Lá do fundo da floresta antiga, onde vivem figuras encantadas e seres inventados, chega um estranho teatro. Dois personagens apresentam um universo de bonecos, máscaras e criaturas irreais que aparecem, se misturam e se transformam. Poema é uma viagem visual feita da mesma matéria delicada e misteriosa dos sonhos.

Uma mulher acorda certa manhã e percebe que cresceu demais, já não cabe em sua casinha. Acompanhada de um ovo que encontrou pelo caminho, e do qual cuida com afeto esperando o dia em que algo nascerá, decide sair pelo mundo em busca de um lugar onde seja feliz. Passa por diferentes paisagens, até ouvir de alguém: se eu fosse adivinho, estaria nas feiras, adivinhando e ganhando muito dinheiro. Pensa: é isso! Posso ser Adivinha! Com um pouco de esforço e muita malandragem, seus truques ganham fama até chegar aos ouvidos do Rei. Agora será levada ao palácio, onde precisará desvendar um grande mistério antes que seja tarde demais.

A peça narra a trajetória de William Shakespeare desde a infância, quando o contato com uma trupe mambembe desperta seu desejo de ser ator. Ao seguir para Londres, ele começa trabalhando na guarda de carruagens nos arredores dos teatros até que, por um acaso do destino, é convidado a substituir um ator em um ensaio dos palhaços Juca e Pinduca.

A trama acompanha Alberto, um corrupto Secretário de Estado que vive um casamento infeliz com sua assessora, Luísa, enquanto tenta manter em segredo um romance com a jovem Angelina. Cercado por figuras caricatas, como uma secretária apaixonada pelo chefe e um assessor fofoqueiro, Alberto vê sua vida virar de cabeça para baixo após colidir o carro com o táxi de Nicola, avô de Angelina, um explosivo taxista italiano da tradicional Mooca. O encontro entre o universo político e a rotina simples do bairro desencadeia uma sucessão de paixões proibidas, confusões familiares e situações hilárias que prometem transformar a vida de todos os envolvidos.

Com texto e direção de Fabio Gouveia, o espetáculo combina teatro, música e dança para conduzir o público por uma jornada que atravessa a diáspora africana e chega à consolidação do samba como símbolo de identidade, resistência e celebração. Mais do que contar uma história, a obra reivindica narrativas e revisita as lutas, resistências e conquistas de homens e mulheres pretos que transformaram a dor em cultura.

O projeto surgiu a partir de incômodos vividos pelas atrizes no meio artístico, quando perceberam como estruturas machistas atravessavam naturalmente as relações e os espaços de fala. “Quando os homens falavam, eles eram ouvidos. As mulheres não. Aquilo foi dando uma inquietação e resolvemos escrever uma peça”, conta Cristina. A partir dessa percepção, as artistas passaram a refletir sobre como estruturas patriarcais atravessam as relações amorosas contemporâneas, tema que se tornou o eixo central da montagem.

Com texto atualizado e um novo elenco, “4Ever – A Última Noite” revisita temas universais como amizade, amadurecimento, escolhas e despedidas. A trama acompanha a última noite de quatro amigos: Matheus, Fernando, Daniel e Diego, na república universitária onde viveram intensamente seus anos de faculdade. Entre risadas, conflitos e revelações inesperadas, os sonhos para o futuro começam a ruir, transformando a despedida em um mergulho profundo nas consequências de decisões impulsivas e nos vínculos que moldam quem somos. Misturando humor, emoção e diálogos ágeis, o espetáculo propõe uma reflexão contemporânea sobre crescimento pessoal, responsabilidade afetiva e os desafios da vida adulta, sem perder a leveza e a identificação com o universo jovem.

Um time entra em campo para contar histórias onde o futebol vira aventura, amizade e diversão. A partir de três histórias da literatura brasileira, o espetáculo usa a linguagem do teatro narrativo para transformar palavras em jogo, convidando o público a torcer, rir e mergulhar no universo da bola, do campinho, dos dribles, dos abraços e das comemorações.

Criado pelo bailarino e coreógrafo Jorge Garcia, o trabalho celebra os 20 anos da companhia e transforma o espaço urbano em uma arena circular a céu aberto. Em cena, cinco bailarinos e quatro músicos convidam o público a ocupar a praça como espaço de encontro, convivência e imaginação.

A partir da relação entre Katharine, vivida por Beá Pacheco, e o Dr. Jekyll, a montagem expõe uma sociedade repleta de máscaras, hipocrisia e jogos de poder em relação a seus desejos e relacionamentos. Ao longo da narrativa, o que se revela não é a existência de monstros isolados, mas a construção coletiva de comportamentos, desejos e violências com que todos convivem. Em sua narrativa, o eixo tradicional se desloca para os conflitos das relações humanas e da sociedade contemporânea, na qual a dualidade entre bem e mal deixa de ser tratada como um embate entre opostos e passa a ser compreendida como parte estrutural do comportamento do ser humano.

A montagem apresentada pelo Ballet Clássico de São Petersburgo aposta na tradição da escola russa de ballet, reconhecida pela precisão técnica, disciplina corporal e força interpretativa. O elenco reúne bailarinos formados pelo método Vaganova, sistema criado na Rússia que é considerado uma das bases mais influentes da dança clássica contemporânea. A produção também contará com a participação especial de Alexander Volchkov, bailarino reconhecido por sua trajetória ligada ao Ballet Bolshoi, reforçando a conexão do espetáculo com algumas das instituições mais tradicionais da dança clássica. Ao longo das últimas décadas, a companhia consolidou sua reputação por produções que preservam a linguagem clássica sem abrir mão da potência cênica e emocional das grandes obras do repertório.

Entre passarinhos e pregos enferrujados, ele inventa uma nova ordem: a lógica do encanto. Com a ajuda de narradores brincantes e versos que escorrem feito um rio inventado, o espetáculo convida o público a desaprender o mundo utilitarista para reaprender as miudezas da vida. O Maior Quintal do Mundo é uma travessia poética pela infância como território sagrado, onde até a bunda de uma formiga pode ser maior que o universo inteiro. E o que parecia inútil vira matéria de poesia.

Victoria Grant é uma cantora desempregada que, na Paris dos anos 1930, precisa se reinventar para sobreviver no meio artístico. Ao assumir uma identidade masculina, ela experimenta o sucesso instantâneo ao se transformar Victor, homem que se apresenta como mulher no palco e conquista as plateias com sua potente voz feminina. A partir desta farsa, ‘Victor ou Victoria’ dá origem a uma série de tramas e situações hilárias e também debate temas como gênero, liberdade e preconceito.

Duas pessoas estão embarcadas. Em trânsito, observam forças que constroem e colapsam mundos. Entre eles, acontece uma transmissão: dançar o que os constitui, a matéria ínfima, vestígio de uma explosão estelar. Como numa ficção científica, ensaiam um gesto capaz de desviar o curso da Terra.

O Homem-Árvore (Andre Curti) deseja enraizar-se, mas é recusado pelo mundo à sua volta. Ele simboliza a impossibilidade de pertencer. O Homem-Luz (Artur Luanda Ribeiro) pedala uma grande engrenagem em forma de bicicleta, que é geradora de energia elétrica. Dele depende a luz de cena. Ele não pode parar. Ao mesmo tempo em que ilumina, o Homem-Luz também se consome, e às vezes vai “escurecendo” por dentro sem que ninguém perceba. Entre o Homem-Árvore e o Homem-Luz, o palco se transforma num território poético entre o enraizamento e o movimento.