Para celebrar seus 80 anos de vida e 60 de carreira, a atriz Ana Lúcia Torre divide com o público memórias e reflexões em um espetáculo vibrante, revelador e cheio de emoção, em que fala letras de diversas músicas icônicas de Chico Buarque, com participação do pianista Diógenes Junior. Quem assiste se identifica totalmente com os temas essenciais que compõem a narrativa, como arte, amores, separações, maternidade, resistência, sociedade e o tempo. Letras de clássicos como Meu Guri, Beatriz, Geni e o Zepelim, Valsinha, Atrás da Porta e Olhos nos Olhos, entre muitas outras, compõem o roteiro repleto de delicadeza e bom humor.

Além da protagonista e de sua rival simbólica, o musical apresenta personagens icônicos do universo da boneca, inseridos em situações que equilibram humor e crítica. Ao propor uma experiência lúdica e emocional que costura passado e presente, diversão e reflexão, Susi, o Musical convida o público a revisitar memórias, questionar padrões impostos e reafirmar a autenticidade como valor essencial.

Um ser alado cai no quintal de um ser humano. É a partir dessa premissa que a narrativa se desenvolve. O ser humano, um catador de lixo que tenta sobreviver à miséria que assola sua família, vê sua rotina mudar com a queda de um ser alado em seu quintal. O espanto inicial dá lugar à necessidade de identificar o estranho ser, gerando um permanente questionamento quanto à definição do ser alado. Seria um anjo? Um frango? Um delírio provocado pela fome? É nessa teia que o espectador é convidado a se equilibrar, enquanto os dois seres se digladiam em um intenso confronto dialético. O exílio forçoso de um, e a miséria do outro, pontuam a trama, que apresenta um cenário pós-apocalíptico permeado de desesperança. Um ser alado e um ser humano, no abismo de suas percepções, preconceitos, medos e dúvidas.

A distopia criada por Nelson Baskerville a partir da tragédia carioca de Nelson Rodrigues ressurge como um espelho cruel das hipocrisias brasileiras, amplificadas pelo recente avanço da extrema direita. Edgard, um homem marcado pela miséria apesar de anos de dedicação ao patrão Werneck, recebe uma proposta tentadora: casar-se com Maria Cecília, jovem rica e "bonitinha" , mas envolta em um passado controverso. O dilema entre dinheiro e moralidade o arrasta por um universo de desejos reprimidos, traições e valores distorcidos.

O espetáculo Gal, o Musical conta passagens emblemáticas da vida de uma das maiores cantoras brasileiras, desde seu nascimento, suas conquistas como artista, seu encontro com os personagens da Tropicália, a relação dela com sua mãe, até a adoção do filho Gabriel. Toda sua história vem acompanhada de três personagens mitológicos que ajudam a compreender as profundas transformações que a artista atravessou ao longo da vida.

Em cena, o artista conta histórias que prometem muitas risadas da plateia. São várias situações já vividas por ele em suas inúmeras viagens pelo mundo. Momentos que vão desde uma massagem na Índia, encontro com gorilas, safáris na África, e até dor de barriga no Nepal.

Uma das comédias de maior sucesso está de volta! “O Marido da Minha Mulher” conta a história de Alex (Daniel Rocha) um fanfarrão convicto e incorrigível, casado com Bruna (Fefe), uma dona de casa bonita e inteligente, que vive solitária. Numa de suas farras, Alex acaba sofrendo um acidente deixando viúva a bela esposa. Após a morte dele, a jovem viúva será disputada por Nico (Conrado Caputo), um mauricinho convicto, e por Paulo (Ton Prado), melhor amigo de Alex. Para impedir que ela se case com seu desafeto, o morto volta à Terra e pede ajuda a seu melhor amigo. Assim se desenrola uma trama de confusões hilariantes, cheia de surpresas.

O Lá é Aqui é um espetáculo musical que, com humor e poesia, convida crianças e adultos a refletirem sobre a relação entre o ser humano e a natureza. Bartolomeu, Pitolomeu e Cosmo encontram os seres encantados da cultura popular brasileira, Caipora, Iara e Boto, que surgem não como lendas distantes, mas como presenças vivas, afetadas diretamente pela poluição dos rios, pela destruição das florestas e pelo descaso cotidiano. Entre músicas, jogos e brincadeiras, a peça mostra que tudo está conectado e que não existe um “lá fora” para onde o lixo e os problemas possam ser jogados. O rio, o mar e a floresta são aqui.

