Com a trilha tocada em diálogo com os bailarinos e elaborando sobre o movimento coletivo, ENCRUZILHADA investiga gestos do imaginário coletivo e arquivos ancestrais

Gerião é o personagem principal da Gerioneida, um poema lírico narrativo escrito por volta de 650 A.C pelo poeta grego Estesícoro, cujos poucos fragmentos foram encontrados somente em 1967, no Egito. A peça conta a sua história misturando fragmentos da peça original grega com criações de Anne Carson e intervenções de Bianca e de Daniela. Gerião, um menino que também é um monstro vermelho alado, revela o terreno vulcânico de sua alma frágil e atormentada em uma autobiografia que ele começa a escrever aos cinco anos de idade.

Um dos principais nomes da comédia brasileira, Maurício Meirelles segue em temporada nos palcos de São Paulo com seu novo espetáculo “Surto Coletivo”, uma experiência inovadora e altamente interativa. As apresentações acontecem nos dias 7, 21 e 28 de março, sempre às 22h30, no Teatro das Artes, no Shopping Eldorado. Os ingressos estão disponíveis pela Eventim.

A distopia criada por Nelson Baskerville a partir da tragédia carioca de Nelson Rodrigues ressurge como um espelho cruel das hipocrisias brasileiras, amplificadas pelo recente avanço da extrema direita. Edgard, um homem marcado pela miséria apesar de anos de dedicação ao patrão Werneck, recebe uma proposta tentadora: casar-se com Maria Cecília, jovem rica e "bonitinha" , mas envolta em um passado controverso. O dilema entre dinheiro e moralidade o arrasta por um universo de desejos reprimidos, traições e valores distorcidos.

Nastassja Martin teve seu rosto desfigurado por um urso pardo em um encontro inesperado na região de Kamchatka, na Sibéria, em 2015. A autora então parte do relato desse acontecimento para pensar questões sociais, políticas e existenciais.

Através das experiências pessoais dos performers Pedro Granato e Letícia Calvosa, o projeto propõe uma narrativa que atravessa as fronteiras entre o público e o privado, o político e o pessoal. Calvosa, uma mulher negra que enfrentou dilemas sobre as cotas ao ingressar na universidade, e Granato, um homem branco que foi gestor público de formação, refletem sobre como o racismo moldou suas trajetórias educacionais.

O espetáculo infantil Alice no País das Maravilhas, escrito e dirigido por Leandro Mariz, apresenta a jornada de uma garota sonhadora em busca de um mundo de aventuras e descobertas, onde tudo pode acontecer. Misturando fantasia, humor e personagens icônicos, a peça celebra a força da imaginação e mostra como crescer também pode ser aprender a olhar de modo diferente para o mundo. Unindo tecnologia e arte, o espetáculo inova ao utilizar projeções em 3D com óculos de lentes azul e vermelha e músicas originais, que ampliam o universo lúdico e aproximam a magia da cena.

Um ser alado cai no quintal de um ser humano. É a partir dessa premissa que a narrativa se desenvolve. O ser humano, um catador de lixo que tenta sobreviver à miséria que assola sua família, vê sua rotina mudar com a queda de um ser alado em seu quintal. O espanto inicial dá lugar à necessidade de identificar o estranho ser, gerando um permanente questionamento quanto à definição do ser alado. Seria um anjo? Um frango? Um delírio provocado pela fome? É nessa teia que o espectador é convidado a se equilibrar, enquanto os dois seres se digladiam em um intenso confronto dialético. O exílio forçoso de um, e a miséria do outro, pontuam a trama, que apresenta um cenário pós-apocalíptico permeado de desesperança. Um ser alado e um ser humano, no abismo de suas percepções, preconceitos, medos e dúvidas.

A história retrata João, que, já velho e inválido, recorda sua intensa e tumultuada relação com Teresa, um amor quase extremista e doentio, marcado pela impossibilidade de alcançar a perfeição e por um suicídio simulado de Teresa que João só descobre anos depois.

Cinderela revisita o clássico conto da jovem sonhadora em uma montagem ágil e cheia de humor. Nesta versão moderna, apenas dois atores interpretam todos os personagens — Cinderela, Madrasta, as irmãs Anastácia e Drizella, o Rei, o Príncipe, os conselheiros e até os ratinhos — numa performance marcada pela criatividade, agilidade e um irresistível jogo cênico. A história acompanha Cinderela enfrentando as injustiças impostas pela família enquanto guarda, com delicadeza e força, o desejo de uma vida melhor. Com a intervenção mágica da Fada Madrinha, ela chega ao Baile Real, vive um encontro encantador com o Príncipe e deixa para trás o famoso sapatinho de cristal que mudará seu destino. Com trocas de personagens em segundos, interpretações hilárias, surpresas visuais e muita imaginação, o espetáculo transforma o conto tradicional em uma experiência original, leve e encantadora —capaz de envolver crianças e adultos.

