Em cena, o publicitário Tom (Armando Babaioff) vai à fazenda da família para o funeral de seu companheiro. Ao chegar na casa, descobre que a sogra Agatha (Denise Del Vecchio) nunca tinha ouvido falar de sua existência e tampouco que o próprio filho era gay e, para piorar, descobre que ela está a espera de Helen, a suposta "namorada" do filho morto, que na verdade é Sara (Camila Nhary), numa farsa criada para convencer Agatha da heterossexualidade do filho. Nesse ambiente rural e austero, Tom é envolvido numa trama de mentiras criada por Francis (Iano Salomão), o truculento irmão do falecido, estabelecendo com aquela família relações de complexa interdependência. A fazenda, aos poucos, vira cenário de um jogo perigoso, onde quanto mais os personagens se aproximam, maior o choque de suas contradições.

Em sua quarta edição, o projeto Circo Contêiner reafirma o compromisso com a valorização da arte circense na sua potência e diversidade ao promover 20 espetáculos de grandes artistas da cena paulistana para o Teatro de Contêiner, sede da Cia. Mungunzá. Em agosto, as atrações são a Cia. LaMínima (13/8, às 19h), a dupla Vick & Greta (14/8, às 9h30) e a trupe Caravana Tapioca (14/8, às 14h30). As apresentações são gratuitas e têm tradução em Libras.

Diamba, obra inspirada no livro em quadrinhos de Daniel Paiva produzido pela Brasa Editora. A peça contará a história sobre a proibição da Diamba e os impactos nos dias atuais.

O espetáculo exerce a função de comunicólogo da Loucura, personagem protagonista. Convidada a participar de um talk-show, a Loucura, encarnada numa mulher, expressa o desejo em confluir linguagens e levantar discussões sobre tecnologia, velocidade no acesso de informações e dinamismo da vida moderna.

Três mulheres 40+ ficam presas em um elevador e, em apenas dezessete minutos sem sinal, ventilação ou filtros, desabafos, confissões e risadas tomam conta. As angústias do corpo em mudança, a sobrecarga familiar, o desejo em trânsito e a vergonha de falar sobre o óbvio se misturam ao surreal: um pentelho branco ganha voz e os hormônios fazem piquete numa greve. Inspirada em histórias reais, Mulheres em Chamas transforma o medo de envelhecer em humor e reconhecimento.

Na história, um jovem aristocrata faz um pacto no qual troca a sua alma pela perspectiva de manter intactas suas beleza e juventude. Eis que então seu retrato passa a envelhecer em seu lugar e também a colecionar as marcas de seus atos questionáveis.

O espetáculo Escute as feras apresenta uma livre adaptação do livro homônimo da antropóloga francesa Nastassja Martin – publicado na França em 2019 e no Brasil em 2021 pela Editora 34. Na obra, a autora tem seu rosto desfigurado por um urso pardo em um encontro inesperado na região de Kamchatka, na Sibéria, experimenta transformações físicas e espirituais e se vê às voltas com questões filosóficas sobre as relações entre a humanidade e a natureza. Sonhos, delírios provocados por intervenções médicas e memórias em meio aos vulcões: é preciso acreditar nas feras.

Conhecido por dar voz a grupos minoritários e por sua pesquisa sobre o modo brasileiro de se fazer Teatro Musical, o Núcleo Experimental homenageia em seu novo trabalho o jornalista Herbert Daniel (1946-1992), ativista LGBTQIAPN+ na luta pelo direito das pessoas com HIV/Aids.

A narrativa apresenta uma trabalhadora de um centro de distribuição de uma big tech, cuja rotina de 12 horas diárias é consumida pelo trabalho, deixando suas noites marcadas pela exaustão e insônia. Uma reviravolta ocorre quando ela finalmente consegue dormir e sonha que é uma baleia. Impactada profundamente por este sonho, comete um erro que resulta em sua demissão, desencadeando uma série de violências que a levam a perder as sensações do próprio corpo.

