Livremente inspirado no conto A outra morte, de Jorge Luis Borges, o espetáculo desloca o foco do acontecimento para sua interpretação. Mais do que reconstituir um fato, interessa à encenação expor os mecanismos que produzem diferentes versões — e como elas são atravessadas por contexto político, subjetividade e interesse.

Inspirada na vida e na militância da bailarina italiana Marietta Baderna (1828–1870), a peça parte de sua trajetória como inspiração para uma criação performática que dialoga com seu espírito transgressor. Ousada e inovadora, Marietta desafiou o conservadorismo do século XIX ao fundir o rigor do balé clássico à ginga do lundu — dança de matriz africana que, na época, era símbolo de resistência dos povos escravizados.

Nastassja Martin teve seu rosto desfigurado por um urso pardo em um encontro inesperado na região de Kamchatka, na Sibéria, em 2015. A autora então parte do relato desse acontecimento para pensar questões sociais, políticas e existenciais.

Tráfico se desenrola a partir do entendimento da coexistência entre as pulsões de vida e de morte em todo ser humano. A peça se passa na periferia de uma cidade latino-americana, cheia de desigualdades, onde vive Alex, um jovem garoto de programa. Os problemas familiares, o relacionamento conturbado com a sua namorada e a vontade de vencer na vida, representada pelo sonho de comprar uma moto de alto luxo, o levam para caminhos sedutores e também muito violentos.

Eleguá é um príncipe muito esperto. Todo mundo tem medo das suas artimanhas e malandrices de moleque. Mas um dia o menino botou o pé na estrada e foi descobrir o mundo... Andou de cidade em cidade, de lugar em lugar. Brincando, pulando e perambulando encontrou lugares e pessoas para ajudar e ser ajudado. Vivendo sua meninice nas ruas ele cresce, se apaixona, amadurece, ganha corpo e sabedoria ao longo das aventuras que vive no caminho. Até que um dia decide voltar! Mas nem tudo está como era antes...

A peça narra a trajetória de William Shakespeare desde a infância, quando o contato com uma trupe mambembe desperta seu desejo de ser ator. Ao seguir para Londres, ele começa trabalhando na guarda de carruagens nos arredores dos teatros até que, por um acaso do destino, é convidado a substituir um ator em um ensaio dos palhaços Juca e Pinduca.O diferencial da trama reside em um par de luvas herdado de sua avó. Shakespeare acredita que sua inspiração para escrever as peças que o tornariam famoso está diretamente ligada ao uso desses acessórios. A trama se desenvolve entre o sucesso da companhia e os desafios enfrentados quando o jovem autor perde suas luvas e, consequentemente, sua confiança criativa.

Concerto para um Corpo Traquejado é um solo de Wilson Aguiar que combina dança, teatro e autobiografia a partir de episódios marcantes de sua trajetória artística — da infância na periferia de São Paulo aos grandes palcos da cidade. Com direção de Luciana Canton, o espetáculo propõe um encontro íntimo com um corpo de 66 anos, atravessado por falha, persistência e transformação. Ao afirmar sua força poética e política, Concerto para um Corpo Traquejado convida o espectador a reconhecer, no corpo do outro, ecos de sua própria experiência de estar no mundo.

Entre os dias 14 de março e 25 de abril, o Teatro Viradalata apresenta a Mostra Truks – 36 Anos – Encantando Gerações, com sete das peças mais emblemáticas de seu repertório. É uma oportunidade para o público da Capital matar a saudade do grupo, que, neste hiato de tempo, também círculos por festivais em Portugal e na Colômbia.

Construído como um mosaico poético sobre as infâncias, o espetáculo apresenta cinco cenas independentes, cada uma protagonizada por uma personagem chamada Ana. Interpretadas por Fabiana Fields, John Halles, Juliana Garcia, Juliane Pimenta e Márcio Borges, as cinco Anas revelam diferentes configurações familiares, afetos e atravessamentos sociais, compondo um retrato múltiplo das maneiras de ser e estar no mundo durante a infância.