Em cena, a atriz e performer Ana Flavia Cavalcanti dá vida a uma babá, a uma diarista, a uma paquita e a sua mãe Val Cavalcanti - que também participa do espetáculo performático. "Conforto" é sobre a busca pelo aconchego, pela boa morada e tem como principal dispositivo a memória da primeira infância.

Inspirado em Medea, da mítica grega, o espetáculo Medea Depois do Sol estreia e cumpre temporada no Sesc Ipiranga, entre 06 a 29 de março de 2026, propondo uma leitura da personagem, a partir de temas como: Violência de gênero, colonização latinoamericana e ecofeminismo.

O Itaú Cultural (IC) integra a programação da MITsp – Mostra Internacional de Teatro de São Paulo 2026, que acontece em diferentes espaços da capital paulista, com uma ação inédita: o eixo Conexões Centro-Oeste cuja curadoria é assinada pelo núcleo de Curadorias e Programação Artística do IC. A iniciativa, que será apresentada no Itaú Cultural, no iBT - Instituto Brasileiro de Teatro e no CCSP - Centro Cultural São Paulo, integra a expansão da MITbr, frente brasileira da mostra, e resulta de uma parceria com o festival para ampliar a circulação e a visibilidade de produções do Centro-Oeste no circuito nacional de teatro.

Abandonada por Jasão, que decide se casar com Creúsa, filha do rei Creonte, a feiticeira Medea vê ruir não apenas o seu matrimônio, como também sua identidade. Movida pela fúria e pela vingança, ela envia presentes envenenados para sua rival, o que culmina na morte da família real. Para atingir o marido no que ele tem de mais precioso, Medea assassina os próprios filhos.

Uma contadora aposentada, exímia na arte de “ajustar” números, mas incapaz de organizar a própria vida, entra em desespero ao ver a filha prestes a sair de casa em busca de independência. Enquanto tenta, a qualquer custo, impedir essa partida, ela passa a receber ligações misteriosas de sua mãe já falecida, vindas diretamente de um “além” peculiar.

Em um espetáculo para toda a família, a premiada Companhia Delas sob direção de Rhena de Faria, traz aos palcos a vida da incrível Marie Curie - uma cientista pioneira que mudou o mundo com suas descobertas.

Gerião é o personagem principal da Gerioneida, um poema lírico narrativo escrito por volta de 650 A.C pelo poeta grego Estesícoro, cujos poucos fragmentos foram encontrados somente em 1967, no Egito. A peça conta a sua história misturando fragmentos da peça original grega com criações de Anne Carson e intervenções de Bianca e de Daniela. Gerião, um menino que também é um monstro vermelho alado, revela o terreno vulcânico de sua alma frágil e atormentada em uma autobiografia que ele começa a escrever aos cinco anos de idade.

Antonia (Silvia Buarque), aos 50 anos, está num quarto de hotel com sua mãe, Elisa (Guida Vianna), a quem pouco viu ao longo dos anos. Elas tentam resgatar uma relação prejudicada pela dificuldade de Elisa em lidar com o fato de Antônia ser lésbica. Querem desmontar a “parede de gelo” que as separou por 30 anos. Neste reencontro, Antônia acaba revelando um segredo que a atormentou ao longo destas três décadas: ela teve uma filha que foi entregue para adoção. Há uma passagem de tempo, e vemos Antonia (agora Guida Vianna) aos 70 anos. Ela vai conhecer Helena (Silvia Buarque), a criança que entregou para adoção há 50 anos atrás. A iniciativa partiu da filha, em busca da própria origem. O encontro acontece num jantar no restaurante de Helena, quando terão a oportunidade de conversar sobre suas trajetórias e os laços que as unem.

Em DO CHÃO NÃO PASSA, o elenco explora a movimentação em plano baixo, através da sensação do peso corporal e da resistência entre cair e a vontade de se impulsionar. A partir de movimentos rasteiros e de ‘rastejos', o trabalho evidencia uma pesquisa sobre a ação da gravidade que nos magnetiza na direção do chão.

“Miguel” nasce do teatro, mas se levanta como manifesto, denúncia e memória viva. Inspirada na música Dois de Junho, a obra transforma dor em reflexão coletiva sobre racismo, desigualdade e direito à vida. No palco, uma escada revela os degraus do privilégio em um Brasil que ainda decide quem pode sonhar. No encontro entre Miguel e Ícaro, dois voos revelam sonhos interrompidos pela injustiça. Um chamado à memória, à justiça e à urgência de proteger quem só queria aprender a voar.