1 peça cansada, de Natasha Corbelino, é uma peça performativa que celebra o processo continuado da criação com a produção e o ato de causar saúde coletiva a partir da cena em honestidade radical. A peça se ergue com uma poética do limite, onde o tremor é tática para seguir. Em movimento, a artista partilha o percurso de um corpo cansado e desejante, que busca possibilidades de expansão em um encontro de delicadezas com o público. A peça é um mergulho na experiência de listar cansaços como uma forma de criar laço coletivo, memória, futuro, sonhos sonhando. Natasha instaura uma atmosfera afetuosa e cúmplice, onde a plateia é acolhida em seus cansaços.

Will é um garoto contemporâneo que recebeu esse nome da sua avó em homenagem a William Shakespeare, o poeta e dramaturgo inglês. Antes de morrer sua avó o presenteia com um velho par de luvas que ela afirma ter pertencido ao Will original, William Shakespeare. Will conta com alegria tudo que sabe sobre Shakespeare, que se materializa à medida que a historia se desenrola estabelecendo um diálogo entre os séculos XVI e XVII com o século XXI.

O espetáculo SHIMA-AÇU celebra o encontro entre duas ilhas e suas culturas: a Ilha de Okinawa, no Japão, e a Ilha do Marajó, no Pará. Inspirado pela amizade entre artistas desses dois territórios, o trabalho cria uma ponte poética entre tradições, memórias e saberes. “Shima”, palavra japonesa que significa ilha, e “Açu”, termo tupi-guarani que quer dizer grande, unem-se para formar um território de criação em homenagem às raízes e às águas que, ao mesmo tempo, nos separam e nos conectam

Durante o ensaio de uma comédia de Pirandello, um grupo de funcionários negros do teatro interrompe a cena e reivindica o direito de narrar a própria história. A partir desse gesto, o espetáculo transforma o palco em campo simbólico de disputa entre personagens/personas brancos e negros, visibilidade e apagamento, representação e existência.

Juego de Niños denuncia as condições desumanas dos campos de imigração, o racismo, a violência institucional e, em especial, a ampliação da desigualdade econômica no mundo. A trama se passa dentro de uma jaula, em um campo de detenção, onde os personagens México e Nicarágua, respectivamente um menino de 8 anos e outro de 13, ao lado da menina Honduras, de 11 anos, se agarram uns aos outros para suportar a espera do reencontro com a família.

Dois atores abrem caixas revelando memórias, algumas vividas outras inventadas. Um leão em fuga, um inseto herói que usa óculos, a triste história de um carrinho de bombeiros e um avental bordado, um monstro que mora num buraco na parede, fotos antigas... Lembranças alegres e outras nem tanto. Desse relicário surgem brincadeiras de infância, relações de amizade, confronto com seus medos, viagens pelo imaginário, situações de bullying, e outras experiências. O que você colocaria na sua caixa de sapatos?

Um Pequeno Incidente conta sobre dois homens, na faixa dos 35 a 40 anos, de personalidades bem diferentes que estão aguardando na área de espera de um centro de atendimento do SUS os seus respectivos resultados de teste rápido. Esse encontro, ao acaso, unirá os dois de uma forma inesperada e criará um laço entre eles por toda a vida.

A narrativa apresenta uma trabalhadora de um centro de distribuição de uma big tech, cuja rotina de 12 horas diárias é consumida pelo trabalho, deixando suas noites marcadas pela exaustão e insônia. Uma reviravolta ocorre quando ela finalmente consegue dormir e sonha que é uma baleia. Impactada profundamente por este sonho, comete um erro que resulta em sua demissão, desencadeando uma série de violências que a levam a perder as sensações do próprio corpo.

Na trama, atormentado por fantasmas do passado, Olegário se vê paralisado e tenta, por meio de métodos controversos, garantir a fidelidade de sua jovem esposa. A atmosfera de desconfiança e obsessão permeia cada canto da casa, envolvendo não apenas o casal, mas também os empregados.

