Minhas peças

A peça propõe um mergulho crítico e poético na história da seca no Ceará, abordando desde as promessas imperiais de Dom Pedro até os campos de concentração e os tempos atuais, marcados pela desigualdade no acesso à água potável. Com linguagem documental e humor ácido, o espetáculo lança luz sobre episódios apagados da história brasileira, conectando passado e presente ao revelar os interesses por trás da chamada “indústria da seca”. Em cena, relatos e documentos históricos revelam os mecanismos que perpetuam a negação do direito à água de qualidade. “Até quando aceitaremos? Quando deixaremos nossas águas transbordarem?” — questiona a montagem.

O espetáculo conta a história de Alex Schneider (Eri Johnson), um ator bem-humorado contratado por Sara (Ju Knust) para interpretar o papel de seu namorado, judeu e médico, diante de sua família, que segue rigorosamente as tradições judaicas. A farsa é armada porque, na verdade, o verdadeiro namorado de Sara não é judeu. A partir daí, desenrola-se uma comédia marcada por mal-entendidos e situações inesperadas. Será que os pais de Sara (Myrian Rios e Raymundo de Souza) e seu irmão Joel (João Lima Junior), um psicanalista atento, vão descobrir a verdade? E o verdadeiro namorado (Marcondes Oliveira), será revelado? Sara acabará se apaixonando pelo ator? O enredo gira em torno dessas perguntas, com doses de humor e reviravoltas.

Na trama, Dan, um escritor iniciante, conhece Alice, uma jovem misteriosa, após um atr. A conexão entre os dois é imediata. Ao longo dos anos, seus caminhos se cruzam com os de Anna, uma fotógrafa de sucesso, e Larry, um dermatologista. O quarteto se envolve em uma rede de desejos, traições, mentiras e jogos emocionais. Em uma narrativa cheia de reviravoltas, Closer revela as contradições do amor e os limites da intimidade.

A protagonista, uma atriz emergente e mãe solo, luta para equilibrar as exigências de sua carreira, o cuidado de sua filha recém-nascida e a pressão esmagadora das expectativas sociais. Vemos essa mulher, fragmentada pela falta de apoio e pelo julgamento implacável da sociedade, tentando desesperadamente sobreviver a um sistema que frequentemente falha em dar suporte a mães em crise. A peça começa com a protagonista na prisão, após ter sido separada de sua filha há 11 anos, e revela gradualmente os eventos que a levaram a esse momento trágico.

Mário Goes ocupa o CRD (Centro de referência da dança) em São Paulo com uma exposição inspirada na Bailarina Alemã Pina Bausch. A exposição conta com fotos captadas pelo Coreano Leekyung Kim onde Mário além de modelo/interprete, expõe trechos do seu novo livro/pesquisa de corpo “O Corpo Como Elemento Sensorial” também inspirado no universo de Pina Bausch (livro não publicado). A exposição PULMON-AR é uma celebração da dança como o ar vital que nos sustenta a cada segundo. Assim como o ar é essencial para a nossa existência, a dança é indispensável para aqueles que vivem e respiram a arte do movimento — intérpretes, bailarines, coreógrafos e artistas da dança.

A partir da perspectiva da doc-ficção, as experiências vividas na transição do ator Felipe Maia em sua relação com a mãe, Sarah Cintra, deram ainda mais peso para a construção da dramaturgia. Em uma semi-arena, a cena se alterna com o diálogo entre mãe e filho. Diante do embate, surgem os questionamentos: Precisa ser tão difícil se assumir? Ser aceito? Ser respeitado? Será que não haveria outra forma? Por que não cantando?

A narrativa acompanha os passos de Marku por territórios que moldaram sua arte: de Pirapora (MG) — onde nasceu — à Martinica, França, Nova Orleans e o continente africano. Também mergulha nas culturas ribeirinhas do interior do Brasil e nas tradições afro-brasileiras, propondo reflexões sobre ancestralidade, autoria e o apagamento de vozes negras nas artes.

Um programa de rádio anuncia a “hora da história”. Na ocasião, a Cantora Careca, locutora da atração, narra em detalhes a passagem da Santa Profana, figura icônica deste conto distópico. Após ser proclamada Santa pela população do Distrito PS, a protetora vive sua ressurreição ao mesmo tempo em que deve se defender dos ataques iniciados por seguidores de um Rei Colônia.

Felizarda é contratada por uma empresa, mas não sabe exatamente para quê. Enquanto tenta entender qual é sua função, vê-se cercada por neuroses e angústias típicas de um mundo hiperprodutivo, onde a comunicação falha e o trabalho invade todas as esferas da vida. A partir de situações absurdas e cotidianas, o espetáculo traça um retrato tragicômico da alienação contemporânea.

DZI CROQUTTES SEM CENSURA reconstrói a história viva de um dos grupos mais revolucionários do teatro brasileiro. Em tempos de censura e repressão, eles criaram liberdade com seus próprios corpos, e 50 anos depois, a verdadeira história dos Dzi Croquettes volta aos palcos com esse espetáculo que mergulha nos bastidores de um dos coletivos artísticos mais provocativos e inovadores do país. Fundado em 1972 por Wagner Ribeiro e Lennie Dale, o Dzi Croquettes não apenas desafiou o regime militar, mas também expandiu as fronteiras da arte brasileira ao combinar teatro, dança e música em uma linguagem cênica que atravessou gerações. Mais do que relembrar um sucesso de público, o espetáculo revela a complexidade da vida em comunidade, a coragem diante da censura e o legado afetivo de uma geração que ousou sonhar e lutar.

