Neste país de narrativas apagadas e distorcidas, o que é Estória e o que é História? Temos nos organizado a partir de qual perspectiva/narrativa? Qual cosmovisão consideramos diante da pergunta: Quem somos nós?

Na trama, o escultor Rubek (Celso Frateschi) vive um casamento monótono e infeliz com sua jovem esposa, Maja (Maria Manoella). O artista tenta reconstruir a própria história ao reencontrar Irene (Maria Fernanda Candido), mas o encontro não representa uma retomada do passado, e sim o confronto com aquilo que os dois deixaram de viver. A montagem estabelece um diálogo com a sociedade contemporânea ao apresentar personagens que já não parecem viver plenamente, permanecendo expostos, enquanto sentimentos e dores se transformam em espetáculo. A obra coloca em questão o que se sacrifica em nome da criação e a que custo.

As Casas do Norte fazem parte da memória afetiva das periferias paulistas. Criados por migrantes nordestinos, esses comércios são espaços de encontro, convivência e pertencimento. Um deles ganha nova vida à noite como o Fecha Nunca, botequim cultural que reúne moradores, histórias e vivências. Quando uma caixa de correio comunitária desaparece do lugar, um inusitado inquérito coloca todos sob suspeita e revela segredos, memórias e histórias inimagináveis guardadas.

Um guia turístico convida o público a uma visita ao coração humano. Entre a expectativa da chegada da pessoa amada e a elaboração do término dessa relação, ele conduz os visitantes por um passeio existencial e bem-humorado que reflete sobre o amor e a inevitável solidão que atravessa a existência humana.

O espetáculo investiga os últimos dias de vida de Jararaca, cangaceiro morto pela polícia e hoje reverenciado como santo popular em Mossoró/RN, tensionando as fronteiras entre memória, mito e apagamento histórico. A obra propõe um olhar crítico sobre as violências de Estado que atravessam passado e presente, refletindo sobre quem tem o direito de narrar a história. Ao confrontar o público, lança perguntas inquietantes: Quais vidas são marcadas para morrer? E que outras versões ainda seguem soterradas pelo silêncio?

Em cena, Durvalina é uma mulher que deixou São João do Paraíso (MG) há mais de três décadas, carregando o sonho de comprar uma máquina de costura para a mãe. Hoje vende bolos e café num ponto de ônibus em São Paulo, onde compartilha causos e memórias com quem passa. Inspirado em "Contando Causos", espetáculo de 2010 sobre a obra de Rolando Boldrin, o solo tem atuação de Geni Cavalcante, direção artística de Ronaldo Aguiar e dramaturgia de Nereu Afonso da Silva. Uma homenagem à cultura popular brasileira e aos migrantes que vieram para a cidade grande.

Na trama, Mauricio (Alexandre Acquiste) é a imagem do sucesso: empresário bem-sucedido, casado e pai de família. Sua estrutura aparentemente inabalável é posta à prova quando ele decide alugar um quarto de hotel para vivenciar sua primeira experiência sexual com outro homem. O escolhido é Rafa (Bruno Gadiol), um jovem e experiente garoto de programa.

“Batalha Oroboro – rap, repente, resistência” é um espetáculo de marionetes voltado para o público adulto inspirado nas batalhas de rima do hip hop, nos embates de repente nordestino e na trajetória de cego Aderaldo. A partir do diálogo entre Lyz, uma MC cega, e seu avô, um poeta nordestino que migrou para São Paulo, o espetáculo traz à cena as disputas poéticas, aproximando linguagens, tempos e estilos distintos e evidenciando as conexões entre passado e o presente.

Uma pessoa cai do topo de um prédio e não chega ao chão. Os anos passam e este corpo não consuma a queda. A partir daí, a vida das pessoas nos apartamentos desse edifício fica presa numa espécie de buraco negro pessoal, onde cada um vive uma experiência que não finaliza. Cada personagem fica preso em sua metáfora, ignorando o conjunto à sua volta. Trata-se de uma fábula contemporânea sobre a sensação de suspensão e paralisia geral do mundo moderno.

