Em uma cidade do interior da Rússia, Olga, Macha e Irina vivem à espera de uma mudança. Moscou, onde passaram parte de suas vidas, representa a possibilidade de recomeçar e recuperar um tempo que parece perdido. Mas o desejo de partir esbarra no cotidiano e em projetos que continuam sendo adiados. Enquanto os anos passam, as três irmãs procuram sentido para o presente, divididas entre o apego às lembranças e a expectativa de um futuro diferente. Em torno delas, relações e promessas se transformam. O clássico de Anton Tchekhov expõe a distância entre desejar outra vida e agir para torná-la possível.

No espetáculo, os personagens ganham vida através de performances habilidosas e figurinos meticulosamente elaborados que capturam a magia da série. Cenografia imersiva, elementos multimídia e tecnologia de palco inovadora transportam os espectadores diretamente para as ruas icônicas de Paris, recriando a atmosfera que os fãs conhecem do mundo animado.

Um pequeno acidente de trânsito, que quase resultou num atropelamento, acaba provocando a aproximação entre o Sr Green, um velho e solitário judeu ortodoxo, e Ross, um jovem executivo de 29 anos que, graças ao juiz Kruger, foi acusado de negligência na direção e considerado culpado pela ocorrência. A pena consiste em fazer com que Ross deva prestar serviço comunitário junto à vítima uma vez por semana, pelos próximos seis meses. A ação da peça se passa no velho apartamento do Sr. Green. Tudo parece ter sido adquirido há muito tempo e se mantido intocável desde então. 

A história começa longe de casa, no exílio em Londres. Mas não demora para o Brasil tomar conta da cena. O tempo se abre, a memória ganha corpo e, de repente, estamos no sertão, em Salvador, nas ruas, nos palcos, nos encontros que mudaram a música brasileira para sempre. Aqui, passado e futuro dançam juntos — porque o tempo, como o Gil, não anda em linha reta: ele gira, mistura, inventa.

A peça de Carlo Goldoni conta a clássica história do astuto Arlequim que, para conseguir um prato de comida, passa o tempo todo se dividindo entre as solicitações de dois patrões. Uma patroa é Beatriz, disfarçada de seu irmão, Federico, que morreu em uma briga. Ela chega em Veneza buscando reencontrar seu namorado Florindo, suposto assassino de Frederico. Florindo é o segundo patrão de Arlequim. As confusões nascem dele misturar e não ter certeza das ordens recebidas e de suas tentativas de fazer, ao menos, uma refeição. “Arlequim, Servidor de Dois Patrões” trata, com humor e lirismo, da fome. Arlequim é o arquétipo fundamental para se compreender o que é a esperteza de quem vive na pobreza. A encenação de Hugo Possolo aproxima a obra original da nossa cultura, do Brasil de hoje e suas contradições sociais. Sem sair da época e do local onde transcorre a trama de Comédia Dell’Arte, os Parlapatões se valem da arte da palhaçaria para encenar uma aventura lúdica e cômica apoiados em elementos da cultura popular brasileira.

A homenagem coincide com um período de grande projeção para o título ao redor do mundo. Em 2026, as comemorações reuniram novas montagens e concertos especiais em diferentes países, entre eles a produção estrelada por Ben Platt e Rachel Zegler, apresentada no London Palladium e posteriormente levada ao Hollywood Bowl e ao Radio City Music Hall, sob direção e regência do próprio Jason Robert Brown. A programação incluiu ainda o lançamento de um álbum ao vivo oficial, reafirmando a relevância do musical um quarto de século após sua estreia.

Neste país de narrativas apagadas e distorcidas, o que é Estória e o que é História? Temos nos organizado a partir de qual perspectiva/narrativa? Qual cosmovisão consideramos diante da pergunta: Quem somos nós?

Na trama, Deus (Sérgio Guizé), assolado pela depressão que o persegue nos últimos dois mil anos, decide fazer terapia e espera que a psicóloga Ana (Bianca Bin) o ajude. Um texto espirituoso, com diálogos ágeis e verdadeiros, mesmo que aparentemente improváveis. Plateias do mundo inteiro surpreendem-se, riem, compactuam, torcem e, finalmente, se emocionam com essa sessão de terapia. Ana (Bianca Bin) é uma psicóloga que vive uma rotina marcada por tensões pessoais: ela é mãe solo de Paulo, um filho adulto com autismo, e lida diariamente com os desafios emocionais dessa relação