Definido como “dramédia”, o drama cômico da atriz e dramaturga Isabella Igreja parte do ditado popular “a esperança é a última que morre” para propor uma reflexão profunda sobre o cansaço enfrentado diante das esperas e frustrações da vida. A peça, inspirada em um drama pessoal da atriz, busca explorar as emoções e os desafios enfrentados por indivíduos que lutam para manter a esperança, mesmo diante das adversidades e dos obstáculos do cotidiano. “Ri melhor a última que morre” lotou o Teatro Candido Mendes com duas primeiras apresentações no ano passado e faz agora uma temporada de estreia oficial, ficando três semanas em cartaz na Casa de Cultura Laura Alvim.

Três figuras fundamentais para a arte e o pensamento do século XX se encontram em cena: Gertrude Stein (Bárbara Bruno), escritora, mentora e colecionadora de arte; Alice B. Toklas (Patrícia Vilela), sua companheira de vida e guardiã de seu legado; e Pablo Picasso (Joca Andreazza), o gênio que revolucionou a arte com o cubismo.

“Três histórias que mudaram a história” propõe rever momentos da formação dos povos latino-americanos, passagens e personagens históricos como Pedro de Valdívia, Fernão de Magalhães e D. Pedro I, por meio de uma dramaturgia criada a partir de pesquisa exaustiva em documentação histórica, oferecendo ao público a oportunidade de conhecer mais a fundo e de forma crítica passagens determinantes da história latino-americana como o dia do Fico, a primeira viagem de circum-navegação e a conquista do Chile. A revisitação de momentos e personagens da história da colonização latino-americana, bem como das conquistas da navegação no séc. XVI, são a base do desenvolvimento da dramaturgia dessa trilogia.

A peça narra a história de um casal, um militar e um funcionário da United Fruit, que se conhece em aulas de dança e decide se casar. O casamento coincide com o Massacre das Bananeiras, em 1928, na Colômbia, quando o Exército reprime uma greve, matando mais de 2 mil trabalhadores. A trama se desenrola em 80 quadros curtos, que variam entre 15 e 60 segundos. Máscaras tradicionais, figurinos típicos e músicas populares da América Latina compõem a cena. O ritmo fragmentado reflete os modos contemporâneos de consumir informação e memória.

Com Celso Frateschi e o contrabaixista Alexandre Rosa, o espetáculo inspirado em textos de Heiner Müller, Dostoiévski, Yehuda Amichai, Shakespeare, Bertolt Brecht e Tchekhov, conta com a palavra dita e com a música criada e executada ao vivo, estabelecendo um diálogo de linguagens entre o onírico e o real. Entre os sonhos que nos elevam e os sonhos que nos despertam. Entre o palco e a plateia.

Sob o pretexto de representar a peça A mais forte, de August Strindberg, duas atrizes e uma performer sonora se lançam em um jogo pelo qual intercambiam diversos papéis, explorando com humor ácido as construções heteronormativas do feminino sugeridas pelo texto. Indo mais longe: elas desafiam o autor sueco pela exposição de um disparador imprevisto: o corpo lésbico reivindicando o protagonismo da cena. O que diria Strindberg disso tudo?

Na terra onde o rio se confunde com o chão e os tambores anunciam fins e recomeços, Terras de Águas e Cazumbas nasce como rito e dança. A Clarin Cia. de Dança apresenta um olhar sensível sobre a morte do boi nos ciclos do Bumba-Meu-Boi da Baixada Maranhense, inspirando-se nos gestos e narrativas de grupos dos municípios de Viana, Matinha e Monção. É uma homenagem ao legado ancestral transmitido por gerações — onde dança, fé e espiritualidade caminham lado a lado.

O processo criativo de “Sagração” durou dois anos e meio. O espetáculo é uma livre adaptação de “A Sagração da Primavera”, obra composta pelo russo Igor Stravinsky, que ganhou projeção mundial pela montagem estreada em Paris em 1913, com coreografia de Vaslav Nijinsky e produção de Sergei Diaghilev para os Ballets Russes. A composição musical é considerada revolucionária por introduzir estruturasrítmicas e harmônicas nunca antes utilizadas em partituras.

O Cabaré do Gláucio, no Teatro Gláucio Gill, em Copacabana, Recebe a estreia de “Tormentas de Amor: Um Cabaré Emocionado”, um espetáculo que convida o público a mergulhar nas intensas emoções da paixão, com suas delícias, excessos e silêncios. Idealizado pelo diretor do teatro Rafael Raposo, o Cabaré do Glaucio recebe um espetáculo inédito por mês, com a curadoria e supervisão artística de Christina Streva. Tormentas de Amor abre as portas das emoções para enamorados, solteiros e amantes — todos convidados a viver, com intensidade, esse território afetivo em constante ebulição.

Nesse show, Giovana Fagundes traz muito deboche, ironia e aquela pitada de sarcasmo característicos da atriz, além de músicas autorais de comédia, pra trazer ao público outras histórias sobre alguns temas como: descobrimento do Brasil, racismo, casamento, monogamia e sexo.

