A distopia criada por Nelson Baskerville a partir da tragédia carioca de Nelson Rodrigues ressurge como um espelho cruel das hipocrisias brasileiras, amplificadas pelo recente avanço da extrema direita. Edgard, um homem marcado pela miséria apesar de anos de dedicação ao patrão Werneck, recebe uma proposta tentadora: casar-se com Maria Cecília, jovem rica e "bonitinha" , mas envolta em um passado controverso. O dilema entre dinheiro e moralidade o arrasta por um universo de desejos reprimidos, traições e valores distorcidos.

Um ser alado cai no quintal de um ser humano. É a partir dessa premissa que a narrativa se desenvolve. O ser humano, um catador de lixo que tenta sobreviver à miséria que assola sua família, vê sua rotina mudar com a queda de um ser alado em seu quintal. O espanto inicial dá lugar à necessidade de identificar o estranho ser, gerando um permanente questionamento quanto à definição do ser alado. Seria um anjo? Um frango? Um delírio provocado pela fome? É nessa teia que o espectador é convidado a se equilibrar, enquanto os dois seres se digladiam em um intenso confronto dialético. O exílio forçoso de um, e a miséria do outro, pontuam a trama, que apresenta um cenário pós-apocalíptico permeado de desesperança. Um ser alado e um ser humano, no abismo de suas percepções, preconceitos, medos e dúvidas.

Três mulheres 40+ ficam presas em um elevador e, em apenas dezessete minutos sem sinal, ventilação ou filtros, desabafos, confissões e risadas tomam conta. As angústias do corpo em mudança, a sobrecarga familiar, o desejo em trânsito e a vergonha de falar sobre o óbvio se misturam ao surreal: um pentelho branco ganha voz e os hormônios fazem piquete numa greve. Inspirada em histórias reais, Mulheres em Chamas transforma o medo de envelhecer em humor e reconhecimento.

Além da protagonista e de sua rival simbólica, o musical apresenta personagens icônicos do universo da boneca, inseridos em situações que equilibram humor e crítica. Ao propor uma experiência lúdica e emocional que costura passado e presente, diversão e reflexão, Susi, o Musical convida o público a revisitar memórias, questionar padrões impostos e reafirmar a autenticidade como valor essencial.

Quatro irmãos, de uma família do interior do Brasil, fazem um pacto na infância. Na juventude, deixam a casa dos pais e seguem caminhos distintos. O que parecia apenas o movimento natural da vida transforma-se em afastamento prolongado. Anos passam sem encontros, sem conversas profundas, sem revisões.

Zezé Motta é uma referência central da cultura brasileira contemporânea. Mais do que atriz e cantora, é uma artista que ajudou a abrir caminhos e a ampliar possibilidades de existência para mulheres negras nas artes do país. Sua trajetória foi construída em diálogo permanente com seu tempo, enfrentando limites impostos pelo mercado e pelo imaginário social; transformando presença em linguagem; voz em afirmação e corpo em cena.

No palco, acompanhada apenas de um foco de luz e uma cadeira, Stoklos interpreta duas rainhas rivais: as primas Mary Stuart e Elizabeth I. A sangrenta disputa pelo trono da Inglaterra, ocorrida há 400 anos, é apenas uma metáfora que a atriz utiliza para explorar temas universais como poder, opressão e liberdade.

Conhecido nos grandes Teatros do país, Jorge Takla marcou a história dos palcos brasileiros e do mundo dirigindo óperas e musicais de estrondoso sucesso. O diretor encena agora ‘Paris’ junto à Studio 3 Cia de Dança, com direção coreográfica do renomado Anselmo Zolla. A obra de teatro-dança desfila em uma coreografia surpreendente a arte de grandes personagens históricos da arte do século XX que viveram em Paris, tais como Vaslav Nijinsky, Igor Stravinsky, Cole Porter, Gabrielle Chanel, Isadora Duncan, Marlene Dietrich, Josephine Baker, Pablo Picasso, Tamara Karsavina e Boris Kochno, tendo como pano de fundo amores, polêmicas e eventos históricos (guerras, censuras, derrocadas) que marcaram sua arte.