Inspirado no olhar da própria Tina Turner, que participou do desenvolvimento do espetáculo, o musical combina emoção, energia e uma trilha sonora repleta de clássicos que marcaram gerações TINA – TINA TURNER O MUSICAL é a história da lendária artista Tina Turner, a Rainha do Rock ‘n’ Roll, 12 vezes […]

Além da protagonista e de sua rival simbólica, o musical apresenta personagens icônicos do universo da boneca, inseridos em situações que equilibram humor e crítica. Ao propor uma experiência lúdica e emocional que costura passado e presente, diversão e reflexão, Susi, o Musical convida o público a revisitar memórias, questionar padrões impostos e reafirmar a autenticidade como valor essencial.

Filho de uma família de cortadores de cana, Edu Rosa parte de sua própria história como motor criativo do espetáculo, trazendo para a cena relatos e memórias de seus familiares. Inspirado por essa relação íntima com o universo do trabalho rural nos canaviais, o espetáculo articula memória pessoal, documentos históricos e depoimentos para investigar as permanências do sistema colonial nas formas contemporâneas de trabalho e poder. Mais do que um solo autobiográfico, a obra tensiona a ideia de progresso brasileiro e propõe ao público uma experiência que não separa estética e política, reafirmando o teatro como espaço de elaboração crítica da memória nacional.

E se uma trupe de palhaços mergulhasse num universo muito singular (e fofo), como o dos bebês? dito e feito! O mais novo espetáculo dos Parlapatões foi feito para as crianças (é também sobre elas), mas para divertir toda a família. “dito e feito” faz duas temporadas com entrada gratuita, em diferentes localidades na capital paulista.

Nastassja Martin teve seu rosto desfigurado por um urso pardo em um encontro inesperado na região de Kamchatka, na Sibéria, em 2015. A autora então parte do relato desse acontecimento para pensar questões sociais, políticas e existenciais.

O espetáculo apresenta, em formato autobiográfico, episódios relacionados à formação artística de Seven e à influência do ambiente circense em seu desenvolvimento profissional. A encenação articula memórias, pensamentos e experiências do artista para abordar escolhas e acontecimentos cotidianos que impactam trajetórias individuais ao longo do tempo.

A história acompanha o entrelaçamento de tramas amorosas e disputas no limite entre sonho e realidade. Quatro jovens de Atenas se perdem na floresta enquanto tentam decidir seus destinos amorosos, ao mesmo tempo em que o reino das fadas vive suas próprias tensões, guiadas pela disputa entre Oberon e Titânia, e pela travessura de Puck, que embaralha desejos e identidades.

O solo conta a história do jornalista Emanuel Goldfarb, que recebe o singelo convite de um professor para compareça pessoalmente a uma aula e explique aos seus alunos o que é ser judeu. Emanuel passa então a refletir sobre atender ou não a esse chamado. Com legítimo "humor judaico", ele irá revisitar sua ancestralidade e acessar lembranças que há muito tempo estavam adormecidas. Suas memórias e reflexões passam pela origem familiar, pela diáspora do povo judeu desde a antiguidade até os dias atuais, pelas tradições e por sua própria hereditariedade, temas que são abordados por ele alternando emoção, razão e muito humor.

O público é recebido por quatro artistas – Claudiu's (Renato Ribeiro), Clóvis (Vinicius Ramos), Elisabetana (Gislaine Pereira) e Pamplona (Gabi Zanola) – que preparam o picadeiro. O que começa como uma rotina simples logo se transforma em celebração. Entre risadas, canções e improvisos, os personagens compartilham memórias que ecoam o passado e o presente das famílias circenses: a mulher que fugiu com o circo, o filho de equilibristas, o poeta que fez do picadeiro sua casa e a palhaça que encontrou na estrada o seu lar. No encontro entre bastidores e espetáculo, a trupe costura comicidade e emoção para falar da arte de conviver.

Quatro irmãos, de uma família do interior do Brasil, fazem um pacto na infância. Na juventude, deixam a casa dos pais e seguem caminhos distintos. O que parecia apenas o movimento natural da vida transforma-se em afastamento prolongado. Anos passam sem encontros, sem conversas profundas, sem revisões.