O espetáculo apresenta personagens inspirados em mitos afrobrasileiros e convida o público a celebrar a diversidade. Duas araras, azul e amarela, disputam a importância de suas cores até a chegada da arara vermelha, que revela a história da arara de muitas cores, mostrando a beleza de serem coloridos.

A dramaturgia coletiva criada pelo Grupo Chão surgiu em 2019, tendo como ponto de partida o tema da morte e a forma como lidamos com as perdas. Três pessoas em um mesmo lugar rascunham as possibilidades de ir embora, passando pelas milhares de desculpas inventadas para sair e as milhões de razões que levam as pessoas a ficar. A peça convida o público a refletir sobre as diferentes perdas que atravessam a vida. Entre encontros e partidas, “Ensaio ir embora” festeja as indecisões e abre novas portas.

Uma atriz viaja de volta à sua origem na roça e compartilha com a plateia brincadeiras, histórias e memórias. O cheiro da terra, tomates e vagalumes invadem o palco, convidando bebês e suas famílias a viajarem para um universo lúdico e mágico, resgatando elementos do cotidiano rural e suas raízes brasileiras.

Encenado por Maria Clara Migliora e Tamie Panet (que também assina a dramaturgia e direção musical), com participação de convidados especiais, o espetáculo não segue uma narrativa linear, mas sim a lógica do cabaré: uma sucessão de números autônomos, que incorporam paródias musicais, lip-syncs, improvisos e jogos com a plateia. A música, segundo as criadoras, é o eixo da encenação, conduzindo o público por diferentes atmosferas — do romance ao nonsense, da crítica ao delírio.

Entre o fascínio e a decadência, “Frívola City” revela os bastidores da cidade, apresentando os contos costurados em um prólogo que introduz o universo da obra de João do Rio, sem compromisso com linearidade ou narrativa fechada. As histórias escancaram um período onde a frivolidade e a tragédia andavam de mãos dadas: Créssida mergulha no universo das máscaras sociais e das paixões intensas; Dentro da Noite desvenda as taras do espírito humano e mostra como o homem é pequeno diante dos mistérios da mente; O Bebê de Tarlatana Rosa expõe a ambiguidade da festa carnavalesca, a atmosfera fantástica, a luxúria e as suas consequências; Parada da Ilusão acompanha a jornada de um homem em busca de uma felicidade ilusória. A união destes contos se traduz em verdadeira ode à história da cidade do Rio de Janeiro.

"Minha avó disse mangue preto também água…" Da planta espinhenta à lugar de muitos povos, a favela é a raiz que alimenta o novo espetáculo da Esquadrilha Marginália, grupo de teatro de Cubatão, Baixada 013. No ato circular movido pelos elementos em 4 capítulos com seus versos, as múltiplas linguagens são ferramentas de construção coletiva da peça teatral que também busca tensionar as noções tradicionais do Teatro. Afinal, somos Corpos-Favelas pulsando, no erro e na sinceridade, cubatense no verso que aqui é de verdade, é “Kuipata’a, é Favela de Barro”.

Um drama intenso que resgata a voz de Lotte, esposa de Stefan Zweig, cuja história foi calada pela História — até agora. Estrelando Hana Kolodny, indicada ao Prêmio Jovem Talento APTR por sua impressionante atuação no papel de Lotte,
e o consagrado Carlos Vereza, em uma performance que emociona e provoca.

Os três porquinhos terão que descobrir quais os verdadeiros planos do Lobo Mau, que agora diz ser bonzinho, e querer ajudar todos os bichos do bosque a terem uma vida melhor. Mas será que ele está falando a verdade?

Sinopse: Grandes Esperanças é uma peça formada por quatro histórias cercadas por muros, esperas, silêncios, proteções protocolares e vínculos frágeis. Entre o medo e o afeto, resta apenas o esforço de sustentar o que já está em ruínas.

A dramaturgia se constrói em tempo real, a partir da interação entre as bailarinas e o público, por meio de convites sutis ao movimento e à brincadeira. As crianças e seus cuidadores são encorajados a dançar, explorar e participar, criando uma atmosfera viva, imprevisível e profundamente humana. Ao final, o espaço cênico se transforma em um grande abraço coletivo.

“Rosa e a floresta”, que traz a continuidade da história de “Rosa e a semente”, leva a personagem para dentro da floresta numa jornada de descobertas e apuros que aguça a força dos sonhos coletivos. A relação com a natureza, os conhecimentos dos antigos, a importância dos povos originários, permeiam a narrativa do espetáculo. O processo de pesquisa mergulhou no ciclo orgânico das florestas e no universo indígena, fundamental para a preservação do meio ambiente. O projeto apresenta questões centrais da contemporaneidade de forma lúdica, brincante e artística, para as novas gerações.

Com direção de Isaac Bernat, “Rosa e a Semente” é o sexto espetáculo do Grupo Pedras e o primeiro voltado para o público infantil. Foi premiado nas categorias Melhor Texto e Melhor Atriz (Helena Stewart) do Prêmio Zilka Salaberry e Melhor Coletivo de Atores no Prêmio CBTIJ de teatro. Com o nascimento de três crianças no grupo, surgiu o desejo de transpor sua pesquisa de linguagem para esse novo universo. Livremente inspirada em “O Pote Vazio”, conto popular chinês, a peça conta a história do rito de passagem de uma menina que, apesar das adversidades, precisa manter a integridade e o compromisso com a verdade.