“A pediatra” é a primeira adaptação para os palcos do romance homônimo que consagrou Andréa Del Fuego, vencedora do Prêmio José Saramago, idealizada por Inez Viana e Luis Antonio Fortes. Sucesso entre leitores, traduzido para sete idiomas, o romance foi considerado uma das melhores leituras de 2022 pelos críticos literários. A montagem teatral conta com adaptação e direção de Inez Viana e elenco formado por Debora Lamm e Luis Antônio Fortes. Debora Lamm interpreta uma pediatra que, paradoxalmente, odeia crianças e suas mães. Descrita como uma “vilã de humor vil”, ela é uma mulher privilegiada, classista e amoral cuja má conduta profissional e falta de empatia a levam a conflitos éticos e humanitários.

Ambientado no interior da Inglaterra em 1759, o espetáculo é disparado a partir do julgamento de um crime hediondo em que um júri, formado exclusivamente por mulheres, coloca treze figuras, de origens e realidades diversas, dialogando sobre questões importantes do universo feminino: o olhar e o sentir da mulher sobre o seu próprio corpo, as dificuldades diante do universo do patriarcado, abuso, gravidez, maternidade, abandono, paixão, rejeição e sororidade.

A trama acompanha Antônio, um mercador que contrai uma dívida com o agiota judeu Shylock para ajudar seu amigo Bassânio. Como garantia, Antônio oferece uma libra de sua própria carne. Com o não pagamento da dívida, o contrato desencadeia um julgamento dramático, colocando em pauta temas como justiça e preconceito.

Iago recebe Otelo para um banquete logo após o mouro receber o título de general. Leonardo recebe Thiago para um jantar e discutirem sobre fazer um espetáculo que é prelúdio da peça Otelo de Shakespeare. As relações estão em um jogo de pistas falsas e acobertação que só se revela no final. De mais real apenas a comida que é cozida de fato em cena.

Uma peça-ensaio sobre a branquitude ou o terror da violência racial entre nós. Numa cena de rua, o linchamento emerge como rito e expressão de uma dessolidariedade estrutural e estruturante, assombrando uma sociedade regida por um inconsciente escravocrata. No conto, a trajetória de um homem branco livre e pobre, numa sociedade em que o único dado que garante seu estatuto jurídico de livre, diferindo-o de uma pessoa escravizável, estava na cor de sua pele. Em cena, o terror emerge dando a ver o teor próprio da violência racial, em deslizamentos de linguagem entre o cinema e a música.

E se uma trupe de palhaços mergulhasse num universo muito singular (e fofo), como o dos bebês? dito e feito! O mais novo espetáculo dos Parlapatões foi feito para as crianças (é também sobre elas), mas para divertir toda a família. “dito e feito” faz duas temporadas com entrada gratuita, em diferentes localidades na capital paulista.

A história acompanha o entrelaçamento de tramas amorosas e disputas no limite entre sonho e realidade. Quatro jovens de Atenas se perdem na floresta enquanto tentam decidir seus destinos amorosos, ao mesmo tempo em que o reino das fadas vive suas próprias tensões, guiadas pela disputa entre Oberon e Titânia, e pela travessura de Puck, que embaralha desejos e identidades.

Criado em 2025 por Jéssica Alves, o espetáculo utiliza o teatro físico, a dança e o gramelô (ou blablação) como recursos de comunicação acessíveis para encenar, com graça, as lutas da trabalhadora brasileira (mas não só) no enfrentamento diário às violências de gênero e opressão de classe. Um ato cênico pelo fim da violência de gênero e da opressão capitalista - nesta ordem.

Iago recebe Otelo para um banquete logo após o mouro receber o título de general. Leonardo recebe Thiago para um jantar e discutirem sobre fazer um espetáculo que é prelúdio da peça Otelo de Shakespeare. As relações estão em um jogo de pistas falsas e acobertação que só se revela no final. De mais real apenas a comida que é cozida de fato em cena.

