Em um futuro próximo onde a intolerância assume o poder, artistas, professores, políticos e religiosos contrários ao Novo Regime são perseguidos e executados sem possibilidade de defesa. A atriz Kika (Jessica Marques) e o pastor Anton (Pedro Carvalho) se encontram refugiados há meses em um bunker. Logo na primeira cena os dois são encontrados e morrem. Por que estavam lá? O que fizeram? Como foi que tudo começou?

Um diagnóstico inesperado desencadeia o maior dos dramas humanos, que a todos iguala: a tomada de consciência da finitude, da fragilidade humana e do inevitável confronto com a morte. Mas, se o tema é transitoriedade e vulnerabilidade, para além disso há uma narrativa de paixão pelo próprio ofício, pelas pessoas, vivências e, sobretudo, uma declaração de amor à vida.

O personagem ao retornar ao Brasil depois de anos trabalhando em condição de subemprego pela Europa, se vê forçado a confrontar seu passado traumático. Com um tom ora inocente, ora cômico, o personagem navega obstinado pelas memórias perturbadoras de sua infância e adolescência para nos contar sua história, sem reservas, enquanto ganha consciência da dimensão dos abusos que sofreu, inadvertidamente perpetuou, e aprendeu a normalizar.

A peça conta a história de um homem que, abandonado por seu companheiro, precisa enfrentar e transmutar a dor da perda. Aos moldes dos poetas ultrarromânticos, o personagem experimenta o sofrimento em seu último grau, vagando pela madrugada fria de uma cidade deserta, a fim de, na busca por seu amor, encontrar o que sobrou de si após a separação.

No elenco, estão os atores Eduardo Melo, Felipe Hintze, Felipe Silcler, que vivem três rapazes jovens, em início de carreira, cada um com uma história totalmente diferente. Eles estão disputando o mesmo papel e, por motivos variados, precisam conquistar esse trabalho. A peça acompanha os conflitos psicológicos desses profissionais, que mergulham nas emoções de seus personagens, nem sempre dominando seus próprios sentimentos. E é através destas aspirações ambíguas que a dramaturgia descreve os conflitos desses artistas e aspirantes.

Em DETENTOS, os personagens sofrem ou fazem sofrer, vivem, exploram ou são explorados, alimentam expectativas ou esperanças pelo futuro, têm a consciência ou, às vezes, agem sem pensar. Eles estão condenados à marginalidade. O caminho de volta já não é mais uma escolha possível. A montagem da peça não dificulta o seu entendimento. O enfoque principal está na linguagem realista, que não abranda situações. A agressividade dos personagens mostrada claramente resulta num ritmo ágil e estabelece uma comunicação eficaz com a plateia, uma vez que a força expressiva da peça reside justamente na trajetória cruel e individual de cada um. A variedade surpreendente dos perfis individuais dos personagens de DETENTOS consegue dar base e agilidade à obra.

Nos anos 1980, num campo de refugiados em Jenin, na Palestina, Arna Mer, judia israelense, e Samira Zubeidi, árabe palestina, criaram o Teatro de Pedra, que atendia milhares de crianças e foi destruído pelo exército israelense. Vinte anos depois, nos anos 2000, os filhos dessas duas mulheres criaram o Teatro da Liberdade, ainda de pé e indicado ao prêmio Nobel da Paz de 2024. Com idealização e atuação de Lucas Oradovschi, o monólogo “Um pássaro não é uma pedra”, que estreia no Espaço Cultural Municipal Sérgio Porto, conta essas histórias a partir da perspectiva de uma pedra, um pedaço de escombro de um teatro destruído. 

Uma pedra no meio do caminho pode ser um problema que imobiliza ou apenas um motivo de desvio por uma rota surpreendente. Carlos enfrenta um momento complicado de perdas e não consegue se livrar da sensação e imobilidade. Não se sente motivado pra nada. A partida da mãe, o término com a namorada e a dispensa do trabalho foram gatilhos para um quadro depressivo que quase o fez desistir de tudo. As mensagens inesperadas de um homem misterioso acendem uma nova luz nas perspectivas do jovem e mudam o rumo da história.

Pacha viajou para a cidade para trabalhar como empregada doméstica, mas foi morta pelo patrão. Vivendo em Uku Pacha, um dos três mundos das cosmovisões andinas, e que corresponde à dimensão dos mortos, dos animais sagrados, do espírito da água e da música, ela embarca na Carruagem do Além. Acolhida por El Ángel, El Diablo, El Oso, La Virgen, El Kusillo, La Diablesa, La Sirena e Los Músicos, que retornam a Kay Pacha - o mundo dos humanos, na época do carnaval -, o grupo procura La Muerte, que está sempre ocupada Somente ela é quem conhece os caminhos entre as dimensões do além.

