Carlos, Laia e Manuel reencontram Dona Mercedes, a professora que os alfabetizou na infância. Agora adultos, suas vidas tomaram rumos diversos. Esse encontro inesperado com a antiga mestra os levará a confrontar suas próprias escolhas e antigas feridas, revelando como o passado continua a influenciar suas vidas.

A montagem reúne três textos curtos de Franz Kafka: em Um Artista da Fome é narrada a trajetória de um artista cujo trabalho é passar fome publicamente e que se sente excluído da sociedade após uma mudança cultural que desvalorizou seu ofício; Comunicado a uma Academia apresenta a história de um macaco falante que relata aos membros de uma academia sua transição de animal para quase humano; já em Carta ao Pai, Kafka escreve ao pai uma carta em que expõe a mágoa diante de seu autoritarismo. Abrindo a montagem ainda está o breve texto Diante da Lei, em que um homem vai até a porta da lei pedindo acesso, sempre negado. Com uma linguagem influenciada pelo teatro de Tadeusz Kantor e a linguagem de HQs e desenhos animados, o espetáculo aborda os modos com que os sistemas de violência conduzem à alienação.

Numa conversa bem-humorada com o público, Gala Dalí (Mara Carvalho) revive, de forma não cronológica, momentos marcantes de sua vida desde a infância até os últimos dias: a juventude na Rússia, seu primeiro casamento, com o escritor Paul Éluard, a inadequação à maternidade, o primeiro encontro com Salvador Dalí, a luta para se impor num universo dominado pelos homens, a rejeição por parte das famílias dos seus maridos e o constante julgamento social. Enquanto se diverte revivendo suas lembranças, reflete sobre a paixão, a arte, a gastronomia, dinheiro e poder, vida e morte.

Baseada em histórias reais, a dramaturgia é resultado de uma pesquisa com famílias e pessoas envolvidas com o tema da adoção. No palco, os atores Felipe Oládélè e Ramon Brant constroem uma fábula sobre afeto, empatia e pertencimento, tocando em temas urgentes da sociedade brasileira. “O espetáculo é, antes de tudo, sobre amizade, cuidado e o desejo de ser visto em um mundo anestesiado”, comenta Brant, que também assina a concepção da obra Com base no teatro físico e na dança contemporânea, Chão de Pequenos articula linguagem corporal e discurso político para refletir sobre a invisibilidade de crianças negras nos processos de adoção. O texto conta com colaborações da escritora Ana Maria Gonçalves, autora do romance Um Defeito de Cor, e da atriz e dramaturga Grace Passô, responsável pela provocação dramatúrgica.

A trama acompanha Antônio, um mercador que contrai uma dívida com o agiota judeu Shylock para ajudar seu amigo Bassânio. Como garantia, Antônio oferece uma libra de sua própria carne. Com o não pagamento da dívida, o contrato desencadeia um julgamento dramático, colocando em pauta temas como justiça e preconceito.

Em um mundo que tantas vezes determina quem merece amor, nasce a história de um casal que, desde cedo, aprende a reconhecer os limites impostos aos corpos e às formas de afeto. Entre lembranças de infância e silêncios herdados, eles descobrem que amar é também reconstruir memórias, redefinir o que é família e escolher, todos os dias, viver um amor que não se curva às normas. Um espetáculo sobre o amor. Clichê! Amor. Afeto. Sonhos. Queremos naturalizar essas palavras em nossos corpos, em nossa existência. Queremos um banco, uma escuta, um abraço. Você nos ouve?

O texto narra a relação de uma Mãe e de uma Filha. A Filha que não consegue ser Mãe porque ainda precisa ser Filha. A Mãe, que para chegar à filha, revela a mulher que sempre foi. A herança do feminino transmitida para além do útero. Um jogo de poder, controle e descontrole que leva a um caminho pelas várias e diferentes formas de amar, para além do Amor.

O que começa como uma fuga solitária de veleiro torna-se uma viagem involuntária ao passado quando a protagonista se vê obrigada a levar consigo sua mãe, que sofre de Alzheimer. Enquanto lida com os esquecimentos repetitivos da mãe, ela é confrontada com suas próprias memórias soterradas: a morte do pai, um amor perdido e o medo de viver plenamente. Em um barco que é ao mesmo tempo abrigo e prisão, mãe e filha reencenam gestos cotidianos, revelando como o passado insiste em habitar o presente.