Quando a icônica atriz Ruth de Souza partiu aos 98 anos, em 2019, o diretor Luiz Antonio Pilar sentiu que havia ficado em débito com a pioneira e desbravadora artista. Logo depois da pandemia, foi a vez da grande Léa Garcia nos deixar, aos 90, e, com isso, mais outra conta ficou em aberto. Disposto a liquidar de uma vez por todas com essas dívidas (históricas), Pilar, que foi indicado ao Emmy Awards Internacional — pelo elogiado trabalho no remake de “Sinhá Moça” (2006), da TV Globo — e venceu o Prêmio Shell de Melhor Direção, na 34ª edição, por "Leci Brandão, na Palma da Mão”, decidiu, enfim, levar aos palcos a grande homenagem que gostaria de ter feito em vida para essas duas figuras seminais da cultura negra brasileira: a peça “Ruth & Léa", que estreia no dia 7 de junho no Teatro Glaucio Gill, em Copacabana, com Bárbara Reis e Ivy Souza nos papéis principais.

O musical reimagina a clássica história de Alice no País das Maravilhas em meio ao caos e à destruição da guerra. A trama acompanha Alice, uma jovem que se refugia em seu livro desgastado de Alice no País das Maravilhas, enquanto está presa em um abrigo antibombas com seu amigo de infância Alfred, que está gravemente doente. Enquanto os horrores da guerra se intensificam, Alice escapa para um mundo de fantasia onde pode reescrever sua própria história e encontrar força para lidar com a realidade brutal ao seu redor.

Desde sua estreia em 2018, OLHA PRA MIM tem instigado reflexões profundas sobre o olhar, a presença e a vulnerabilidade.  A utilização do domo geodésico permite uma experiência imersiva, onde o espaço cênico se torna parte ativa da narrativa corporal. Essa escolha cenográfica destaca-se por sua originalidade e profundidade simbólica, ampliando o impacto emocional da performance. Concebido por Max Delly, o domo não apenas delimita o espaço cênico, mas funciona como um espaço simbólico de refúgio, exposição e encontro. A estrutura, ao mesmo tempo aberta e protetora, permite que os bailarinos investiguem a relação entre interior e exterior, entre o visível e o oculto, reforçando a dramaturgia corporal da obra.

Em meio ao sertão nordestino, dois amigos pobres — João Grilo, astuto e malandro, e Chicó, medroso e falador — enfrentam diversas situações inusitadas para sobreviver às dificuldades da vida. Com muito humor e crítica social, a história mistura elementos da cultura popular brasileira, religiosidade e questões morais, conduzindo o público por uma jornada repleta de surpresas e reflexões sobre justiça, fé e redenção.

Cinco vezes campeão mundial em três categorias de pesos diferentes, Griffith foi o primeiro atleta com este perfil a assumir publicamente sua bissexualidade. Sua vida foi profundamente transformada após vencer o combate com Kid Paret, que havia chamado Emile de ‘bicha’ várias vezes em público e, no embate, foi nocauteado e faleceu, numa luta televisionada para todos os EUA em 1962. Negro e afro-caribenho, Griffith é uma figura de dimensões épicas, cuja trajetória nos permite discutir o quanto a sociedade contemporânea está — ou não — comprometida com a preservação dos direitos da população LGBTQIAPN+ e negra. O espetáculo busca dar corpo à memória de um herói complexo, que ousou desafiar as regras de seu tempo, um símbolo que rompeu paradigmas e enfrentou o peso do preconceito.

A montagem explora as regiões obscuras e inexplicáveis do comportamento humano para denunciar a opressão de gênero que assola a sociedade brasileira. A partir de um insólito triângulo amoroso entre um jovem médico, uma mulher que padece de uma doença incurável e seu marido – obcecado por experimentos científicos em torno da anatomia dos seres vivos – a peça investiga os limites éticos da ciência e do conhecimento. Para construir o universo da narrativa machadiana, a montagem se utiliza de elementos do “Teatro de Variedades”, popular em fins do século XIX. Através de cenas que se constituem como “atrações” de uma fictícia “Companhia São Januário de Extravagâncias”, a peça discute em chave burlesca as relações de dominação na atualidade brasileira, com ênfase à condição histórica de subalternidade do gênero feminino.

A música de abertura é conduzida pelo som de cuícas, também conhecida como mukuvu em língua lunda, tocada através de uma bateria eletrônica (MPC). A dramaturgia se constrói em solos, duos, trios e conjuntos, revelando a singularidade de cada um dentro de um tempo coletivo, já que todos os artistas em cena atuam, dançam, cantam e tocam. Em MUKUVU – uma festa para engravidar corações a umbigada surge como símbolo central a partir da pesquisa sobre o ventre – suas dinâmicas físicas, políticas e culturais. Esse gesto ancestral, presente em danças como o batuque de umbigada, é incorporado de forma transversal na encenação: na coreografia, na música e na dramaturgia. Ele não é apenas um movimento, mas um elo simbólico entre corpos e tempos, evocando fertilidade, encontro e continuidade

Marcelo, um jovem, de 25 anos que se vê diante de um bar onde dois eventos ligados a ele acontecem ao mesmo tempo. Em uma mesa, está sua família, e em outra, seus amigos. Essa simultaneidade de dois mundos em que ele se apresenta de maneira diferente gera tamanha pressão sobre ele que Marcelo não consegue se decidir se entra no bar ou simplesmente vai embora. Através da sua hesitação e suas reflexões, o público passa a conhecer mais sobre a história desse jovem, desde sua infância até os dias atuais, incluindo sua relação complexa com familiares e amigos e, principalmente, consigo próprio.

