Minhas peças

Na trama, Norma viveu as grandes transformações do país de forma intensa e apaixonada: a infância e adolescência em plena ditadura militar, a luta pela redemocratização com os colegas de faculdade e uma inesquecível história de amor no desbunde dos anos 80 com as Diretas Já. E mesmo nos momentos mais difíceis, com uma relação familiar conturbada após o falecimento de sua mãe, Norma nunca se sentiu completamente sozinha: era como se Chico Buarque de Hollanda adivinhasse todos os seus sentimentos e criasse as músicas pensando nela. Agora, aos 60 anos, ela decide realizar um sonho acalentado desde menina: homenagear seu ídolo e cantar a trilha sonora de sua vida.

A peça convida a uma reflexão sobre as múltiplas formas de se compreender Deus através de um passeio pela história da humanidade desde o homo sapiens até os dias atuais.

Com Juliana Martins, direção e Bel Kutner, texto de Beto Brown, direção de produção de Jorge Elali, argumento e idealização de Juliana Martins. Uma mulher sozinha em cena, contando, de maneira natural e engraçada suas experiências sexuais. Confissões misturadas com situações de amigas próximas e relacionadas à trajetória do empoderamento feminino e de soltura de amarras que colocaram cadeados e correntes na liberdade de exercer a libido da mulher.

Vencedora de dois prêmios Molière em 2003, incluindo o de Melhor Comédia, e fenômeno de público em Paris, UMA IDEIA GENIAL, escrita por Sébastien Castro, marca a volta do ator CÁSSIO GABUS MENDES ao teatro, depois de 30 anos, respaldado pelo talento de um elenco de peso - ARY FRANÇA, SUZY REGO e ZEZEH BARBOSA. Trata-se de uma comédia delirante que explora coincidências absurdas e o poder do ciúme. Um vaudeville contemporâneo com todos os ingredientes dos grandes clássicos desse gênero, nas palavras do diretor. Foram 400 apresentações em Paris, 100 datas de turnê por vários países e vista por 300 mil espectadores.

A Turbilhão de Ideias, produtora fundada por Gustavo Nunes em 2008, informa a abertura da pré-venda de ingressos para Vital, o Musical dos Paralamas, sua grande novidade para 2025. Reconhecida por sucessos como Cássia Eller, o musical e O Rei do Rock, o musical, além de produções cinematográficas como Maria – ninguém sabe quem sou, a Turbilhão soma mais de 2,5 milhões de espectadores em 15 anos. Para o ano que vem, além da estreia de Vital, a produtora prepara um musical inédito sobre a obra de Djavan. Vital celebra os 40 anos de trajetória dos Paralamas do Sucesso, destacando a amizade de Herbert Vianna, Bi Ribeiro e João Barone como pilar central de sua longevidade e sucesso. Idealizado por Gustavo Nunes e Marcelo Pires, com texto de Patrícia Andrade e direção de Pedro Brício, o musical une narrativa emocionante, direção musical de Daniel Rocha e arranjos que trazem nova vida aos clássicos da banda. A estreia nacional aconteceu no Rio de Janeiro, em outubro, e o espetáculo segue para São Paulo em 2025, com estreia marcada para 3 de maio no Teatro Sabesp Frei Caneca.

Com texto e atuação de Hermes Carpes e Rodrigo Brich, a peça acompanha a jornada de Bruno, um homem maduro que se vê envolvido em um relacionamento desafiador com Matheus, um jovem cheio de sonhos e inquietações. Inspirada em histórias reais, "Meu Garoto" revela as nuances das relações afetivas atuais, abordando questões como diferenças geracionais, expectativas sociais e os dilemas emocionais que atravessam a vida contemporânea. "Meu Garoto" aborda temas universais como o amor, o desejo e as ilusões, mas também convida à reflexão sobre questões contemporâneas, como a influência das redes sociais nos relacionamentos e os desafios das diferenças de geração. Além disso, o espetáculo questiona as normas impostas pela sociedade e abre espaço para debates importantes sobre autenticidade, empatia e liberdade emocional.

‘Rock in Rio 40 anos – O Musical’ se passa justamente nos últimos meses de 1984 e naqueles primeiros dias no ano seguinte. Enquanto o Brasil experimentava uma série de transformações políticas e sociais, Medina comandava uma equipe que perseguia o sonho – praticamente impossível – de realizar um festival de rock de proporções gigantescas em um País ainda fora do grande circuito de shows internacionais. Os obstáculos eram intermináveis: da negativa de centenas de patrocinadores e artistas até o local onde o evento se instalou: um terreno pantanoso e em declive na então inóspita região de Jacarepaguá. Criado pela dupla Charles Möeller & Claudio Botelho e com trilha sonora e supervisão musical de Zé Ricardo, ‘Rock in Rio 40 anos – O Musical’ chega ao palco da Cidade das Artes em formato de superprodução, com 30 atores no elenco e banda de nove músicos liderados pelo maestro Marcelo Castro. O espetáculo é apresentado pela Ipiranga através da Lei Federal de Incentivo à Cultura.

Jesse e Celine sentem a necessidade um do outro, de maneiras e intensidades diferentes. Com a detecção de uma incompatibilidade, a necessidade continua sendo o mote da relação do casal, mas não a do amor dependente, cinematográfico e de últimos capítulos. Que o amor gera sofrimento todos sabemos, ao menos aqueles que já amaram, de fato. O quanto as pessoas estão disponíveis a assumir esses momentos de sofrimento durante a vida? Isso é o que nos questiona “Brilho Eterno” de maneira lúdica, mas não leve de efeitos colaterais.

Entre a busca e a espera, modos distintos de estar no mundo colidem quando um Homem e uma Mulher se encontram por acaso. Em meio a diálogos sensíveis, o espetáculo revela desdobramentos inesperados ao trazer a perspectiva de um Velho e uma Velha, que ampliam os conflitos e questionam o sentido da existência.

A autora, atriz e diretora Susana Ribeiro, é a grande idealizadora da comédia dramática “Sonhei com Você”. Uma peça que relata a intimidade em um encontro improvável, abordando temas como o preconceito entre as classes sociais, o etarismo, e entre outros assuntos discutidos na sociedade com a mulher.

A comédia mostra o encontro de uma mulher de meia-idade com sua versão 35 anos mais jovem. A peça é uma bem-humorada aventura sobre o tempo e os seus contratempos. Os sonhos de uma jovem e a maturidade de uma mulher, os encontros e desencontros que o tempo causam, um jogo teatral que convida o público a refletir também sobre a sua própria história.

‘Outros Toms’, o novo espetáculo da Studio3 Cia. de Dança, propõe uma imersão na obra do criador da Bossa Nova, explorando os diferentes “tons” de Tom Jobim. Com coreografia de Anselmo Zolla, direção cênica de William Pereira, direção musical do maestro Wagner Polistchuk e a participação especial do ator Gabriel Braga Nunes, ‘OUTROS TOMs’ revela o lado menos conhecido de Antônio Carlos Jobim: o de habilidoso sinfonista e orquestrador. Estruturado em três partes, o projeto conecta sua rica obra musical a paisagens simbólicas do Brasil e a figuras importantes da cultura nacional.

Nesta história, acompanhamos Sidarta, inteligente filho de Brâmane, a deixar a casa dos pais. Seguido por seu melhor amigo, Govinda, ambos aderem aos samanas, vertente espiritual que busca a iluminação através da mortificação do corpo. Em seguida, desconfiado e desiludido com as doutrinas, Sidarta conhece o próprio Buda e dele também se afasta, determinado a encontrar seu próprio caminho ou a morte. Estabelece relação com uma cortesã da cidade, torna-se comerciante, embrenha-se no vício e no materialismo, para novamente deixar tudo para trás e retornar à simplicidade, junto a um barqueiro que se revela um mestre e amigo. Continuamente, encontramos ao longo do texto dramaturgias de aprisionamento e libertação, que descortinam suas ilusões e aprofundam sua subjetividade.

Aliando a sua voz à de outras autoras, Sara Carinhas procura confundir na sua auto-biografia, ficções e relatos que não lhe pertencem. Virginia Woolf, eterna autora-fantasma revisitada por Sara, voltará a aparecer, desta vez através dos seus textos de não-ficção, acompanhada por outras autoras que ocupam discursos diversos do seu - por lá estarão também imagens, árvores genealógicas, cartas recebidas, medo do fim do mundo e a literatura necessária para manter o sonho. Um espetáculo que se pode confundir com uma festa, -- com todos os perigos que possa conter, através da qual a atriz partilha referências que alimentem ideias, frames de vida, pensamentos inacabados, dúvidas e propostas, oscilando entre o roteiro que redigiu e a improvisação, ou esquecimento, do momento.

Maria no Fio da Navalha conta a história de Maria Navalha, a primeira entidade brasileira, traçando um paralelo entre sua trajetória no século passado e os desafios enfrentados pelas mulheres nos dias de hoje. O espetáculo destaca questões sobre desigualdade de gênero e o significado de ser mulher, através de uma narrativa intensa e emocionante. Mais do que uma peça, a proposta é uma experiência sensorial e reflexiva, que une elementos de história, religião e ritual.

Três atrizes se reúnem em um teatro para ensaiar um espetáculo que desafia as fronteiras entre a ficção e a realidade, criando um metateatro que propõe dinâmicas intrigantes, nas quais elas começam a imitar os dramas que encenam. Ao receber uma nova atriz, juntas elas dão vida à história de "Mar Aberto", que narra a vivência de duas irmãs que alugam um quarto de sua casa a uma estranha, desencadeando uma série de mistérios e conflitos. No centro da trama, uma janela intransponível e uma dinâmica familiar ambígua revelam um passado repleto de segredos, culminando em uma morte que paira sobre a narrativa.

CLOUD é uma reflexão sobre a política das imagens e sobre a representação midiática dos corpos, organizada em torno dos conceitos de duração e repetição: a performance se desenrola ao longo de um período de uma hora e é composta por duas repetições de cerca de trinta minutos cada; o público pode entrar e sair entre uma e outra. O conteúdo é o mesmo, mas o corpo e o espírito do performer não serão os mesmos entre a primeira e a última réplica. A relação com a violência das imagens adquire assim um caráter ritual e se inscreve no contexto da fadiga física e mental, da obstinação de uma permanência prolongada em cena, em um percurso repleto de imagens e vídeos do vórtice da web ao arquivo pessoal de dados.

Vanitas revisita a história da pintura italiana e dialoga com o presente ao questionar a vaidade. Três jovens artistas da dança, oriundos da Itália meridional e insular - Giovanfrancesco Giannini (Nápoles), Fabio Novembrini (Sicília) e Roberta Racis (Sardenha) - usam projeções e referências de obras na cena, misturando com imagens dos próprios artistas. “Hoje penso na vaidade como uma das causas que levam à alienação e ao egoísmo solitário que caracterizam o nosso tempo, uma espécie de estrutura saturada de medos, obsessões capitalistas e um grande senso de inadequação que habita cada um de nós e que, em nós, não pode encontrar solução. Sinto que, muitas vezes, se prefere o preconceito à experiência, que se gasta demasiado tempo se definindo através do olhar alheio para ser mais do que uma imagem”, diz Roberta Racis sobre a criação da obra.

A narrativa se passa em Nuremberg, na Alemanha, no final do século XIX e conta a história de Drosselmeyer, um misterioso fabricante de relógios e brinquedos. Drosselmeyer trabalhava no palácio Real, onde inventou uma armadilha que exterminou a metade dos ratos do reino. Para se vingar, o Rei dos Ratos decidiu raptar o sobrinho de Drosselmeyer e o enfeitiçou fazendo com que seu tio não mais o reconhecesse, deixando-o no orfanato para meninos. O menino também se transformaria em um boneco Quebra-Nozes nas noites de Natal. A única maneira para que Drosselmeyer voltasse a reconhecer seu sobrinho, seria o boneco Quebra-Nozes lutar com o Rei dos Ratos e derrotá-lo. É véspera de Natal. O médico e Prefeito da Cidade, Jans Stahlbaum e sua esposa, atendendo ao pedido de sua generosa filha Clara e imbuídos pelo espírito natalino, convidam os meninos do orfanato para sua linda festa que oferecem todo ano para seus parentes e amigos. A tradicional celebração é esperada com ansiedade pelos filhos do casal, Clara, Fritz e Louise, pois nesta noite eles terão a oportunidade de fazerem novos amigos. Para Clara este será um Natal ainda mais especial!

Um manifesto escrito por gestos. Uma orquestra movida por corpos. Ainda há tempo para tantos “eus” se implicarem num “nós”? Em ATO, a Cia Fragmento de Dança convida onze artistas para se juntarem ao elenco, construindo uma estrutura coreográfica que convoca o movimento em uníssono para fortalecer a imagem de grupo. São muitas vozes juntas criando tensões polifônicas. Seriam esses espaços a possibilidade de um comum? Ainda que de forma passageira, por alguns momentos, nos encontramos como grupo. O que isso nos diz?

FormAção Ação da Cidadania e Shell está na reta final de sua primeira largada, com um projeto de inclusão em todas as possibilidades que a exclusão insiste em se apresentar. Usando a arte como ferramenta e sua linguagem representada em 9 cursos, o projeto conclui sua primeira edição com um espetáculo, produzido integralmente por suas crias. Os alunos cantam, dançam, interpretam, produzem cenários, roteirizam, caracterizam, vestem, saltam e produzem o “Abrigo” vivido em 2024 dentro do FormAção. Um abrigo que acolhe para deixar voar, onde uma turma é a soma de cada presença, onde uma árvore é o símbolo escolhido para o sentido de Abrigo no projeto, árvores possuem raízes que servem de base, crescem até onde a nuvem dos sonhos permite e desfolham seus medos para renascer sua esperança.

Baseada no livro de Itamar Vieira Junior, a peça retrata a história das irmãs Bibiana e Belonísia, e da avó Donana. Através do olhar delas, vamos adentrar um universo repleto de seres encantados, e percorrer o chão de barro do Brasil do interior, de cada um de nós. Um diálogo entre os atabaques da cultura afro-brasileira, a viola sertaneja, e os pífanos do nordeste, promovendo uma gira em cena.

Na cidade litorânea de Aracati, no estado do Ceará, Mãe Anaya recebeu de herança o Terreiro dos Aflitos, local onde os escravos eram sacrificados e agora funciona como um espaço religioso de Umbanda. Jesus dos Santos, um poderoso empresário da mesma cidade, decide expandir seus negócios, construindo um mercado e para isso, precisa do terreno do Terreiro, mas Mãe Anaya se recusa a sair do mesmo, por considerar o local sagrado. Jesus dos Santos tenta conseguir o apoio de Padre Francisco, sem sucesso, a situação se complica quando Zola, filho adotivo de Mãe Anaya é assassinado.

Meursault, o personagem central de O Estrangeiro, leva uma vida banal: recebe a notícia da morte da mãe, comete um crime, é preso e julgado, em meio à controversa relação entre o indivíduo e a lei, sendo assim mais um homem arrastado pela correnteza da vida e da história. Seu drama pode ser lido como o drama de qualquer pessoa que se depara com o absurdo, ponto central da obra de Albert Camus. Na trama, Meursault não encontra explicação nem consolo para o que acontece em sua trajetória, tudo acontece à sua revelia e nada faz o menor sentido. Ele não acha explicação na fé, religião ou ideologia, não tem onde se amparar. O que pode ser visto como uma vantagem: esse homem é livre, pode se fazer a si mesmo, sua vida está em aberto. Ele se depara e se angustia diante da liberdade e do absurdo e, quando descobre que essas duas condições são intrínsecas, finalmente encontra a paz.

De quanto amor precisa uma pessoa? é o novo monólogo de Ivam Cabral, uma obra intimista que nasce da relação visceral entre humanos e animais de estimação, abordando como esses vínculos foram essenciais para enfrentar os momentos de solidão e incerteza durante a pandemia de Covid-19. Com um tom autobiográfico e profundamente poético, o espetáculo reflete sobre os desafios emocionais vividos no isolamento e sobre como o amor, especialmente pelos animais, torna-se um refúgio e uma força vital em tempos de crise. Inspirado pela obra Escute as Feras, de Natassja Martin, Ivam Cabral transforma sua experiência pessoal em uma celebração do afeto e da resiliência humana.

O musical conta a história de uma pequena princesa africana predestinada a se tornar a grande Rainha de Sabá. Ela foi educada por seu trisavô, um sábio ancestral que transmite à pequena importantes lições, sobretudo como usar o poder da imaginação para viajar por universos imaginários, visitar seu passado e, assim, superar os seus medos.

O espetáculo mergulha em um intenso dilema moral através da história de Claire Zachanassian, uma milionária que retorna à sua cidade natal após ser rejeitada e humilhada anos atrás. Sua chegada, inicialmente recebida como uma oportunidade de redenção para a cidade, logo revela uma proposta surpreendente que desafia a ética dos moradores, testando até onde cada um está disposto a ir em troca de dinheiro e poder. Ao expor as contradições e fraquezas humanas frente à tentação financeira, a peça leva o público a refletir sobre o preço da integridade e os limites de nossas convicções. "A peça explora como a ganância e as concessões graduais podem corroer a integridade, refletindo sobre a fragilidade da moralidade humana e o poder sedutor do dinheiro," comenta o diretor Ronaldo Saad.

Tem estado escuro entre nós. Como se estivéssemos que nos apresentar. Qual foi a morte que te trouxe aqui? Você lembra? Os tempos movem as memórias de lugar, a química das células caminha. Tem estado escuro entre nós. Há quanto tempo?

Dirigida por Richard Riveiro, com versão brasileira de Beatriz Sayad, a peça conta a história das gêmeas siamesas Yvonne e Mabel, nascidas em um circo criollo do Rio da Prata, uma forma de espetáculo do início do século XX que combinava números circenses — como acrobacias, truques de mágica e apresentações com animais — com peças teatrais melodramáticas, semelhante ao circo-teatro no Brasil. Unidas em um só corpo, as irmãs enfrentam os desafios do crescimento pessoal e da carreira artística ao longo de suas vidas, revelando segredos e refletindo sobre sucesso e esquecimento. Em formato de falso documentário (mockumentary), o espetáculo apresenta a trajetória das irmãs por meio de depoimentos, entrevistas e números artísticos, intercalando cenas musicais e elementos circenses.

Sobre o processo de As Bacantes, 1oº e mais recente experimento de montagem teatral do Núcleo, desde o início a intenção foi abrir o processo de seleção de participantes para o Núcleo já com a definição de que o trabalho seria sobre o texto de Eurípedes, ideia que nasceu pelo interesse em pesquisar a linguagem da tragédia demonstrado por participantes do Núcleo em edições anteriores.