A loucura desenhada como extrema lucidez é a chave poética de ESBOÇO, espetáculo com foco na atuação e no caráter transformador das criações antimanicomiais. Fruto das investigações sobre a potência dramatúrgica presente nas obras ‘Esboço’ e ‘Com os meus olhos de cão’, de Hilda Hilst, o solo apresenta Riolo, um professor de matemática pura que, após expelir a constatação de que tudo em sua vida é apenas um esboço, passa a conviver diariamente com esta condição. Diante de tudo e todos, a única palavra possível é “esboço”.

Em 1918, durante a Primeira Grande Guerra, após a sangrenta Batalha de Verdun, quatro soldados abandonam seu tanque de guerra e decidem desertar. Tidos como mortos, os quatro homens permanecem em clandestinidade em Mülheim, bairro fabril na Alemanha, sob a constante ameaça de serem presos e fuzilados como desertores. Apesar das dificuldades, os clandestinos lutam para conseguir comida e pactuam nunca se separar. Eles têm a esperança de que uma revolução coletiva possa pôr fim à guerra sem sentido, de modo que sejam perdoados. Os desertores acreditam poder tomar parte na desejada revolução.

Uma protagonista, num momento de recortes, colagens e lembranças, questiona e ressignifica sua vida na contemporaneidade. A poesia está em ser mulher e ser respeitada por isso. Por meio da dança, o trabalho aborda a violência enfrentada por essa população, tanto as agressões físicas quanto as silenciosas.

A partir do luto pela morte de seu pai, um ator convida o público a mergulhar no universo das memórias em uma conversa íntima e descontraída sobre homens, formigas, armários e saudades. Misturando realidade e ficção, João e Joãozinha se entrelaçam: Joãozinha é uma formiga que queria ser um homem que queria ser uma formiga; João é um homem que queria ser uma formiga que queria ser um homem. Na verdade, o que ele queria mesmo era que seu pai viesse assistir a essa peça. Mas talvez seja mais fácil se transformar em formiga do que esperar que isso aconteça... Será que você pode vir enquanto ele não chega? PS: Vai ter cachaça!

A peça retrata os encontros, desencontros, aventuras e desventuras do cameraman Ronaldo (Charles Myara) e da maquiadora Socorro (Vannessa Gerbelli) para salvar seu casamento. Para completar, em meio à crise na relação, recebem uma visita para lá de inusitada que, de uma forma atrapalhada e hilariante, dá uma nova perspectiva e apimenta a vida do casal. É uma comédia que fala sobre as virtudes e as mazelas de um relacionamento a dois, sobre como não é nada fácil lidar com o dia a dia em uma relação, mas que, com um pouco de leveza e imaginação, tudo pode ser resolvido.

A peça transcorre no consultório de Freud, onde o público acompanha as sessões de análise com Ernest Lanzer, um rapaz de 30 anos atordoado e infeliz, que sofre de pensamentos obsessivos ligados a uma tortura com ratos. Muitas dúvidas o afligem, especialmente em relação a com quem deve se casar: a mulher que ama, mas proibida pela família; ou a prima rica que trará fortuna para gerir os negócios familiares. Por outro lado, ele tem uma relação problemática com um pai jogador, libertino e cruel, a quem odeia, teme e, paradoxalmente, ama. Seus sintomas e angústia o tornaram incapacitado para o trabalho e para o relacionamento amoroso.

“Yago Luz da Maldade": expõe conflitos humanos como vingança, manipulação, preconceitos e feminicídio”, define o artista. “A obra convida o público a refletir sobre o impacto das falsas narrativas, das injustiças e da luta pela verdade em um mundo onde reputações estão cada vez mais em jogo e a busca por uma imagem perfeita leva jovens à ansiedade”, opina. O autor acrescenta que a montagem destaca a potência da palavra e da interpretação, dispensando a grandiosidade dos cenários. “O ator se transforma na história e nos personagens”, explica.