O grupo Refinaria Teatral e a Cooperativa Paulista de Teatral realizarão uma nova edição da mostra Encontro Paulista de Teatro de Grupo durante os meses de julho e agosto. Ao todo serão mais de 30 ações públicas, sendo dez apresentações de diferentes grupos, 10 oficinas, além de debates e palestras!

“TcHiBuM! – A Liga Aquática” conta a história de Junior e Yasmin, duas crianças que adoram brincar perto da água. Um dia, Yasmin joga um canudo nas águas da baía. O canudo é arremessado de volta e acerta a menina, que, ao olhar de perto é puxada magicamente para uma aventura no fundo do mar junto de seu amigo

O premiado “Zepelim (ou O Balão que Nunca Existiu)” fala sobre crianças à margem de uma sociedade, fala de fome, preconceito, sonhos, exploração do trabalho infantil e amizade. A fim de explorar a experiência do espectador, foram criadas cenas em que a narração se faz presente, usando como técnica o Teatro Épico de Brecht, onde em alguns momentos são propostas cenas não verbais, em outros, cenas com bonecos, tudo isso sempre amarrado com a música feita ao vivo e composta originalmente para o espetáculo. Todos os objetos cênicos e cenário foram construídos a partir de materiais de reuso/recicláveis, para dar ainda mais profundidade à essa pesquisa sobre essa menina que mora em um lixão. O espetáculo foi vencedor do Prêmio Aplauso Brasil como Melhor Espetáculo para o Público Infantil e Jovem de 2017, ano de sua estreia e desde então circula em festivais, unidades do SESC e SESI.

O espetáculo reúne duas coreografias autorais de grande impacto na dança contemporânea brasileira: “Anima – Imensidão Adentro”, de Alan Keller, e “Castelo”, de Alessandro Sousa Pereira. A montagem explora temas como resistência, força, coragem, cansaço, sensibilidade e medo – emoções que atravessam o corpo e se desdobram em potência poética e visual.

Com uma ferida aberta que não cicatriza, Filoctetes, herói, não herói o suficiente, é incapaz de suportar a dor. Diante da presença sem trégua de sua carne podre e de seus gritos aterradores, seus companheiros de guerra decidem abandoná-lo, no caminho para Troia. Durante nove anos, Filoctetes habita sozinho a Ilha de Lemnos.

“Uma ode aos obstinados bailarinos, às horas incansáveis para alcançar coisas incríveis, um tributo a dedicação às ambições físicas”. Oito acrobatas de elite investigam as habilidades físicas, e como obtê-las, como aperfeiçoá-las, e como transformar suas vidas. Ten Thousand Hours é uma homenagem à linguagem física que define a identidade do grupo Gravity and Other Myths, em uma celebração aos corpos e às coisas incríveis que podemos fazer como ele todos os dias.

Inspirado nos pensamentos da autora bell hooks, o espetáculo entende o amor não como romantização, mas sim, como uma prática de liberdade. Amar, para corpos negros, é um gesto radical de resistência à desumanização e uma recusa ativa às lógicas coloniais que tentam romper e apagar os laços afetivos e comunitários. A obra parte da simbologia do carvão, aquilo que foi queimado, mas não destruído; uma matéria que resiste e permanece viva. Por meio dos movimentos de cinco intérpretes criadores em cena e da performance musical eletrônica ao vivo, o espetáculo constrói um território de afetos forjados entre cicatrizes e renascimentos.

DODÔ parte de experimentações cênicas baseadas na obra de Samuel Beckett, especialmente em sua abordagem da linguagem, do silêncio e do absurdo. A peça não segue uma narrativa linear e se organiza como um inventário de memórias inventadas, pausas, ruídos e afetos. Criado por pessoas com afasia, condição neurológica que compromete a linguagem, o espetáculo explora improvisações, fragmentos de fala, silêncios e movimentos, propondo uma poética do intervalo, da escuta e da presença. O nome “DODÔ” surgiu espontaneamente nos ensaios, em referência à sonoridade de “Esperando Godot”, texto clássico de Beckett.