Que tempo Bom - Um Show de Improviso Que tempo Bom é um espetáculo de improviso teatral que convida o público a embarcar numa viagem nostálgica através das lembranças mais queridas e momentos inesquecíveis. Nesta experiência única, os talentosos improvisadores Allan Benatti, Glaura Lacerda e Edson Duavy criam cenas e jogos inspirados pelas suas próprias memórias e sugestões nostálgicas da plateia. Cada apresentação é única, tecendo histórias que mesclam humor, emoção e a doce saudade dos tempos que não voltam mais. Venha reviver suas memórias e ser parte de uma noite inesquecível onde o passado ganha vida no palco se tornando um belo presente.

O espetáculo “Natal Mágico” retrata essa época de renovação e esperança. O musical começa com a saída do Papai Noel da Lapônia, em um trenó, para ir ao encontro de três crianças no Brasil: Nesta nova megaprodução, Papai Noel volta para realizar um sonho de Clarinha e Felipe que, por ventura, acabam lhe mostrando valiosas lições de fraternidade e amor. Clarinha solicita em sua cartinha ao bom velhinho que seu irmão se interesse e participe deste universo.

A peça Chef Psi - Como Comer Como Como propõe uma reflexão sobre a conexão entre fome, alimentação e identidade, com foco na trajetória das mulheres. Idealizada e protagonizada por Maíra Maciel, e dirigida por Tati Caltabiano, do Coletivo Petit Comité, a peça é inspirada nas experiências pessoais da atriz, que convive com anorexia nervosa desde a adolescência. Sua vivência como psiquiatra e psicanalista enriquece a narrativa, trazendo à tona histórias de pacientes que enfrentam pressões relacionadas à imagem corporal.

‘Peixe que é planta é pássaro’ não é um espetáculo de dança, não é uma leitura de poemas, não é um concerto, mas é composto de tudo isso. A Antônima Cia de Dança selecionou 16 poemas do livro Veludo Rouco, da escritora, artista visual, compositora fluminense Bruna Beber, e criou para cada um uma cena. Nas apresentações, Bruna lerá seus poemas e os músicos Bernardo Pacheco, Ritamaria, Flavio Lazarin e Ivan Vilela criarão a trilha sonora. Tudo acontece ao vivo e as linguagens vão se sobrepondo, contrapondo, complementando e se transformando.

O ator e diretor Beto Marden entrou em contato com a obra de Renato Russo (1960-1996) a partir de trechos de um texto escrito durante os 29 dias em que o cantor e compositor, vocalista do Legião Urbana, esteve internado em uma clínica de recuperação, no Rio de Janeiro, para tratar a dependência química. As tocantes reflexões de Russo, publicadas no livro-diário Só por hoje e para sempre (2015, Companhia das Letras), acionaram a faísca de inspiração para Marden criar Será, um Grito Musical.

No segundo episódio da série cômica mais desvairada de SP. Maluco, Doido e Louco iniciam a viagem da vida deles, com uma única certeza: "normal mesmo e não ter rumo". Se una aos mais de 2 mil espectadores que já viram o primeiro episódio e venha se divertir com esse elenco sensacional.

Em uma jornada mágica, Dorothy, uma jovem sonhadora, é levada por um ciclone ao encantado mundo de Oz, onde tudo é colorido e diferente. Em busca do caminho de volta para casa, ela segue a estrada de tijolos amarelos e encontra amigos inesquecíveis: o Espantalho, que deseja um cérebro, o Homem de Lata, que almeja um coração, e o Leão Covarde, que precisa de coragem. Juntos, eles enfrentam desafios e aventuras, confrontando seus medos e superando obstáculos, enquanto descobrem que a verdadeira magia está dentro de cada um.

O Grande Circo Científico traz de volta a magia, o encantamento e a nostalgia do circo de antigamente, com 2 cientistas muito malucos e atrapalhados revelando os mais divertidos números do picadeiro de um modo que você nunca viu. Surpreenda-se com os segredos da magia do grande Houdini e a coragem do homem que cospe fogo. A bailarina, a vidente e as habilidades de faquir, também completam o maior espetáculo da terra. E para o grande final, um gigantesco espirro de elefante.

Em uma viagem encantadora pelo universo, um piloto que caiu com seu avião no deserto do Saara encontra uma figura curiosa: um Pequeno príncipe vindo de um distante asteroide. Ao longo de sua jornada, o príncipe compartilha histórias sobre os planetas que visitou e os personagens únicos que conheceu, como um rei solitário, um vaidoso e uma raposa sábia.

“O Pequeno Dom Quixote” narra a história de Quixano, um garoto que viaja com sua mãe, atriz em uma trupe de circo-teatro. Fascinado pelos livros de sua "biblioteca" improvisada e pelas encenações da trupe, ele se imagina como um cavaleiro andante. Ao ser repreendido por sua tia Quixano decide fugir e viver suas próprias aventuras. Ele encontra Sancha, uma menina de rua que se torna sua fiel escudeira. Juntos, enfrentam “dragões” e “exércitos”, reinterpretando o mundo ao seu redor como as clássicas aventuras de Dom Quixote.

E se sempre fosse dia? Nunca escurece, sempre claro, sempre branco. A obra apresenta um fim do mundo pelo intenso e quente sol como uma metáfora da branquitude no Brasil. Um casamento acontece numa cidade do interior, alguns personagens alegóricos convivem nessa distopia de uma “cegueira branca” que vêm contaminando os moradores dessa cidade. Bispos, peões, fazendeiros, políticos e uma noiva apresentam a visão e as atitudes extremas das diversas classes reagindo ao apocalipse branco.

Discutir os dilemas enfrentados pela população feminina hoje é um dos objetivos do projeto 5 Mulheres e Um Destino: a Arte, o Teatro, a Vida enfim!, que reúne cinco espetáculos seguidos por bate-papos entre os dias 30 de novembro e 18 de dezembro. Todas as apresentações são gratuitas e acontecem no Teatro Studio Heleny Guariba. Cada uma das atrizes se debruçou sobre um tema e, para enriquecer a discussão, todas as sessões são seguidas por bate-papos. As peças serão apresentadas três vezes ao longo do evento

O espetáculo traz à cena a mulher Helene Weigel, atriz e cofundadora do grupo teatral Berliner Ensemble, a intérprete de Mãe Coragem, de A Mãe, da Senhora Carrar de Os Fuzis, da Leocádia Begbick em Um Homem é um Homem e em Mahagonny... e a esposa e maior colaboradora de Bertold Brecht em sua obra cênica. São muitos papéis que somente uma mulher determinada poderia desempenhar ao mesmo tempo. A peça vai buscar o significado da vida desta mulher e atriz, nos anos de criação teatral e ação política, no exílio vivido em vários países, em fuga do nazismo, nos novos confrontos na Alemanha Oriental, a RDA, no pós-guerra, criando e mantendo com Brecht o grupo Berliner Ensemble.

“Onde houver céu”, trabalho concebido por Marcus Moreno, que também integra o elenco formado por Maria Basulto, Maria Fernanda Machado, Mariana Molinos, Rebeca Tadiello e Raony Iaconis, estreia nos dias 29 e 30 de novembro, dentro da programação do Festival Arquivo Aberto, que acontece no Arquivo Histórico Municipal, e segue em temporada no mesmo espaço, de 3 a 6 de dezembro

Desamada: Uma Dramaturgia Poética é um experimento cênico, que assim como o livro, é dividido em atos, pretende falar de amor, solidão e a poesia que os habita – com humor, e uma certa fluidez entre a densidade e a leveza, que só alguém como Midria, mas que não deixa de convidar o público a dividir o palco e os sentimentos – ora tensos, corriqueiros, divertidos ou extremamente dolorosos. Esse espetáculo é uma visita ao mais íntimo de autore, bem como ao de quem assiste.

“Saudade na Miragem" questiona a relação entre religião, espiritualidade, conflito, e a ambivalência da justiça. Inspirada no livro “A Guerra do Fim do Mundo", de Mario Vargas Llosa, que se debruça sobre a Guerra de Canudos, ocorrida no sertão da Bahia no final do século XIX a obra reimagina este evento histórico como um espelho das lutas contemporâneas, interligando questões como a memória coletiva, a dor e a regeneração. A narrativa é composta por personagens complexos que representam a diversidade e os conflitos da experiência humana. Através de uma linguagem teatral que mistura elementos de diversas tradições artísticas, o espetáculo explora a tensão entre caos e harmonia, questionando o que significa viver em um mundo tão fragmentado.

No meio da floresta amazônica, as palhaças Bifi e Quinan procuram chegar a um lugar utópico e desconhecido, que vai se construindo à medida que se movimentam. O seu dia a dia na canoa e nas terras por onde pisam, assim como o encontro com a onça pintada, a singela alegria de um peixe pescado, os sons, a solidão e o medo, revelam ao espectador o imaginário misterioso da floresta e de suas figuras. Divagar e Sempre é fruto de todos os anos de pesquisa e vivências da dupla de palhaças na região amazônica, onde conheceram histórias de povos originários e de comunidades ribeirinhas e suas situações vividas.

Na trama, um único homem, o escritor, desdobra-se em dois personagens, que estão em um mesmo ambiente, mas não se encontram, por pertencerem a contos diferentes. Os atores Hilton Vasconcellos e Rick Yates são cérebro e coração do autor, num mesmo espaço-tempo, contracenando indiretamente. Quando um é autor, o outro é personagem e vice-versa. A encenação optou por explorar uma imagem bastante popular da famosa tela de Van Gogh, que retrata seu quarto, como suporte para a cena de Caio F. Os personagens habitam esse mesmo quarto, onde suas memórias e impressões do mundo e da vida se expressam através das imagens daqueles tempos. No espaço, também haverá uma exposição sobre o escritor, com textos, projeções e músicas de artistas citados em suas cartas e contos, de Maria Bethânia e Maysa a Fassbinder e Oscar Wilde.

É possível criar um mundo verdadeiramente justo? O que fazer quando cada movimento com esse objetivo parece gerar novas e desconhecidas injustiças? Esses questionamentos guiam o espetáculo “Aqueles que deixam Omelas”, solo narrativo baseado no conto homônimo da renomada autora americana Ursula K Le Guin (1929-2018), nunca publicado no Brasil. Com tom de fábula moral filosófica, a narrativa apresenta uma trama repleta de paradoxos: beleza e sofrimento, liberdade e opressão, justiça e injustiça, dor e prazer. O espectador se vê envolvido por um turbilhão de imagens e acontecimentos, que vão sendo narrados pelo viajante, e mediados por esse jogo de opostos incômodos. A história que está sendo contada, em alguma medida, pode ser a história de qualquer um que esteja ali sentado, ouvindo aquele curioso relato.

Em “Isto não é uma dança”, Nastaran Razawi Khorasani apresenta uma performance de dança que lida com a censura. É uma homenagem ao corpo que quer se mover, um tributo à arte que simplesmente deve ser feita, de qualquer maneira ou formato. O que pode ser mostrado, o que deve permanecer oculto? À medida em que a música e as luzes se transformam em um frenesi, Nastaran tenta manter seu corpo dançante sob controle, enquanto traz para o palco as vozes de coreógrafos e bailarinos que vivem no Irã.

Estragão (Marcelo Drummond) e Vladimir (Alexandre Borges) são dois palhaços vagabundos que se encontram no fim do mundo, na encruzilhada entre a paralisia e a tomada da ação. Enquanto esperam Godot, embora não saibam quem ou o que é, a dupla se encontra com as personagens que passam pela estrada: Pozzo – O Domador (Ricardo Bittencourt), Felizardo – A Fera (Roderick Himeros) e O Mensageiro (Tony Reis), que traz notícias inquietantes que podem determinar a perpetuação da inércia ou a libertação total da paralisia numa reviravolta absurda. Mas afinal, até quando Esperar Godot?

O respeitável público da cidade de São Paulo não pode deixar de prestigiar a 2ª edição do Festival FOLIA de Circo na Fábrica de Cultura Vila Nova Cachoeirinha. Com uma programação diversa, o evento permite um mergulho na cultura circense e nas possibilidades de atuação nesta área hoje em dia. O Festival é organizado pelo FOLIA, projeto de formação profissional nas artes circenses das Fábricas de Cultura - Programa da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, e gerenciado pela Organização Social Poiesis.

ÚLTIMO SETOR se passa em um futuro distópico e debate questões políticas, sociais e geográficas que afetam as periferias, principalmente na cidade de São Paulo. No palco, os intérpretes-criadores Alex Bingó, Gabriel Madrigrano, Pedro Vinicius e Wilson Guilherme, refletem sobre as possibilidades de resistência e adaptação enquanto as periferias são engolidas pela verticalização urbana e o avanço impiedoso da tecnologia. Combinando elementos da arte povera e uma cenografia composta de vários elementos que remetem a um ferro velho, ÚLTIMO SETOR explora questões profundas sobre sobrevivência, poder e adaptação em meio à desolação. No centro desse cenário árido e sucateado, os artistas utilizam suas habilidades para construir e interagir com um imponente totem em números de circo contemporâneo, como manipulação de objetos, acrobacias, dança e técnicas aéreas.

Narrado pela atriz, Luana Piovani, Zbura – Campeões do Mundo da Patinação, em O Globo Mágico, conta a história de Maia, que, ao completar dez anos, recebe um presente especial que está em sua família há gerações e promete mudar sua vida, mas não sem que ela enfrente as consequências primeiro. Além de apresentar uma aventura, que aborda as transições da vida sob a ótica de uma criança em busca de compreensão sobre o que parte, o que chega e o que permanece, Zbura reúne os melhores patinadores do mundo e integra a arte e a magia do teatro ao domínio técnico do esporte. Com um elenco de 23 patinadores, o espetáculo conta com a participação dos atuais campeões dos jogos mundiais: Madalena Costa, de Portugal, e o italiano, Alessandro Liberatore.

"Um Mês no Campo" narra a história de Natalya Petrovna, uma mulher aristocrática russa do século XIX, cuja vida muda quando um jovem tutor chega à fazenda de sua família. Presa a um casamento sem paixão e às convenções sociais, Natalya é surpreendida por um amor proibido, o que a faz questionar o papel imposto às mulheres. Em meio ao cenário tranquilo do campo, a peça revela as tensões entre desejo e dever, explorando a luta entre o amor e a busca pela liberdade feminina.

De 21 a 24 de novembro (quinta-feira a domingo), o Itaú Cultural recebe uma edição especial da mostra As Crespas, realizada pela companhia teatral Os Crespos, para celebrar uma década de Legítima Defesa – Uma Revista de Teatro. A publicação foi criada em 2014 com a proposta de reunir entrevistas, artigos e dramaturgia sobre questões pertinentes ao grupo. Nesta celebração, assuntos como os 80 anos do Teatro Experimental do Negro, o cenário atual das produções negras no Brasil e a ação de grupos como o mineiro Teatro Negro e Atitude (TNA) e o paulista Grupo Clariô de Teatro, dividem espaço com pílulas poéticas, além de uma homenagem à atriz Lizette Negreiros (1940-2022) e da apresentação, na íntegra, do espetáculo À Sombra da Goiabeira.

A peça traz uma conversa entre Ernesto e Marta, um casal de idosos que comparam suas lembranças sobre os relacionamentos anteriores e suas reminiscências. O esquecimento atinge o casal, que confunde histórias, datas e, principalmente, os nomes. O passado é tão presente quanto o presente, mas tem a vantagem de ser, justamente, o passado e a ordem e os fatores já não importam tanto. Eles servem como peças de um grande quebra-cabeça onde o que importa é justamente a tentativa de colocar tudo em seu devido lugar independente do fato de estar certo ou errado. A importância de tudo está no estar junto e não no tempo ou no espaço.

“Acidentalmente Amor” é um musical com canções pop dos anos 2000, em formato de pocket show, com sucessos que marcaram a época. Conta a história de Daniel, um menino de 17 anos que vive numa pequena cidade do interior. Ele se apaixona pelo recém-chegado Bernardo. Daniel enfrenta os desafios da primeira paixão com a ajuda de seus dois melhores amigos, Amanda e Vinícius, enquanto lida com a dificuldade de contar para seu avô sobre sua sexualidade. Em meio aos ensaios da peça “Romeu e Julieta”, a turma da escola acaba vivenciando de maneira profunda, o clássico de William Shakespeare dentro do próprio universo da peça, ao mesmo tempo em que traz à tona importantes pautas LGBTQIA+.

Um espetáculo sobre natureza, finitude, desejo, ímpeto de vida e morte. Um homem, um menino, uma mulher, um rio, um lugar, um tempo. Personagens do celebrado escritor moçambicano Mia Couto são envolvidos por canções africanas, pela sonoridade dos tambores e pela interpretação de um ator.

Em uma comunidade tomada pelo tráfico, Christopher, um jovem negro, luta contra a opressão das minorias proveniente de líderes violentos, buscando a evolução de seu povo. Na ânsia de um futuro melhor, os moradores do Morro das Oliveiras tentam mudar seu destino que está nas mãos daqueles que só visam o poder e o dinheiro.

O romance do escritor mineiro conta a história de Hilda, uma jovem bela e rebelde que rompe com as expectativas ao abandonar sua vida de prestígio e refugiar-se na zona boêmia da capital mineira. Sua jornada se entrelaça com a de Frei Malthus, um jovem religioso determinado a transformar a vida dos habitantes da região. Esse encontro desencadeia uma série de conflitos éticos e sociais, em um confronto entre desejo e dever, liberdade e moralidade. Uma narrativa que encontra na ópera a linguagem perfeita para seu desenvolvimento dramático se somando ao panteão de grandes heroínas do gênero, como Carmem e Aída, consolidando o caminho para a criação de uma ópera nacional e que dialoga com nossa história, cores e sons.

Misturando humor e poesia, o espetáculo é protagonizado pela Autora, que busca escrever uma peça navegando pelas memórias de cenas que ela mesma escreveu - mas que nunca terminou. No meio do caminho, em uma noite estranha, ela é confrontada pelo seu passado e pelo luto, através de personagens simbióticos, espelhos dos seus sentimentos que organizam uma festa surpresa indesejada. Explorando a metalinguagem, a peça dilui as fronteiras entre o real e o ficcional, à medida que leva à cena textos extremamente pessoais enquanto expõe a própria tentativa de fazer teatro através deles.

A instalação coreográfica “O Banho” é uma reflexão sobre as questões propostas pela vida de Dona Sebastiana de Mello Freire, Dona Yayá. Mulher da elite paulistana que ao ser diagnosticada doente mental teve a sua casa no bairro da Bela Vista, São Paulo, parcialmente transformada em um hospital psiquiátrico privado e nela permaneceu isolada por ordens medicas entre 1919 e 1961.