O que leva um homem pacífico, que sente repulsa por qualquer tipo de violência, que aprendeu a viver evitando conflitos – para não ser alvo da agressividade de outras pessoas – o que leva esse homem a cometer um ato extremamente violento? É a partir dessa pergunta que nasce a escrita de O Motociclista no Globo da Morte. O texto apresenta a história de Antonio, um matemático, um homem racional e sensato que, numa tarde de um dia qualquer, se vê̂ envolvido numa espiral de violência quando almoçava em um bar. É a partir deste fato, que muda a sua vida para sempre, e enquanto conta ao público com riqueza de detalhes o que aconteceu, que Eduardo vai tecendo considerações sobre as diversas formas de violência que resultam da vida em sociedade. E se é possível, aos seres humanos como indivíduos, combater essa violência ou se é inevitável render-se a ela.

A trama mostra o encontro fictício entre o pai da psicanálise Sigmund Freud e o escritor C.S. Lewis em um embate verbal cheio de sarcasmo sobre o sentido da vida, a natureza humana e a fé. Com humor e sagacidade, o espetáculo promove o resgate da escuta como ponto de partida para uma boa conversa.

A história retrata João, que, já velho e inválido, recorda sua intensa e tumultuada relação com Teresa, um amor quase extremista e doentio, marcado pela impossibilidade de alcançar a perfeição e por um suicídio simulado de Teresa que João só descobre anos depois.

Zezé Motta é uma referência central da cultura brasileira contemporânea. Mais do que atriz e cantora, é uma artista que ajudou a abrir caminhos e a ampliar possibilidades de existência para mulheres negras nas artes do país. Sua trajetória foi construída em diálogo permanente com seu tempo, enfrentando limites impostos pelo mercado e pelo imaginário social; transformando presença em linguagem; voz em afirmação e corpo em cena.

Criado em 2025 por Jéssica Alves, o espetáculo utiliza o teatro físico, a dança e o gramelô (ou blablação) como recursos de comunicação acessíveis para encenar, com graça, as lutas da trabalhadora brasileira (mas não só) no enfrentamento diário às violências de gênero e opressão de classe. Um ato cênico pelo fim da violência de gênero e da opressão capitalista - nesta ordem.

Um dos principais nomes da comédia brasileira, Maurício Meirelles segue em temporada nos palcos de São Paulo com seu novo espetáculo “Surto Coletivo”, uma experiência inovadora e altamente interativa. As apresentações acontecem nos dias 7, 21 e 28 de março, sempre às 22h30, no Teatro das Artes, no Shopping Eldorado. Os ingressos estão disponíveis pela Eventim.

Numa conversa bem-humorada com o público, Gala Dalí (Mara Carvalho) revive, de forma não cronológica, momentos marcantes de sua vida desde a infância até os últimos dias: a juventude na Rússia, seu primeiro casamento, com o escritor Paul Éluard, a inadequação à maternidade, o primeiro encontro com Salvador Dalí, a luta para se impor num universo dominado pelos homens, a rejeição por parte das famílias dos seus maridos e o constante julgamento social. Enquanto se diverte revivendo suas lembranças, reflete sobre a paixão, a arte, a gastronomia, dinheiro e poder, vida e morte.

Das Tripas: Sete Histórias, é um espetáculo de dança-teatro livremente inspirado no livro Das Tripas Coração da escritora pernambucana Ezter Liu. O espetáculo é uma construção coreográfica e teatral, na qual os movimentos e palavras dão voz e corpo ao universo poético e profundamente feminino retratado pela escrita de Liu.

A peça é baseada no caso real de Jacinta Maria de Santana, mulher negra brasileira que, após sua morte, teve o corpo embalsamado e exposto como curiosidade científica, sendo usado em trotes estudantis por quase trinta anos na Faculdade de Direito do Largo de São Francisco, na cidade de São Paulo. O espetáculo integra o projeto ‘Trilogia do Resgate’, da Companhia do Pássaro, que pretende resgatar do apagamento personalidades históricas com trajetórias emblemáticas no Brasil.

O espetáculo, com direção do espetáculo é de Allan Oliveira, é baseado em “David Copperfield”, livro de Charles Dickens publicado em 1850, e é centrado no personagem que é um menino órfão de pai que cresce enfrentando perdas, injustiças e desafios que moldam seu caráter desde muito cedo. Criado inicialmente sob os cuidados da mãe e da babá, sua infância é interrompida pela chegada de figuras autoritárias e cruéis que o lançam em um mundo de repressão e sofrimento.

Em DO CHÃO NÃO PASSA, o elenco explora a movimentação em plano baixo, através da sensação do peso corporal e da resistência entre cair e a vontade de se impulsionar. A partir de movimentos rasteiros e de ‘rastejos', o trabalho evidencia uma pesquisa sobre a ação da gravidade que nos magnetiza na direção do chão.

A terra tem memória. E, em RUPESTRE – o que a terra conta, ela ganha corpo, som, textura e movimento para dialogar com quem está começando a descobrir o mundo. Novo espetáculo da 2 Mililitros Cia. Teatral, voltado para bebês de até três anos, a montagem estreia dando continuidade à pesquisa continuada do grupo em criações para a primeira infância e encerra uma trilogia inspirada nos elementos da natureza.