Com texto do coletivo e direção de Marina Bezze, “Céu de Agora” é um experimento cênico que nasceu do desejo do grupo de pesquisar como a astrologia, com as forças pulsionais representadas por cada planeta, chegam e se comportam em nosso corpo. Como se materializam e viram ação. Os atores vivem 10 astros celestes, que trazem características muito distintas, mas que habitam em todos nós com mais ou menos intensidade. A peça convida o público a mergulhar no mundo dos planetas e no céu de cada dia, que nunca se repete. No elenco, estão Anna Secco, Camila de Aquino, Diogo Magalhães, Fábio Freitas, Georgiana Góes, Helena Stewart, João Lucas Romero, Tyaro Maia, Vanessa Pascale.

“INTENSO - meu retorno de Saturno” trata do amor gay com sensibilidade e bom humor, trazendo um tema que gera bastante interesse do público, retratado em diversas produções, mas ainda não relatado desta forma sob a ótica de um casal gay. O público LGBT terá a chance de se ver representado em muitas camadas e em cena, Vitor alterna momentos de riso e melancolia com naturalidade, revelando sua maturidade artística e presença cênica

Terceira peça da trilogia Conexão São Paulo - Pernambuco, o espetáculo compara a história de João Cabral de Melo Neto e João em uma fábula surrealista, fazendo uma leitura urbana da questão agrária e à diversidade na vida contemporânea. João migra de Pernambuco para o sudeste em busca de trabalho e cruza no seu caminho com seu próprio autor, o poeta João Cabral. Após se separarem na divisa de São Paulo e Rio de Janeiro, João segue sua vida na capital paulistana onde conhece Gaivota, uma travesti artista que muda sua vida. Enquanto de longe, João Cabral conta sua própria história, ao mesmo tempo evoca a história do próprio Severino, de Morte e Vida Severina, refletida no centro urbano.

Na trama, Eduardo (Luccas Papp), um jovem estilista revolucionário, chega ao consultório de um psicólogo em busca da última conversa antes de tomar uma decisão irreversível: ele deseja morrer. Visivelmente abalado, o rapaz vê em Heitor (Marcos Lacerda), psicoterapeuta conhecido por suas aparições na televisão, sua última – e talvez utópica – chance de mudar de ideia. Contudo, o psicólogo acaba de encerrar sua última sessão e está prestes a se aposentar por motivos desconhecidos.

PAI, inspirado em uma história real, é um solo que acompanha a jornada de um homem confrontando os impactos duradouros dos abusos que sofreu nas mãos de suas figuras paternas. Em um espaço cru, impregnado de memória, ele revive episódios de violência, rituais, vergonha e silêncios — marcados por gestos de controle, crueldade e ternura fugidia. Ele busca clareza, encerramento e um sentido de identidade que vá além do passado que o assombra. À medida que o passado rompe a superfície do presente, PAI desafia o silêncio, entrelaçando emoção bruta com momentos de beleza e esperança. Essa performance visceral oferece um espaço para o diálogo, a cura e a possibilidade de, finalmente, deixar ir.

Samuel Hunter é um dramaturgo norte-americano conhecido por suas obras que exploram temas de isolamento, redenção e fragilidade humana, muitas vezes ambientadas em pequenas cidades dos Estados Unidos. “A Baleia” (The Whale), uma de suas peças mais aclamadas, estreou em 2012 e recebeu elogios pela sensibilidade com que aborda a história de um professor de inglês recluso e com obesidade severa que tenta se reconectar com sua filha adolescente.

O espetáculo parte do diálogo entre a palhaçaria, o teatro, a performance e múltiplas técnicas relacionadas para refletir sobre consciência de classe, exaustão, cansaço e outras consequências da flexibilização das relações laborais.

Caio Martins, mágico há 18 anos, se interessou por mágica na adolescência e se viu totalmente apaixonado pela arte. Começou a trabalhar exclusivamente com mágica aos 18 anos e dois anos depois se mudou para São Paulo capital onde começou a misturar seus números de mágica c/ stand-up comedy. Hoje é o mais conhecido artista a misturar mágica com comédia.

Yerma é uma peça de teatro do poeta espanhol Federico García Lorca, aonde nos remete à Espanha de 1934. Yerma é uma mulher que vive o drama de não poder conceber um filho. E busca de todas as formas engravidar, e enfrenta a indiferença do seu marido, João, que não demonstra nenhum interesse em compartilhar de sua angústia. Então Maria, amiga de Yerma desabafa sobre a sensação de carregar um filho, o que deixa Yerma ainda mais frustrada. Obstinada, a protagonista procura desesperadamente um modo, mesmo contra a vontade de seu marido de obter a maternidade, mesmo que isso lhe custe qualquer preço.