PARA ACABAR DE VEZ COM O JULGAMENTO DE ARTAUD explora a trajetória de Antonin Artaud, que abalou com suas ideias avançadas para a época, as certezas do Teatro e da Vida e por conta dessa inadequação social, foi considerado louco e internado durante nove anos em diversos manicômios. No palco, Samir debate as sutis fronteiras entre arte e loucura, colocando em cheque os parâmetros da normalidade e da saúde mental, a partir de textos escritos pelo poeta, dramaturgo, ator e diretor francês do início do século XX que criou o conceito de “teatro da crueldade”.

“Gabriela, Cravo e Canela” traz a história de Gabriela, uma jovem que, ao chegar em Ilhéus, Bahia, na década de 1920, conquista os moradores com sua simplicidade e beleza, especialmente o sírio Nacib, dono do bar Vesúvio. O romance entre os dois se desenvolve em meio às mudanças sociais e econômicas da cidade, abordando conflitos entre tradição e modernidade. Em “Gabriela - O Musical” a narrativa faz um paralelo com temas atuais, como a liberdade feminina, convidando o público a refletir de forma leve e divertida, além de valorizar a força da cultura brasileira.“Gabriela - O Musical” faz um paralelo com a atualidade, abordando temas como a liberdade feminina e os direitos das mulheres, incentivando o público a refletir de forma leve e divertida, mostrando ainda a força da cultura brasileira.

Carla e Marta são irmãs que se reencontram após 15 anos de distanciamento. Com a morte do pai, Carla retorna querendo reassumir seu lugar na casa da família.

A peça narra a história de dois irmãos e artistas de teatro, Rose e Tom, que enquanto se preparam para entrar em cena, recebem a crítica do espetáculo que estão prestes a iniciar. Frente à dureza da análise do crítico, Tom – que além de ator também é dramaturgo – resolve reescrever a peça como uma resposta à exclusão artística, intolerância às novas ideias de construção teatral e, de forma subliminar, a atitude conservadora e homofóbica da crítica de então. A narrativa percorre fatos relevantes da vida e aspectos importantes da obra de Tennessee Williams – que é sem dúvida um dos autores mais importantes do Teatro Moderno do século XX.

Os cuidados de fim de vida de um pai e o cotidiano trivial de uma cuidadora de idosos entrelaçam-se nesta narrativa poética sobre a finitude, o luto e estafa do cuidar.

Com dramaturgia e direção de Cecilia Ripoll, “Pança” acompanha a história de um talentoso e endividado escritor que, de seu pequeno vilarejo, escuta falar sobre a mais nova invenção da capital: a famosa máquina de imprensa. Com desejo de ampliar a venda de seu mais recente romance, o autor se endivida ainda mais para conseguir comprar a copiadora mecânica. Cheia de peripécias e reviravoltas, a trama faz referência ao surgimento histórico da máquina de tipos móveis (a primeira versão ocidental de copiadora mecânica), divisor de águas na história da humanidade que permitiu a produção em série dos livros, até então copiados um a um a mão.

A peça é inspirada na história das Rainhas das Congadas e de Moçambique e ganha ainda mais profundidade ao incorporar referências aos grupos de cultura popular do Vale do Paraíba , uma região rica em tradições que dialogam com a herança africana no Brasil. A peça conta com as atrizes Illane de Paula e Pérola Mello no elenco narrando a história de uma rainha africana que liderou seu povo com sabedoria, ensinando sobre a preservação da natureza e a importância das relações culturais. Com essa nova produção, Dionísio reafirma seu compromisso com a valorização da cultura afrodescendente e das tradições populares do Brasil, em especial do Vale do Paraíba, que agregam para a riqueza cultural da peça.

O Festival Maré Cearense desembarca em São Paulo, trazendo ao público paulistano um panorama vibrante da cena artística cearense. Durante os dias 23 de novembro a 01 de dezembro, as águas da Maré vão movimentar o Sesc Ipiranga em um verdadeiro encontro de dança e teatro. O festival que foi idealizado pelo Instituto Dragão do Mar, celebra a diversidade cultural do Ceará e é uma oportunidade de encontros e intercâmbios entre regiões tão ricas culturalmente.

Formado por Renato Carrera, Dani Ornellas, José Karini e Hugo Germano, o elenco mergulha em feridas profundas provocadas pelo assédio moral, sexual e familiar na sociedade contemporânea e na igreja católica. A peça se passa numa pequena cidade, onde um jovem religioso, funcionário dos Correios e filho de uma mãe dominadora, tem sua fé abalada por conflitos sexuais e morais ocorridos dentro da igreja que frequenta. Ele decide fazer justiça com as próprias mãos e, assim, modificar sua vida para sempre.

O espetáculo, baseado no clássico da literatura árabe As Mil e Uma Noites, é recriado em um cenário formado por bambus em que dois atores criam mundos, ilhas, barcos, baleias, pássaros gigantescos, tempestades e perigos, manipulando estruturas de bambus que dão suporte para as acrobacias, integrando a literatura e a arte do circo. Quem conta a história de Simbad são dois artistas de rua que se confrontam o tempo todo, na clássica situação da dupla de palhaços – dois artistas mambembes que vão de cidade em cidade, de praça em praça, contando suas histórias e sempre brigando, para ver quem fará o herói. Com sua carroça de bambus e as técnicas que o circo que o circo lhe ensinou, eles usam os bambus para criar animais imensos, barcos, pássaros, serpentes, elefantes, desfiladeiros, ilhas.

“TA” significa Grande para os Tikunas – povo originário do Amazonas, que ocupa uma vasta área. Os sons do ambiente fazem parte do idioma que eles falam, sejam pardos, roncos, chiados e tantos quantos conseguem escutar. No meio que habitam, espaço, tempo e corpo são uma coisa só. A união de tudo que está fora e dentro, “TA”, derrama e espalha, navega, escala, sobrevoa. Nessa imensidão, não existe pausa e nem silêncio, pois a vida pulsa intermitentemente.

Pela primeira vez no palco do Theatro Municipal do Rio de Janeiro, a ópera Rusalka, de Antonín Dvořák, com Coro e Orquestra Sinfônica da casa, estreia no dia 14 de novembro, com récitas também nos dias 16/11 e 22/11, às 19h e 24/11, às 17h. Haverá ainda em 13/11, às 14h, o Projeto Escola Arte Educação Petrobras. A montagem é uma coprodução com o Auditório de Tenerife, na Espanha, país onde esteve em cartaz em março deste ano e agora, chega ao Municipal. A concepção e direção cênica é de André Heller-Lopes e a direção musical e regência ficam a cargo de Luiz Fernando Malheiro

Enfim, chegou o tão esperado dia sobre o tema Empatia! A turma está ansiosa e a doce Professora Ana, muito inspirada, começa a ministrar o assunto que empolga a todos. O espetáculo leva o público a um verdadeiro mergulho na aula que perpassa pelas temáticas de respeito, igualdade, inclusão, TEA, dislexia, dispraxia, TDAH, Síndrome de Asperger, profissões, não ao bullying e não ao cancelamento, regras de convivência e direito de preferência, preservação do meio ambiente e cuidado com os animais.

Já imaginou os cabelos como árvores? O ato de cuidar, crescer e criar raízes são algumas das similaridades que os cabelos compartilham com as árvores. Inspirada nesse universo mágico, “Emaranhada” celebra os fios de nossa ancestralidade. No centro dessa história está Mavi, uma heroína negra, menina inventora de palavras, com braços e mãos tagarelas e uma cabeleira exuberante. Protagonizada pela atriz Amarilis Irani, Mavi trança suas próprias aventuras, algumas solitárias, outras recheadas de amigos: flores, árvores e animais. Após uma série de eventos misteriosos, Mavi descobre que seus fios guardam poderes extraordinários. Numa fascinante saga de empoderamento feminino, a personagem faz dos cabelos o caminho para encontrar aceitação, emaranhando a força, beleza e poesia da representatividade negra. Novos mundos emergem dos tecidos, com raízes que se espalham do palco aos olhos da plateia, celebrando a diversidade de maneira lúdica e emocionante.

O espetáculo traz para o palco elementos de ambos os universos, como DJs, Chants, Bailes/Ball, batalhas, passinhos, vestuário, a atitude e suas coreografias próprias. Organizamos uma série coreográfica, explorando gestos radicais que desafiam convenções, buscando reposicionar as relações históricas e culturais. Investimos em poses insubordinadas para elaborar resistências e nutrir repertórios de memórias, criando imagens que disputam novos significados e valores - destaca a diretora do espetáculo, Patfudyda. A obra reúne artistas como Mother Juju Ninja, líder de uma das maiores house Ballroom do mundo; André Oliveira DB, referência mundial do passinho, vencedor do Red Bull Dance Internacional; Yure IDD, DJ que coleciona parceria com artistas relevantes da cena, como Gloria Groove; e Kill Bill Balenciaga, uma das maiores referências do Vogue no Brasil.

“A Menina do Meio do Mundo – Elza Soares para Crianças” traz uma história ficcional que resgata algumas passagens da trajetória de Elza Soares. Em uma delas, a cantora é ridicularizada em um programa de calouros apresentado por Ary Barroso, mas dá a volta por cima ao falar da fome do povo pobre. Na trilha sonora, estão grandes clássicos da MPB imortalizados por Elza Soares, como “Meu Guri”, “A Carne”, “Se Acaso você Chegasse”, “Mas que nada”, “Lata D’Água”, “A Mulher do Fim do Mundo” e muitos outros, em arranjos pensados para as novas gerações.

Cinco amigos de infância se reúnem para comemorar o casamento de um deles. Durante o evento, descobrimos que o noivo está em crise existencial; em dúvida sobre seus sentimentos. Acreditando que poderia se livrar do enlace, faz uma revelação surpreendente. Por sua vez, a noiva também está em conflito, devido a uma descoberta que a abalou profundamente. Nesta trama de contrastes, os amigos de ambos se reúnem para que os noivos caminhem para uma decisão clara e definitiva.

Em um clima leve e envolvente, Flavio mistura temas atuais com observações divertidas do cotidiano, criando uma atmosfera de bate-papo descontraído, onde o público se sente parte de cada momento. Sem recorrer a polêmicas ou temas controversos, Flavio Andradde conduz a plateia por reflexões engraçadas e situações comuns do dia a dia, garantindo uma noite repleta de boas risadas e aquela sensação de que estamos todos entre amigos, jogando conversa fora.

O texto teatral de Júlio Conte expõe a trajetória de sete amigos, vizinhos na mesma rua, em abril de 1964. Como pano de fundo, impõe-se uma forte realidade: um golpe militar em um país democrático da América Latina. A peça expõe essa vivência, desde a infância até a vida adulta, que mexeu com os sonhos e a esperança de toda uma geração. Escrita em meados dos anos 80, a peça ainda se mantém atual, tendo em vista os últimos anos de ataque às instituições democráticas do país. A peça desenha, ao mesmo tempo, um quadro divertido e implacável da realidade. Divertido sob o ponto de vista da pureza e ingenuidade dos personagens, que, durante sua trajetória, enfrentam as transformações do final da infância, adolescência e juventude. Implacável, graças às consequências de um golpe militar que vão refletir na vida adulta dessas personagens.

O texto de Analy Alvarez e Isaías Almada retrata lembranças dolorosas de um período que, apesar das cicatrizes do tempo, ainda machuca e envergonha. Esta peça teatral, que aborda o período militar, não se apresenta para reabrir feridas que a generosidade da anistia nos impõe esquecer, mas como uma garantia de que o desrespeito aos direitos humanos e a intolerância — seja ela política, racial, de gênero ou de qualquer outro tipo — nunca mais tenham espaço em nossa sociedade. O teatro, como forma de resistência cultural durante a ditadura militar, questionava o regime. A censura às manifestações artísticas no período pretendia silenciar a resistência à violência que se implantava no país.

Com a proposta de ampliar a diversidade de linguagens artísticas no Teatro Pyndorama, a anfitriã Companhia Antropofágica convida outros artistas para apresentar em sua sede a mostra Moquém em Pyndorama. Os espetáculos de dança e teatro adulto e infantil acontecem entre os dias 23 de novembro e 9 de dezembro. Parte das apresentações terá acessibilidade de Audiodescrição e outra de Libras. No nome do projeto, a palavra “moquém” vem do tupi antigo “moka”, uma grelha de madeira usada para defumar e preparar alimentos. A forma do Moquém é a representação de uma metáfora para a ideia de fazer o público se “alimentar” coletivamente de várias linguagens artísticas, possibilitando a articulação de diversos saberes.

Restinga de Canudos mergulha nas pequenas histórias de resistência do vilarejo de Canudos, dando voz a personagens comuns como duas professoras, uma poeta popular, agricultores, beatos, cantadores, um juremeiro e um indígena. O espetáculo ilumina o cotidiano dessas pessoas e, especialmente, o papel das educadoras no fortalecimento da consciência crítica e na luta por um Brasil mais justo. Com uma narrativa poética e sensível, faz uma homenagem à docência militante, destacando a educação popular como força transformadora e essencial para a construção de um futuro coletivo.

"OUTONO" é um espetáculo que retrata os bastidores da filmagem de um longa-metragem, onde nada é o que parece. Reviravoltas inesperadas surgem a cada cena, transformando a trama em um jogo de realidades que flutua entre a ficção e o processo criativo do cinema. Eloisa Vitz constrói uma narrativa instigante, onde as relações entre os personagens são constantemente reavaliadas, revelando as fragilidades e tensões próprias dessa estação que expressa um momento de transição.

Com base num cordel de sua própria autoria, Fagerlande narra, de forma cômica e fantasiosa, a história de um jumento brasileiro que, por se destacar pela inteligência, é inscrito num concurso mundial de animais, em que o campeão irá participar de uma expedição da Nasa para a Lua.

Em uma instalação cênica que remete a um apartamento, a trama acompanha Ana Beatriz, uma mulher de 40 anos que retorna à sua cidade natal em meio a uma profunda crise de meia-idade, após o fracasso de um projeto profissional importante. Nesse retorno, ela reencontra Ricardo, seu ex-professor universitário, uma figura crucial em sua vida, a quem não via há duas décadas. Prestes a completar 65 anos, ele também vive um momento delicado, marcado pelo fim de um ciclo importante. Em um cenário de reflexões e ressignificações, ambos compartilham os últimos acontecimentos de suas vidas, seus fracassos e perdas, e divagam sobre o futuro e o desejo de recomeçar.

O monólogo teatral é baseado na terceira parte do livro Os sertões, de Euclides da Cunha (1866-1909), que transforma o ator Amaury Lorenzo em um rapsodo que conta, em uma longa prosa épica, as batalhas ocorridas em Canudos, em 1896, entre os homens e mulheres chefiados por Antônio Conselheiro e as forças militares da República, recém-proclamada no Brasil (1889). Lorenzo foi indicado aos prêmios Cesgranrio e Fita de Melhor Ator pelo trabalho, e atualmente também se destaca como o personagem Chico, da novela “Volta por cima”.

O espetáculo acompanha as aventuras de Toninho, um garoto que sai de uma pequena cidade do interior do Maranhão, rumo a São Paulo, para resgatar o pai, João Antônio, que acredita ter sido engolido por um peixe e levado por um grande pássaro.

O espetáculo Itinerário do Maldito- uma viagem pelo universo de Plinio Marcos traz aos palcos uma colagem cênica com fragmentos da obra teatral daquele que era uma figura polêmica e que foi um dos primeiros a levar pro palco a vida dos marginalizados. Com direção de Virgínia Nascimento o espetáculo mergulha nas complexidades do escritor, jornalista, ator e palhaço Plínio Marcos e também faz uma homenagem póstuma aos 25 anos da partida de um dos maiores dramaturgos do teatro brasileiro contada pelos seus principais personagens.

Na nova montagem, o príncipe se vê triste e amargurado ao ser transformado em Fera perto do Natal. Entretanto, sua vida mudará para sempre com a chegada de Bela em seu castelo, assim como o destino dos outros personagens. A Fera voltará a acreditar no milagre de Natal? Será que Papai Noel irá na festa de Natal nesta aldeia? É claro que sim; afinal, nada como as músicas mais famosas desta época do ano para encantar o público

Renata Costa teve seu trabalho contemplado no projeto "Cessão de Espaço", de 2024, do Centro Cultural Espaço Tápias. O espetáculo “A(s) - isso não é um solo” chega à Barra da Tijuca. Segundo Renata, “A(s) - isso não é um solo” é um exercício de vislumbrar a construção da feminilidade a partir das palavras, do pensamento e do corpo das próprias mulheres e não pela visão dos homens, como está posto em nossa sociedade e comprovado historicamente, como aponta autora, professora, teórica feminista, artista e ativista antirracista estadunidense Bell Hooks. Instigada pela escritora, Renata Costa, neste novo trabalho, se coloca em contato intenso com mulheres que conseguiram ao longo da história algum espaço de visibilidade, assim como, com aquelas que foram escondidas pelo patriarcado, invocando-as em sua dança.

Malgranda, quer dizer pequeno em Esperanto (língua de origem do nome Suno), e consiste em um espetáculo de circo em miniatura, com pano de roda, espias, camarim e picadeiro. Apresentado pela atriz circense Helena Figueira e o palhaço e malabarista Duba Becker, possui um formato de esquetes (cenas curtas), com duração em média de 20 minutos.

No centro do palco, duas mulheres encarceradas, que discutem as próprias vidas e o sistema carcerário, emolduradas pelas canções de Chico Buarque de Holanda, o compositor brasileiro que mais exaltou as mulheres em suas canções.

O Grupo de Teatro Fatal Companhia apresenta a peça DESAPROPRIAÇÃO, que conta a história de um homem, Nicolas, que vive com sua família em uma fazenda no litoral do Brasil e que tem um processo de desapropriação de suas terras iniciado pelo Estado para que a moradia e, ao mesmo tempo, seu local de trabalho, se transformem na nova sede da Prefeitura e em um templo religioso. Nicolas recorre a um advogado, amigo de longa data, Dimas, para se defender do processo de desapropriação. Nesse enfrentamento ao Estado, Nicolas se vê diante de inúmeras injustiças que podem desapropriá-lo não só de sua propriedade, mas de sua esposa, de seu filho, de seus amigos e até de sua vida.

