Três miseráveis artistas se juntam para tentar arrecadar algum trocado que lhes garanta a refeição do dia. Fazer graça com a própria desgraça foi o que lhes restou como forma de sobrevivência. Os três personagens que conduzem a ação cênica representam figuras que sobrevivem à margem do sistema econômico – sem acesso a trabalhos formais, a direitos básicos e ao consumo – tornando-se, assim, criaturas socialmente deformadas.

Crystal é uma jovem criativa que se sente incompreendida e fora de sincronia consigo mesma. Para escapar de sua realidade, ela se aventura em um lago congelado e acaba caindo no gelo e chegando em um mundo invertido. Neste mundo subaquático da sua imaginação ela vê um reflexo de si mesma. Por lá, ela é guiada por seu reflexo por este novo mundo e a desperta para a sua própria criatividade. À medida que Crystal continua sua jornada, ela transforma suas peculiaridades em criatividade com um toque de sua caneta. Com esse novo poder recém-descoberto, ela é capaz de encontrar seu verdadeiro eu e fazer uma jornada de volta à realidade. O espetáculo CRYSTAL trata de olhar as coisas de novos ângulos, espiar através do verniz da vida cotidiana, reenquadrar a realidade diária para ver o que podemos ter perdido. Às vezes, a única maneira de apreciar as coisas é olhar para elas de outro ângulo. Descobrir a individualidade e a singularidade de alguém exige aventurar-se em gelo fino.

Com histórias, músicas e muita energia, Maria Clara é um exemplo de alegria, superação e autoestima. Comunicativa, ela destrói estereótipos e quebra preconceitos, celebrando suas qualidades únicas e promovendo a inclusão de crianças. Além das coreografias, as crianças aprendem sobre empatia, boas práticas na internet e sobre saúde, sempre com muitas risadas. Para a equipe de criação do show, é uma oportunidade de falar de coisas essenciais para a primeira infância, unindo a tais assuntos a leveza e espontaneidade da turma. Em um dos momentos mais emocionantes do show, MC Divertida e Jéssica cantam uma música dedicada à amizade, mostrando a importância dos amigos na vida das crianças. Para a plateia, é um momento inesquecível que celebra os laços que fazemos na vida.

O musical é baseado no filme clássico de 1994, do diretor Stephan Elliott, e conta a história de duas drag queens e uma mulher transexual que são contratadas para fazer um show em pleno deserto australiano. Para chegar até lá, elas vão a bordo do ônibus intitulado Priscilla, e encaram diversos desafios e aventuras durante a viagem até o destino final.

A narrativa, construída por Pedro Cadore e Cláudia Pinto, se desdobra a partir de trechos de entrevistas do próprio Belchior, proporcionando ao público um vislumbre da juventude do artista e suas reflexões sobre um mundo em constante desconcerto. O espetáculo destaca Pablo Paleólogo, que encarna o cantor cearense, e Bruno Suzano, que dá vida ao "Cidadão Comum", uma presença constante nas canções de Belchior, representando, de certa forma, seu alter ego. Mais do que uma mera retrospectiva, a peça aspira transmitir a filosofia de Belchior, convidando o espectador a explorar a profundidade de suas letras e pensamentos. Cadore destaca a intenção de proporcionar uma experiência nostálgica aos fãs, assim como introduzir a poesia única do compositor àqueles que ainda não a conhecem.

Augustine, Greice e Úrsula realizam um show musical para contar a história de pessoas sem tempo que viviam presas em um mundo descolorido e pensamentos encaixotados. Por meio da palhaçaria e da comicidade física/musical, vão desconstruindo pensamentos engessados presentes inclusive nas músicas infantis, apresentando novas versões para canções conhecidas além de composições inéditas. Interagindo com a plateia, estabelecem um mundo mais colorido, livre, leve e brincante. Tocam mais de dez instrumentos, entre cordas, sopro e percussão.

A dramaturgia entrelaça as jornadas de Patrício, Olga e Gustavo. Na peça, Gustavo recebe a ligação de um produtor de elenco, que o convida para o filme sobre Hebe Camargo, “Hebe – A Estrela do Brasil”, para representar Olga del Volga, sexóloga e conselheira sentimental russa, ferina nos comentários, sempre presenteno sofá da apresentadora a partir da década de 1980, criação de Bisso, ator, figurinista de teatro e cinema (“O Beijo da Mulher Aranha”), ilustrador e colunista. Ao aceitar a oportunidade, o ator sente o peso do papel e sua preparação é retratada no palco, mostrando as dúvidas, anseios, insegurança, medo, ansiedade e nervosismo. Com humor ácido e números musicais, “Quem tem medo de Olga del Volga” mostra a riqueza do universo criativo LGBTQIAPN+, valorizando o artista performático Patrício Bisso, e discute a homofobia noticiada e aquela que é feita à boca miúda.