Cinco mulheres, um bar e nenhum acordo: Cia das Madás estreia “Enquanto Não Decidimos” no Bar Teatro Basalto Em cena, cinco atrizes com trajetórias consistentes se reúnem em um bar transformado em palco para discutir o próprio fazer artístico. Não há consenso sobre o que apresentar ao público — e […]

Originalmente publicado no livro “Onde Estivestes de Noite?” (de 1974), “A procura de uma dignidade” conta a história da Sra. Xavier, uma mulher que pretendia assistir a um evento, mas vai parar, por engano, nos corredores subterrâneos do Estádio do Maracanã. Em busca de uma porta de saída, ela acaba mergulhando numa jornada interna em busca de sua própria identidade, na qual se confronta com seus mais profundos medos e desejos. Estas mensagens podem ganhar diferentes interpretações na dramaturgia de Clarice, especialmente na performance singular da premiada atriz.

Na trama, Carlos era um homem tradicional e trabalhador. Casado, pai de dois filhos, sempre foi querido pela mãe e pelos irmãos. Uma tentativa de assalto frustrada tirou sua vida e arrancou o chão da família Machado. O principal suspeito, Vagalume, foi inocentado em um julgamento polêmico por falta de provas.

O espetáculo narra a história de Jeffinho, um menino muito talentoso que adora fazer rimas e passinhos. Ele mora em uma comunidade que faz divisa através de uma RUA com um dos bairros mais ricos da cidade. Um dia, brincando, ele conhece Lucas, um garoto da mesma idade e que mora do lado de lá. Apesar das diferenças, eles se tornarão amigos e viverão, juntos, descobertas boas e ruins sobre o mundo e a sociedade. Com muita música, dança, aprendizado e diversão, a história fala sobre oportunidades, sonhos e amizade.

A comédia acompanha um ator veterano que abandona o palco no meio de uma apresentação de Macbeth, irritado com celulares e distrações da plateia. Nos bastidores, o episódio desencadeia um embate sobre o pacto entre palco e público e os limites dessa convivência. No elenco estão Norival Rizzo, Walter Breda, Fábio Esposito, Ana Andreatta, Conrado Sardinha e Natália Beukers.

Teimar até que brote, se inspira na organização das agricultoras urbanas periféricas da Zona Leste e mergulha no desafiador e poético processo de criação de uma horta comunitária na Zona Leste. A peça ecoa as vozes que revelam a imensa teimosia e o sonho coletivo necessários para transformar um terreno “Condenado a num dá nada”, repleto de lixo, pedras e cercado pela lógica urbana. Narrando a jornada desde a árdua remoção de pedras até a espera pelo brotar, a peça celebra a resistência de fazer vingar a vida em “Terra desenganada”, mostrando como a terra não só muda pessoas, mas também representa um ato profundo de fincar raízes de esperança e possibilidade em meio à disputa por espaço na periferia.

Em 2026, essa memória ganha novo corpo e voz no palco através de um encontro de gigantes. Soraya Ravenle, que iniciou sua brilhante carreira no teatro musical integrando o coro de ‘A Estrela Dalva’ (1987), grande sucesso de Borghi com Marília Pêra, retorna agora para ocupar o centro do palco e encarnar a própria estrela. Com sua potência vocal e sensibilidade, ela não interpreta apenas a “rainha do rádio”, mas a força da natureza que cantou a dor rasgada antes disso virar moda; a mulher que desafiou os moralismos de sua época com o peito aberto e a garganta em chamas. Soraya traz à cena o mito humano, o “rouxinol do Brasil”, que ensinou a um país inteiro que o sofrimento, quando cantado, vira beleza.

Não nem nada é o que está dado: 4 atuantes convidam o público a perceber o absurdo do cotidiano num mosaico de cenas da nossa contemporaneidade distópica - a fragmentação dos sujeitos e das relações, a comunicação interrompida, o excesso e a velocidade das informações e a alienação do próprio ser são alguns disparadores da peça plano-sequencia que, em tempos de crise do indivíduo, ousa conquistar o público durante 12 episódios - não pela tragédia que propõe enquanto tema, mas pela potência da forma com que o faz: em coletivo.

Livremente inspirada em "Bartleby, o Escriturário de Wall Street, de Herman Melville, a peça Bartolomeu: Que Será Que Nele Deu? 2.0, com texto e direção de Claudia Schapira, desenvolve — por meio de uma sequência de cenas episódicas —, a trajetória de Bartolomeu, um copista que, ao preferir não fazer”, para a engrenagem de trabalho na qual está inserido, e vai se tornando cada vez mais recluso, passando a despertar um misto de repulsa e admiração. Sua recusa inabalável eleva a narrativa ao absurdo extremo para refletir sobre a lógica desumana do desempenho constante, sintoma latente da sociedade contemporânea.