João, Joãozinho, Joãozito acompanha a infância de João Guimarães Rosa em Cordisburgo (MG), sua cidade natal até se mudar para Belo Horizonte, cercado por livros, animais, brincadeiras e descobertas. Em uma narrativa musical e linguagem lúdica, o espetáculo convida crianças e adultos a embarcarem na jornada do menino que transformaria suas vivências no sertão nas obras que o consagraram um dos maiores escritores do Brasil.

Alçada ao posto de protagonista, a mulher, guardiã de uma atividade em vias de extinção, que atua como ponto - função que "sopra" o texto quando o elenco esquece as falas - sai das sombras dos bastidores para recontar sua vida e fragmentos da história do próprio teatro. Sopro é também uma história de amor, de intriga, de trabalho, de política, de vingança, de solidão, de amizade e todas passadas num teatro.

A dramaturgia de Do Cavalo Nada Sabemos toma como ponto de partida o episódio ocorrido em 3 de janeiro de 1889, na Piazza Carlo Alberto, em Turim. Ao ver um cocheiro espancando o animal, o filósofo Friedrich Nietzsche se atirou ao pescoço do cavalo para protegê-lo, chorou e, a partir daquele momento, entrou em colapso mental definitivo. A montagem usa essa cena para investigar violência, culpa e o desejo de reparação. A peça trata a separação entre natureza e cultura como um erro de origem da civilização e defende que é preciso libertar a vida dos pontos em que ela ainda está presa à conduta humana.

Um guia turístico convida o público a uma visita ao coração humano. Entre a expectativa da chegada da pessoa amada e a elaboração do término dessa relação, ele conduz os visitantes por um passeio existencial e bem-humorado que reflete sobre o amor e a inevitável solidão que atravessa a existência humana.

Em cena, Murilo parte do conceito de "flow", estado de presença e conexão com o momento, para abordar temas como planejamento, estabilidade, transformação e abertura ao inesperado. A ideia central do espetáculo nasceu da observação de que a vida acontece na constante tensão entre a ordem e o caos. De um lado estão a previsibilidade, a organização e a segurança; do outro, a criatividade e as possibilidades que surgem do desconhecido. A partir desse equilíbrio, Murilo convida o público a refletir sobre escolhas, reinvenções e caminhos possíveis.

Neste país de narrativas apagadas e distorcidas, o que é Estória e o que é História? Temos nos organizado a partir de qual perspectiva/narrativa? Qual cosmovisão consideramos diante da pergunta: Quem somos nós?

A trupe “O Grande Circo Mágico” está de volta da sua turnê triunfal pelo estrangeiro e apresenta a peça Gracias a La Vida. Livremente inspirado na cultura latina e na célebre Violeta Parra, o espetáculo acompanha o já centenário Robinson Crusoé enquanto revisita seu passado, relembrando o naufrágio que o deixou em profunda solidão. Com influências do Kabarett alemão e do circo-teatro, a peça trata de temas como a liberdade e a solidão a partir de uma abordagem satírica e irreverente, embalada por canções emblemáticas interpretadas pela banda da trupe, a aclamada Cosmic Blues Band.

No espetáculo, os personagens ganham vida através de performances habilidosas e figurinos meticulosamente elaborados que capturam a magia da série. Cenografia imersiva, elementos multimídia e tecnologia de palco inovadora transportam os espectadores diretamente para as ruas icônicas de Paris, recriando a atmosfera que os fãs conhecem do mundo animado.

O trabalho, suas condições de realização e as relações de poder que atravessam a vida cotidiana são o ponto de partida dos três espetáculos que integram a Mostra do Grupo II no Teatro Arthur Azevedo, em São Paulo. Após as apresentações de “Ofício”, realizadas nos dias 16, 17 e 18 de outubro, o coletivo segue com “Por um trabalho” e “Eu, minhas convicções e um moleque preto com arma na mão”, que abordam questões como precarização profissional, acessibilidade, luto, especulação imobiliária, violência urbana, segurança pública e encarceramento da população negra.