O espetáculo ainda se desdobra em um filme, onde um ator sai de casa no Jardim América para atuar na própria peça, na Urca. É a peça no filme e o filme na peça. Essa intersecção entre as linguagens cinematográfica e teatral cria camadas adicionais que provocam a noção de realidade e ficção. A loucura é abordada não como um estado patológico, mas como uma experiência comum a todos, um convite para estranhar o cotidiano e embarcar no delírio de Dom Quixote.

O Festival Allegria oferece a cada edição uma grade de atrações, especialmente planejada, com eventos circenses múltiplos, espetáculos de teatro em vários formatos e musicais que prometem embalar crianças e adultos, reforçando a importância do acesso à cultura na primeira infância, bem como em todas as idades. São apresentações que conjugam artes cênicas (teatro, circo e intervenções) e música, distribuídas pelos espaços, em diversos horários.

A palavra magote remete a agrupamento, amontoado, ajuntamento. E é nessa lógica que o espetáculo se organiza: corpos que se unem em movimento para criar imagens, contar histórias e construir, juntos, uma enxurrada de possibilidades. Em cena, malabaristas, acrobatas, bailarinos excêntricos e cômicos se lançam ao espaço vazio como poetas do corpo. Magote é uma explosão de formas e cores, um jogo de composições físicas que traduz o enfrentamento do cotidiano em metáforas corporais. Um exercício de coletividade e generosidade que celebra os espaços comuns do circo – a trupe, a equipe, a família.

Em uma aliança inédita entre artistas icônicos do cabaré de Belo Horizonte, Curitiba e do próprio cabaré carioca, a proposta é simples e subversiva: instaurar a pirataria como linguagem cênica. Em cena, o público será conduzido por uma mistura de números originais, releituras e “sequestros” de clássicos da noite brasileira. Cada artista invade o repertório do outro, em um jogo de infiltração, pilhagem artística e celebração da precariedade como força criativa.

Sem diálogos verbais, é conduzido ao vivo por 12 músicos da orquestra SP Pop’s Symphonic que executam clássicos do chorinho de Chiquinha Gonzaga, Ernesto Nazareth, Joaquim Calado, Candido das Neves e Zequinha de Abreu, seguindo a linha de processo criativo executada pelo maestro Ederlei Lirussi. Escrito e dirigido por Roberto Gotts, a peça tem figurinos assinados por JC Monteiro e cenário criado para ser itinerante composto ora por projeção, como nos tempos do cinema mudo, ora por painéis artísticos feitos para se adaptar às diferentes casas teatrais.

Inspirada no universo de Nelson Rodrigues, “Cachorro!” narra a história do romance clandestino entre Almeidinha e Solange, que está tendo um caso com o melhor amigo de seu marido. Não estando ciente do triângulo amoroso em que está inserido, Apoprígio leva Almeidinha para almoçar todos os dias em sua casa, alimentando a paixão entre o rapaz e sua esposa. Enroscados nesse mafuá, os três personagens vivem à beira de um desfecho rodrigueano, do qual a única saída é a tragédia. Ai, não vai sobrar mais nada. Não tem choro, nem vela… Só silêncio.

A história se passa dentro de um museu em São Paulo, durante uma tempestade que paralisa a cidade. Quatro trabalhadoras de um Museu ficam presas no trabalho, enquanto outras tentam chegar na instituição museológica à qualquer custo. Impedidas de retornar para casa por conta do desastre climático, elas seguem trabalhando ou seguem tentando chegar de qualquer forma ao trabalho, movidas pela urgência de garantir o sustento em meio ao caos." pois nem todas trabalhadoras trampam no museu e nem todas já estão lá, algumas estão tentando chegar ainda no trabalho.