Um velho e falido escritor, representado por um boneco, é pressionado pelo seu chefe a escrever um conto, mas tem um terrível bloqueio criativo. Desesperado, ele encontra na plateia a esperança e a inspiração para vencer sua crise, coletando sugestões para escrever um conto que mude sua própria história de fracassos.

É mais uma noite no Cabaré Coragem! Numa atmosfera engraçada e delirante, os artistas dançam, cantam e fazem números de variedades, enquanto estranhas contradições daquele lugar vão despontando no palco.

Em A gente te liga, Laura, seis atrizes se revezam num teste de elenco repetindo o famoso monólogo da personagem Nina, da peça A gaivota, de Anton Tchekhov. O texto de Ines Bushatsky e João Mostazo fala de uma atriz que se vê diante da desvalorização da sua profissão. O tom das personagens em cena é dado pelas palavras iniciais do trecho escolhido: “Estou tão cansada...”. O cenário é um estúdio, com fundo branco e luzes frias, simulando o espaço de trabalho do universo audiovisual. Uma câmera ligada o tempo inteiro filma a ação e projeta as imagens em uma televisão, criando o ambiente de teste frequentemente encontrado por atores e atrizes nas suas trajetórias profissionais. De forma bem-humorada, a peça levanta questionamentos sobre alguns lugares comuns do mercado audiovisual que muitas vezes escondem preconceitos, como a noção de “sotaque neutro”, por exemplo. Como explica a diretora, “normalmente, sotaque neutro quer dizer simplesmente paulista, ou sudestino”. O nome da peça é também uma referência à frase ouvida por atores e atrizes após os testes: “a gente te liga”. Como comenta o dramaturgista João Mostazo, “essa frase encapsula a instabilidade e incerteza vivida por atores e atrizes nesse mercado, de viver à espera de respostas quanto ao resultado dos testes”.

A partir das didascálias de três textos clássicos do teatro, o trabalho revisita os espaços domésticos descritos nos textos e o imaginário de “casa” que carregam. Duas intérpretes jogam com as palavras e com o tempo e assim constroem outros espaços, figuras, relações. O desenrolar deste jogo de construir e desconstruir deixa a questão em suspenso: o que se pode imaginar a partir dessas palavras que foram escritas para não serem ditas?

Escrita a partir de um acontecimento na vida do artista Francis Bacon (1909/1992) e seu namorado George Dyer, o performer pretende submeter seu público a experiência de sentir um ser idolatrado se transformar em um Monstro dentro delas. O sentimento de admiração e aversão colocados em confronto.

A peça mostra a comunidade judaica incomodada com o pensamento de Baruch de Spinoza, filho de imigrantes ibéricos acolhidos em Amsterdã, que afronta os costumes e preceitos de sua religião. Na tentativa de convencê-lo a ser um bom cidadão, os Rabinos do Conselho Judaico apresentam formas de conversão. Se Spinoza não aceitar, será julgado, condenado e exilado. Ele expõe todo o seu pensamento a seu amigo, Jan Rieuwertsz, editor de livros, com quem pode desabafar e contar de seus planos futuros. Um convite à reflexão e à liberdade de pensamento. O espetáculo é pontuado por músicas sefarditas do século XVII, em língua ladina, executadas ao vivo

A peça constrói, na presença e com a participação do público, um corpo-cidade, um corpo em luta, um coro em formação que atravessa o campo de batalha. “Vejo essa peça como um teatro híbrido – e não puramente documental. As questões principais que são motivos de disputa nas regiões da cidade por onde passamos estão presentes e são facilmente identificadas, mesmo quando transfiguradas. Porém, elas se confundem com o subjetivo do relato pessoal dos integrantes”, explica o diretor Edgar Castro.

Você tem uma chance, uma única chance: entrar num camarim e bater um papo com Jorge Verão Vera Laffond. E então, o que você diria? JORGE para sempre VERÃO é sobre a arte como possibilidade, a arte como cura. Não é uma biografia, mas é. A biografia de um artista, uma personagem, uma sociedade. Você topa abrir a porta desse camarim? JORGE pra sempre VERÃO é um Teatro de Cura. Uma não biografia sobre uma não-relação entre Jorge Laffond, Vera Verão e uma prima de Jorge. Uma ficção desenvolvida sobre uma história verídica de homofobia.