A distopia criada por Nelson Baskerville a partir da tragédia carioca de Nelson Rodrigues ressurge como um espelho cruel das hipocrisias brasileiras, amplificadas pelo recente avanço da extrema direita. Edgard, um homem marcado pela miséria apesar de anos de dedicação ao patrão Werneck, recebe uma proposta tentadora: casar-se com Maria Cecília, jovem rica e "bonitinha" , mas envolta em um passado controverso. O dilema entre dinheiro e moralidade o arrasta por um universo de desejos reprimidos, traições e valores distorcidos.

Com uma proposta que combina teatro musical, recursos modernos e linguagem acessível, a produção convida crianças, jovens e adultos a mergulharem no universo de Oz. O público acompanha uma jornada que reforça valores humanos, como empatia e superação, em uma experiência que busca ser acolhedora e inspiradora do começo ao fim

CHOQUE! Procurando Sinais de Vida Inteligente é uma obra vibrante, multifacetada e atual. Mais do que uma peça feminista ou de crítica social, é uma reflexão espirituosa e comovente sobre o que nos torna humanos, e sobre os sinais de inteligência (afeto e empatia) que ainda podem ser encontrados entre nós.

A protagonista Leda é uma professora universitária e tradutora bem-sucedida de 47 anos que decide passar as férias sozinha em um balneário. Lá, ela se vê obrigada a encarar o passado: da areia, observa a jovem Nina, que parece perfeitamente à vontade no papel de mãe, brincando ao lado de sua pequena filha – uma imagem que a perturba por evocar sua relação conflituosa com a maternidade, tanto com as filhas quanto com sua própria mãe.

O MISTÉRIO DA CASA RALSTON é um espetáculo inédito, escrito por Djalma Moraes e sob a experiente direção de Jamil Dias profissional com 45 anos de experiência, que foi o responsável por montagens como A Conferência dos Pássaros, Guaiú – A Ópera das Formigas, A Capital Federal e Outros Bichos, […]

Para celebrar seus 80 anos de vida e 60 de carreira, a atriz Ana Lúcia Torre divide com o público memórias e reflexões em um espetáculo vibrante, revelador e cheio de emoção, em que fala letras de diversas músicas icônicas de Chico Buarque, com participação do pianista Diógenes Junior. Quem assiste se identifica totalmente com os temas essenciais que compõem a narrativa, como arte, amores, separações, maternidade, resistência, sociedade e o tempo. Letras de clássicos como Meu Guri, Beatriz, Geni e o Zepelim, Valsinha, Atrás da Porta e Olhos nos Olhos, entre muitas outras, compõem o roteiro repleto de delicadeza e bom humor.

O espetáculo, com direção do espetáculo é de Allan Oliveira, é baseado em “David Copperfield”, livro de Charles Dickens publicado em 1850, e é centrado no personagem que é um menino órfão de pai que cresce enfrentando perdas, injustiças e desafios que moldam seu caráter desde muito cedo. Criado inicialmente sob os cuidados da mãe e da babá, sua infância é interrompida pela chegada de figuras autoritárias e cruéis que o lançam em um mundo de repressão e sofrimento.

Em Bailarinas Incendiadas, a narrativa se desenrola por meio de instruções projetadas em uma tela, evocando filmes mudos e experimentos brechtianos. Os intérpretes Luciana Acunã, Tatiana Saphir, Carla Di Gracia, Matias Sendón e Agustín, o palco se transforma em um espaço compartilhado com o público, onde o fogo, ausente, mas central, precisa ser reconstruído através do gesto e da encenação.

I MÍSSIL é um jogo de palavras proposto pela cantora e ativista brasileira Linn da Quebrada que articula a expressão em inglês I miss you (sinto sua falta) com a imagem de um projétil (míssil em português). Um trocadilho que, ao criar um campo de forças entre o que já foi e o que ainda está por vir, entrelaça as noções de memória e projeção, buscando por em movimento uma dança transtemporal.

O espetáculo investiga a ideia de contágio em episódios que ficaram conhecidos como “histeria coletiva”, atualmente chamada de “doença psicogênica de massa”. Partindo da hipótese de que essa psicopatologia pode ser disparada em ambientes muito opressivos, o que isso diz sobre situações da nossa modernidade? A composição coreográfica é quase como um passeio pela Idade Média que se relaciona de forma distópica com a contemporaneidade.