Na peça, a vida das irmãs Maria dos Prazeres e Maria das Dores é marcada pelo encarceramento dos homens de sua família. O primeiro foi o pai delas, depois o companheiro de uma e, por fim, o jovem Gabriel, filho de outra. Ele sonha em ser desenhista, mas aprende na prisão estratégias de sobrevivência para lidar com as disputas internas de poder e a falta de perspectivas inerente ao sistema prisional.

Max Overseas Navalha é um contrabandista bem-sucedido, que se casa às escondidas com Teresinha, filha de Duran e Vitória Régia, donos de uma rede de bordéis e aspirantes à alta sociedade que, enfurecidos com o casamento, planejam um golpe contra o malandro. Duran e Max têm em comum um sócio, o delegado Chaves, que protege as atividades ilegais de ambos. Querendo prejudicar Max, Duran decide fazer ruir a torre de babel da corrupção que todos desfrutam. Cada um sai então em busca de seus próprios benefícios às custas da extorsão dos outros, de mentiras e traições. Numa festa à brasilidade, à cultura popular e ao folclore, o musical celebrará a umbanda e o povo da rua para contar a história de um texto que marcou uma geração e que se consagra até os dias atuais como um marco no Teatro Musical Brasileiro.

Dirigida por Falabella, a montagem aborda recomeços, amadurecimento e as possibilidades do amor depois de uma vida inteira compartilhada. A história narra a trajetória de um casal que, após 35 anos de um casamento aparentemente perfeito, decide se separar. Nos dez anos que se seguem, cada um busca novos caminhos, novas experiências. Um aprende a viver sem o outro, ambos guiados pelas lembranças e ensinamentos de seus pais, que tiveram casamentos duradouros.

A peça conta a história de um grupo de extremistas culturais que resolve sequestrar um importante editor de livros de auto-ajuda. A finalidade do sequestro é obrigar o editor a publicar livros que eles julgam serem importantes e fundamentais. O editor evidentemente resiste a ideia e os sequestradores então se vêem obrigados a tomar medidas drásticas.

Em 2026, essa memória ganha novo corpo e voz no palco através de um encontro de gigantes. Soraya Ravenle, que iniciou sua brilhante carreira no teatro musical integrando o coro de ‘A Estrela Dalva’ (1987), grande sucesso de Borghi com Marília Pêra, retorna agora para ocupar o centro do palco e encarnar a própria estrela. Com sua potência vocal e sensibilidade, ela não interpreta apenas a “rainha do rádio”, mas a força da natureza que cantou a dor rasgada antes disso virar moda; a mulher que desafiou os moralismos de sua época com o peito aberto e a garganta em chamas. Soraya traz à cena o mito humano, o “rouxinol do Brasil”, que ensinou a um país inteiro que o sofrimento, quando cantado, vira beleza.

Não nem nada é o que está dado: 4 atuantes convidam o público a perceber o absurdo do cotidiano num mosaico de cenas da nossa contemporaneidade distópica - a fragmentação dos sujeitos e das relações, a comunicação interrompida, o excesso e a velocidade das informações e a alienação do próprio ser são alguns disparadores da peça plano-sequencia que, em tempos de crise do indivíduo, ousa conquistar o público durante 12 episódios - não pela tragédia que propõe enquanto tema, mas pela potência da forma com que o faz: em coletivo.

Livremente inspirada em "Bartleby, o Escriturário de Wall Street, de Herman Melville, a peça Bartolomeu: Que Será Que Nele Deu? 2.0, com texto e direção de Claudia Schapira, desenvolve — por meio de uma sequência de cenas episódicas —, a trajetória de Bartolomeu, um copista que, ao preferir não fazer”, para a engrenagem de trabalho na qual está inserido, e vai se tornando cada vez mais recluso, passando a despertar um misto de repulsa e admiração. Sua recusa inabalável eleva a narrativa ao absurdo extremo para refletir sobre a lógica desumana do desempenho constante, sintoma latente da sociedade contemporânea.

conheça Garganta Seca, um risco apagado no mapa do oeste. Uma cidade pequena, esquecida por Deus e pelo mundo. mas entre essas portas que rangem como ossos velhos, se escondem pecados. Promessas quebradas. E sonhos. Em busca desses sonhos, três forasteiros chegam a cidade a procura de um tesouro escondido, Billy, Miguel e Esther. Mas não será tarefa fácil! Pois diante de sua busca, um lenda os espreita silenciosamente... Que desafios eles encontrarão em seu caminho?

Entre o espelho e o estômago, ‘Borboletas’ mergulha nas fissuras da identidade, do corpo e do controle. Em cena, o cotidiano de uma jovem se mescla a fragmentos de memória, programas performativos, vozes do desejo e da culpa. Enquanto vomita confissões, o corpo se torna espaço político e poético - palco de resistência e autodestruição. Escrita a partir da autoetnografia, a peça transforma a vivência dos transtornos alimentares e sua gênese patriarcal em matéria cênica, costurando fragmentos de diário, cenas ficcionais e ações performativas em um rito de exposição irônica. “Borboletas” é um processo em aberto — como a própria carne — onde cada repetição reinventa o reflexo, o afeto e a metamorfose.