O espetáculo é itinerante e ocupa praticamente todos os ambientes do Espaço Cultural Municipal Sérgio Porto. Dividido em sete “módulos cênicos”, “Ato I: ensaio sobre uma atriz que está ficando cega” tem como ponto de partida o estacionamento (entrada pela Rua Humaitá), onde o público é recebido por Lais que conta curiosidades do seu lugar de origem, o bairro de Santa Cruz, na Zona Oeste do Rio de Janeiro. Ainda do lado de fora do centro cultural, explica que foi diagnosticada aos 12 anos com uma condição chamada ceratocone, doença que aponta para a possibilidade de cegueira em seu estado avançado.

Em uma hora de espetáculo, o público acompanha um dia na vida de um funcionário de escritório que, incapaz de lidar com a própria infelicidade, busca aliviar sua caótica rotina com a ingestão descontrolada de um ansiolítico em gotas. A comédia faz uma divertida crítica ao imediatismo e reflete sobre sentimentos como solidão e carência brincando com a ansiedade do personagem. O solo lança um olhar bem-humorado sobre uma geração de pessoas relativamente bem-sucedidas, solitárias e imediatistas, que buscam a solução de seus problemas da maneira mais fácil possível. Tomam pílulas e acreditam encontrar a tal plenitude da vida. Seus melhores amigos são os celulares, e com eles mergulham no mundo virtual procurando uma maneira de viver a vida real. O título da peça faz referência também às cinco miligramas do hipnótico Zolpiden, que, junto com o Rivotril, está entre os remédios mais vendidos no Brasil. Mesmo sendo uma comédia, o assunto da peça é sério: o descontrole das pessoas ao usarem este tipo de medicamento.

É na valiosíssima adega da família que pai (Herson Capri) e filho (Caio Blat), afastados há anos, se reencontram. A coleção de vinhos do pai, que reúne compras de oportunidade, antigos presentes e garrafas arrematadas em leilões frequentados pelos muito ricos, pode ser a solução para um projeto pessoal do filho. Mas inesperadas revelações e até um secreto diário de vinhos, escrito pelo pai, muda o rumo desse encontro, transformando-o em um tenso acerto de contas. Estarão os dois preparados para um brinde final?

MACÁRIO do brazil é uma releitura do texto "Macário" escrita por Álvares de Azevedo, um dos expoentes do ultra-romantismo brasileiro. A peça é dividida em dois episódios e explora temas como a melancolia, a busca pelo sentido da vida, o desencanto e o pacto faustiano com o diabo. O jovem Macário, estudante e poeta, encontra-se em uma taberna, profundamente desencantado com a vida e questionando o sentido de sua existência. Ele está em um estado de espírito sombrio, reflexo de sua visão pessimista do mundo. É nesse cenário que o jovem romântico encontra um misterioso e carismático desconhecido, ninguém menos do que o próprio Satã! "Macário" é uma peça que mergulha fundo na psique humana, explorando os conflitos internos do protagonista e suas interações com forças metafísicas. Em MACÁRIO do brazil, Carlos Canhameiro e o quarteto À Deriva procuram colocar em cena a força jovem do século XIX com os dilemas da juventude e da teatralidade contemporâneas.

Em uma casa abandonada, uma mulher grávida é mantida em cativeiro pelo pai de seu filho, que aguarda ansiosamente pelo nascimento da criança. Nesse lugar, ambos são confrontados e perseguidos por seus próprios medos e pelos laços implacáveis que os unem.

A peça é um diálogo sobre arte, cotidiano e bem viver, o autorretrato de uma mãe atípica, em que suas garatujas revelam a trajetória em espiral de contradições entre tipicidade e atipicidade. Em um relicário de recordações, a atriz Ruth Melchior convida o público a dialogar e passear pela trajetória das duas FRIDAS, a pintora mexicana Frida Kahlo e sua filha Frida Melchior. As Frida(z) e as questões tensionadas socialmente pelo universo feminino, neuro diverso e PCD. Um autorretrato que parte das singularidades de uma mãe e sua práxis cotidiana, propondo refletir sobre as relações entre arte, sociedade, capacitismo e bem viver.