o público memórias e reflexões em um espetáculo vibrante, revelador e cheio de emoção, em que fala letras de diversas músicas icônicas de Chico Buarque, com participação do pianista Diógenes Junior. Quem assiste se identifica totalmente com os temas essenciais que compõem a narrativa, como arte, amores, separações, maternidade, resistência, sociedade e o tempo. Letras de clássicos como Meu Guri, Beatriz, Geni e o Zepelim, Valsinha, Atrás da Porta e Olhos nos Olhos, entre muitas outras, compõem o roteiro repleto de delicadeza e bom humor.

De um lado do rio, uma onça acorda no meio da noite sentindo uma coceira estranha no peito. Inquieta, procura a Velha Ventania - aquela que tece o tempo. Do outro lado do rio mora uma criança que acorda no meio da noite porque seu coração treme. A Dona Onça e a Velha Ventania escutaram o coração da criança e terão que atravessar o rio. Como desvendar um coração que treme?

Diante da ruína de uma companhia de Teatro de Variedades, dois artistas remanescentes realizam o último espetáculo, que tem como atração a famosa cantora Josefina – uma rata. Para surpresa dos atores, que já nem contavam com público, os ratos comparecem em peso para desfrutar da sublime arte da diva inigualável. Porém, a apresentação se torna incerta quando a cantora é anunciada e não entra em cena. Verificam que ela ainda estaria se preparando e pedem paciência ao público. Diante dessa adversidade, os atores são obrigados a improvisar para conter a ansiedade da plateia.

Após o sucesso de três apresentações especiais em Juiz de Fora, Minas Gerais, Mouhamed Harfouch leva seu monólogo “Meu Remédio” para o Rio de Janeiro, com estreia marcada para 10 de janeiro de 2025, no Teatro Ipanema. Dirigido por João Fonseca, o espetáculo traz uma narrativa profundamente pessoal e emotiva, onde Harfouch mergulha na sua história de vida, lidando com temas como identidade, pertencimento e aceitação de sua própria história. A peça é uma mistura de comédia e drama, resultado de um processo criativo íntimo que levou o artista a revisitar momentos de sua própria trajetória, especialmente sua relação com seu nome e sua herança cultural.

O espetáculo apresenta, em formato autobiográfico, episódios relacionados à formação artística de Seven e à influência do ambiente circense em seu desenvolvimento profissional. A encenação articula memórias, pensamentos e experiências do artista para abordar escolhas e acontecimentos cotidianos que impactam trajetórias individuais ao longo do tempo.

“Hip-Hop Blues – Espólio das Águas”, a cena se constrói em fragmentos: chove, os rios transbordam e ocupam São Paulo, reivindicando seus lugares de existência. Em um espaço que remete a um galpão-teatro, artistas refletem, ensaiam e expõem os impasses do presente, em um jogo cênico que fricciona depoimento e ficção. Memorias atravessam a ágora contemporânea, revelando e confrontando estruturas como o racismo, a lgbtqia+fobia, a intolerância religiosa, a supremacia branca e patriarcal, e seus desdobramentos e impacto sobre a realidade cotidiana. 

Para celebrar seus 80 anos de vida e 60 de carreira, a atriz Ana Lúcia Torre divide com o público memórias e reflexões em um espetáculo vibrante, revelador e cheio de emoção, em que fala letras de diversas músicas icônicas de Chico Buarque, com participação do pianista Diógenes Junior. Quem assiste se identifica totalmente com os temas essenciais que compõem a narrativa, como arte, amores, separações, maternidade, resistência, sociedade e o tempo. Letras de clássicos como Meu Guri, Beatriz, Geni e o Zepelim, Valsinha, Atrás da Porta e Olhos nos Olhos, entre muitas outras, compõem o roteiro repleto de delicadeza e bom humor.

Depois de oito apresentações pontuais e esgotadas no início do ano passado, em março de 2025, o espetáculo Contus d Fadas para Kabezas Dialetykas retorna ao Teatro Oficina para curta temporada de cinco semanas, às segundas e terças-feiras. O espetáculo tem em suas veias a paixão de Kafka pelo teatro popular e é uma encenação inédita a partir de contos curtos do autor. A montagem atravessa sete de suas narrativas, criando uma engrenagem disparadora de imagens, gestos e palavras que vão do embate com a “lei” ao desejo de fusão com a terra. “Um contra-feitiço, em compasso báquico, à civilização ocidental, diz a diretora Fabiana Serroni.