Quando foi a última vez que você recebeu uma carta? E quando foi a última vez que escreveu uma? Em “GRAFIA(s) de CONTATO”, os atores-bailarinos transformam o palco em um papel em branco e fazem da dança-teatral uma nova forma de escrita. Aqui, cada pequeno gesto diz mais que mil palavras. Entre amores, desamores, saudades, infâncias, cidades, viagens e tempos, tudo que surge é possibilidade de grafia. Entre silêncios e ruídos, o corpo torna-se escritor de mensagens para quem está longe, como uma tentativa de traçar pontes entre o que permanece e o que se perde no ato de comunicar.

“Do subsolo, a substância do mundo emerge. É uma emergência que o asfalto, o concreto, o cimento e o aço não conseguem conter. Raizes racham tudo. Nada que jogam no lixo vai pra fora; é um verso, universo, não avesso. Não existe avesso. Não existe espaço vazio. O underground sempre vaza para cima” (Freemas, relato colhido em Troca Coletica Criativa). A partir de pesquisas documentais e performáticas, o trabalho busca compreender as disputas territoriais e simbólicas travadas pelos movimentos culturais underground ao longo do tempo, em especial na cidade de São Paulo. O conceito de “território criativo em conflito”, aqui, é compreendido como a disputa permanente entre práticas culturais insurgentes e os mecanismos de captura, mercantilização e controle da arte e da vida urbana. Corpo-território, registro, troca e festa compõem todo o percurso desta pesquisa que será celebrada na presença de todos que quiserem comparecer.

Livremente inspirado em "Uma Outra Tempestade", de Raquel Carrió e Flora Lauten, e em diálogo com diferentes textos de William Shakespeare e "Uma Tempestade" de Aimé Césaire, Pra Fazer Tempestade propõe uma fabulação radical sobre a diversidade étnico-cultural do mundo diante da hegemonia colonial. Depois de um naufrágio, diversas personagens de Shakespeare aportam numa ilha do Sul Global, onde são questionados, desafiados, zombados e curados por uma legião de Encantados de diferentes origens. Num jogo face-a-face e repleto de transmutações perguntas pairam no ar: Onde estará Próspero? Para onde foi Caliban?

A história se passa em Tekoha, uma ilha onde cada cidadão pode realizar um desejo ao atingir a maioridade. Porém, sempre que um desejo é concedido em Tekoha, algo de igual valor é retirado da ilha vizinha, Deyo. É nesse contexto que conhecemos Leilani, uma jovem de Deyo que invade Tekoha, determinada a roubar a magia para salvar a vida de seu pai. A partir dessa jornada, o espetáculo provoca uma reflexão: O que é a verdadeira magia e como acessá-la em uma sociedade que aceita o status quo?

Algumas pessoas do público são convidadas a responder perguntas sobre sua vida e morte, em uma conversa intimista e descontraída. A escritora-performer, a partir da conversa, escreverá um obituário poético. A pessoa é convidada a deitar-se em um caixão, enquanto escuta as músicas que escolheu para seu próprio funeral e também o som das teclas da máquina de escrever. O obituário, ao final, é entregue à pessoa do público, que pode levá-lo para casa.

Os dentes rangem e os filetes de sangue tomam conta das gengivas. Com as testas franzidas e os olhos semicerrados, Amara e Taila encaram a linha do horizonte — exatamente onde o céu encontra o mar. Da fatalidade e da disputa permanente, pulsa a tentativa de recuperar o eixo, o tempo, o território, as histórias, as vitórias e os mundos possíveis, enquanto as negras cicatrizes insistem em arder como feridas expostas. Com um microfone na mão e o corpo carimbado num mundo vermelho e azul, é possível (re)organizar o ódio?

Três Irmãs de Anton Tchekhov conta a história de três irmãs — Olga, Macha e Irina — que vivem em uma pacata cidade do interior da Rússia, mas que sonham com uma vida melhor em Moscou. Presas a uma rotina vazia, elas enfrentam o tédio, a saudade do passado e a esperança de um futuro que nunca chega. Ao redor delas, o tempo passa, as promessas se desfazem e a vida segue sem grandes mudanças. A peça revela um retrato profundo da fragilidade humana e do desespero existencial diante da inércia e da passagem do tempo. O texto questiona a capacidade do ser humano de agir e transformar a própria realidade, com os personagens constantemente desejando mudar, mas permanecendo paralisados em suas circunstâncias.