Uma comunidade é construída por centenas de acordos entre si. Acordos que operam na manutenção da vida, da pulsão existencial, dos prazeres e das partilhas que possam gerar sentido. O toque de IKU é um portal ambíguo que despeja desconfortos. Os ciclos de nascimento – vida e passagem – são a integração do vir a ser. Como um organismo vivo que se revitaliza e se transforma a cada movimento, é nesse movimento que descobre suas subjetividades. IKU é a energia surpresa que cria rupturas na circulação do axé, puxando outras camadas de renovação. É um gozo que descarrega os excessos. É a possibilidade de ancestralizar. A fuga da morte é o que temos em comum, mas IKU nos alcançará de uma forma ou de outra. O beijo de IKU é temido e a força desse temor é o que faz nossos corpos buscarem a revitalização das experiências comunitárias.

O meteorito Bendegó, o maior já encontrado no Brasil, é o símbolo central do espetáculo homônimo da Definitiva Cia. de Teatro. Resgatado da Bahia e preservado no Museu Nacional, onde sobreviveu ao incêndio de 2018, Bendegó se transforma em um emblema de resistência e memória. A partir de sua história, o espetáculo explora os incêndios — literais e simbólicos — que moldam o passado e o futuro da humanidade. Em um "museu vertical" de camadas de história e identidade, a peça reflete sobre a violência, colonização e transformação que marcam a trajetória do Brasil e do mundo.

O espetáculo de ballet, com músicas de J. Offenbach, R. Drigo, J. Strauss, M. Viana, popular americana e alemã, é apresentado com movimentos, cores, luzes, figuras e formas, promovendo o prazer estético e estimulando o potencial criativo em cada espectador. A principal intenção é reforçar, para crianças de todas as idades, a importância de valores preciosos como o afeto, a empatia, a amizade e o respeito, em busca de um mundo sem guerras, mais justo e fraterno, onde a generosidade supera a ganância, a tolerância supera a ira e o sorriso devolve o amor.

A obra aborda as dores inerentes à existência humana, discutindo temas como identidade, percepção da finitude, prazer e impotência, além das contradições e conflitos da vida contemporânea.

Ao explorar as fricções entre corpo e máquina, o espetáculo performático intermídia CORPOMÁQUINA propõe a reflexão sobre o limite entre o biológico e o sintético, e sua inevitável fusão proporcionada pela busca incessante da superação das limitações humanas. A obra, que mescla dança, performance e tecnologia, aborda o questionamento fronteiriço sobre até onde o corpo é humano, onde se torna máquina e em qual instante há campos simbióticos, éticos, poéticos e políticos a serem investigados.

Em cena, a privacidade de cinco mulheres negras é flagrada quando expõem suas trajetórias afetivas, permitindo ao público entrar em seus respectivos cotidianos. Elas tentam enxergar e modificar seus destinos, como lagartas aprendendo a voar. revelando seus medos, dores, amores e sonhos.

Ao se ver consumida pelo desejo de fama e reconhecimento, a influenciadora digital Laika resolve largar tudo que tem para se tornar andarilha. Durante a peregrinação, ela descobre sua espiritualidade e levanta questionamentos acerca da existência, compartilhando suas angústias, reflexões e conhecimento com uma massa de seres animados e inanimados que a acompanha.

Luque apresentará ao público cenas de alguns dos seus personagens mais icônicos: o Mustafary, um vegetariano irônico e controverso, que prega a sustentabilidade do planeta, ama os animais, a natureza e, principalmente, seu cachorro “Serumaninho”; e Jackson Faive, o motoboy paulistano mais famoso do Brasil para trocar ideia sobre tudo de mais dilatado que vem ocorrendo nessa biosfera terrestre.

Alegria é a Prova dos Nove é uma “devoração oswaldiana”, uma conversa poética entre Oswald de Andrade, suas paixões femininas cruciais na formação de sua personalidade, seus amigos companheiros na atuação artística e seus personagens ficcionais, buscando “comer” seu espírito de juventude, seu ímpeto de festa, ideias, transgressões, descaminhos e utopias.

A peça explora o cancioneiro de Zé Ramalho, sua literatura e os cenários marcantes de sua trajetória de maneira inovadora e não biográfica. Sob a dramaturgia de Pedro Kosovski e a direção de Marco André Nunes, os elementos da obra ganham vida no palco. Nesse formato, Zé, o personagem, se manifesta apenas nos números musicais, resultando em uma experiência inédita.

Baseado na obra de Michele Iacocca, Vacamundi conta a jornada épica-histórica da conquista e ocupação, por “valentes” parasitas desbravadores, de um “território não-civilizado”: uma vaca. Para contar essa saga, o Maracujá Laboratório de Artes criou um espetáculo cômico-musical que mostra, de forma irônica, os parasitas que ocupam não só a vaca, mas o nosso planeta Terra.

“Camille em Fuga” traça uma relação sensível entre três mulheres, duas humanas e uma em óleo sobre tela. Em cena, estão as atrizes, Denise Stutz e Eli Carmo, que vivem Aura e Camille, respectivamente. Toda segunda-feira, Aura visita a mesma galeria, onde Camille trabalha, para admirar uma instalação inspirada no quadro de Monet. É ali o seu refúgio, onde consegue ser ela mesma, sem precisar desempenhar qualquer papel para ninguém. A partir de um jogo de enquadramentos e pontos de vistas, essas mulheres se entrelaçam construindo uma intimidade incomum no mundo individualista contemporâneo.

O monólogo traz à tona toda a atualidade deste livro genial de Machado de Assis, oferecendo ao público um olhar agudo sobre a sociedade brasileira do século XIX. A equipe conta com profissionais já conhecidos da cena paulistana: além de Damigo, que tem mais de 30 anos de experiência nos palcos, o diretor musical e arranjador Pedro Paulo Bogossian, que trabalhou as músicas originais da peça criadas por Mário Manga, do antológico Premeditando o Breque, e Fábio Namatame no figurino. Regina Galdino assinou e dirigiu, em 1998, uma montagem desta mesma adaptação, interpretada por Cássio Scapin, quando o espetáculo recebeu vários prêmios e elogios da crítica.

A peça conta a história de três mulheres desconhecidas que acabam se unindo pela falta, pela raiva e pela solidão. Úrsula, uma viúva excêntrica, confunde Aisha, uma mulher que acabou de ser abusada em um bar, com sua enteada desaparecida e as duas constroem uma relação fingindo ser quem elas não são. Quando a gata de Úrsula some, elas iniciam uma busca que termina no apartamento de Bete, uma senhora que parece esconder algum segredo.

Maria é uma jovem atriz, estudante de artes cênicas, obcecada por treinamento e em busca de total aperfeiçoamento metodológico. No entanto, ela é possuída por entidades e criaturas como Antonin Artaud e Stanislavisk, grandes teatrólogos e influências em sua formação acadêmica. Esses seres e a mãe, retrograda e pragmática, a levam ao estado órfico da loucura. Apresentando toda a ludicidade, a brincadeira e os riscos de estar em cena, Maria traz o humor, o autoescárnio e seus poderosos instrumentos, físicos e metafísicos.

Charles é um homem recluso que sofre com suas decisões do passado das quais, apesar de achar certas no momento, acabou lhe trazendo muita angústia e dor ao longo dos anos. De repente, tudo muda, quando ele recebe em sua casa a rebelde Ellen, sua filha que ele abandonou aos 8 anos para seguir um novo amor. Com muita emoção, revelações e dificuldades, "O Peso da Vida" é uma história incisiva, crua, que faz a gente pensar em como a vida vale, e em como as pessoas podem fazer a diferença.

A turnê nacional do espetáculo já passou por lugares como Rio de Janeiro, Niterói, Volta Redonda e Belo Horizonte, e todas as sessões com ingressos esgotados. “Kysha e Mine: Lance de Escola” apresenta músicas dançantes e uma história inspiradora ao ressaltar a importância da amizade e do autoconhecimento para superar obstáculos e alcançar os sonhos. Os artistas Stefan Baby, Argentino e Fidelis também fazem parte do elenco. A direção musical é de Umberto Tavares e Jefferson Junior, renomados nomes da indústria fonográfica, enquanto a direção e coreografia são assinadas por Babi Gomes e Bru Gomes.

A peça tem texto e direção de Nautilio Portela e reúne três atores, que dão vida a mais de 8 personagens. A trama conta a história do aviador perdido num deserto que encontra um principezinho de um planeta distante, o B612. Este Pequeno Príncipe – que conheceu muitos planetas antes de chegar à Terra – passa, então, a contar suas aventuras: ele já conheceu um geógrafo, um homem de negócios e até mesmo um rei. Com cada um deles, aprendeu uma lição diferente. Juntos, os dois novos amigos convidam o público a participar desta jornada, apresentando ainda a melhor amiga do Príncipe: uma rosa linda, inteligente e divertida, que ele deve reencontrar em breve, quando voltará para seu planeta, o Asteroide B612. O Pequeno Príncipe é interpretado por Catharine Moreira, atriz surda. Outros dois atores interpretam todas as demais personagens. Mais de 40 peças de figurino compõem a viagem conduzida pelo elenco bilíngue.

A vertente rítmica brasileira está espalhada pelos quatro cantos do país, e a riqueza dos cantos e contos populares também emerge de atividades produtivas. Nos dias (02) e (03) de novembro o Sesc Santana recebe o espetáculo infantil “Cantinho de Nois”, da Jorge Garcia Cia de dança. Atividade econômica que marcou o período imperial brasileiro e segue em voga atualmente, a montagem mergulha no modo de vida dos cortadores de cana-de-açúcar.

Com uma linguagem coreográfica rica e envolvente, o espetáculo explora a profunda conexão entre corpo, memória e espaço, revelando como nossas experiências corporais são moldadas pelas histórias e contextos que vivemos, refletindo a subjetividade de indivíduos muitas vezes marginalizados. Uma jornada de movimento e emoção, transformando a marginalidade em força, revelando a beleza e a resiliência dos corpos que dançam suas histórias.

Rita, uma atriz-performer, conduz o público por uma jornada psicológica e emocional através de sua pesquisa sobre relacionamentos abusivos. O espetáculo ganha vida quando ela descobre uma série de cartas encontradas dentro do colchão de um presidiário em São Paulo. Essas correspondências, trocadas entre uma mulher intrigante, "M", e o "maníaco da flor" — um psicopata condenado por assassinar e esquartejar mais de 40 mulheres, tornam-se o fio condutor de sua performance.

Nesta produção, o público é convidado a conhecer uma Frida Kahlo lúcida, solar e cáustica, celebrando o triunfo paradoxalmente no Dia dos Mortos. Enquanto prepara um jantar para seus convidados, sejam eles vivos ou mortos, Frida revisita sua vida, trazendo à tona personagens marcantes como Diego Rivera, Trotsky, Rockfeller, e André Breton.

Jonathan, um atendente de fast food, Luiz Felipe, um garoto de programa e Antônio, um professor universitário aposentado são três homens gays que têm suas vidas cruzadas. Através dos desenvolvimentos de suas trajetórias e das relações que se estabelecem entre eles, “Selva: Solidão” convida o público a refletir sobre os efeitos de se crescer como uma pessoa LGBTQIAPN+ em um mundo heteronormativo, e sobre o constante sentimento de solidão presente na comunidade.

Mostra a Tua Cara fala sobre o passado recente do Brasil. De quatro locais diferentes, quatro personagens revivem, por meio de diálogos fragmentados, o fim do regime militar no país e o começo da Nova República. A história se passa no Rio de Janeiro, no dia 23 de junho de 1996, o dia do assassinato de Paulo César Farias: em quatro bares diferentes do Rio, quatro personagens – um michê de sauna (Thadeu Matos), uma dona de casa classe-média (Ângela Rebello), um empresário (Alexandre Galindo) e uma cantora de axé (Letícia Isnard) – revivem os anos Collor e como estes mudaram suas vidas.

Tina, uma jornalista recém-formada, realiza o sonho de trabalhar em uma prestigiada redação. Imersa no ineditismo das notícias, a vida de Tina ganha outro ritmo, com novas amizades e, sobretudo, novas oportunidades para sua carreira. Ela só não esperava que, no auge de seu entusiasmo, tivesse que lidar com uma situação paralisante, que traz à tona os dilemas e desafios que mulheres enfrentam cotidianamente na sociedade. Há coisas que não são negociáveis e Tina precisará decidir usar ou não sua voz para garantir para si mesma e para outras mulheres RESPEITO. Com a atriz Isabelle Drummond como Tina, a obra aborda questões atuais de gênero e assédio à mulher, com o objetivo de despertar a conscientização para a importância do exercício pleno e abrangente do respeito como fio condutor de todas as relações

Empolgado e complemente envolvido com seu universo de games, Nata deixa de cumprir suas obrigações e compromissos domésticos, mas quando dorme acaba fazendo uma viagem para o mundo do folclore. Lá, o Saci, a Iara, o Curupira, os sapos e a onça, dão uma lição de moral nessa criança moderna.

Com dois personagens, um banco e uma praça, Arap diz evocar “Dois Perdidos Numa Noite Suja”, de Plínio Marcos, e mais especificamente “Zoo Story”, do norte-americano Edward Albee, 79. CHORINHO é um espetáculo que trata da vida urbana, no qual a narrativa traz duas personagens, a tia (Cida Lima) e o morador de rua (Ronaldo Barbosa), completamente díspares, mas que sofrem do mesmo mal: a solidão. Com poesia e humor, a peça apresenta em sete momentos a construção inusitada de uma amizade, em que as personagens passam a compartilhar seus pensamentos, e sentimentos comuns.

A Cia. Casca de Noz apresenta Patunts, um espetáculo circense que explora a relação entre percussão e movimento de forma colaborativa. Três intérpretes percorrem por um cenário abstrato de madeira, criando sons a partir dos objetos que manipulam. À medida que esses sons emergem, malabarismos, acrobacias e dança moldam os personagens e configuram suas ações, guiados pela exploração do som e do espaço.

O espetáculo é ambientado em um grande jardim, onde vários animais e insetos buscam viver em harmonia. Assim, à medida que segue em direção ao lago, Babi, a borboleta sem asas, conhece o caramujo Magnólio, a abelha Abel e o vagalume Lamparino, entre outros, cada um com sua particularidade. E vai descobrir, nessa caminhada, que as deficiências são eficiências singulares, um modo particular de ser e estar na vida.

A narrativa é transmitida através dos olhos de Violeta, uma menina de quatro anos, que está ansiosa pela chegada de seu irmãozinho, Azul. O que ela não imagina, é que ele acabará ocupando um espaço inesperado na vida da família. Entre os ciúmes e a aceitação de um irmão tão diferente, Violeta descobre que é preciso aprender a lidar com o que a vida propõe para a solução natural dos conflitos. Afinal, o amor entre os irmãos é maior do que qualquer diferença que possa existir entre eles. O espetáculo é mais uma imersão do grupo no teatro de animação, com uso de bonecos e máscaras executados pelo artista visual Dante. A trilha sonora traz marchinhas de carnaval, blues, clássicos da música erudita e música minimalista, agindo como elemento narrativo da cena, oferecendo ao público um espetáculo lúdico e engraçado, que vai emocionar as pessoas de todas as idades.

Jean-Claude Romain vive uma farsa por duas décadas. Todos acreditam que ele é um respeitado médico da Organização Mundial de Saúde, enquanto sua vida é uma construção de mentiras para atender às expectativas de sua família e sociedade. Quando prestes a ser desmascarado, sua pressão psicológica o leva a atos extremos, questionando o que é ser "normal" em um mundo que oprime. O falso médico então assassina seus pais, filhos, esposa e cachorro, novamente para que não se decepcionem com papeis que ele não conseguia mais suportar.

Realizado nos princípios do teatro documentário, “Um homem sem importância” parte da carta escrita por Leo Lama a seu pai, o dramaturgo Plínio Marcos, no dia de sua morte. Através do relato íntimo e contundente de um filho a respeito da trajetória única de seu pai, o solo narrativo mescla memória pessoal e coletiva, conduzindo o público pelos bastidores de duas gerações marcadas pela ditadura civil-militar de 1964.

O Ballet Stagium apresenta o espetáculo Mané Gostoso, em homenagem ao icônico cantor e compositor pernambucano Luiz Gonzaga, no Teatro Sérgio Cardoso (Sala Paschoal Carlos Magno), gerido pela Associação Paulista dos Amigos da Arte e vinculado à Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo. Mané Gostoso é uma obra genuinamente nacional, marcada pela forte identidade nordestina e pelo bom-humor, além de uma grandeza poética que permeia todo o espetáculo. O título faz referência ao famoso boneco de madeira, típico das feiras do Nordeste, e carrega a essência da cultura popular da região. Com coreografia de Décio Otero e direção teatral de Marika Gidali, a obra destaca a versatilidade do povo brasileiro, retratando a riqueza cultural e a criatividade presente no cotidiano nordestino.

Em cena, Antonio Quinet dá vida à Freud e Juliana Teixeira à poeta Hilda Doolittle, uma mulher à frente de seu tempo, com vida afetiva libertária e conturbada, que busca na psicanálise um tratamento para seu bloqueio na escrita. A peça faz o espectador entrar no consultório de Freud e ver por dentro como é o processo de tratamento psicanalítico. Os medos, amores, lutas, sonhos e alucinações da paciente suscitam em seu analista intervenções geniais que mudam a vida da escritora, além de selar uma forte amizade entre os dois.

Uma reviravolta inesperada na véspera do Ano Novo reúne Miguel, nascido e criado no fictício Morro do Sol, e Daniel, um privilegiado jovem da Zona Sul do Rio de Janeiro. Daniel se encanta por Júlia, irmã de Miguel, e eles mergulham em um romance cheio de paixão, quando se veem envolvidos em uma situação surpreendente. Juntos eles terão que enfrentar os obstáculos e desafios de uma sociedade parcial.

Ao se confrontar com a dificuldade de se relacionar na vida adulta, Luiza é convidada a fazer uma viagem para o passado, revisitando sua infância e olhando para a própria família sob outra perspectiva. Para a diretora, a forma como bell hooks analisa as relações familiares foi o ponto de partida: “me levou a questionar a possibilidade de estabelecer uma relação sincera e honesta, principalmente entre pais e filhos, quando a omissão e a mentira costumam ser a regra do jogo”, comenta. “Tear” representa esta trama de memórias e crenças costuradas em comportamentos da infância até a vida adulta.