Inspirada em uma notícia de jornal sobre uma mulher que simula estar em estado terminal para convencer o homem que ama a se casar com ela como seu último desejo, Eduardo De Filippo desenvolve a trama de sua peça mais popular, Filumena Marturano (1946). O pano se abre com a revelação do golpe da protagonista, e a história se desenrola, ao longo de uma hora e meia, entre surpresas e revelações sobre o passado dos personagens e suas consequências para o futuro. Depois de vinte e cinco anos de convivência extraoficial com Domênico, que a retirou de um bordel, Filumena guarda um segredo que vem à tona: ela teve três filhos e deseja o casamento para legitimar a paternidade. Mas há uma carta na manga: apenas um deles é filho de Domênico. Talvez sejam os três, mas esse é um trunfo que Filumena não entrega de bandeja. Entre a comédia e o drama sentimental, De Filippo resgata, por meio da ficção, o sobrenome que ele e seus dois irmãos, filhos ilegítimos, nunca tiveram. A arte corrige a vida, para deleite dos espectadores.

Três homens — um fanático, um evangélico e um humilde — que, após participarem de um ato político, ficam presos em uma misteriosa antessala.

Com direção de Lucas Mayor e Marcos Gomes, a montagem é dividida em três partes e aproxima situações vividas pelos artistas de textos de diferentes períodos da história do teatro. Antígona, de Sófocles, O jardim das cerejeiras, de Anton Tchekhov, e O Ator, de Plínio Marcos, são incorporados à dramaturgia para tratar de questões como a precarização do trabalho, o luto e a especulação imobiliária que afeta espaços independentes.

Aos seis anos de idade, um menino descobre que sua mãe sofre de depressão. A partir daí, ele começa a escrever listas de todas as coisas maravilhosas que podem fazê-la recuperar a vontade de viver e as deixa em locais estratégicos, para que ela encontre e redescubra "motivos" para continuar viva.

Com direção de Lucas Mayor e Marcos Gomes, a montagem é dividida em três partes e aproxima situações vividas pelos artistas de textos de diferentes períodos da história do teatro. Antígona, de Sófocles, O jardim das cerejeiras, de Anton Tchekhov, e O Ator, de Plínio Marcos, são incorporados à dramaturgia para tratar de questões como a precarização do trabalho, o luto e a especulação imobiliária que afeta espaços independentes.

Dois corpos atravessam um mundo em colapso — um mundo onde a diferença se transforma em fronteira, onde pertencer, para alguns, tornou-se proibido, onde existir pode ser julgado e onde até o direito de criar raízes precisa ser defendido. Entre luz e escuridão, movimento e exaustão, surge o Homem-Árvore, que insiste em fincar raízes em um solo que o rejeita, e o Homem-Luz, que pedala sem parar para manter acesa uma existência ameaçada de apagamento. Juntos, atravessam um território instável, onde luz e sombra, matéria e imaginação, absurdo, sonho e realidade coexistem em permanente tensão.

Bruna Longo acaba de morrer e procura elaborar o luto de si mesma – a única coisa que não podemos fazer empiricamente – enquanto reflete sobre a relação humana com a finitude, o tabu da morte na vida cotidiana e o processo de eliminação do rito fúnebre nas sociedades capitalistas ocidentais. O espetáculo QUEDA DE BALEIA, OU CANTO PARA DANÇAR COM MINHA MORTE é inspirado na morte do pai da atriz.

No reino das bexigas, todas as pessoas sobrevivem vendendo a única coisa que lhes resta: o sopro, a energia vital. Ao final de cada dia, atendendo às ordens do rei, um soldado passa recolhendo as bexigas cheias. Dois palhaços sonham com dias melhores, de plena respiração e de brisa suave. Mas também disputam e competem entre si. Até o momento em que encontram seus iguais: o público.

Com uma narrativa erótica, atmosférica e provocadora, o espetáculo investiga o desencontro, o amor idealizado em atrito com a realidade e corpos que habitam o limite da carne e do desejo, em uma tentativa desesperada de não sucumbir ao fracasso da intimidade. Em cena, artistas-criadores dão corpo a um delírio sexy, cínico e imagético que convida o público a aguçar os sentidos e atravessar a madrugada entre o delírio e a lucidez.

De 13 a 17 de outubro de 2026 (de terça-feira à sábado), o Centro Cultural Arte em Construção, sede do Instituto Pombas Urbanas (@institutopombasurbanas), recebe a 10ª edição do Encontro de Teatro Comunitário, reunindo espetáculos, circo, música, cultura popular, seminários, vivências e intercâmbios entre artistas brasileiros e latino-americanos. Todas as atividades são gratuitas, com tradução em LIBRAS e abertas ao público.