Criado a partir da leitura de “Torquatália”, uma antologia de obras de Torquato Neto, conduzida por Paulo Roberto Pires, a vida e obra de Torquato Neto ganham uma nova dimensão ao migrarem do universo literário para o palco teatral. No espetáculo sem quarta parede e com duração de 80 minutos, Tuca Andrada apresenta as impressões e marcas que teve ao se envolver com o poeta e convoca o público a interagir; perguntando, fazendo críticas e tirando dúvidas, o que o torna sempre renovado a cada noite. O espetáculo se desenvolve numa arena ou semi arena onde o público esta dentro da ação. Como se numa roda de amigos o ator começasse a contar a história de um artista inclassicável/não enquadrável, sobre qualquer aspecto, e o efeito produzido dessa obra nesse ator. Durante pouco mais de uma hora, o mundo e o tempo de Torquato Neto toma conta do ator e ele narra sua visão da história, com a ajuda apenas de um banco, sonoplastia, música, dança e com um chão coberto com poesias do Poeta.

Além da protagonista e de sua rival simbólica, o musical apresenta personagens icônicos do universo da boneca, inseridos em situações que equilibram humor e crítica. Ao propor uma experiência lúdica e emocional que costura passado e presente, diversão e reflexão, Susi, o Musical convida o público a revisitar memórias, questionar padrões impostos e reafirmar a autenticidade como valor essencial.

Depois de oito apresentações pontuais e esgotadas no início do ano passado, em março de 2025, o espetáculo Contus d Fadas para Kabezas Dialetykas retorna ao Teatro Oficina para curta temporada de cinco semanas, às segundas e terças-feiras. O espetáculo tem em suas veias a paixão de Kafka pelo teatro popular e é uma encenação inédita a partir de contos curtos do autor. A montagem atravessa sete de suas narrativas, criando uma engrenagem disparadora de imagens, gestos e palavras que vão do embate com a “lei” ao desejo de fusão com a terra. “Um contra-feitiço, em compasso báquico, à civilização ocidental, diz a diretora Fabiana Serroni.

Livremente inspirado no conto A outra morte, de Jorge Luis Borges, o espetáculo desloca o foco do acontecimento para sua interpretação. Mais do que reconstituir um fato, interessa à encenação expor os mecanismos que produzem diferentes versões — e como elas são atravessadas por contexto político, subjetividade e interesse.

Fenômeno da internet brasileira e uma das personagens mais queridas da criançada, a Galinha Pintadinha chega com toda sua turma ao Teatro B32 para duas sessões do espetáculo Top 10 da Galinha Pintadinha. As apresentações acontecem nos dias 8 e 9 de março, sábado e domingo, a partir das 14h e prometem divertir toda a família. O novo show traz uma proposta dinâmica, resgatando a linguagem dos antigos programas de auditório da televisão. Comandado por uma MC carismática, o espetáculo apresenta os sucessos da Galinha Pintadinha e sua turma, convidando crianças e famílias a cantarem e dançarem juntos. A produção reflete o impacto do fenômeno digital, cujos vídeos ultrapassam bilhões de visualizações e conquistam públicos de diferentes países.A Rainha do mundo infantil acumula mais de 58 milhões de inscritos no YouTube e 40 bilhões de visualizações, centenas de produtos licenciados, e o seu conteúdo é reproduzido por diversos canais de TV e plataformas de streaming, em vários idiomas. Além de liderar o ranking infantil do Spotify com mais de 1,2 milhão de ouvintes mensais.

O confronto de John, o professor e Carol, a aluna.

Uma mulher cearense, nascida na Roça Velha, região do Cariri, dança em um palco reflexivo, como se o tempo fosse um buraco sem fim, cavando um movimento entre gerações que se entrelaçam sem sequencialidade, insistente na força do presente. Um inventário de gestos guia a proposta de Clemente, como uma expedição que ativa camadas do luto ao mesmo tempo que articula a força da vida, modificando as oposições recorrentes entre a vida e a morte, num desenho que as indefine. Uma peça que olha adiante no agora. Há, ainda, três movimentos: ESPERAR, PLANTAR, TRANSFORMAR.