O monólogo é muito sensível e tem um olhar aguçado para as relações humanas, além de trabalhar a nostalgia ao transportar o público para uma jornada de resgate das memórias de uma mulher que dedicou sua vida à arte e à hospitalidade. Com uma interpretação única, a atriz Leila Viany vai costurando suas falas entre o passado e o presente, lançando críticas à modernidade dos tempos imediatistas e fugazes. Na trama, Leila remonta uma época em que morou na antiga casa de outra mulher conhecida no bairro, a Jupira, que era muito simpática e convidava todos para um café enquanto varria a calçada de rua. Em meio a essas lembranças, uma personagem se costura à outra. “A ideia de encenar um monólogo sobre Jupira surgiu dos pontos em comum que temos entre criador(a)e criatura -- arte, artesanato, contato direto com pessoas desconhecidas nas ruas e luta diária pela sobrevivência - além da coincidência de moradia que ocorreu em tempos diferentes”, conta Leila.

Sinopse: O palhaço Klaus e seus parceiros de estrada, a irmã Gorete e o Medusa se reencontram para apresentar um show irreverente com humor sarcástico, mágicas ilícitas e música quase autoral. Um espetáculo para quase toda família.

Um jovem ator se mistura entre os espectadores logo na recepção do espetáculo, compartilhando como a leitura de um clássico da literatura transformou sua vida. Tudo começou quando ele "tropeçou" em Machado de Assis. A partir daí, a narrativa nos transporta de volta ao teatro e à obra de Machado, que, com sua habitual ironia e humor, apresenta o célebre personagem Simão Bacamarte, ilustre morador de Itaguaí. Bacamarte dedicou sua vida ao estudo das doenças mentais e da loucura, sendo um homem da ciência e um fervoroso investigador, cuja única vocação é a prática científica. Prepare-se para embarcar nesta fascinante aventura!

A montagem da UNIOPERA vai reunir um grande elenco para contar a história de amor entre Tamino e a Princesa Pamina, em um enredo repleto de reviravoltas e personagens icônicos. A soprano Jéssica Leão, que atualmente mora na Alemanha, virá ao Brasil especialmente para essa produção. Ela viverá a Rainha da Noite nas duas versões, original e infantil, retornando ao papel que foi sucesso na temporada de 2019. A soprano Isabella Luchi se apresentará pela primeira vez para o público da UNIOPERA. Ela viverá a Princesa Pamina em cinco récitas e dividirá a personagem com Giulia Moura, que se encarregará de fazer a interpretação em três sessões. A solista retornará ao palco do Teatro Bradesco depois de uma performance emocionante como Micaëla na ópera Carmen e como solista na 9ª Sinfonia de Beethoven.

Os Trovadores Noéis são o quarteto de Papais Noéis mais animado de São Paulo, espalhando alegria e emoção por onde passam desde 2010. Com direção musical da maestrina Lucila Novaes e direção artística da atriz e cantora Cris Ferri, eles se apresentam em casas, empresas e agora, na Casa dos Trovadores Urbanos. Cada detalhe, desde o figurino cuidadosamente desenhado até o repertório emocionante, é pensado para tocar corações e transformar as sextas-feiras em momentos especiais, repletos de luz e afeto.

Após ser banida e perseguida, a personagem inicia um longo processo de autoexílio que dura até os dias de hoje. Imediatamente substituída pela dócil e subserviente Eva, Lilith retorna ao imaginário comum como uma mulher perigosa e temível. A partir deste mote, "Lua Negra" a apresenta como cerne da construção de “papéis femininos” nas diversas culturas e elo perdido na invenção da misoginia pelo patriarcado.

O dramaturgo da obra Rodrigo Giacomin, se inspirou em seus proprios conflitos familiares, suas vivencias de história, dramas vividos por pessoas proximas de sua familia. Os personagens nasceram na época da pandemia onde todos estavam reclusos dentro de casa. O jovem caminhoneiro Juliano viaja o país colecionando sonhos e amores, até que a chegada da misteriosa Domitila desperta paixão, ambição e segredos ocultos. O espetáculo busca promover uma reflexão profunda sobre as dinâmicas emocionais dos relacionamentos. Questionamentos emergem sobre as diferentes facetas de papéis como filho, namorado, marido e amante. A correlação entre a mulher e a natureza é evidente, manifestando-se em seus sentimentos. Suas emoções oscilam entre a plenitude, tal como a floresta exuberante, e a devastação, comparável ao desmatamento.

Após 27 anos de pesquisa com temas relacionados ao sujeito anônimo e referências na literatura e nas artes visuais, a E² Cia de Teatro e Dança apresenta seu novo trabalho cênico: Ruído Vermelho, que reúne 12 intérpretes paulistanos, vindos de vários locais da cidade, trazendo em seus corpos diferentes técnicas e pensamentos de dança. Ao contrário do que foi feito em pesquisas anteriores, Ruído Vermelho não tem como referência uma obra específica, mas partiu de provocações que resultaram num jogo cênico em que os intérpretes colaboram para uma construção poética que é também uma pergunta para esses nossos tempos ocos: Como dançar agora em cima dos escombros

Em cena, cinco bailarinos, um ator convidado e um músico recriam episódios da conturbada relação entre o rei Eduardo II e Piers Gaveston, estabelecendo conexões com os desafios enfrentados pela sociedade contemporânea

Idealizada pela diretora e coreógrafa Débora Marçal, que além da formação em Dança é também atriz, figurinista, cenógrafa e joalheira, o Bando Macuas Cia Cênica surgiu de uma experiência de imersão vivenciada pela multiartista paulistana durante uma viagem feita por ela em 2012 a Moçambique, quando Débora participou de um intercâmbio artístico-cultural no país afro-lusófono com a Capulanas Cia de Arte Negra, grupo teatral formado por ela, em 2007, em parceria com a atriz e cientista política Adriana Paixão, a atriz e dançarina Flávia Rosa e a atriz e dançarina Priscila Obaci.

O enredo de “Vestido de Noiva”, a segunda peça de Nelson Rodrigues, é dividida em três planos que se inter-relacionam em ações simultâneas, em tempos diferentes, onde ocorrem as cenas da alucinação, da memória e da realidade, que estabelecem as molduras nas quais a agonizante Alaíde (Djin Sganzerla), protagonista, desvenda ao público espectador a história trágica de seu amor infeliz pelo marido Pedro, na qual tem como rival a irmã, Lúcia (Simone Spoladore). À narrativa de Alaíde misturam-se flashes urbanos de ruas e de trânsito, de uma sala de cirurgia, de uma redação de jornal. E ainda se entrelaça com a história de Madame Clessy (Lucélia Santos), vítima de feminicídio, no início do século XX. Na peça, Madame Clessy tem a função de ajudar Alaíde a reorganizar sua mente convulcionada, após o atropelamento.

A obra literária Uma Mulher Vestida de Sol é uma adaptação de Ariano Suassuna do folheto de cordel de João Martins de Athayde, que por sua vez se inspira na clássica história de amor entre Romeu e Julieta, de William Shakespeare. Em sua releitura coreográfica, o Grupo Grial mergulha na beleza árida do sertão nordestino, cria um universo vazio habitado por bodes... e duas famílias inimigas. Apesar de pontuar nos corpos e na sonoridade as poéticas típicas da região, o Grial traz uma visão trágica de um Brasil arcaico, apegado à tradição do poder do homem sobre a terra, sobre outros homens e principalmente sobre as mulheres.

Encenada pelo premiado ator e diretor Johayne Hildefonso, a peça fala sobre o amor dos felinos, o afeto pela poesia e as alegrias de quem aprende a ler e a escrever. Um monólogo com música, acrobacia e surpresas cênicas. O Gato Esperto deita e rola no teclado de um computador. Aperta a letra A, depois a M, o O... Até que escreve a palavra AMOR. Feliz com sua conquista e, inspirado por sua musa, a Gata da Vizinha, ele se torna um Gato Poeta. Agora, ele canta, dança, faz acrobacia e poesia. A sua fama ganha o mundo e ele acaba eleito para a Academia Brasileira de Letras. Diversão para crianças de zero a 100 anos.

A peça fala do rompimento de limites na busca pela felicidade. A Pequena Sereia corre todos os riscos para chegar à terra e estar ao lado do príncipe. O dramaturgo Fabio B. Torres diz que o conto original serviu como inspiração, mas retirou dele os detalhes dramáticos como o desaparecimento da sereia em forma de espuma. “Coloquei um final feliz na história”, diz. A montagem é pontuada pelas músicas do desenho animado da Disney, que estão na memória das crianças. O repertório ganhou arranjos novos, criados pelo diretor musical Wagner Bernardes. “Experimento sonoridades diferentes do original da Disney, explorando bastante o trabalho vocal dos atores e instrumentos musicais. A intenção é transportar as crianças para os ambientes da peça”, conta Bernardes. Os cenários de Leandro Mariz situam a peça em três ambientes: a superfície do mar, o fundo do mar e a terra.

As peripécias das duas protagonistas, Grilo e Chicó, envolvem situações hilárias e pensamentos sobre a vida enquanto driblam cangaceiros, padres e até mesmo o próprio diabo. A peça mescla humor, crítica social e elementos da cultura popular do Nordeste brasileiro, uma festa de comédia e canção, do jeitinho que o povo brasileiro gosta.

Simon é um adolescente apaixonado por quadrinhos que vive em um mundo onde super-heróis são sua principal inspiração. Mas, quando enfrenta uma perda familiar devastadora, ele precisa lidar com uma crise emocional profunda. Em meio a seus dilemas pessoais, Simon embarca numa jornada de autoconhecimento, descobrindo que a verdadeira coragem pode estar nas pequenas atitudes do cotidiano. Com músicas tocantes e uma história repleta de momentos de humor e emoção, Superhero revela que ser herói não é apenas sobre salvar o mundo, mas também sobre superar desafios internos e aprender a amar e a perdoar – inclusive a si mesmo.

O amor descontrolado de um deus por uma mortal, gerando a morte e o renascimento por meio da constante troca de papéis entre os dois amantes.

azul-jardim é uma peça de dança em homenagem ao cineasta inglês Derek Jarman que morreu em 1994 por conta da AIDS. O bailarino Raul Rachou, dança suas memórias com Derek (os dois namoram quando o bailarino morou na Inglaterra), a concepção da encenação é um pensar sobre o que significa o envelhecimento, a doença e o medo da morte nas relações homoafetivas de diferentes gerações. O título faz uma homenagem ao último filme que Derek: Blue que é um longa composto apenas pela cor azul e uma longa narração do cineasta, revendo suas memórias antes de morrer.

Em um dia comum, a rotina de uma família negra é abruptamente interrompida por uma visita indesejada. O espetáculo, contado pelo ponto de vista da Irmã, reflete sobre luto, violência e racismo, ressaltando a vulnerabilidade da comunidade negra.

O projeto Confrontos Coreográficos promove encontros de trabalhos em dança e performance, estimulando o diálogo entre diferentes artistas e coletivos por meio de fricções conceituais, estéticas e políticas. O público tem a oportunidade de assistir a duas apresentações sequenciais, de artistas ou coletivos distintos, e ainda participar de bate-papos sobre questões contextuais, processos criativos e atravessamentos entre as obras.

Assistido por mais de 300 mil pessoas de 60 cidades, durante uma década de estrada, o projeto Beatles para Crianças chega novamente ao Rio de Janeiro a bordo de seu submarino amarelo. A trupe paulistana, que apresenta os grandes sucessos do quarteto de Liverpool para os pequenos, volta à cidade com o aclamado "Meu Primeiro Show de Rock", dias 23 e 24 de novembro, no Teatro Clara Nunes, no Shopping da Gávea. Com idealização, texto e direção de Fabio Freire e Gabriel Manetti, o espetáculo reúne os maiores sucessos do quarteto de Liverpool, com arranjos originais, entre eles “I Want To Hold Your Hand”, “All My Loving” e “Yellow Submarine”, além de histórias divertidas contadas e cantadas pelos músicos e atores.

Como seríamos se pudéssemos inventar um outro Eu? Um Eu que nos faz livres por algum momento. Que celebra a vida que não se tem. Que deseja o que desconhece. Que desconfia de todas as certezas que se tinha e coloca o tempo em suspensão.

“La Bayadère” é um ballet clássico de repertório que teve sua estreia mundial em 1877, em São Petersburgo, na Rússia. A obra narra a história de Nikiya, uma dançarina do templo e de Solor, um jovem guerreiro. Os jovens apaixonados planejam fugir juntos e juram fidelidade diante do fogo sagrado. No entanto, Solor se esquece do juramento quando Rajá oferece a ele a mão de sua filha Gamzatti.

O Balé da Cidade de São Paulo estreia sua terceira temporada na sala de espetáculos do Theatro Municipal de São Paulo. Grupo marcadoo pela sua relevância nadança contemporânea e inovação artística, apresenta a remontagem Variação, de Davi Pontes e coreografia inédita o que é o coro. coro, de Marcela Levi e Lucía Russo. 

Durante a pandemia do Covid 19, um homem chega em sua casa. Ele está paramentado, protegido, carregando sacolas de compras. No chão, na entrada, encontra cartas deixadas pelo correio. Elas contam experiências com o covid: diagnóstico, internação, UTI, intubação. A leitura delas transformará sua rotina no isolamento.

Em "Villa-Lobos, Cantigas e Crianças", somos levados em uma encantadora jornada musical, onde o personagem principal, Seu Francisco, conduz o espetáculo relembrando histórias de sua vida em uma noite de São João. Combinando música, teatro e tecnologia, o espetáculo envolve bonecos, coristas, músicos e projeções 2D animadas, sob a direção artística de Ana Luisa Lima. A excelência musical é garantida pelo Quinteto Villa-Lobos em uma experiência emocionante, celebrando a cultura popular brasileira.

A Comédia do Coração” se passa dentro de um coração de uma jovem apaixonada, cheia de dúvidas sobre a possibilidade de casamento. Cada personagem é um sentimento diferente: a Paixão quer se casar, mas a Razão não acha que é um bom negócio e por isso quer, a todo custo, prender o Sonho e controlar a Alegria, fazendo alianças com o Medo, Ódio, Dor e o Ciúmes.

Ella, que está com mais de 40 anos, num casamento que sobreviveu à pandemia e à enchente e vive o luto pela perda da avó vítima da COVID-19, vai até a casa na floresta onde foi criada pela matriarca e reflete sobre a perigosa distância que existe entre o que sente com a passagem do tempo e o que está de fato preparada em relação à isso. Uma história de uma família de mulheres e um retorno ao refúgio da herança familiar a leva ao encontro com sua alma ancestral e seu espírito jovem e selvagem na busca de sua identidade e de uma bênção para ser quem ela é. Um ritual, uma cura, um movimento para dentro de si para então seguir adiante melhor, mais livre, mais feliz.

Na rotina de uma empresa singular, dois palhaços - um meticuloso arquivista e um dinâmico entregador - descobrem tesouros e relíquias esquecidas nas profundezas de um depósito mágico e misterioso. Esses achados se transformam em uma valiosa herança da rica história do circo brasileiro, entrelaçando-se com a vida do saudoso palhaço Teco Teco (1932 - 2021), notável professor da Escola Nacional do Circo que dedicou sua existência à arte circense.

Este show promete ser uma experiência inesquecível para toda a família, trazendo ao palco o fenômeno do YouTube, Bento, Totó e os patinhos, que conquistaram corações ao redor do mundo com sua música contagiante e performances memoráveis. "Brincando com Bento e Totó!" é mais do que um show; é uma celebração da música e da dança, projetada para encantar pessoas de todas as idades. Com um repertório que inclui hits como "Funk do Patinho" e "Patinho Colorido", o espetáculo promete fazer todos dançarem e cantarem do início ao fim. É uma oportunidade única de vivenciar um espetáculo cheio de energia, música e diversão. Marque no calendário e prepare-se para esse evento único. Não perca a chance de participar deste momento inesquecível!

Fundada em 2012 por Filipe Edmo, a Trupe Trupé nasceu da vontade e vocação do artista de apresentar as mais diversas manifestações populares por meio de espetáculos de múltiplas linguagens, guiados pela música, com dança, teatro, brincadeiras e interações para crianças de todas as idades. Ritmos como Frevo, Forró, Maracatu, Marchinha e Boi Bumbá, entre muitos outros, marcam o repertório genuinamente brasileiro e para toda a família. PÉ DE BRASIL reúne canções inéditas e sucessos dos trabalhos anteriores, trazendo novos personagens ao lado daqueles já conhecidos da criançada. No caldeirão sonoro destaque para as canções Tum do Maraca, Boi de Todo Lugar, Mexe como Mexo, Passarinho Caiu do Galho, Dança Pretinha e Segura o Frevo.

Que perguntas nós fazemos para continuar seguindo nesse mundo em ruínas? Esta é a questão colocada, para que nove atores e atrizes revelem o processo de um ensaio teatral de uma peça, no qual fazem palavras cruzadas e buscam dar algum sentido para suas vidas, enquanto não podem sair do local de apresentação – afinal, lá fora tudo está inconcebível. A ação se passa numa espécie de bunker teatral, onde o público aparece para respirar um pouco e se divertir, apesar do caos e violência no mundo externo.

Clara Nunes, nome artístico de Clara Francisca Gonçalves Pinheiro, a voz que converteu o canto em instrumento de conciliação e fez da própria arte um mecanismo capaz de propor reflexões sobre identidade de gênero, etnia e credo. Como boa guerreira, lutou arduamente nos palcos e fora deles, por acreditar em uma sociedade plural. Aos seis anos, Clara, já órfã dos pais, cantava ladainhas em latim no coro da igreja. Em pouco tempo, a jovem deixou a profissão de tecelã e passou a se apresentar como cantora nas rádios de Belo Horizonte. Após mudar-se para o Rio de Janeiro, Clara Nunes conheceu o mar e se apaixonou. Conheceu a Escola de Samba da Portela e foi abraçada pelo azul e branco. Passou a ter contato com as religiões de matrizes africanas, o que fez com que o seu canto tomasse novos rumos, deixando um legado atemporal. Para os compositores portelenses o verbo “clarear” não significa apenas o alvorecer. É, sobretudo lembrar desse ser de luz, que navegava além da palavra escrita e cantada.

A companhia paulistana Amálgama, que une circo e dança em uma proposta inovadora de artes cênicas, está de volta aos palcos com uma série de apresentações gratuitas em outubro e novembro. O espetáculo “Amálgama” é uma criação coletiva que combina malabarismo, acrobacia e dança, com composições de corpos e objetos como bambolês, bolas e claves. Amálgama foi contemplada pelo 8º Programa de Fomento ao Circo da Prefeitura de São Paulo.