Uma pessoa cai do topo de um prédio e não chega ao chão. Os anos passam e este corpo não consuma a queda. A partir daí, a vida das pessoas nos apartamentos desse edifício fica presa numa espécie de buraco negro pessoal, onde cada um vive uma experiência que não finaliza. Cada personagem fica preso em sua metáfora, ignorando o conjunto à sua volta. Trata-se de uma fábula contemporânea sobre a sensação de suspensão e paralisia geral do mundo moderno.

Ambientada no ano de 1998, a narrativa coloca em foco o envelhecimento e a fragilidade da mente humana ao acompanhar um intelectual maduro confrontado pelo avanço da demência. Em meio a lapsos de lucidez, episódios absurdos do cotidiano e diálogos com o passado, o protagonista apega-se à busca obsessiva por uma canção específica — o lendário "nome do tango" —, encarada por ele como o último alento para manter acesa a própria identidade.

Na trama, Deus (Sérgio Guizé), assolado pela depressão que o persegue nos últimos dois mil anos, decide fazer terapia e espera que a psicóloga Ana (Bianca Bin) o ajude. Um texto espirituoso, com diálogos ágeis e verdadeiros, mesmo que aparentemente improváveis. Plateias do mundo inteiro surpreendem-se, riem, compactuam, torcem e, finalmente, se emocionam com essa sessão de terapia. Ana (Bianca Bin) é uma psicóloga que vive uma rotina marcada por tensões pessoais: ela é mãe solo de Paulo, um filho adulto com autismo, e lida diariamente com os desafios emocionais dessa relação

Livremente inspirada no conto publicado originalmente em 1882, a montagem parte da história do médico Simão Bacamarte, interpretado por Roger Gobeth, que decide estudar a loucura e passa a internar moradores de Itaguaí na Casa Verde. O que começa como uma investigação científica se transforma gradualmente em uma disputa pelo controle da cidade.

Escrita por Raphael Gama e dirigida pelo próprio Martini, a peça traz a dupla dando vida a Dulce e Yolanda. As personagens protagonizam um encontro divertidíssimo e cheio de reviravoltas na sala de espera de um hospital, enquanto aguardam a morte dos maridos. Juntas, elas compartilham vivências e revelam segredos. Tendo o casamento como ponto de partida, a comédia aborda temas como maternidade, relacionamentos, família, homossexualidade e bullying. O projeto propõe refletir sobre a vida de mulheres acima dos 60 anos sob o olhar masculino dos dois atores, oferecendo uma análise bem-humorada da sociedade atual pela perspectiva de quem viveu outros tempos.

O Purgatório dos Vivos é uma tríade cênica. Encenada por atores seniores, ganhadores do prêmio de melhor espetáculo profissional, melhor ator e indicado a melhor direção no festival 2º FESTECA-Caieiras/2026. A Cia Loxodonta investiga como ainda nos sustentamos ou não diante de tantas pressões modernas. Usando uma estética bem limpa e direta, o espetáculo transita entre o absurdo, a farsa e a distopia para mostrar as máscaras que usamos no dia a dia. Entre um sapato que aperta, uma mala que não nos leva a lugar nenhum e um círculo que isola, a peça disseca o quanto a nossa identidade se perde nessa era dos algoritmos. É um convite urgente para romper com o que nos é imposto e encarar o esgotamento de estar vivo. Uma performance sobre a coragem de sentir em um mundo que nos quer apenas como marionetes aprisionadas nas caixas de vidro das telas.

Antígona: 1964, nasce da pesquisa sobre uma pluralidade de dramaturgias que discorrem sobre o mito de Antígona em contextos históricos diversos. Colocando em diálogo a tragédia de Sófocles, as releituras de Jean Anouilh e Bertolt Brecht e textos autorais de jovens atores escritos a partir da reflexão sobre seu tempo histórico, o espetáculo problematiza: quem decide o que deve ser preservado e o que deve ser esquecido?