O “Romeu e Julieta” do teatro ídiche ganha agora uma versão para o teatro musical. Nesta nova montagem do clássico do início do século XX, o amor “proibido” entre dois jovens é retratado por meio da fusão entre drama, música, dança e circo, atravessando o universo mágico e instigante da cabala e de seus mistérios.

Cabaré Profano celebra o direito de existir, de viver com intensidade, liberdade e verdade, transformando o palco em um espaço de resistência e reflexão, onde cada pecado e desejo se torna oportunidade de autoconhecimento. É uma celebração da existência em um mundo que, muitas vezes, ainda empurra essas histórias para os porões da alma.

A história inspirada no clássico “Romeu e Julieta”, de William Shakespeare, mantém o amor como temática principal. “Romeu e Romeu”, destaca no palco com leveza e com bastante humor, as dificuldades do cotidiano do casal Romeu (Guilherme Chelucci) e Zinho (Pedro Pilar), os ciúmes, os dilemas domésticos e, certamente, o preconceito. A proposta é que o público reviva essa história tão conhecida e mostrar que tudo poderia ser alterado, com um final diferente onde o preconceito não venceria o amor é só uma atitude verdadeira poderia trazer a tão esperada felicidade.

O enredo se desenvolve por meio de diálogos profundos em cinco movimentos, onde os sonhos e desejos de mulheres de épocas distintas se cruzam, revelando questões que perduram até hoje na sociedade.

Sete mulheres refugiadas que hoje vivem no Brasil compartilham, em esquetes baseadas em fatos reais, episódios marcados por humor, confusão e descobertas. As histórias revelam os desafios enfrentados ao chegar a um novo país — do idioma às diferenças culturais — e mostram, com sensibilidade e leveza, o processo de adaptação e reconstrução de suas vidas.

“A primeira dança” é uma palestra performance sobre as primeiras danças da humanidade, assim como suas versões sociais e pessoais. A fala, acompanhada por imagens e dança, convida o público a pensar sobre aquilo que chamamos de dança e sobre como ela pode existir para além de uma demonstração técnica, podendo também falar dos limites e aprendizados do corpo.

"Homem que é homem não chora" é uma história ambientada no banheiro de um aeroporto. Conta a história de dois homens que, devido um apagão em um aeroporto ficam presos no banheiro por várias horas e se enfrentam em um jogo de palavras nem um pouco delicadas sobre suas orientações sexuais e olhares em relação à vida. Nesta convivência forçada descobrem nuances de suas personalidades e enfrentam os dilemas da aceitação do outro.

A Última Valsa de Zelda Fitzgerald revisita a trajetória e a obra de uma mulher brilhante, intensa e silenciada pela história. Do interior dos Estados Unidos à consagração como ícone dos anos 1920 ao lado de F. Scott Fitzgerald, o espetáculo acompanha sua ascensão social, os conflitos no casamento, a disputa pela autoria da própria vida, as tentativas de se afirmar como artista e o agravamento de sua saúde mental. Entre festas, delírios e internações, emerge o retrato de uma mulher que lutou para existir com voz própria, muito além do papel de musa ao qual foi tantas vezes reduzida.

Um garoto, em seu último dia na locadora em que trabalha, tem a difícil tarefa de escolher apenas um filme de lá para levar com ele. Nesse mergulho saudosista e nostálgico, acompanhamos as várias histórias e memórias desse personagem que aprende a rebobinar seu caminho até ali.

A comédia acompanha um ator veterano que abandona o palco no meio de uma apresentação de Macbeth, irritado com celulares e distrações da plateia. Nos bastidores, o episódio desencadeia um embate sobre o pacto entre palco e público e os limites dessa convivência. No elenco estão Norival Rizzo, Walter Breda, Fábio Esposito, Ana Andreatta, Conrado Sardinha e Natália Beukers.