Entre o espelho e o estômago, ‘Borboletas’ mergulha nas fissuras da identidade, do corpo e do controle. Em cena, o cotidiano de uma jovem se mescla a fragmentos de memória, programas performativos, vozes do desejo e da culpa. Enquanto vomita confissões, o corpo se torna espaço político e poético - palco de resistência e autodestruição. Escrita a partir da autoetnografia, a peça transforma a vivência dos transtornos alimentares e sua gênese patriarcal em matéria cênica, costurando fragmentos de diário, cenas ficcionais e ações performativas em um rito de exposição irônica. “Borboletas” é um processo em aberto — como a própria carne — onde cada repetição reinventa o reflexo, o afeto e a metamorfose.

Quando foi a última vez que você recebeu uma carta? E quando foi a última vez que escreveu uma? Em “GRAFIA(s) de CONTATO”, os atores-bailarinos transformam o palco em um papel em branco e fazem da dança-teatral uma nova forma de escrita. Aqui, cada pequeno gesto diz mais que mil palavras. Entre amores, desamores, saudades, infâncias, cidades, viagens e tempos, tudo que surge é possibilidade de grafia. Entre silêncios e ruídos, o corpo torna-se escritor de mensagens para quem está longe, como uma tentativa de traçar pontes entre o que permanece e o que se perde no ato de comunicar.

“Do subsolo, a substância do mundo emerge. É uma emergência que o asfalto, o concreto, o cimento e o aço não conseguem conter. Raizes racham tudo. Nada que jogam no lixo vai pra fora; é um verso, universo, não avesso. Não existe avesso. Não existe espaço vazio. O underground sempre vaza para cima” (Freemas, relato colhido em Troca Coletica Criativa). A partir de pesquisas documentais e performáticas, o trabalho busca compreender as disputas territoriais e simbólicas travadas pelos movimentos culturais underground ao longo do tempo, em especial na cidade de São Paulo. O conceito de “território criativo em conflito”, aqui, é compreendido como a disputa permanente entre práticas culturais insurgentes e os mecanismos de captura, mercantilização e controle da arte e da vida urbana. Corpo-território, registro, troca e festa compõem todo o percurso desta pesquisa que será celebrada na presença de todos que quiserem comparecer.

Livremente inspirado em "Uma Outra Tempestade", de Raquel Carrió e Flora Lauten, e em diálogo com diferentes textos de William Shakespeare e "Uma Tempestade" de Aimé Césaire, Pra Fazer Tempestade propõe uma fabulação radical sobre a diversidade étnico-cultural do mundo diante da hegemonia colonial. Depois de um naufrágio, diversas personagens de Shakespeare aportam numa ilha do Sul Global, onde são questionados, desafiados, zombados e curados por uma legião de Encantados de diferentes origens. Num jogo face-a-face e repleto de transmutações perguntas pairam no ar: Onde estará Próspero? Para onde foi Caliban?

Três Irmãs de Anton Tchekhov conta a história de três irmãs — Olga, Macha e Irina — que vivem em uma pacata cidade do interior da Rússia, mas que sonham com uma vida melhor em Moscou. Presas a uma rotina vazia, elas enfrentam o tédio, a saudade do passado e a esperança de um futuro que nunca chega. Ao redor delas, o tempo passa, as promessas se desfazem e a vida segue sem grandes mudanças. A peça revela um retrato profundo da fragilidade humana e do desespero existencial diante da inércia e da passagem do tempo. O texto questiona a capacidade do ser humano de agir e transformar a própria realidade, com os personagens constantemente desejando mudar, mas permanecendo paralisados em suas circunstâncias.

Um Juiz autoritário, que ninguém obedece, encontra o Vereador que estava desaparecido há meses e descobre que ele sequestrou ilegalmente tupis aliados, o que pode desencadear um ataque contra a pequena vila de 300 habitantes isolada do mundo europeu pela íngreme Serra do Mar. Quando o Procurador chega informando que o Governador-geral do Brasil está a caminho, tudo vira de pernas pro ar. Como receber um nobre português em condições tão precárias? Mesmo assim, esta que viria a ser, mais de 400 anos depois, a maior cidade das Américas, tem seu primeiro ímpeto de progresso econômico com a exploração da mão de obra indígena em larga escala.

“INTENSO - meu retorno de Saturno” trata do amor gay com sensibilidade e bom humor, trazendo um tema que gera bastante interesse do público, retratado em diversas produções, mas ainda não relatado desta forma sob a ótica de um casal gay. O público LGBT terá a chance de se ver representado em muitas camadas e em cena, Vitor alterna momentos de riso e melancolia com naturalidade, revelando sua maturidade artística e presença cênica