Ao descobrir que foi aprovado em um edital de exaltação à obra de Ariano Suassuna, o influencer Lau Almeida decide reunir seus amigos de faculdade, que não vê há mais de dez anos, para montar “O Casamento Suspeitoso”. Na primeira noite de ensaio, o passado emerge com intensidade, revelando uma rede de conflitos e sentimentos do passado não resolvidos.

“Bichos Soltos” é uma dança para crianças de todas as idades em que quatro bailarinas vestidas com um figurino/fantasia/criatura/fantástica se movimentam de forma dinâmica, criando um novo estatuto de existência, questionando a relação entre o homem, a natureza e as coreografias sociais estabelecidas.

O título “SCinestesia” surge da exploração dos diferentes significados das palavras sinestesia (mistura de sentidos) e cinestesia (conjunto de sensações que torna possível perceber os movimentos). Materializados nos corpos e na cena, ambos os significados dissolvem as fronteiras entre dentro e fora, objetivo e subjetivo, consciente e inconsciente, incorporando ainda mais o universo surreal buscado. No palco, as possibilidades se multiplicam a cada repetição de hábitos corriqueiros. Eles podem ser parecidos, mas nunca iguais. Como em um processo de causa e efeito, ação e reação, tudo pode se modificar a partir da mínima desordem, do inesperado, do acaso da vida. A animação surrealista “Tango” (1980) do polonês Zbigniew Rybczynski, foi a principal inspiração para a criação do espetáculo. Na “pequena” obra, de apenas oito minutos, 36 personagens de diferentes fases da vida - representações de diferentes épocas - interagem em uma pequena sala, movendo-se em loops, em uma infinidade de ações, observados por uma câmera estática. Em “Tango”, Rybczynski explora esse conceito de espaço único fora da tela, preenchendo-o com uma infinidade de ações.

"Dança Dentro", investiga o início da vida em seus movimentos e sonoridades. A primeira movimentação do ser, ainda no ventre, sua relação com a mãe, seus gestos e sons inspiram jogos e brincadeiras cênicas que vão sendo construídas com as crianças participantes desse espetáculo de dança brincante.

A apresentação junta da cultura brasileira músicas que manifestam palavras de revolução, cirandas e de guerrilhas, com contos japoneses que protagonizam mulheres fortes, os guerreiros e os samurais, ou até mesmo os pequenos camponeses que têm dificuldades de sustento e lutam por uma vida mais digna com trabalhos, além do sonho da ascensão, que em muitas histórias aparecem magicamente pedaços de ouro pela natureza em, por exemplo, bambus, conchas, frutas etc. Sempre começando com Mukashi Mukashi que significa Era Uma Vez em japonês, as histórias japonesas acompanhadas da trilha sonora brasileira são: O Vendedor de Sandálias e O Camponês Voador.

Mostrando cultura, lutas, tradições, canções, ancestralidades e curiosidades, quatro atrizes e cantoras do grupo contam histórias de quatro mulheres históricas do nosso país. Juntam a cultura brasileira que contém músicas ao vivo que manifestam palavras de revolução, cirandas e de guerrilhas, com histórias que protagonizam mulheres fortes, importantes e que não devem nunca ser esquecidas. As contações são como um acalanto e preservação de memória, como uma carta de amor à essas mulheres que colaboraram com nossa emancipação, empoderamento e justiça. As mulheres homenageadas dessa série de contações são: Clementina de Jesus, Ada Rogato, Yumiko Kanayama e Nise da Silveira.

Em Ouroboros, há uma paisagem em círculo contínuo: intérpretes/performers repetem um caminho que não leva a lugar algum, desenhando um círculo sem fim. O público é convidado a se virar na direção oposta à das/os artistas, se envolvendo, de forma perceptível e imperceptível, com o ritmo, as ações e os sentimentos das/os intérpretes.

Na peça, dirigida por Geovana Pires, a atriz e autora Elisa Lucinda trata o cotidiano como espaço de estreia e criatividade, e não como uma repetição. Para tanto, desfila sua poesia e suas encantadoras histórias cênicas para revelar ao espectador os nossos óbvios, onde o público se vê. O resultado traz uma experiência na qual, por pouco mais de duas horas, o espectador ouve elogios à rotina, e é convidado a uma auto-observação de nossa dramaturgia diária.