O premiado espetáculo “Heroínas na História” narra a trajetória de uma boneca chamada Li, que abre um grande livro em branco e, com a ajuda de sua linha do tempo mágica e de seu tablet gigante, o “Gugo”, resgata do esquecimento cinco heroínas brasileiras de diferentes etnias: Maria Quitéria, Maria Felipa, Aracy de Carvalho, Vó Maria e Margarida Maria Alves. A sonoplastia utiliza objetos inusitados, facilmente reconhecidos pelas crianças, além de diversos instrumentos para enriquecer a narrativa. “Heroínas na História” presta uma honrosa homenagem lúdica e sensível às mulheres que abriram caminhos para as futuras gerações, cativando e divertindo o público. De maneira lúdica, com música e texto originais, o espetáculo apresenta o super poder de cada personagem e nos faz pensar nos superpoderes das pessoas ao nosso redor, mães, avós e professoras. O espetáculo já recebeu os prêmios de melhor dramaturgia infantil (FETUBA 2024), melhor atriz, melhor atriz coadjuvante e melhor cenário (Festival Dago Menezes - Itú 2024); melhor sonoplastia e melhor cenografia (Festival Catarse 2023).

Um homem chamado José apresenta uma leitura original da figura bíblica de José, que se mostra inesperadamente contemporânea ao se revelar não-alinhada aos padrões de seu tempo, abrindo caminhos para uma nova masculinidade.

Quatro palhaças encaram mais um dia de mesmice dentro de casa: limpar, passar, cozinhar e… Peraí? Cadê a Maria?! Com o sumiço da amiga Maria, são obrigadas a enfrentar o tão temido FORA, um lugar que não foi feito para elas, onde nenhuma mulher pode se aventurar. Será?

Fundado em maio de 2009, na zona Leste de São Paulo, o Grupo Rosas Periféricas está comemorando 15 anos de trajetória com programação gratuita no Sesc Itaquera. Para o público infantil, dois espetáculos de seu repertório serão apresentados: Ladeira das Crianças - TeatroFunk e Rádio Popular da Criança, respectivamente nos dias no dia 19 e 20 de outubro, sábado e domingo, na Praça de Eventos da Unidade, às 15h. Ambos com texto e direção coletivas e elenco formado por Gabriela Cerqueira, Michele Araújo, Paulo Reis, Monica Soares e Rogério Nascimento

“Monólogo da Prostituta no Manicômio” do Grupo M´Bêu - Associação de Cultura, Arte e Teatro de Maputo, Moçambique é um texto escrito por Dario Fo e Franca Rame que conta a história de uma mulher sendo interrogada por uma médica e sua equipe. A partir do seu depoimento, nos deparamos com a trajetória de alguém que foi alvo de uma sequência de violências de gênero ao longo da vida.

Exílio: notas de um mal-estar que não passa é uma “transcriação da poética” do período de exílio vivido por Abdias Nascimento e a sua relação com Augusto Boal, criada a partir de uma livre inspiração nos textos de Abdias Nascimento, nas peças escritas por Augusto Boal e diversos materiais de pesquisa do acervo do TEN – Teatro Experimental do Negro. Seis performers negres estão sempre em cena e existe um tapete no chão, o grande tapete da memória. “Por convenção, quando os atores/atrizes estão fora do tapete, estão fora de cena. Porém, não devem sair nunca: devem ser vistos sempre pelos espectadores. A ação passa-se em muitos países, em muitas épocas, em muitas circunstâncias. Quando um ator/atriz representa outro personagem, que não o seu, ele deve fazê-lo tranquilamente, sem muitas explicações.” Citação de Augusto Boal, em Murro em Ponta de Faca.

Em outubro teremos estreia no Galpão dos Bonecos, pela primeira vez apresentaremos o espetáculo Aquela Casa, uma peça com clima de suspense no ar!!! Espetáculo todos os domingos do mês de outubro às 11h e após a apresentação as crianças poderão construir seu próprio boneco e levá-lo para casa! Aquela Casa – Em um bairro da cidade, uma casa, diferente das demais é considerada estranha pelos vizinhos, Laura e Jorge, duas crianças que adoram brincar juntas fazem uma aposta para ver quem tem coragem de bater à porta da casa “estranha” e entrar para ver o que tem lá dentro.

As amigas Cibele e Maiara conversam corriqueiramente sobre assuntos diversos, enquanto aguardam pelo nascimento da primeira neta de Maiara. Dessa forma, o espectador será delicadamente convidado a submergir nos mistérios uterinos que geram a corrente de vida dramática da obra. Maiara decide revelar à Cibele um segredo familiar guardado por décadas.

Em um hotel na Nova York de 1953 se passa o hipotético encontro entre quatro famosas lendas norte-americanas – a estrela de cinema Marilyn Monroe, Albert Einsten, cientista criador da Teoria da Relatividade (que levou à criação da Bomba H e, consequentemente, à Bomba Atômica), Joe DiMaggio, renomado jogador de beisebol e marido de Marylin, e o infame senador Joe McCarthy. Encontro que poderia acontecer hoje, trocando os personagens originais por seus pares na atualidade.

Num contexto futurista, um comandante de estado, que pretende expulsar os estrangeiros de seu país, entre os quais se encontra sua esposa, tem seus planos ameaçados quando se vê diante de sua cópia.

Uma obra envolvente que mistura drama e comédia, explorando temas de justiça, moralidade e corrupção. A trama gira em torno de um julgamento peculiar em uma pequena vila, onde um juiz corrupto tenta encobrir seus próprios crimes enquanto lida com as consequências de suas ações.

No palco, o universo singelo de uma pequena comunidade ganha vida... Elementos como canto de lavadeiras no rio, cheiro de flor de laranjeira no ar e sabedoria ancestral de uma avó que cura com galho de arruda são evidenciados. A peça narra a relação entre Menitinha e sua avó, que sonha em presenteá-la com uma boneca de porcelana, algo que parece inatingível. Mas é no inesperado encontro com o rio que esse desejo se realiza, desencadeando uma série de eventos que exploram o poder do sonho, do amor familiar e das tradições populares.

No início, Márcia e Frederico são completos estranhos. Márcia, emocionalmente abalada por uma recente separação, encontra-se chorando em um ponto de ônibus. Frederico, observando a tristeza de Márcia, oferece a ela um lenço em um gesto de bondade. Esse simples ato de gentileza desencadeia uma conexão entre eles, e eles começam a se interessar um pelo outro, revelando aspectos novos e contrastantes de suas personalidades.

Na peça, três amigos preparam uma festa de aniversário surpresa para um quarto amigo que está sempre ausente ou atrasado por excesso de trabalho. Enquanto organizam a comemoração, eles compartilham experiências profissionais, revelando contradições, medos e angústias comuns em uma camada da sociedade que diariamente se depara com o racismo e demais preconceitos sociais. Com uma dramaturgia envolvente e temperada de humor, a peça cativa o público e cria um espaço seguro para a reflexão, ao transformar o desconforto em uma oportunidade para questionar e compreender melhor a realidade.

Inspirado no poema “Confissão de Caboclo” e nas ideias de Paulo Freire (1921-1997), espetáculo trata das dificuldades de pessoas analfabetas no século XXI, mostrando personagens que não leem, leem sem entender ou leem palavras sem compreender o mundo. 

A obra explora o breve momento de consciência entre a morte e a dissolução no universo, revelando as questões essenciais que permeiam sua existência. A figura contraditória ganha vida através da interpretação de Walter Breda, que, aos 76 anos, traz à tona as complexidades de um personagem que é ao mesmo tempo vítima e algoz nas relações interpessoais. A peça transita por uma diversidade de emoções, capturando nuances que vão do humor à melancolia. A perplexidade e a consciência tardia se entrelaçam, proporcionando ao público uma reflexão profunda sobre a vida e as escolhas de seu protagonista. Elementos como ação ao vivo, imagens de velhos filmes, fotografias antigas, compõe o espetáculo.

Uma mulher, no intuito de curar-se de um ciúme doentio por um marido nada atraente, mergulha numa divertida jornada de autoconhecimento. A protagonista revive as histórias de seus relacionamentos e o início de sua carreira artística enquanto recebe o público em seu camarim, numa atmosfera intimista e inusitada, que situa a narrativa no limiar entre a ficção e a vida real. O espetáculo aborda de forma muito natural questões intrínsecas à alma feminina e de extrema relevância nos dias de hoje, como a ansiedade, a autoestima e a sexualidade; sempre sob a ótica tragicômica de uma mulher atormentada pelo ciúme.

Reunindo depoimentos às comissões da verdade e textos de Cesar Ribeiro, Yves d'Évreux, Pero Vaz de Caminha e outros, a montagem utiliza a linguagem de quadrinhos e desenhos animados para mostrar a história do Brasil contada por pacientes de um hospital em ruínas, abordando colonização exploratória, genocídio indígena, machismo, racismo e autoritarismo, em busca do direito à memória e à verdade.

Livremente inspirado na música homônima de Jorge Ben Jor, Magnólia, narra a fábula sobre uma deusa astronauta que vive na dimensão azul e rosa por entre estrelas e cometas até encontrar um cavaleiro negro, São Jorge. Ele propõe a ela uma missão: descer para a Terra e experimentar o que é ser humana. Na Terra, depois da queda, ela passa por diversas transformações até se tornar uma mulher negra. Neste corpo, ela experimenta o que é essa vivência, com todos os prazeres da sua existência.

"Fractal" é fruto de um processo criativo intenso e colaborativo, reunindo mais de 40 mulheres ao longo de dois anos de desenvolvimento. O espetáculo reflete uma pesquisa pessoal de Luiza sobre o universo feminino e explora, com uma abordagem diferenciada, temas densos e complexos sobre a relação das mulheres com a sociedade patriarcal, como misoginia, assédio, racismo, gordofobia, transfobia, capacitismo e sexualidade Com direção assinada por Lenita Ponce, que traz uma proposta ousada e dinâmica para a peça, o espetáculo utiliza um formato de jogo, no qual a plateia tem papel fundamental, influenciando os rumos da narrativa em cada sessão; toda vez que o oráculo é consultado, a experiência muda, e uma das nove cenas construídas para serem apresentadas aleatoriamente, ganha vida, recheando a dramaturgia assinada por Luciana Bollina, apoiada em relatos reais saídos de uma construção comunitária.

A peça-instalação foi criada a partir da icônica e polêmica escultura francesa ‘A Bailarina de 14 anos’, do escultor Edgar Degas, em fricção com os relatos autobiográficos da bailarina brasileira Verônica Santos. Com dramaturgia inédita de Dione Carlos, o espetáculo revela um corpo fraturado por violências físicas e simbólicas e também por tentativas de apagamento da visibilidade de uma bailarina clássica negra. A obra propõe uma espacialidade imersiva onde a performer e a dramaturga ritualizam um diálogo íntimo e, diante do público, elaboram um plano de vingança.

Um grupo de pessoas se senta em uma mesa para sua última refeição. Alguém avisa que vai morrer. O grupo não vai mais existir. É uma despedida. Poderia ser uma ficção, mas nem sempre é. Essa noite ninguém vai ser salvo. Na peça-jantar, a companhia parte da Bíblia para atualizar, a partir das suas vivências, a ideia de morte e ressurreição. Como continuar só, quando o coletivo não mais existe? Quem conta as histórias de corpos que já não podem mais falar?

Com apresentações aclamadas por todo o Brasil e estendendo seu sucesso ao Uruguai e Paraguai, “O Mago das Megabolhas”, também conhecido como “El Mago de Las Megaburbujas”, promete maravilhar espectadores de todas as idades. Neste show único, Doriswoldo não apenas manipula as bolhas com maestria, mas também as combina com elementos de malabarismo e interação direta com a plateia. As bolhas, que variam das pequenas e delicadas até as gigantescas e imponentes, desafiam as leis da física ao flutuar e dançar pelo palco, criando um ambiente de pura magia.

Em cena, o ator interpreta personagens, que se expressam em cartas. Em cinco pequenos monólogos, ele revive as histórias de homens que compartilham suas mágoas, medos, tristezas, alegrias, declarações de culpa, traições, tragédias, pedidos de desculpas e segredos íntimos. Todos eles têm idades, classes sociais e estilos de vida diversos e o Emilio os interpreta utilizando somente os recursos de corpo e voz. As apresentações fazem parte do Festival Arena B3, que desde maio recebe uma série de shows, espetáculos teatrais, infantis e musicais a preços populares no Centro de São Paulo.

Um príncipe precisa provar a sua bravura ao encarar o leão da caverna, como fizeram os seus ancestrais. Temeroso, ele foge do castelo para percorrer um caminho cheio de descobertas e o contato com outros medos internos. Fortalecido, o jovem volta ao reino para enfrentar o temido leão. A história, inspirada em um conto da tradição oral oriental, é contada por meio da manipulação de bonecos de silhueta e sombra. Música ao vivo também faz parte da encenação.

Uma celebração do circo em sua essência, apresentando artistas que dominam diversas habilidades circenses. As performances são acompanhadas pela presença de palhaças, que trazem um toque de irreverência ao show. Essa combinação de entreter de forma diversificada remete ao público o âmago manifestação artística e popular que é o circo.

Claudius é organizado, comedido e cuidadoso. Pamplona é vibrante, emocional e guarda consigo um universo único debaixo de seus sacos plásticos e papelões. Em um encontro improvável entre dois mundos, o caos e a ordem se entrelaçam para dar vida a uma fábula urbana. Dois seres que, ao se esbarrar em um beco esquecido da cidade, embarcam juntos em uma jornada que revela a magia escondida na crueza das ruas. O encontro de uma mulher catadora, em situação de rua, e um coletor, que deságua em uma história rica em sentimentos, humanidade, sonhos, amor e, é claro, palhaçaria.

Chapeuzinho Vermelho enfrenta uma jornada repleta de surpresas enquanto se perde a caminho da casa da vovó: na companhia de um gato covarde, uma rosa apaixonada e um mímico enigmático, ela terá que fugir do Lobo Mau, que deseja muito mais do que os doces. Juntos, eles precisam superar seus medos para sobreviver e achar o caminho da casa da vovó.

Galhofa e troça são sinônimos de jocosidade e permeiam este ESPETÁCULO, se é que podemos nomeá-lo assim. Uma ODE ao teatro mundial. Dois atores com 40 e 25 anos de carreira transitam do teatro grego ao teatro contemporâneo, passando pelo cinema noir, o teatro lírico, "barroco rococó mineiro", teatro musical e o besteirol. Com músicas ao vivo, a comédia musicada: "TUDO É TEATRO", pede licença para o teatro "cabeça" e resgata o retorno do teatro nonsense: Uma boa comédia.

Na história, a menina Laura brinca de criar filmes com seu celular em um galpão abandonado, onde no passado funcionava o cinema de seu bairro. Laura percebe que o galpão e grande parte de sua vizinhança foram vendidos para os Srs. Compasso e Descompassado, que querem ocupar o bairro com lojas que vendem produtos de plástico. Um misterioso personagem que habita o cinema abandonado, o Lanterninha, ajuda Laura a criar um filme para conscientizar os moradores do bairro da importância de manter o cinema vivo e evitar que a vizinhança tenha que mudar de suas casas.

Em “Nebulosa de Baco”, duas mulheres, que também são atrizes, estão em seus “habitats naturais” – que são as salas de ensaio, espaços fascinantes de caos e criação para Marcos Damaceno, onde atrizes reconhecidamente fortes revelam suas fragilidades e inseguranças – com a tarefa de convencer a si mesmas a acreditar em si mesmas, ao mesmo tempo em que tentam entender e dar andamento aos preparativos de uma peça que se equilibra entre o riso e o choro, repleta de confusões e ansiedades próprias da cabeça de todo ser humano do século 21, entre o que é e o que não é, o que parece que é, mas também não é, entre o que é verdade e o que é manipulado, ou mera narrativa, entre o que é realidade e o que é ficção, ou imaginação.

Sucesso em todo o país, o espetáculo traz, além dos personagens favoritos da criançada, um repertório com os maiores sucessos do desenho e também músicas conhecidas pelo grande público, como "Pop Pop", "A Dona Aranha", "Borboletinha" e "Fui No Mercado" Uma viagem lúdica no tempo que promete divertir pais e filhos, cheia de adereços cênicos e efeitos visuais para encantar os olhos de crianças e adultos.

A peça é um cabaré, no qual dois palhaços chegam com duas malas como se fossem dois viajantes, e convidam os artistas a fazerem seus números. Eles não utilizam falas, usam o corpo de forma lúdica e cômica para interagir com os convidados que passeiam por técnicas como parada de mão, acrobacia, roda Cyr, arremesso de facas, malabarismo e palhaçaria. Cabaré Tertúlia nasceu das habilidades e afetividades artísticas dos participantes. A palavra "Tertúlia", que significa reunião de amigos, foi escolhida para representar o espírito de coletividade e afeto presente na montagem.

Em consonância com a Década do Oceano, campanha da ONU voltada à proteção dos ecossistemas marinhos, o espetáculo ‘Em Busca da Gotinha Preciosa’ convida o público para uma jornada épica pelos oceanos do mundo. Dois cientistas utilizam seus conhecimentos sobre a água, elemento vital, para conduzir as crianças por aventuras emocionantes, superando obstáculos por meio da ciência. Além disso, as apresentações teatrais abordam temas como preservação do meio ambiente, uso consciente da água e reciclagem, ampliando o entendimento das crianças sobre questões ambientais.

O espetáculo é inspirado no enredo “Uma Delirante Confusão Fabulística”, de 2005, criado por Rosa Magalhães para a Imperatriz Leopoldinense, escola de samba do Rio de Janeiro, que prestou homenagem a Hans Christian Andersen em seu centenário. A peça narra a vida do famoso autor e os contos de fadas por ele criados, envolvidos pela rica tradição da literatura de cordel e ambientados no Nordeste do Brasil. Nesse reino de fantasia, Rosa e Andersen se envolvem em uma aventura épica, onde reis vaidosos, imperadores sábios e a poderosa Rainha da Neve competem pelo título de Maior Monarca de Todos os Tempos. Por meio de desafios, músicas e danças, a jovem cordelista descobre que os sonhos e a criatividade são as forças mais poderosas que existem, capazes de transformar o mundo e nossas vidas. "Sonho Encantado de Cordel, O Musical" é apresentado pelo Ministério da Cultura e pela CAIXA Vida e Previdência, patrocinado através da Lei Federal de Incentivo à Cultura.

Andejo conta a história da vida de dois personagens em sua pequena casa: um armário que ao longo do espetáculo se revela como um dispositivo coringa cheio de surpresas e possibilidades cênicas para a execução de seus truques e artimanhas. A montagem constrói uma narrativa onde as acrobacias, a comicidade, o ilusionismo e a dança acrobática mostram um jeito mágico de viver desfrutar da vida no cotidiano.