Rei da Vela: agiota, ascensão e crítica modernista

Memórias, histórias e choques culturais de um imigrante libanês em sua luta pela sobrevivência numa terra estranha. A peça se propõe a discutir o conceito árabe de Maktub, que afirma que o Destino está escrito. Criação e atuação: Samir Murad. Quinta, sexta-feira e sábado, às 19 h e domingo, às 18h

O mítico Padre Cícero reflete sua trajetória em m momento crucial de sua existência: a passagem da vida para a morte, provocando reflexões a respeito da Igreja e da política na sociedade. Criação e atuação: Samir Murad Quinta, sexta-feira e sábado, às 19 h e domingo, às 18h

O personagem mítico se debruça sobre as origens familiares para compreender seu destino. A peça usa toda a amplitude de interpretação oferecida pelas versões do mito. Criação e atuação: Samir Murad. Quinta, sexta-feira e sábado, às 19 h e domingo, às 18h

Explora a trajetória do dramaturgo, ator e diretor francês do início do século XX Antonin Artaud, seu trabalho, pensamentos e sua relação com a loucura. Criação e atuação: Samir Murad. Quinta, sexta-feira e sábado, às 19 h e domingo, às 18h

Bia é filha de um casal que vem deixando sua história de amor ser abalada pelo corre-corre do dia a dia, e os desentendimentos estão cada vez mais constantes. Cansada de ver seus pais discutindo, Bia faz um pedido ao soprar sua vela de aniversário de onze anos: voltar no tempo para impedir que eles comecem a namorar e, assim, mudar a sua própria história. Para sua surpresa, seu pedido é atendido e ela é transportada para 1990, para o dia exato em que seus pais se conheceram no colégio, quando tinham a sua idade. Mas, ao tentar botar seu plano em ação, ela se encanta ao testemunhar essa relação sendo construída a partir de uma bonita amizade entre crianças.

A montagem propõe uma contra-dramaturgia radical que atravessa teatro e cinema para construir uma narrativa fragmentada sobre desejo, ausência e identidade. Inspirado em autores como Marcelino Freire, Caio Fernando Abreu, Túlio Carella e Jomard Muniz de Britto, o solo mergulha em uma poética de textos, imagens e sons que tensionam os limites da cena e do corpo.

Na trama, sem explicação aparente, animais começam a atacar os seres humanos. A partir dessa premissa provocadora, o espetáculo convida o público a refletir sobre o caos, a natureza instintiva da humanidade e os limites da civilização. O texto original marca a vigésima peça encenada por Paulo Bond Simões, celebrando 20 anos de trajetória no teatro, consolidando sua identidade como dramaturgo, ator e diretor comprometido com a arte autoral.

Na peça, os personagens também têm um relacionamento e se perguntam se são pessoas boas o suficiente para terem filhos. Avaliam as próprias (segundo eles) qualidades: têm uma vida simples, gastam dinheiro com assinaturas de streaming, aluguel, fazem doações, votam, vão a manifestações, assistem filmes estrangeiros, reciclam e levam sacola retornável (quando lembram). Seria o suficiente?

A montagem reúne números circenses, coreografias, expressões corporais e sociais que mergulham o público na estética, nas ideias e nos ritmos que ecoam das periferias do Recife até hoje. A apresentação é um convite para conhecer ou reviver os grandes sucessos do Mestre Chico Science, entrelaçados com os sons mais atuais das comunidades urbanas: o que escutam, o que dançam, como se vestem, como se reconhecem e se posicionam. O espetáculo é fruto de uma pesquisa artística e identitária que parte da vivência dos próprios integrantes da Trupe Circus: artistas negros e negras, periféricos, LGBTs, que se reconhecem na luta e no pensamento de Chico Science. Em cena, eles mostram como o Manguebeat segue pulsando nas veias dos jovens que fazem arte e cultura nas bordas da cidade.

Ambientada em Sevilha, na Espanha, a trama gira em torno da paixão e do destino trágico dos personagens. A segunda parte da noite será dedicada a grandes clássicos do repertório do ballet mundial, incluindo trechos de O Lago dos Cisnes, entre outras peças. Reconhecido mundialmente pela elegância e perfeição técnica, o Ballet de San Petersburgo é formado por bailarinos oriundos da prestigiada escola Vaganova, referência internacional em formação clássica. O grupo encanta plateias ao redor do mundo com seu virtuosismo e expressividade.

Em cena, a dança se une ao teatro e à música para criar um abrigo poético, onde é possível existir com verdade, mesmo em meio à dor. O laço vermelho deixa de ser só símbolo. Representa o HIV como atravessamento, narrativa coletiva, marca que não impede a vida. A obra é dividida em 12 cenas e costurada por canções emblemáticas como Bicho de Sete Cabeças (Geraldo Azevedo), Mulher do Fim do Mundo (Elza Soares), Mal Nenhum (Cazuza), Mulher (Linn da Quebrada) e Divino, Maravilhoso (Ney Matogrosso), entre outras

Com dramaturgia semificcional e presença cênica pulsante, o solo “D’ÁGUA” mergulha nas vivências de quem habita as margens. Interpretado por Rodrigo Alcântara, o espetáculo atravessa afetos, memórias e narrativas invisibilizadas, propondo reflexões sensíveis e urgentes: Como definimos o outro, a outra? Quem tem direito à vida? Ao amor? E os sonhos – ainda resistem? Mais do que uma performance, “D’ÁGUA” é um gesto poético-político: uma travessia de escuta, presença e reinvenção.