No princípio, era a simplicidade. Os antigos aprenderam e passaram a ensinar aos seus que tudo tem um dono no Pantanal, estes são seres não humanos, sobrenaturais ou divinos que devem ser respeitados e exigem uma conduta ética para que ali todos possam viver em equilíbrio com os recursos por eles oferecidos. Quando se quebram regras, punições serão proferidas. No presente, mais de 17 milhões de animais vertebrados foram mortos.

Mário Kramarenco é considerado o melhor artista que simula Frank Sinatra no mundo. Seu espetáculo é grandioso, acompanhado de grande orquestra e já foi apresentado em países como Argentina, Uruguai, México, Estados Unidos, Canadá, Equador e Costa Rica. Ele chega agora a São Paulo para duas únicas apresentações no Teatro J. Safra, que comemora 10 anos neste mês de julho. Mesmo tendo sua ascendência Europeia, Kramarenco é o Sinatra Latino, reconhecido em muitos países tanto por sua voz de Sinatra quanto outras vozes de cantores e artistas famosos. Possui a versatilidade para imitar exatamente outras vozes importantes sendo chamado “ O cantor das mil vozes “.

O espetáculo DE TEMPO SOMOS – UM SARAU DO GRUPO GALPÃO reúne 25 canções do repertório do grupo - de montagens antigas até trabalhos mais recentes - incluindo músicas de workshops internos que chegam ao público pela primeira vez, além de apresentar textos sobre a passagem do tempo e o processo de criação artística. O espetáculo será apresentado dias 10 e 11 no Teatro J. Safra, que comemora 10 anos neste mês de julho.

Seres esgotados e sedentos de transformações dançam e evocam suas memórias e devires, buscando a fuga da exaustão contemporânea em direção a sítios de cura, de compartilhamento e de geração de afetos reais. A pele, o terno: o corpo é um só.

Escrita e dirigida pela atriz e diretora Vanja Ca Michel, a montagem chama a atenção do público por abordar temas atuais e as últimas tendências do universo dos adolescentes, mostrando as dores e as delícias da transição da infância para a vida adulta. Uma das cenas mais elogiadas é a que ganhou o título de "Desabafo", justamente por dar luz as experiências e sentimentos reais dos jovens e suas famílias, como uma mãe sobrecarregada com o trabalho e a maternidade; um filho que se sente inútil por não ter o que fazer em casa; a dor dos adolescentes cujos pais ou mães faleceram; e a angústia causada pela separação dos pais e, consequentemente, pelo surgimento de novos integrantes, como padrastos e madrastas com filhos de outros casamentos.

Operilda é uma jovem feiticeira de 225 anos, apaixonada por música brasileira, que precisa deixar o celular de lado e usar somente sua memória e imaginação para contar uma história sobre o surgimento do choro, estilo musical que nasceu no Rio de Janeiro no final do século XIX. Com humor e criatividade, Operilda, sua amiga Vassorilda e o grupo musical Chorildos passeiam pelo Brasil colonial até chegar aos dias atuais, traçando um paralelo entre o desenvolvimento da cidade do Rio de Janeiro e do chorinho. Nascido da mistura de ritmos europeus e africanos, o choro foi criado e popularizado por músicos geniais que entram nessa história junto com Operilda.

Em cena, o circo, os ritmos e as expressões culturais como o forró, o maracatu, o frevo e até o passinho carioca se unem a temáticas relevantes como a democracia, a demarcação de terras indígenas e o racismo. Tudo acontece em meio ao impressionante manejo de objetos não descartáveis. E, para completar a mistura, a trilha sonora composta apenas por músicas nacionais foi cuidadosamente pensada para compor com os fragmentos, criando ritmo e envolvendo a plateia. A playlist, o resultado da curadoria cuidadosa do brasiliense Cícero Fraga e do francês Loïc Diaz Ronda, celebra a música brasileira e contagia gringos e brasileiros em cada apresentação.