O público acompanhará o reencontro de duas irmãs, Catarina (Maitê Proença) e Rosa (Debora Olivieri), ambas na faixa dos 60 anos, que se reúnem em uma pitoresca casa de campo para organizar um casamento. Catarina, sofisticada e bem-sucedida, enfrenta os desafios de múltiplos divórcios, enquanto Rosa, solteira e independente, traz uma perspectiva não convencional à sua vida. Juntas, elas relembram o passado e confrontam seus medos e anseios, através de confissões hilariantes e memórias evocadas, trazendo uma mensagem de esperança e celebração da vida. A narrativa é repleta de risos, memórias e uma pitada de loucura. A peça aborda temas universais como o envelhecimento, a solidão e a importância da família, oferecendo uma reflexão sobre o que realmente vale a pena na vida. Com humor sarcástico, mas também afetuoso e inteligente, a comédia desafia estereótipos e encoraja o espectador a encontrar alegria nos momentos mais inesperados, destacando a importância do amor e da amizade.

A narrativa da vida de Yayá é contada em diferentes ambientes da casa, criando um paralelo entre os cômodos e a fragmentação de sua psique, em uma tentativa de reunir as partes de sua vida que foram desmembradas, e reconstruir sua subjetividade. Cada cômodo representa uma parte de sua memória, dividida em temas específicos: infância marcada por perdas, adolescência caracterizada pela solidão, e a fase adulta, explorada em duas vertentes - a busca pela liberdade e autonomia, a experiência da doença, o confinamento, a partir de um olhar sensível sobre o resgate da identidade de Yayá. As cenas são apresentadas simultaneamente em cada cômodo, interligadas por tempos distintos. Ao mesmo tempo, uma monitora que está no tempo presente atua como narradora das memórias e da casa onde ficou confinada, propondo questionamentos sobre a história de Yayá e de tantas outras mulheres internadas em manicômios.

Uma inusitada história de amor na década de 1930 entre Helen, uma solitária atriz de Hollywood, famosa e símbolo sexual, e o jovem, Kip, um roteirista talentoso, parece ser mais um romance que se repete entre tantos. Tennessee Williams, entretanto, apresenta um homem negro de sucesso e uma mulher branca promíscua às voltas com uma paixão avassaladora por ele. Ela precisa lutar contra seu próprio preconceito e é obrigada a assumir seu desejo e sua paixão por Kip.

O Julgamento de Zé Bebelo é um recorte do livro Grande Sertão: Veredas, escrito por João Guimarães Rosa. A passagem ilustra a transição do período da República Velha - o sistema de coronéis (1889-1930), para o Governo Provisório e Constitucional de Vargas (1930-1937), onde o escritor mineiro traça um panorama do “Sistema Jagunço”.

Embora a história se passe em tempos diferentes, Alforrias de Papel teve como base uma pesquisa minuciosa do ponto de vista da classe trabalhadora no Brasil do século XIX, com foco especial nas personagens femininas do livro "O Cortiço". Durante essa época, o movimento naturalista representava a classe trabalhadora como um grupo passivo e subordinado dentro de uma estrutura social complexa e frequentemente incompreensível. No entanto, Alforrias de papel busca inverter essa lógica, dando voz e ferramentas para que aqueles que foram silenciados pela estrutura social possam expressar seus pontos de vista e ter suas questões discutidas. Na encenação, uma das personagens, nomeada de Espectro, surge já na primeira cena, questionando a capacidade do capitalismo de se adaptar e se adequar aos contextos históricos e culturais de cada época. A falsificação de uma carta de alforria no texto original ganha contornos atuais ao espelhar a multiplicidade de formas que o capitalismo adota para legitimar suas práticas e manter seu domínio.

As dores e os dilemas de um homem que precisou ocultar a própria sexualidade por décadas, para sobreviver em meio a uma sociedade provinciana e heteronormativa, são levadas para o palco em "A Palavra que Resta", versão para o teatro do premiado livro do escritor cearense Stênio Gardel — vencedor do National Book Awards na categoria literatura traduzida. O potente romance de estreia de Gardel percorre os conflitos familiares do protagonista, Raimundo Gaudêncio de Freitas, e as relações que ele estabeleceu depois de fugir de casa e cair na estrada, bem como as catarses e ressignificações impostas pelo destino. A encenação de Herz, que também assina a adaptação, inova na condução das vozes dos personagens: os seis atores em cena se revezam em todos os papéis. O espetáculo da Cia Atores de Laura, que celebra 32 anos de existência, traz no elenco Ana Paula Secco, Charles Fricks, Leandro Castilho, Paulo Hamilton e Verônica Reis — e a atriz convidada Valéria Barcellos.

Wendy é fascinada com as histórias que sua mãe conta para ela e os irmãos, até que em uma noite ela dá de cara com Peter Pan, um de seus personagens favoritos. Peter, conduz a menina e seus irmãos para uma verdadeira aventura em um lugar cheio de fantasias, A TERRA DO NUNCA. Lá vivem órfãos caídos dos carrinhos e fadas, dentre todas elas Sininho, a melhor amiga de Pan, uma fadinha um tanto quanto ciumenta. Junto deles habitam essa ilha encantada sereias, princesas, piratas, crocodilos e o grande vilão amedrontador, Capitão Gancho. Wendy, vai viver um conto repleto de magia, mas em meio a tudo isso também precisa decidir se quer crescer ou não.

Formada por 16 bailarinos que ocupam todo o espaço da cena, e através da dança rompem a estrutura tradicional de palco e plateia. A performance oferece uma experiência sensorial rica, marcada por movimentos fluidos, improvisações e uma fusão de sons e luzes. Cada bailarino, representando a Aves-do-Paraíso, expressa sua individualidade em um ambiente onde se cruzam e interagem. A narrativa do espetáculo evoca sentimentos de liberdade e angústia, refletindo a complexidade da condição humana. A intensidade dos sons e a presença física dos bailarinos criam uma atmosfera que provoca reações diversas nos espectadores. As referências à contracultura e ao anti-heroísmo enriquecem a experiência, promovendo um diálogo entre arte e vida.

Numa estética caótica entre laptop, impressora, projetor e alguma dispersão, o espetáculo propõe problematizar o lugar do artista na contemporaneidade e perceber como se organizam algumas relações na cadeia criativa e produtiva cultural. Edital é um espetáculo que dubla a burocracia e uma burocracia que dubla as artes do espetáculo. Fábio Osório é negro, nordestino, LGBTQIAPN+ e candomblecista, desenvolve sua carreira há 25 anos em trabalhos com suporte na emoção, humor, fé e política. Indicado ao 33º Prêmio Shell de Teatro, na categoria Melhor Ator (2023), Fábio é um artista interessado em pensar o corpo negro na cena. Atuante em diferentes linguagens artísticas, Osório é dançarino, produtor e baiana de acarajé, filiado à ABAM (Associação Nacional das Baianas de Acarajé e Mingau). Natural de Salvador (BA), carrega a sua casa-cidade para qualquer lugar do mundo.

Dizem que “quando os ratos abandonam o navio, alguma desgraça está para acontecer”! Isso poderia ser verdade com uma cidade inteira? Chega o momento em que os habitantes de Orã, que até então queixavam-se apenas de um mal-estar desagradável, e que disfarçavam sua inquietação com gracejos e piadas, começam a entender que, com tantos ratos mortos, alguma coisa realmente ameaçadora está para acontecer na cidade. Neste monólogo, baseado no livro de Albert Camus, o doutor Bernard Rieux conta como a pequena cidade de Orã luta para sobreviver ao terrível e devastador flagelo da peste.

No corredor das memórias esquecidas, uma criança cujos pais foram torturados, volta já adulto aos porões da ditadura. Seu corpo fora do tempo percorre o trajeto doloroso e obscuro, iluminado apenas pelos lampejos da voz inconformada que, apesar de tudo, insiste em se lembrar. Diante dos olhos fechados dos interlocutores, sua história familiar se confunde com um período sombrio da História do Brasil. Um memorial da existência marcada por abandono, perda, luto e pelos horrores de um regime de exceção.

O espetáculo solo de teatro-dança A Dita Consequência a Duras Penas de Ontem e Hoje, do Núcleo CInA (Corpus Infinitus na Arte), traz à cena situações que ecoaram dos gritos de corpos femininos sofridos durante a Ditadura Militar e em outras instâncias de submissão e apagamento de suas falas interrompidas. A pesquisa no universo feminino vai além do contexto político da época, abrange a contemporaneidade de outras violências femininas e acrescenta à cena teatral um trabalho árduo, potente, de resistência visceral e real. Um corpo permeado de sensações traça no palco uma trajetória; vivências de tantos outros corpos femininos angustiados e violentados. Um corpo que dança, que fala através de imagens e signos, navegando entre tecidos invólucros em movimentos narrados por desenhos gestuais e palavras que apresentam contexto de repressão e questionamentos, trazendo à tona desejos e utopias recalcados por um sistema controlador.

Ele vai onde ningué m vai! Ele anima festa de crianç a! Animo Festas é o show do palhaç o Klaus que nos narra seu submundo decadente como um animador de festas infantis. Ao som de rock, mú sica francesa e canç õ es infantis dos anos 1980, Animo Festas, desnuda a má scara do palhaç o com humor á cido e sarcasmo, colocando no centro do picadeiro uma pessoa que está à margem da sociedade, em seu embate pessoal entre a fidelidade à arte que se propõ e e a necessidade financeira de se ajustar ao mercado. No espetáculo solo Animo Festas , o Palhaço Klaus revela o "avesso" da máscara do palhaço tradicional, explorando a sombra do arquétipo do homem maduro e fracassado. Fruto de uma pesquisa sobre o anti-herói no universo da palhaçaria, Klaus se torna uma figura complexa: uma vítima das próprias escolhas, que trilhou uma vida medíocre em busca de sobrevivência. Através de seu humor ácido e sarcástico, Klaus provoca o público com reflexões profundas sobre a felicidade, o valor do trabalho artístico e as decisões que tomamos para sobreviver.

A trama é mais do que uma narrativa sobre acusações: ela explora como o peso de palavras e ações, muitas vezes esquecidas no passado, pode se intensificar e reverberar com força no presente. A história acompanha Dennis Sullivan, cineasta aclamado por seu talento e inovação, que, na noite de sua vitória no Oscar, surpreende o mundo ao transformar seu discurso de agradecimento em um desabafo público. Durante o que deveria ser um momento de celebração, Sullivan acusa Ethan Rice, um antigo colega de escola, de ser o responsável pelo suicídio de seu melhor amigo, vítima de bullying homofóbico. O episódio expõe as feridas do passado e desencadeia uma série de reações intensas e imprevisíveis.

Jiló está de bike equipada para seguir rumo a maior festa do Brasil quando se depara com um cachorro caramelo cansado das ruas e precisando de um pouco de energia. De carona na bike, a dupla encontrará muitos desafios, aventuras, riso e diversidade. O trabalho é uma homenagem à identidade plural brasileira, enfatizando a beleza das diferenças e misturando a tradicionalidade do circo e o momento atual, ao tempo em que explora musicalidade e técnicas de manipulação de bonecos, dando vida a personagens inimagináveis.

Awá - Tecendo Fios de Ouro conta a história de Orisun e sua linhagem de mulheres negras da periferia, que com muita luta conseguiram manter o negócio familiar. Da arte de tecer ela tirou seu sustento e das três filhas. Herdou da mãe a sabedoria de saber fiar e do aprendizado de tecer, teceu fios e a vida. A família de Orisun era conhecida como poetisa dos tecidos, pessoas vinham de longe à procura da beleza e originalidade, mas o que os diferenciava era a energia que emanava e que passava aos que teciam e vestiam os tecidos. Orisun aprendeu a mágica ativação do axó e ensinou às filhas tudo que sabia, mas elas não ouviram seus ensinamentos e viviam brigando. Uma reviravolta na história, trouxe uma mensageira e um misterioso baú que mudou tudo para as irmãs Ehin Igi, Eka Ewe e Ododo. Elas foram desafiadas por causa de uma herança, e agora para recebê-la teriam que transformar simples objetos em ouro e em prosperidade para sua comunidade.

A trama gira em torno das angústias vivenciadas por quem acaba de receber um diagnóstico transformador. Com atuação de Kako Leitão, a peça mergulha em dilemas existenciais e investiga a solidão e a capacidade de enfrentar desafios inesperados, entregando ao público uma abordagem sensível sobre a condição humana. A dramaturgia surgiu a partir de uma experiência pessoal vivida pelo diretor. Em 2017, o pai de Victor Lósso foi diagnosticado com Parkinson. “Meu pai e eu somos melhores amigos. Ele é inteligentíssimo, amante de História e contador de curiosidades que eu só saberia abrindo uma enciclopédia. Há alguns anos já sentia alguns sintomas, mas não sabíamos que era da doença. Ninguém sabe, na verdade. Falo disso brevemente na peça”, comenta. O diretor afirma que o Parkinson vai muito além dos tremores presentes no imaginário coletivo. Esta conscientização foi o que motivou a escrita.

No centro da cidade, um Caixa ambicioso trabalha no turno da noite de uma xOxO's loja de conveniência e presencia os maiores absurdos, assaltos, violências e práticas em arrepio à legislação trabalhista; o Gerente da loja passa pano pra empresa; a Vizinhança nota as mudanças no bairro; e a Demolidora segue determinada em cumprir o seu papel.

No cenário minimalista composto apenas por uma cadeira e assinado por Analu Prestes (assim como o figurino), a professora aposentada Maria Emília passeia pelas ruas de São Paulo no dia de seu aniversário de 62 anos e se choca ao avistar a capa de uma revista na banca de jornal com um casal seminu enlaçado, estopim para sua indignação com o caos em que vê a sociedade mergulhada. Decide, então, escrever uma carta ao diretor do Jornal da Tarde para expor sua revolta e, à medida em que mentalmente elabora a carta, tem seu pensamento disperso entre recordações e impressões sobre os acontecimentos à sua volta.

A peça, ambientada nos anos 80, gira em torno do expressivo Madonna, um esperto receptador de objetos roubados que ampara "rapazes" em sua casa. A narrativa agitada acompanha a vida desse e dos demais personagens marginalizados diante de diferentes problemas da sociedade. Sexo, violência e corrupção explodem no palco através de potentes interpretações que escancaram - com a ajuda de diálogos ácidos - as mazelas, personagens, contexto, linguagem e situações que se aplicam perfeitamente aos dias atuais. A postura realista adotada no espetáculo gera choque e reflexão sobre questões tão conhecidas, mas muitas vezes ignoradas.

Odette (Juliana Trimer) é uma bailarina que, durante uma sessão de terapia, mergulha nas próprias memórias e reconstrói com leveza momentos que fizeram parte de sua história, se aventurando numa delicada e contundente narrativa de como a dança lhe ajudou a ressignificar um abuso sexual sofrido na infância.

Após o sucesso nos cinemas em 1993, com atuação do saudoso Robin Williams, a história foi adaptada para os palcos em 2019 e chegou à Broadway em 2021, conquistando indicações aos prêmios Tony, Drama Desk e Outer Critics Circle. O espetáculo, que também passou por Londres e realizou uma turnê norte-americana, narra a comovente e divertida história de Daniel Hillard, um pai que, após um divórcio difícil, se disfarça como a adorável e excêntrica babá britânica, a Sra. Doubtfire, para poder ficar mais próximo de seus filhos. Apesar da atmosfera de encantamento e diversão que envolve essa superprodução deslumbrante, com números musicais enérgicos, cenários grandiosos, efeitos especiais, trocas rápidas de menos de um minuto e dezenas de figurinos, há uma expectativa que traz à tona reflexões mais profundas sobre o verdadeiro significado de estar presente na vida de outra pessoa, além da ressignificação do amor e das relações, e do uso do humor como forma de lidar com questões emocionais.

Um grupo se reúne para compartilhar vivências e dar apoio a vítimas de experiências envolvendo criminosos, golpistas, abusadores e assassinos. O texto trata dos efeitos da manipulação das redes sociais e dos meios de comunicação sobre uma sociedade pouco educada e subserviente. Fake News, negacionismo, QAnon e outras ilusões, são lançadas como restos de alimento a uma sociedade psicologicamente falida, que vaga sem destino, como cães de rua.

“Martinho, Coração de Rei - O Musical” mergulha nas raízes africanas do mestre sambista Martinho da Vila, revelando a profunda influência da Folia de Reis e de outras manifestações culturais afro-brasileiras em sua obra. A dramaturgia da renomada especialista em África, Helena Theodoro, inspirada em sua pesquisa sobre o continente africano e na biografia “Martinho da Vila: Reflexos no Espelho” de sua autoria, celebra a força da ancestralidade e a riqueza da cultura negra. “Martinho, Coração de Rei - O Musical” passeia pela vida e obra de um dos maiores sambistas do Brasil. É uma celebração à rica história do samba e à trajetória de um ícone da música popular brasileira, e com uma trilha sonora inesquecível, o espetáculo nos transporta para o universo de Martinho da Vila, revelando um homem apaixonado pela música, pela família e pela cultura brasileira.

"Ray – Você Não Me Conhece" chega ao palco para contar a emocionante história de Ray Charles, um dos maiores ícones da música mundial. Baseado no livro homônimo de Ray Charles Júnior, o espetáculo mergulha na tocante relação entre pai e filho, mostrando as vitórias e desafios desse artista extraordinário, deficiente visual e ativista. Sob a direção talentosa de Rodrigo Portella e com um elenco estelar, incluindo Cesar Mello e Sidney Santiago, a peça promete arrepiar com performances intensas e uma trilha sonora que celebra os grandes sucessos de Ray Charles. Tudo acompanhado por uma banda ao vivo que dará ainda mais vida aos clássicos que marcaram gerações.

Dedicada ao público infantojuvenil, a montagem de Cinderela traz uma história de conto de fadas clássica que é amada por crianças e adultos. Além de envolver elementos de magia, romance e transformação, especialmente cativantes ao público jovem, a ópera será apresentada em português, tornando o espetáculo ainda mais acessível para estimular a imaginação das crianças e promover a apreciação das artes cênicas e da ópera. Inclusive para celebrar o Dia das Crianças, a récita de estreia será apresentada em 12 de outubro, em uma experiência cultural marcante e enriquecedora para toda as famílias.