Em Senhora dos Afogados, a casa dos Drummond, a família matriz, é um cenário em ruínas. Margeada pelo mar, a casa é habitada pela atmosfera das mortes que, tanto no passado quanto no presente, arruinam as personagens. Imersa nesses ecos, a família Drummond naufraga. Mar e casa compõem um único ambiente plástico. Nessa superfície plana flutuam, insepultos, os mortos fantasmáticos que assombram as placentárias relações familiares dos vivos. Em torno do pai, Misael assenta-se o núcleo familiar. Um cadáver do passado institui, na fabulação, o enigma que move uma das faces do enredo: há dezenove anos, a amante de Misael fora morta, no dia mesmo em que o juiz celebrava suas bodas com Eduarda. Mas essa trama recobre um outro enigma: a misteriosa morte das filhas Dora e Clara, cujos corpos perderam-se no mar e sob o qual se esconde um conflito mais denso - o de Moema. Nelson Rodrigues, na ausência dos deuses, faz recair sobre sua protagonista uma fatalidade quiçá mais tenebrosa: a do desejo.

O espetáculo não conta necessariamente uma história. O que não significa que a peça não tenha uma dramaturgia sólida e uma linha narrativa. Para revelar a cidade real, nada é realista. Os textos são colagens emolduradas por imagens e figuras da metrópole, sejam elas reais ou distorcidas, tendo na música ao vivo um elemento essencial para traduzir sua pulsação.

ESTATÍSTICA é um voluntário no Centro de Valorização da Vida. Um dia, quando esteve à beira do suicídio, encontrou acolhimento naquele espaço — e decidiu retribuir. Desde então, dedica-se a atender ligações de pessoas em crise, oferecendo a mesma escuta que um dia o salvou. Vive hoje uma "vida normal", lidando com os desafios cotidianos de uma pessoa LGBTQIAPN+, entre dores e conquistas silenciosas. Mas tudo muda quando seu pai — um homem rude, marcado pelo preconceito, e agora gravemente doente — precisa morar com ele. A presença paterna desperta traumas adormecidos, e ESTATÍSTICA entra em nova recaída. Os fantasmas do passado voltam à tona. Agora, ele terá que enfrentá-los de frente. Entre dados, relatos e vivências de quem sobreviveu à dor do suicídio e da violência, ESTATÍSTICA mergulha numa jornada íntima de reconstrução. Acostumado a salvar vidas do outro lado da linha, ele se vê diante de uma pergunta urgente e dolorosa: Quem vai salvar a sua vida?

“Pimentinha – Elis Regina para Crianças” conta a história de Lilica , uma menina apaixonada por música e por suas grandes cantoras, que faz de tudo para sua mãe levá-la a um concurso de jovens talentos no rádio. Chegando lá, a menina de óculos e cabelo desgrenhado se sente intimidada pelo visual que a impõem. Em busca de sua própria essência, Lilica vai desafiar os padrões de beleza e mostrar que toda pessoa é linda quando dá espaço para sua real personalidade. 

Definida como uma orquestra de atores regida pelo maestro Hugo Rodas (in memorian), a Ata – Agrupação Teatral Amacaca concentra-se na experimentação em dramaturgias do corpo e desenvolve seu trabalho no limiar do teatro-dança, linguagem que marca o diretor. Com uma trajetória de 16 anos, o coletivo brasiliense faz, pela primeira vez, uma ocupação no Rio de Janeiro, com três espetáculos de seu repertório. De 30 de maio a 29 de junho, o grupo estará no Teatro 2 do Centro Cultural Banco do Brasil Rio de Janeiro com os espetáculos adultos “2+2=5” e “Se eu fosse eu – Clarices” e o infantil “Os Saltimbancos”.

Carlos, Laia e Manuel reencontram Dona Mercedes, a professora que os alfabetizou na infância. Agora adultos, suas vidas tomaram rumos diversos. Esse encontro inesperado com a antiga mestra os levará a confrontar suas próprias escolhas e antigas feridas, revelando como o passado continua a influenciar suas vidas.

A história se desenrola com as personagens tentando reverter o cancelamento e resgatar o poder de suas próprias vozes – e beijos –, enquanto a encenação reflete sobre o papel da mídia na construção de narrativas e preconceitos, especialmente contra corpos marginalizados, e costura sua dramaturgia com idas e vindas no tempo, combinando crítica social, leveza e muita cor. Com uma atmosfera que remete a um típico bar brasileiro, conectando os mundos do futebol e da boemia, o espetáculo aposta na rapsódia para brincar com a memória, propor um novo futuro e exaltar a cultura nacional com viés inclusivo.

Composta por Giovanni Paisiello para a corte da imperatriz Catarina II, a ópera estreou em São Petersburgo em 1782 (34 anos antes da famosa versão de Rossini), sendo um grande sucesso à época. Com libreto de Giuseppe Petrosellini, a obra é baseada na peça de Pierre Beaumarchais. Na trama, o Conde Almaviva se apaixona por Rosina, uma jovem inteligente que vive vigiada pelo possessivo Bartolo, que também pretende se casar com ela. Para conquistá-la, o Conde recorre ao espirituoso barbeiro Fígaro. A partir daí são elaborados diversos disfarces e artimanhas para aproximar os dois, em uma história de humor refinado, mal-entendidos e reviravoltas.