Mais do que uma apresentação circense, a montagem propõe um convite para desacelerar. Em um cotidiano cada vez mais tomado pela pressa, Tertulia e Fifi abrem uma pequena fresta para o público parar, brincar e acreditar no impossível

A montagem parte da história clássica de Teseu e do Minotauro para construir uma narrativa ambientada em um universo rural brasileiro. O canavial, inspirado nas lembranças de infância e adolescência de Regina França em uma fazenda da família, transforma-se em um labirinto onde referências da mitologia grega se misturam às memórias e personagens desse cotidiano.

True West narra a instável relação entre dois irmãos, Austin e Lee, acentuada pelas diferenças em seus estilos de vida e ambições. Austin é um roteirista educado e bem-sucedido; Lee, um andarilho instável e agressivo. Quando Lee aparece inesperadamente na casa da mãe deles, os conflitos de personalidade e ressentimentos reprimidos começam a emergir, revelando suas inseguranças mais profundas e o desejo latente de viver a vida do outro. True West questiona a identidade e a herança familiar, além de ser uma poderosa reflexão sobre masculinidade e busca desesperada por relevância na sociedade capitalista.

Cabaré da Vida Pequena é uma peça sobre histórias extraordinárias de pessoas comuns. O roteiro mistura realidade, ficção, teorias, histórias e canções e foi desenvolvido a partir de um processo de criação colaborativa com o grupo, assim como nos trabalhos anteriores da companhia.

A montagem nasceu a partir do curta “DOCE (desilusão)”, criado por Caio e Kelvin em 2020 e, desde então, se expandiu para uma obra cênica mais profunda e sensorial. Um dos objetivos do espetáculo é atravessar a instabilidade psíquica sem seguir uma narrativa tradicional, mas por meio de imagens, movimentos e atmosferas.No espetáculo, o corpo do ator não é apenas um veículo de movimento, mas um gerador de imagens perturbadoras e revelações psicológicas.

Renovada é um espetáculo de técnicas aéreas, acrobacia e dança criado e interpretado pela multiartista Marina Viski e dirigido por Tayná Ibanêz. Renovada propõe uma reflexão sobre a essência cíclica da vida - altos e baixos, cheio e vazio. Buracos que às vezes fazem cair e às vezes são essenciais para que haja luz.

Você Morre Um palhaço faz seu showzinho ao vivo. Carpideiras contratadas. Moscas no passinho. Uma alma em busca de um pedaço no céu.Perseguição Policial e filosofia de coveiros. E, no meio disso tudo, alguém sobrevive... e decide contar. E você? Sabia que você morre? Sim, é possível. “Você Morre” é um espetáculo de comicidade construído em esquetes que atravessam as fases do luto, articulando palhaçaria, bufonaria e humor físico. A morte dá partida a uma sucessão de situações absurdas que expõem nossas maneiras de lidar com a perda. A paródia também alcança o próprio fazer teatral, colocando em jogo suas convenções e aquilo que ainda permanece vivo na cena.

A montagem, dirigida e adaptada por Luize, chega ao palco 20 anos depois da criação do texto original, sem transportar a história integralmente para o presente. A proposta é investigar o que permanece reconhecível na estrutura familiar criada por Passô e, a partir dela, acrescentar procedimentos, linguagens e questões que surgiram durante o processo de criação universitário. O resultado reúne quatro atores e dois músicos em cena, com música original executada ao vivo, dança, partituras corporais, projeções e momentos em que os intérpretes deixam os personagens para falar diretamente com o público.

A trama percorre, por meio de quadros musicais e poéticos, vivências que vão do nascimento à infância, da descoberta dos desejos ao encontro transformador com a arte. Nesse percurso, também emergem os desafios que atravessam vidas e corpos dissidentes.

Com o humor afiado de sempre, Nany People interpreta uma mulher que acredita que o mundo gira em torno de si. Mas descobre, da forma mais surpreendente, que nem tudo é como ela quer.

Três Carpideiras são encarregadas de velar o corpo da filha mais jovem de uma família aristocrática. No decorrer do velório, estranham comportamentos anormais dos membros da família. Perplexas diante das hilárias e incomuns situações que vão se deparando, as rezadeiras acabam surpreendendo umas com as outras com revelações pessoais inimagináveis.