A mostra integra um projeto mais amplo que propõe um mergulho na produção dramatúrgica voltada às infâncias, de 1948 aos dias atuais. Ao longo de 2026, a Cia Bendita reúne artistas, pesquisadores, educadores e grupos teatrais em um processo de investigação que procura recuperar obras, autores e experiências que ajudaram a construir o teatro infantil brasileiro.

O que acontece quando deixamos de contar histórias e passamos apenas a transmitir informações? Em Abysmo, Alessandra Queiroz se coloca em cena para investigar a palavra, a memória e as formas de comunicação em um tempo marcado pelo excesso de informação. Entre textos, documentos, autobiografia e referências históricas, a atriz dá voz a mulheres e aproxima passado e presente para refletir sobre quem pode falar, quem é escutado e o que se perde quando uma experiência deixa de ser narrada.

Em uma cidade do interior da Rússia, Olga, Macha e Irina vivem à espera de uma mudança. Moscou, onde passaram parte de suas vidas, representa a possibilidade de recomeçar e recuperar um tempo que parece perdido. Mas o desejo de partir esbarra no cotidiano e em projetos que continuam sendo adiados. Enquanto os anos passam, as três irmãs procuram sentido para o presente, divididas entre o apego às lembranças e a expectativa de um futuro diferente. Em torno delas, relações e promessas se transformam. O clássico de Anton Tchekhov expõe a distância entre desejar outra vida e agir para torná-la possível.

A homenagem coincide com um período de grande projeção para o título ao redor do mundo. Em 2026, as comemorações reuniram novas montagens e concertos especiais em diferentes países, entre eles a produção estrelada por Ben Platt e Rachel Zegler, apresentada no London Palladium e posteriormente levada ao Hollywood Bowl e ao Radio City Music Hall, sob direção e regência do próprio Jason Robert Brown. A programação incluiu ainda o lançamento de um álbum ao vivo oficial, reafirmando a relevância do musical um quarto de século após sua estreia.

Uma avó (Dona Irene) pouco convencional, extrovertida e cheia de vida está passando um período hospedada na casa de sua neta (Gabriela). Enquanto a jovem enfrenta Transtorno de Déficit de Atenção e Hiperatividade (TDAH), ansiedade e o peso de um relacionamento tóxico, a avó lida com outro desafio: a dificuldade de voltar ao mercado de trabalho por conta do Etarismo Corporativo, que insiste em negar espaço e valor à sua experiência. Entre festas, aplicativos de relacionamento e a vontade de viver intensamente, Dona Irene e Gabriela, ao dividirem a mesma rotina, acabam se envolvendo em situações hilárias e emocionantes que as aproximam e revelam lições profundas sobre amor, autoestima, solidariedade feminina e a importância de permanecer fiel a si mesmo.

A peça acompanha a história de Bruno, um homem experiente que tem sua rotina transformada ao se envolver com Matheus, um jovem que chega trazendo novas descobertas, expectativas e dilemas. A relação, marcada por intensas emoções, também revela inseguranças, mentiras e os desafios de conciliar universos distintos.

Ambientada no ano de 1998, a narrativa coloca em foco o envelhecimento e a fragilidade da mente humana ao acompanhar um intelectual maduro confrontado pelo avanço da demência. Em meio a lapsos de lucidez, episódios absurdos do cotidiano e diálogos com o passado, o protagonista apega-se à busca obsessiva por uma canção específica — o lendário "nome do tango" —, encarada por ele como o último alento para manter acesa a própria identidade.

Renovada é um espetáculo de técnicas aéreas, acrobacia e dança criado e interpretado pela multiartista Marina Viski e dirigido por Tayná Ibanêz. Renovada propõe uma reflexão sobre a essência cíclica da vida - altos e baixos, cheio e vazio. Buracos que às vezes fazem cair e às vezes são essenciais para que haja luz.

Após percorrer 13 países da América Latina, Igor Veloso apresenta sua jornada de mochileiro em peça teatral. Com a mochila nas costas e vendendo fitinhas do Senhor do Bonfim para financiar o caminho, o artista reúne relatos, costumes e vivências colhidas ao longo do continente. Em diálogo com a música e a dança, o espetáculo revela a diversidade cultural latino-americana e provoca o público a pensar sobre os laços que unem povos e territórios.

