A trama acompanha Paula (Aline Carrocino), Virgínia (Vilma Melo) e Carla (Luana Martau), três mães de bebês que participam do mesmo grupo de WhatsApp e decidem se encontrar, pela primeira vez, em um bar para tomar um vinho. O que seria apenas uma noite de descanso — a famosa “vale night”, expressão usada quando mães conseguem um raro tempo livre — se transforma em um encontro revelador, capaz de mudar o rumo de suas vidas.

Daiana e Lara acompanham pela TV a missão da primeira astronauta a chegar à Lua. Enquanto a viagem sofre boicotes, Daiana começa a sentir uma conexão inexplicável com o que acontece em órbita.

A peça se passa em uma quitinete decadente no Rio de Janeiro e coloca em foco a coragem diante de toda opressão e exaustão vivida pelas mulheres. Na trama, Cordélia (interpretada por Paula Goja) tenta resistir à miséria e ao marido inerte. Numa jornada entre explosões de afeto e ironia, ela trabalha como auxiliar de escritório e começa a se prostituir para sustentar seu companheiro Leônidas (Antonio Pina), que vive em constante procrastinação. A chegada do jovem Rico (Pedro Pedruzzi) acaba estremecendo a relação entre os dois.

Com direção e coreografia de Alessandro Brandão e Sueli Guerra, “Sociedade do Cansaço” foi idealizado por Daniel Chagas a partir do livro homônimo de Byung-Chul Han e propõe uma investigação cênica sobre o que o autor denomina “sociedade do desempenho” — marcada por aceleração constante, ansiedade, fragmentação e estados depressivos. Ao mesmo tempo em que expõe esses sintomas do nosso tempo, a obra busca resgatar conceitos, ritmos e culturas que se colocam em oposição a esse modelo hegemônico de vida. Por meio dessa contraposição, o elenco, formado por Alessandro Brandão, Ana Paula Cruz, Andreia Pimentel, Joca Gonzaga, Daniel Chagas e Sueli Guerra, não oferece respostas ou conclusões fechadas no palco, mas abre espaços de reflexão e propõe novas formas de lidarmos com a contemporaneidade, convidando o público a uma experiência sensorial, crítica e afetiva. Por que é tão difícil desacelerar ou permanecer imóvel?

Em cena, acompanhamos o encontro entre uma mulher experiente, irreverente e cheia de histórias para contar — livremente inspirada em Iris — e uma jovem jornalista, estagiária da Vogue americana, que recebe a missão de entrevistá-la. A matéria é um teste decisivo: dela depende a chance de conquistar um estágio remunerado e, quem sabe, dar os primeiros passos rumo ao sonho de se tornar editora da revista.

Quem foi Filipa de Sousa — e por que sua história precisa ser contada agora? FILIPA, espetáculo-solo da atriz Waleska Arêas, resgata a trajetória real de Filipa de Sousa (1556-1600), condenada pela Inquisição Portuguesa em 1592 por amar outras mulheres. Viúva, alfabetizada, apaixonada e ousada, Filipa foi humilhada, açoitada e degredada por “pecado nefando” — nome que o Santo Ofício dava ao lesbianismo.

A peça começa quando o autor Doug Wright assiste a uma palestra de Charlotte von Mahlsdorf e, encantado com ela e sua história, escreve-lhe uma carta pedindo autorização para criar uma peça sobre sua vida. Charlotte aceita e começa a lhe conceder uma série de entrevistas. Nascida em 1928 sob o nome de Lothar Berfelde, desde jovem se afirmava como mulher e assim viveu, assumindo sua identidade feminina em meio à violenta sociedade nazista. Os encontros entre Doug e Charlotte são intercalados por memórias e novos acontecimentos, que vão surpreendendo e transformando o olhar e os relatos de Doug. “O espetáculo não segue uma cronologia, vai e volta no tempo. Esta é a mágica do teatro porque ela [Charlotte] faz todos os personagens citados nas entrevistas. O ator que vive a Charlotte e que vive o Doug, os dois estão em cena, e ela vai vivenciando as histórias das pessoas que passaram por sua vida”, detalha Edwin. Doug.

A peça conta a história de um grupo de extremistas culturais que resolve sequestrar um importante editor de livros de auto-ajuda. A finalidade do sequestro é obrigar o editor a publicar livros que eles julgam serem importantes e fundamentais. O editor evidentemente resiste a ideia e os sequestradores então se vêem obrigados a tomar medidas drásticas.

Inspirado em Medea, da mítica grega, o espetáculo Medea Depois do Sol estreia e cumpre temporada no Sesc Ipiranga, entre 06 a 29 de março de 2026, propondo uma leitura da personagem, a partir de temas como: Violência de gênero, colonização latinoamericana e ecofeminismo.

Vivendo anos sob a máscara de um personagem hétero que ele mesmo criou, Dugin constrói um relato íntimo e potente sobre os pactos que fazemos para caber na sociedade. A peça expõe como a heteronormatividade ensina a mentir, performar e se aprisionar e aponta caminhos possíveis de coragem e pertencimento. “O espetáculo não é sobre assumir uma orientação sexual. É sobre o que a gente precisa esconder para continuar existindo sem ser punido por isso. A violência não começa no soco; começa no silêncio que a sociedade nos obriga a manter”, afirma Dugin.

A peça acompanha momentos na vida de Docinho, jovem que, em meio a repressões familiares e sociais, encontra o apoio sutil de um professor de teatro. A trama é inspirada em depoimentos de artistas que transitam por espaços periféricos de cultura e educação.

Depois de oito apresentações pontuais e esgotadas no início do ano passado, em março de 2025, o espetáculo Contus d Fadas para Kabezas Dialetykas retorna ao Teatro Oficina para curta temporada de cinco semanas, às segundas e terças-feiras. O espetáculo tem em suas veias a paixão de Kafka pelo teatro popular e é uma encenação inédita a partir de contos curtos do autor. A montagem atravessa sete de suas narrativas, criando uma engrenagem disparadora de imagens, gestos e palavras que vão do embate com a “lei” ao desejo de fusão com a terra. “Um contra-feitiço, em compasso báquico, à civilização ocidental, diz a diretora Fabiana Serroni.

Nastassja Martin teve seu rosto desfigurado por um urso pardo em um encontro inesperado na região de Kamchatka, na Sibéria, em 2015. A autora então parte do relato desse acontecimento para pensar questões sociais, políticas e existenciais.

Em meio às vielas de um subúrbio carioca, Teresa Maria vive entre panelas, sambas e silêncios. Enquanto a cidade pulsa ao som do batuque e das pequenas alegrias cotidianas, ela carrega dentro de si um desejo antigo de liberdade. À medida que passado e presente se entrelaçam, Teresa enfrenta o peso das expectativas e o medo das consequências reservadas a quem ousa ser além do que lhe foi permitido.

O espetáculo constrói uma dramaturgia que coloca o amor como eixo central da ação. A história atravessa guerras, tempo e territórios, cruzando o Oceano Atlântico para refletir sobre perdas, escolhas e vínculos que permanecem universais. A proposta é tratar o amor como força transformadora, capaz de atravessar contextos históricos e emocionais.