Inspirada na vida e na militância da bailarina italiana Marietta Baderna (1828–1870), a peça parte de sua trajetória como inspiração para uma criação performática que dialoga com seu espírito transgressor. Ousada e inovadora, Marietta desafiou o conservadorismo do século XIX ao fundir o rigor do balé clássico à ginga do lundu — dança de matriz africana que, na época, era símbolo de resistência dos povos escravizados.

A trama revela a história de Emma, Robert e Jerry, cujos destinos se cruzam em um triângulo amoroso que põe à prova as fronteiras entre intimidade, amizade e lealdade. Narrada de trás para frente, a peça expõe segredos e contradições, convidando o espectador a se debruçar sobre os silêncios e ambiguidades que permeiam as relações humanas.

Entre delírios poéticos e embates reais, Quixote enfrenta seus próprios gigantes — que aqui ganham rostos humanos: o preconceito, a intolerância, a violência e a desigualdade. Ao seu lado, personagens intensos e simbólicos constroem uma narrativa emocionante sobre coragem, amor, espiritualidade e resistência.

A peça conta a história da boneca Antonia, que testemunha o sofrimento de sua “família” - a menina Hanna, seu irmão Michael, a mãe Elena e o pai Igor -, diante dos efeitos devastadores de um dos maiores desastres nucleares da história.

“Travessia” entrelaça a história real que deu origem ao célebre quadro “A Balsa de Medusa”, de Théodore Géricault, com o drama de um grupo de atores de culturas diversas que, ao disputar o papel de Clitenmnestra e Egisto, vê-se lançado às águas revoltas de uma sociedade que teima em moldar corpos, vozes e destinos. Entre testes teatrais, naufrágios pessoais e coletivos, o espetáculo navega rumo ao direito de cada um existir sem concessões.

Uma atriz e um ator, em sério conflito e decididos a encerrar a parceria profissional, recebem uma carta sem remetente. Com a ajuda de Telonaldo, um telão cheio de personalidade, viajam até a Índia e descobrem que o misterioso remetente é ninguém menos que Mahatma Gandhi. À medida que revivem episódios emblemáticos da vida do líder pacifista, percebem novas formas de diálogo e reconciliação. O espetáculo mescla linguagem teatral e audiovisual. A encenação utiliza animações 2D projetadas em um telão-personagem, o divertido Telonaldo, que conversa com os atores, cria cenários, transporta o público para a Índia e ajuda a contar a história ora de forma objetiva, ora subjetiva. A montagem propõe um encontro sensível e poético com a trajetória de Gandhi, convidando crianças, jovens e adultos a refletirem sobre empatia, respeito, coragem e as pequenas potências da não violência no cotidiano.

MOSCOU PARA PRINCIPIANTES investiga, de uma forma provocativa e bem-humorada, os sentidos contemporâneos do trabalho e sua relação com o desejo e a capacidade de criação de outras realidades possíveis em tempos instáveis. Com procedimentos livremente inspirados nos diálogos de As Três Irmãs, de Anton Tchekhov, a dramaturgia recorre à transcrição poética de uma série de conversas promovidas em dois núcleos de mulheres, três atrizes em processo de criação e um grupo de aposentadas da terceira idade.

Inspirado na colonização da América e dos territórios do mundo todo, o espetáculo conduz o espectador a viajar por um tempo passado que encontra analogias contínuas com o presente. 2 MUNDOS conta a história do encontro de duas culturas opostas, onde se revelam os sentimentos e motivações mais profundas da humanidade. Quando no embate das diferenças explode a luta pela vida, a morte de um jovem acontece trazendo uma nova esperança.

Um garoto, em seu último dia na locadora em que trabalha, tem a difícil tarefa de escolher apenas um filme de lá para levar com ele. Nesse mergulho saudosista e nostálgico, acompanhamos as várias histórias e memórias desse personagem que aprende a rebobinar seu caminho até ali.