Você Morre Um palhaço faz seu showzinho ao vivo. Carpideiras contratadas. Moscas no passinho. Uma alma em busca de um pedaço no céu.Perseguição Policial e filosofia de coveiros. E, no meio disso tudo, alguém sobrevive... e decide contar. E você? Sabia que você morre? Sim, é possível. “Você Morre” é um espetáculo de comicidade construído em esquetes que atravessam as fases do luto, articulando palhaçaria, bufonaria e humor físico. A morte dá partida a uma sucessão de situações absurdas que expõem nossas maneiras de lidar com a perda. A paródia também alcança o próprio fazer teatral, colocando em jogo suas convenções e aquilo que ainda permanece vivo na cena.

O Purgatório dos Vivos é uma tríade cênica. Encenada por atores seniores, ganhadores do prêmio de melhor espetáculo profissional, melhor ator e indicado a melhor direção no festival 2º FESTECA-Caieiras/2026. A Cia Loxodonta investiga como ainda nos sustentamos ou não diante de tantas pressões modernas. Usando uma estética bem limpa e direta, o espetáculo transita entre o absurdo, a farsa e a distopia para mostrar as máscaras que usamos no dia a dia. Entre um sapato que aperta, uma mala que não nos leva a lugar nenhum e um círculo que isola, a peça disseca o quanto a nossa identidade se perde nessa era dos algoritmos. É um convite urgente para romper com o que nos é imposto e encarar o esgotamento de estar vivo. Uma performance sobre a coragem de sentir em um mundo que nos quer apenas como marionetes aprisionadas nas caixas de vidro das telas.

A montagem, dirigida e adaptada por Luize, chega ao palco 20 anos depois da criação do texto original, sem transportar a história integralmente para o presente. A proposta é investigar o que permanece reconhecível na estrutura familiar criada por Passô e, a partir dela, acrescentar procedimentos, linguagens e questões que surgiram durante o processo de criação universitário. O resultado reúne quatro atores e dois músicos em cena, com música original executada ao vivo, dança, partituras corporais, projeções e momentos em que os intérpretes deixam os personagens para falar diretamente com o público.

A obra une dança, música e projeção de videoartes mesclada por efeitos eletroacústicos, visuais e coreográficos. Ao tematizar a água em suas simbologias, o espetáculo procura apresentar a trama interdependente da vida da água com a vida dos seres humanos e como a água se apresenta como uma metáfora de diferentes estados psicológicos do ser humano.

Eulália Eugênia tem pavor da morte, mas precisa encarar seu maior pesadelo quando tem que ir ao cemitério se despedir de Rosimere, companheira de décadas e de tantas peripécias. Como o velório está vazio, é ela quem se aproxima do caixão para garantir que a amiga não parta sozinha. Entre lembranças e implicâncias, alterna gargalhadas e lágrimas em uma reflexão sincera sobre envelhecer e perder quem se ama.

Três Carpideiras são encarregadas de velar o corpo da filha mais jovem de uma família aristocrática. No decorrer do velório, estranham comportamentos anormais dos membros da família. Perplexas diante das hilárias e incomuns situações que vão se deparando, as rezadeiras acabam surpreendendo umas com as outras com revelações pessoais inimagináveis.

Para seu concerto de violino, o palhaço Seu Cocó preparou um repertório de canções conhecidas para o público, com muito capricho, metodismo e organização. No entanto, uma mosca surge no palco atrapalhando a execução de seu número musical, e para piorar a situação, a própria característica excêntrica do músico contribui para a confusão. No final, palhaço e plateia descobrem a verdadeira intenção do inseto.

A comédia acompanha um ator veterano que abandona o palco no meio de uma apresentação de Macbeth, irritado com celulares e distrações da plateia. Nos bastidores, o episódio desencadeia um embate sobre o pacto entre palco e público e os limites dessa convivência. No elenco estão Norival Rizzo, Walter Breda, Fábio Esposito, Ana Andreatta, Conrado Sardinha e Natália Beukers.

Acompanhamos o encontro de duas meninas, Chica e Maria, uma vinda de Alagoas, a outra de Minas Gerais. Ao se mudarem para São Paulo, elas são obrigadas a lidar com os desafios da migração, especialmente na escola. Com saudade de suas terras natais, embarcam em uma fuga imaginada: uma viagem fantástica pelo Rio São Francisco, que as ensina a superar medos e desafios, mostrando a elas o poder da amizade. É na brincadeira que compartilham a importância da cultura popular na construção de suas identidades, se fortalecem e ganham coragem para enfrentar os obstáculos que surgem pelo caminho.