No espetáculo, Herzer é interpretado pelo ator trans Marun Reis, que dá corpo a esse ícone de resiliência e liberdade. João Suplicy estreia como ator interpretando seu próprio pai, Eduardo Suplicy, que teve papel fundamental na trajetória de Herzer. No elenco, também estão à atriz, produtora e também diretora do espetáculo Graça Cunha e a atriz trans Glamour Garcia, trazendo intensidade e representatividade à cena.

Três mulheres 40+ ficam presas em um elevador e, em apenas dezessete minutos sem sinal, ventilação ou filtros, desabafos, confissões e risadas tomam conta. As angústias do corpo em mudança, a sobrecarga familiar, o desejo em trânsito e a vergonha de falar sobre o óbvio se misturam ao surreal: um pentelho branco ganha voz e os hormônios fazem piquete numa greve. Inspirada em histórias reais, Mulheres em Chamas transforma o medo de envelhecer em humor e reconhecimento.

Em cena, o publicitário Tom (Armando Babaioff) vai à fazenda da família para o funeral de seu companheiro. Ao chegar na casa, descobre que a sogra Agatha (Denise Del Vecchio) nunca tinha ouvido falar de sua existência e tampouco que o próprio filho era gay e, para piorar, descobre que ela está a espera de Helen, a suposta "namorada" do filho morto, que na verdade é Sara (Camila Nhary), numa farsa criada para convencer Agatha da heterossexualidade do filho. Nesse ambiente rural e austero, Tom é envolvido numa trama de mentiras criada por Francis (Iano Salomão), o truculento irmão do falecido, estabelecendo com aquela família relações de complexa interdependência. A fazenda, aos poucos, vira cenário de um jogo perigoso, onde quanto mais os personagens se aproximam, maior o choque de suas contradições.

Inspirado na tradição da etnia Xhosa (África do Sul), que narra a origem do mundo a partir de uma cabaça, o espetáculo conta a jornada da jovem Umzimba, guiada por uma figura mística que lhe presenteia frutos ancestrais capazes de despertar memórias, forças e histórias adormecidas. A obra celebra a vida e o poder presentes nas heranças culturais africanas, valorizando identidades afrocentradas e preservando patrimônios simbólicos essenciais para a construção de futuros mais plurais.

Um ator-palestrante propõe um jogo imaginativo: como países distantes podem compartilhar a mesma fronteira simbólica? A partir de uma distopia inspirada em fatos reais, ele mistura ficção e autobiografia para denunciar a homofobia institucional e afirmar a alegria como ato revolucionário de resistência e reinvenção. No caso, a da violência engendrada pela homofobia institucional. Para isso, o ator-palestrante parte das notícias reais sobre a existência de prisões para homossexuais na República da Chechênia em pleno século XXI, para criar uma ficção distópica que é atravessada, a todo tempo, por sua própria história, revelando os meandros violentos por onde essa homofobia institucional se insinua na vida de pessoas dissidentes de gênero. Mas, em algum momento, a ficção precisa ser recusada para que a própria história do ator-palestrante seja reinventada e, assim, o ciclo da violência se torne obsoleto e não mais se perpetue. Afirmar a alegria e a viabilidade da vida é o caminho mais revolucionário para se falar, hoje, sobre a dissidência.

Quem tem medo de poesia? Gregorio Duvivier não faz parte deste grupo e usa seu discurso sedutor para mostrar que esse assunto pode ser prazeroso e divertido no solo O Céu da Língua. Essa comédia poética estreou em Lisboa no contexto das comemorações ao aniversário de 500 anos de Luis de Camões e roubou a cena por lá. Gregorio Duvivier, que não estreava uma peça nova há cinco anos, fez essa peça para homenagear sua língua-mãe.

João Cabral de Melo Neto, o poeta e dramaturgo do rigor estético, do texto objetivo e popular, que deixava até a última gota de suor em cada palavra, volta a entrar em cena com sua obra-prima Morte e Vida Severina, em um momento crucial da humanidade. Morte e Vida Severina segue viva nesse mundo cada vez mais desigual. Não mais como um poema regional brasileiro, pois os que vivem e morrem de morte severina agora estão em todas as serras magras e ossudas do mundo. A sombra da fome se espalha pelo planeta impulsionada pela crescente desigualdade.