Em cena, o artista conta histórias que prometem muitas risadas da plateia. São várias situações já vividas por ele em suas inúmeras viagens pelo mundo. Momentos que vão desde uma massagem na Índia, encontro com gorilas, safáris na África, e até dor de barriga no Nepal.

Histórias da América Latina que correm por todo o espetáculo, construindo pistas de alguma identidade continental. Como o Brasil se vê latino-americano? Na obra, a corrida é vista como metáfora, numa tentativa de aproximação entre pés e corações das nossas personagens.

O público é recebido por quatro artistas – Claudiu's (Renato Ribeiro), Clóvis (Vinicius Ramos), Elisabetana (Gislaine Pereira) e Pamplona (Gabi Zanola) – que preparam o picadeiro. O que começa como uma rotina simples logo se transforma em celebração. Entre risadas, canções e improvisos, os personagens compartilham memórias que ecoam o passado e o presente das famílias circenses: a mulher que fugiu com o circo, o filho de equilibristas, o poeta que fez do picadeiro sua casa e a palhaça que encontrou na estrada o seu lar. No encontro entre bastidores e espetáculo, a trupe costura comicidade e emoção para falar da arte de conviver.

De um lado do rio, uma onça acorda no meio da noite sentindo uma coceira estranha no peito. Inquieta, procura a Velha Ventania - aquela que tece o tempo. Do outro lado do rio mora uma criança que acorda no meio da noite porque seu coração treme. A Dona Onça e a Velha Ventania escutaram o coração da criança e terão que atravessar o rio. Como desvendar um coração que treme?

Concerto para um Corpo Traquejado é um solo de Wilson Aguiar que combina dança, teatro e autobiografia a partir de episódios marcantes de sua trajetória artística — da infância na periferia de São Paulo aos grandes palcos da cidade. Com direção de Luciana Canton, o espetáculo propõe um encontro íntimo com um corpo de 66 anos, atravessado por falha, persistência e transformação. Ao afirmar sua força poética e política, Concerto para um Corpo Traquejado convida o espectador a reconhecer, no corpo do outro, ecos de sua própria experiência de estar no mundo.

O espetáculo narra a história de Jeffinho, um menino muito talentoso que adora fazer rimas e passinhos. Ele mora em uma comunidade que faz divisa através de uma RUA com um dos bairros mais ricos da cidade. Um dia, brincando, ele conhece Lucas, um garoto da mesma idade e que mora do lado de lá. Apesar das diferenças, eles se tornarão amigos e viverão, juntos, descobertas boas e ruins sobre o mundo e a sociedade. Com muita música, dança, aprendizado e diversão, a história fala sobre oportunidades, sonhos e amizade.

Uma atriz e um ator, em sério conflito e decididos a encerrar a parceria profissional, recebem uma carta sem remetente. Com a ajuda de Telonaldo, um telão cheio de personalidade, viajam até a Índia e descobrem que o misterioso remetente é ninguém menos que Mahatma Gandhi. À medida que revivem episódios emblemáticos da vida do líder pacifista, percebem novas formas de diálogo e reconciliação. O espetáculo mescla linguagem teatral e audiovisual. A encenação utiliza animações 2D projetadas em um telão-personagem, o divertido Telonaldo, que conversa com os atores, cria cenários, transporta o público para a Índia e ajuda a contar a história ora de forma objetiva, ora subjetiva. A montagem propõe um encontro sensível e poético com a trajetória de Gandhi, convidando crianças, jovens e adultos a refletirem sobre empatia, respeito, coragem e as pequenas potências da não violência no cotidiano.

Uma mulher cearense, nascida na Roça Velha, região do Cariri, dança em um palco reflexivo, como se o tempo fosse um buraco sem fim, cavando um movimento entre gerações que se entrelaçam sem sequencialidade, insistente na força do presente. Um inventário de gestos guia a proposta de Clemente, como uma expedição que ativa camadas do luto ao mesmo tempo que articula a força da vida, modificando as oposições recorrentes entre a vida e a morte, num desenho que as indefine. Uma peça que olha adiante no agora. Há, ainda, três movimentos: ESPERAR, PLANTAR, TRANSFORMAR.