No final de semana do Dia das Crianças os papais e mamães, titios e titias, vovós e vovôs, crianças e crianços vão poder comemorar juntos essa data tão especial, com uma dose dupla de Orquestra Modesta! A encantadora orquestra de palhaços, que canta e encanta os corações das crianças e dos adultos, fará uma apresentação dupla de seus dois espetáculos autorais

Em uma montagem moderna, vibrante e acessível ao grande público, o espetáculo MARY STUART traz a versão contemporânea dos bastidores da rivalidade histórica entre a rainha da Escócia Mary Stuart e a rainha da Inglaterra Elizabeth I, protagonizada por Virginia Cavendish e Ana Cecília Costa (Ana Abbott é a atriz alternante), além de grandes nomes como Anderson Müller, Gustavo Machado e Joelson Medeiros. Um mergulho na vida dessas duas rainhas: onde a traição, a violência e a desonestidade são as armas políticas para se manter no poder. Trata-se da adaptação da obra clássica do teatro alemão escrita por Friedrich Schiller, feita por Robert Icke, traduzida por Ricardo Lísias e dirigida pelo premiado Nelson Baskerville.

Uma coleção de sonhos e diálogo entre mãe e filha trazem os universos da magia, da contradição e das sombras como companheiras de viagens oníricas. São representações e arquétipos do feminino que habitam essa dança. La Mariposa segue a pesquisa que Vanessa Macedo vem chamando de “dança depoimento”, buscando uma dramaturgia que se constrói nas memórias, documentos e narrativas de momentos e situações que marcam, principalmente, as maneiras como pensa o corpo e o feminino.

Um solo autobiográfico sobre a perda de segurança e propriedade do corpo. E uma busca por uma sexualidade sagrada. Banho Sagrado é uma exploração ritualística sobre o controle que temos sobre nossos próprios corpos em meio à objetificação, conduzindo o espectador por uma profunda jornada de autorreflexão. Concebida em um momento de crise, durante um banho de banheira, esta peça de teatro físico, criada por Alice Motta, atriz e poetisa, mergulha nas profundezas de histórias autobiográficas para desafiar as normas sociais e convidar o público a reavaliar a autonomia de seus desejos. Banho Sagrado combina poesia, movimento, narrativa e humor. Investiga a objetificação sob diferentes perspectivas sociais navegando a complexa interseção entre sexualidade, cultura e religião.

A peça se passa em torno de Uli (Manoel Madeira), um psiquiatra machista e abusivo. Ele é abandonado simultaneamente por sua mulher Pen (Jaqueline Roversi), grávida, e por Dai (Jordana Korich), sua paciente mais antiga - ambas assediadas moralmente através de manipulações e abusos psicológicos. A ex-paciente abre um espaço terapêutico denominado CAMINHO 22, e a ex-esposa recorre ao local em busca de alento para suas angústias. Na tentativa de resgatar a esposa, Uli, contrariado, se vê obrigado a entrar no CAMINHO, onde acaba revisitando memórias perdidas da infância, e enxergando a chance de mudar a própria história.

Ao almejar se tornar um garçom autêntico e trabalhar num restaurante à Beira Mar, o atendente, mineiro sonhador que se muda para a Cidade Grande em busca de boas oportunidades, enfrenta seus monstros quando começa a perceber que seus sonhos são possíveis. “O Funcionário do Mês” é um encontro poético sobre observar a vida e o tempo.

Dois seres indefinidos descobrem o outro e as diferenças entre si. Juntos são atravessados pelas experiências do mundo natural no corpo, nos sentidos, nos pensamentos, na imaginação e nas emoções. Brincam de se observar natureza e descobrem que a natureza está em cada um. Espetáculo indicado para crianças até 3 anos.

A obra, dirigida por Ricardo Gali, é inspirada no clássico "A Sagração da Primavera”, tendo como resultado uma peça em três atos: a festa, o silêncio e o espanto da morte. O espetáculo é resultado de estudos e pesquisas iniciados em 2021, acerca da composição de Igor Stravinsky com coreografia de Vaslav Nijinski, de 1913, junto a artistas e pensadores da dança como Alejandro Ahmed, Ana Teixeira e Suely Rolnik, em reflexões sobre os contextos artísticos e os impactos da pandemia nas criações futuras.

Grace Gianoukas e a Ventilador de Talentos Produções Artísticas trouxeram de volta aos palcos o icônico Terça Insana. O espetáculo, que ficou em cartaz de 2001 a 2014 e se consolidou como um divisor de águas na comédia contemporânea, retornou em outubro para comemorar os 23 anos de criação do projeto. Com seu humor inteligente, filosófico e surpreendente, a Terça Insana conquistou mais de 3,5 milhões de espectadores ao longo de sua trajetória. O retorno foi um grande sucesso, e agora a Terça Insana está de volta ao Clube Barbixas de Humor para mais quatro apresentações especiais. O público terá a chance de rever atores que marcaram época, trazendo à vida personagens inesquecíveis que garantiram a fama do projeto como referência no humor brasileiro.

O ator André Lucas, filho de Chico Anysio, assume o desafio de interpretar dois dos personagens marcantes do humor nacional: o divertido Seu Aranha, um policial cuja apresentação dispensa o distintivo. “Puliça! P-U-L-I-C Cedrilha – A, otoridade mauxima”, personagem que o próprio André deu vida, na original Escolinha, e o inesquecível Professor Raymundo, personagem icônico de seu pai. Outro destaque do espetáculo, será a participação de Chico Anysio feita in memoriam através de um vídeo especial, garantindo que a essência do humorista esteja presente no espetáculo.

Maria está prestes a completar 60 anos e, com a companhia do publico no dia de seu aniversário, começa a revisitar suas próprias histórias e de suas amigas. Entre risos, memórias inesperadas e reflexões que irrompem sem aviso, ela tenta, às vezes sem saber como, lidar com esse marco tão simbólico. Em uma jornada leve e afetiva, com humor e momentos de reflexão, Maria convida o público a olhar para suas próprias memórias e a explorar o que significa passar por momentos que a vida nos lança. Uma peça sobre o tempo e as marcas que carregamos.

Projeto inédito de dança Flamenca: Patrimônio Imaterial pela UNESCO. Em cena, uma casa que nos provoca a (não) relação entre pai, mãe e filha. Há algum lugar de afeto, intimidade e de espontaneidade? Qual o ponto inicial para esse tão almejado encontro interno? O corpo de baile se aventura nessa tentativa de se encontrar e de, através dessa experiência, fazer faísca, som, vento, fogo e água. Uma dança para se chegar ao rito. Lugar de sacrifício e de celebração aos mortos e vivos.

Com o desejo de fomentar o trabalho de mulheres nas artes cênicas e criar um espaço para encontros, trocas, debates e ações poéticas, a Mostra Mulheres em Cena realiza a sua 8ª edição. A programação conta com sete espetáculos e acontece no Sesc Santo Amaro, de 1º a 4 de outubro, sempre às 20h. Em São Paulo, a proposta é reunir artistas que já realizaram apresentações em edições anteriores da mostra. Criada em 2018 pela coreógrafa Vanessa Macedo, a mostra tem promovido discussões relacionadas a gênero, representações e performatividades do feminino. Desde a primeira edição, o projeto recebeu 84 trabalhos de dança, performance e teatro e realizou uma série de ações formativas, fóruns e um intercâmbio com artistas de várias regiões do país.

A trama se passa nas horas que antecedem a abertura de um vernissage. Enquanto aguardam a chegada de uma mecenas, conflitos surgem entre um marchand emocionado, um artista ególatra, uma aprendiz manipuladora e um silencioso assistente. Com uma combinação de efeitos especiais, humor e muito sangue, “A Farsa do Olho Traído” discute narcisismo e arte, e conta com um cenário visualmente impactante e cenas com efeitos sangrentos inesquecíveis.

A peça conta a trajetória de Talita, uma pré-adolescente que vive na atual era tecnológica, dependente dos aparelhos digitais e da internet. Ao se deparar com uma situação onde esses não estão disponíveis, se vê em um dilema onde a melhor alternativa é de fato iniciar uma leitura. Através das palavras lidas, Talita vivencia experiências inimagináveis e a partir do encontro com os livros poderá transitar entre a fantasia e o conhecimento, despertando a sua sede por descobertas.

Já teve vontade de abandonar o trabalho e começar uma nova vida? Já ouviu uma história de aventura que te prendeu na imaginação? O tempo passa arrastado, como os transeuntes que cruzam a janela do escritório. Os funcionários fazem café, sentam em suas mesas e iniciam suas tarefas. As jornadas seguem, repetitivas, como o barulho de uma copiadora. Entre o som das teclas e as ligações, surge um canto inquietante: é Cipriano, um simples funcionário de manutenção, que, no entanto, nos faz questionar o sentido de nossas vidas.

No show, Whindersson explora novos temas e piadas inéditas, trazendo uma fase renovada de sua carreira. Os fãs podem esperar uma performance única, recheada de reflexões, bom humor e a presença carismática que o humorista entrega em suas apresentações. "Efeito Borboleta" não representa apenas o retorno triunfante de Whindersson aos palcos, mas também uma nova fase de sua carreira, na qual busca constantemente inovar e oferecer entretenimento de qualidade ao público.

Paiol Velho tem texto entrelaçado por situações dramáticas que buscam estabelecer uma conexão de empatia com o público. A história começa com o casal Tonico e Lina, que administram uma fazenda cafeeira em meio à um casamento conflituoso. A rotina do casal é quebrada com a chegada de Mariana e seu filho João Carlos, os proprietários da terra que vivem na capital. A visita se deve à desconfiança de que Tonico estaria desviando parte dos lucros com a venda das safras, o que, de fato, ocorre, já que o administrador acredita ter direitos de propriedade sobre a fazenda, já que a administrou por muitos anos, enquanto os verdadeiros donos apenas desfrutavam do dinheiro com uma vida luxuosa na cidade. A trama evolui para traições, vícios e ambições que culminam em um final surpreendente e impactante.

Uma atriz octogenária revisita suas lembranças e sonhos, enquanto reflete sobre sua paixão pelas artes e o desejo de viver intensamente. Em um contexto de isolamento e indiferença dos vizinhos, sentimentos conflitantes surgem, mas são abordados com leveza e humor. O espetáculo leva o público a refletir sobre a longevidade e o encontro com novos sentidos para a existência.

A trama narra a história de Ricardo, um pequeno burguês decadente de Santo André, herdeiro de diretores da General Electric. Ao levar um tiro, o personagem revive em flashback sua ignóbil vida. A covardia e mesquinhez desse homem são desnudadas a partir de imagens e lembranças reais de movimentos de esquerda e de imagens de Paulo Martins, personagem do filme “Terra em Transe” (1967), de Glauber Rocha. Em cena, Ricardo é visto através de uma janela, uma grande estrutura cênica móvel que gira no palco ao longo do espetáculo, sugerindo mudanças de perspectiva e ângulos, além de provocar o voyeurismo do espectador. Permeado por um narrador disparador de cenas e contrarregras, que seriam seus empregados (e que agem também como fantasmas de sua cabeça), a montagem conta com uma trilha sonora tocada ao vivo, que favorece esse transe do protagonista.

No palco, Fernanda Cavalcanti e Renata Versiani, que além de interpretarem, assinam a direção e a coreografia. A dupla amplia o significado da montagem contida pela direção e textos de Hernane Cardoso. Crib Tanaka, que escreve os textos do programa, diz: “Da vontade de quebrar muros que dividem pessoas e gerações, para chegar ao essencial feminino, mergulhamos nas conexões com o eu, os outros e o todo, tensionando os modos de (des)convivência atuais e produzindo novos caminhos de reflexão do social”.

“THE JACKSON’S FUNK” é um espetáculo que traz a necessidade do desenvolvimento humano em busca da felicidade, contada através das músicas do Michael Jackson, remixadas com funk e com os corpos dos dançarinos. É um espetáculo que busca reverberar a história do Rei do Pop no coração de cada um, e mesmo com todas as dificuldades, celebrar a beleza da vida e os feitos deste artista.

“Fé no Flow” é o resultado de um experimento pessoal que Gun desenvolve há mais de 20 anos, "sem saber", como ele mesmo explica. “Nos últimos anos, venho fazendo isso de forma intencional, buscando entender como podemos viver em harmonia com o fluxo da vida, abraçando tanto a ordem quanto o caos”, comenta. O espetáculo reflete essa jornada e convida o público a fazer o mesmo, em uma reflexão profunda, porém leve, sobre criatividade e autoconhecimento.

Na remontagem de ESPASMOS URBANOS a Cia. Artesãos do Corpo selecionou quatro novos artistas – Cleia Plácido, Edu Pinheiro, Gabriel Góes e Lilian Soarez – para integrarem o espetáculo. Os outros seis intérpretes já fazem parte do elenco do grupo, sendo que Fany Froberville, Ederson Lopes e Mirtes Calheiros estavam em cena na primeira encenação de 1999. ESPASMOS URBANOS pesquisa e reflete sobre as condições alucinantes a que se submete o homem urbano, os efeitos e deformações no corpo emocional e visível, bem como a vingança deste corpo contra seus algozes, ou seja, no próprio homem e seu corpo distorcido. O ritmo alucinante, a falta de contato entre as pessoas, o medo, a solidão e ao mesmo tempo a vontade antropofágica de sentir o outro, a violência, as paixões e as culpas estão presentes na montagem.

A peça é o resultado de um longo processo de pesquisa da atriz Sara Antunes, que compartilha trechos de escritos e cartas trocadas entre a guerrilheira Maria Auxiliadora Lara Barcelos e sua mãe, recriando um campo de comunicação entre o confinamento e a possibilidade da utopia.

Num fluxo sucessivo de paisagens expressivas, em que é proposto um diálogo entre forças motoras, forças plásticas, elementos audiovisuais e sonoros criados ao vivo, TERRA permite ao público apreciar tanto uma experimentação cênica quanto uma instalação de arte. Peça multimídia de dança contemporânea em cinco atos, onde a dançarina interage com uma grande volumetria, transformando, a cada ato, sua topologia, TERRA apresenta uma dança de embate, de tremores, repouso, quedas, desmoronamentos, perfurações, rasgos e irrupções – relações simbolicamente atreladas a forças geofísicas [inorgânica e orgânica] –, numa teia compositiva de criação simultânea com a música e o audiovisual.

Em CORPO CRUSTÁCEO, o movimento perene de transformação da matéria-corpo brota do repouso e do acolhimento. Da inação, provêm micromovimentos na escuta de um corpo sensível vivente, a partir da relação com 500 quilos de pedras, tensionando e esculpindo uma dilatação temporal. Sons hiper-realistas, texturas e ruídos se misturam, criando camadas e atmosferas específicas para este ambiente de novas descobertas. Na instalação performativa, dançarina, figurino, objetos, luz, música feita ao vivo conduzem uma sucessão de paisagens sensoriais. Advindo de uma pesquisa de corporalidade e estados de presença realizada pelo Coletivo Ruínas em sítios urbanos de demolição residencial e ressignificada por experiências de dança em lugares de natureza, como rios e áreas verdes preservadas, CORPO CRUSTÁCEO busca refletir sobre a relação intrínseca entre o corpo e o ambiente em que habita. A obra se apoia em práticas corporais de Do-ho, que é uma técnica de movimento que busca, a partir do movimento sensível do corpo, compreender os princípios de kata (postura) contido na cultura tradicional japonesa.

Companhia do diretor carioca Eduardo Landim traz ao Rio de Janeiro uma programação variada, incluindo apresentações da produção italiana ‘O Jantar Brasiliano’, que já atraiu milhares de espectadores aos teatros da Europa programação conta com apresentações teatrais, oficinas e palestras espalhadas por vários bairros do Rio de Janeiro e de Niterói.

Entre os dias 25 a 29 de setembro, a cidade de São Paulo é o cenário para a primeira edição da Miacena - Mostra Internacional de Artes Cênicas em Espaços Não Convencionais e Alternativos, ocupando ruas, praças, centros culturais e espaços alternativos. Serão 5 dias de festival com mais de 20 atrações e cerca de 30 exibições. Com a intenção de integrar a performance ao espaço urbano, a mostra visa aprofundar o diálogo entre arte e vida cotidiana, estimulando o público a reconsiderar os limites do teatro. A programação, que conta com mais de 80 artistas, valoriza a diversidade cultural e representatividade de gênero, promovendo uma interação significativa entre os moradores e os visitantes da cidade.

Entre os maiores eventos de artes cênicas do país, o Niterói em Cena - Festival Internacional de Teatro apresenta a Mostra Peças (a mais aguardada do evento), de 24 a 28 de setembro, no Teatro Popular Oscar Niemeyer e na Praça João Saldanha. São quatro atrações do Brasil e outras três da Alemanha, de Moçambique e do Peru. O 17º Niterói em Cena tem patrocínio da Secretaria Municipal das Culturas (SMC) de Niterói. Na mostra, estarão em cartaz os espetáculos “Dance Machines”, da Alemanha; “Ngati” (Sangue), de Moçambique; “O Figurante”, monólogo com Mateus Solano; “Antes do ano que vem”, com Mariana Xavier; “Beringela, A Grande”, coprodução entre Brasil e Peru; e os premiados “Tom na Fazenda”, idealizado por Armando Babaioff com direção de Rodrigo Portella, e “Pelada – A hora da Gaymada”, idealizado e dirigido por Orlando Caldeira.

A relação de um boneco e seu bonequeiro numa divertida e poética homenagem à arte da representação e à memória afetiva das experiências vividas. Espetáculo-solo sem palavras que utiliza a poética dos objetos e das imagens para estimular emoções, sensações e entendimentos que ultrapassam cronologias e racionalidades.

O pacato barbeiro Benjamin Barker tinha quase tudo o que desejava. Era considerado o melhor de Londres em seu ofício e vivia um casamento feliz. O único problema é que sua esposa era cegamente desejada pelo inescrupuloso Juiz Turpin. Por esta razão, Barker foi perseguido, acusado injustamente e condenado à prisão. Depois de fugir, acaba recebendo apoio do marinheiro Anthony para se refugiar em territórios mais tranquilos. Após 15 anos nesse exílio, o barbeiro volta à decadente capital inglesa, mas agora com um pseudônimo e muita sede de vingança. Barker agora é Sweeney Todd. Já na cidade, Todd reencontra sua antiga barbearia, localizada à Rua Fleet. O estabelecimento agora é uma decadente loja de tortas, que pertence à Dona Lovett. Os dois se encontram e estabelecem uma relação peculiar. Com a crise em Londres e a dificuldade em se conseguir carne de qualidade para as tortas, Lovett vê a oportunidade de fazer seu negócio crescer enquanto Todd coloca seu plano macabro de vingança em prática. Enquanto ele mata seus clientes para chegar ao Juiz Turpin, que ainda mantém sua filha Johanna prisioneira, ela faz deliciosas tortas com os restos mortais dos desafortunados clientes. No desenrolar da história, aparece Tobias Ragg. O garoto é aprendiz de barbearia do abusivo Pirelli. Após Pirelli ser assassinado por Todd, o rapaz acaba ficando sob a tutela de Todd e Lovett.