O “Romeu e Julieta” do teatro ídiche ganha agora uma versão para o teatro musical. Nesta nova montagem do clássico do início do século XX, o amor “proibido” entre dois jovens é retratado por meio da fusão entre drama, música, dança e circo, atravessando o universo mágico e instigante da cabala e de seus mistérios.

Cabaré Profano celebra o direito de existir, de viver com intensidade, liberdade e verdade, transformando o palco em um espaço de resistência e reflexão, onde cada pecado e desejo se torna oportunidade de autoconhecimento. É uma celebração da existência em um mundo que, muitas vezes, ainda empurra essas histórias para os porões da alma.

A história inspirada no clássico “Romeu e Julieta”, de William Shakespeare, mantém o amor como temática principal. “Romeu e Romeu”, destaca no palco com leveza e com bastante humor, as dificuldades do cotidiano do casal Romeu (Guilherme Chelucci) e Zinho (Pedro Pilar), os ciúmes, os dilemas domésticos e, certamente, o preconceito. A proposta é que o público reviva essa história tão conhecida e mostrar que tudo poderia ser alterado, com um final diferente onde o preconceito não venceria o amor é só uma atitude verdadeira poderia trazer a tão esperada felicidade.

O enredo se desenvolve por meio de diálogos profundos em cinco movimentos, onde os sonhos e desejos de mulheres de épocas distintas se cruzam, revelando questões que perduram até hoje na sociedade.

Sete mulheres refugiadas que hoje vivem no Brasil compartilham, em esquetes baseadas em fatos reais, episódios marcados por humor, confusão e descobertas. As histórias revelam os desafios enfrentados ao chegar a um novo país — do idioma às diferenças culturais — e mostram, com sensibilidade e leveza, o processo de adaptação e reconstrução de suas vidas.

“A primeira dança” é uma palestra performance sobre as primeiras danças da humanidade, assim como suas versões sociais e pessoais. A fala, acompanhada por imagens e dança, convida o público a pensar sobre aquilo que chamamos de dança e sobre como ela pode existir para além de uma demonstração técnica, podendo também falar dos limites e aprendizados do corpo.

"Homem que é homem não chora" é uma história ambientada no banheiro de um aeroporto. Conta a história de dois homens que, devido um apagão em um aeroporto ficam presos no banheiro por várias horas e se enfrentam em um jogo de palavras nem um pouco delicadas sobre suas orientações sexuais e olhares em relação à vida. Nesta convivência forçada descobrem nuances de suas personalidades e enfrentam os dilemas da aceitação do outro.

A Última Valsa de Zelda Fitzgerald revisita a trajetória e a obra de uma mulher brilhante, intensa e silenciada pela história. Do interior dos Estados Unidos à consagração como ícone dos anos 1920 ao lado de F. Scott Fitzgerald, o espetáculo acompanha sua ascensão social, os conflitos no casamento, a disputa pela autoria da própria vida, as tentativas de se afirmar como artista e o agravamento de sua saúde mental. Entre festas, delírios e internações, emerge o retrato de uma mulher que lutou para existir com voz própria, muito além do papel de musa ao qual foi tantas vezes reduzida.

Em Bailarinas Incendiadas, a narrativa se desenrola por meio de instruções projetadas em uma tela, evocando filmes mudos e experimentos brechtianos. Os intérpretes Luciana Acunã, Tatiana Saphir, Carla Di Gracia, Matias Sendón e Agustín, o palco se transforma em um espaço compartilhado com o público, onde o fogo, ausente, mas central, precisa ser reconstruído através do gesto e da encenação.

I MÍSSIL é um jogo de palavras proposto pela cantora e ativista brasileira Linn da Quebrada que articula a expressão em inglês I miss you (sinto sua falta) com a imagem de um projétil (míssil em português). Um trocadilho que, ao criar um campo de forças entre o que já foi e o que ainda está por vir, entrelaça as noções de memória e projeção, buscando por em movimento uma dança transtemporal.

O espetáculo investiga a ideia de contágio em episódios que ficaram conhecidos como “histeria coletiva”, atualmente chamada de “doença psicogênica de massa”. Partindo da hipótese de que essa psicopatologia pode ser disparada em ambientes muito opressivos, o que isso diz sobre situações da nossa modernidade? A composição coreográfica é quase como um passeio pela Idade Média que se relaciona de forma distópica com a contemporaneidade.