Inspirado na Teoria do Big Bang, o espetáculo "Big Bang" será apresentado no Sesc Santana nos dias 23, 24 e 25 de maio, propondo uma experiência imagética que narra o surgimento e a evolução da Terra, desde um ponto minúsculo, denso e incandescente. Por meio de coreografias com equipamentos de fogo, o público é conduzido por uma jornada visual onde malabarismos, acrobacias, equilíbrios e efeitos ilusionistas se entrelaçam em cenas impactantes. Os personagens se transformam continuamente ao longo da narrativa, revelando figurinos e adereços flamejantes como bambolês, bastões, claves, saias, asas e coroas de fogo. A trilha sonora é executada ao vivo, com instrumentos de percussão que amplificam a força rítmica do espetáculo e envolvem a plateia em uma atmosfera pulsante e ancestral.

Luccas Neto, um dos maiores fenômenos do entretenimento infantil do Brasil, está de volta aos palcos paulistanos com o espetáculo "Luccas e Gi em: O Mundo de Magia e Fantasia". Com direção de Diego Morais e Pedro Henrique Lopes (responsáveis por espetáculos como "Disney Princesa" e "Grandes Músicos para Pequenos"), o musical traz um universo lúdico repleto de coreografias, efeitos especiais e mensagens inspiradoras. O cenário, assinado por Clívia Cohen e Victor Aragão, transporta o público para um reino encantado, onde Luccas e Gi enfrentam vilões como Zota Lorota e Dentinho, além de apresentarem o Príncipe Lu em uma emocionante jornada pelo reino de Lucebra.

A Caravana Zona Leste é um passeio por diversos números circenses, que homenageiam a tradição, pisam firme no presente e miram o futuro, levando ao palco o diálogo entre o Circo Tradicional, o Circo Contemporâneo e o Circo de Rua. Apresentam números como; Contorção, Acrobacias, Palhaçaria, Equilibrismo, que são costuradas por músicas autorais executadas ao vivo, por textos e poesias que remetem ao universo circense e a territorialidade da Zona Leste de São Paulo, tudo executado pelos próprios integrantes da trupe.

O espetáculo faz um passeio pela vida e a obra da poeta, contista e doceira Cora Coralina. A montagem propõe uma relação de cumplicidade entre a atriz e a plateia, com momentos intimistas e divertidos. A peça nasceu da vontade da atriz Raquel Penner montar o seu primeiro monólogo. Para ter ideias, ela começou a anotar frases, desejos e pensamentos que, frequentemente, falavam sobre o universo da mulher brasileira. Ao reler a obra de Cora Coralina, percebeu que a poesia e os contos da escritora e doceira goiana iam justamente ao encontro de sua inquietação artística.

Por meio de célebres canções da MPB e textos poéticos inéditos, o ator e cantor Dude São Thiago propõe uma travessia neste monólogo musical. O espetáculo parte de uma denúncia dos sistemas viciosos que oprimem nossos laços, liberdade e criatividade, e aponta para um futuro utópico em que a humanidade possa se reinventar com suavidade, sensibilidade e amor. No repertório, composições de Marina Lima, Chico Buarque, Vinicius Calderoni, João Bosco, Vitor Ramil e outros grandes nomes da música brasileira.

Por meio da contação de história, o espetáculo promove um intercâmbio de linguagens artísticas unindo memória, artes cênicas e música, para ensinar sobre respeito aos mais velhos e às práticas religiosas afro-brasileiras. Ao permear a relação entre as personagens, que constroem um laço sensível e de muita partilha intergeracional, a montagem entrelaça essas práticas religiosas, tradicionais brasileiras, tendo como destaque o benzimento e as rezas-cantadas, presentes no cotidiano interiorano.

Na trama, Marisa Orth interpreta uma mulher que recebe amigos e familiares em casa para o velório do marido, papel de Miguel Falabella. Por decisão própria, ela optou por velá-lo no quarto, deixando o caixão na porta, o que acaba atrapalhando a circulação dos convidados. A personagem explica que pode receber todos apenas até a meia-noite, pois prometeu ao marido que passariam juntos a última noite.

Não há mais vagas. Nem para o Joaquim, se ele quiser voltar. Gertrudes, a dona da pensão, diverte-se fazendo comidinhas e chás para espantar a solidão do cotidiano. Madalena é uma mulher sensual, enfermeira durante o dia e à noite, diverte-se com seus vários amantes. Lúcia, entre uma mentira e outra, se perde entre a fantasia e a realidade de encontrar um príncipe encantado. Juntas, essas três mulheres de origens e almas diferentes debatem-se, divertem-se, brigam e se amam em uma história que mistura o real e a fantasia.

A peça acompanha Luizinho, um garoto inquieto, criado pelos pais adotivos e pela avó. Conhecido por “Moleque”, carrega no peito o desejo de se tornar artista e honrar suas raízes. Entre o barracão da escola de samba Unidos do Pau Brasil, os becos da favela e os desafios da vida, Luizinho precisa enfrentar um mundo que insiste em dizer não aos seus sonhos.

“A Dona dos Raios” conta a história de uma mulher, que após anos de opressão em uma relação abusiva e violenta toma coragem para mudar tudo. Com a ajuda de outras mulheres, desperta para sua força interior e começa uma vida nova, apesar das inseguranças e medos. As canções de Maria Bethânia vão dando um norte para a história.

Enquanto tenta vencer o concurso de “Enfermeira Modelo”, Zilda enfrenta o caos de um hospital público, pacientes excêntricos e um mal-entendido com um político. A trama ganha novas camadas com a introdução da Libras e muitas trapalhadas no caminho. Uma comédia leve e cheia de surpresas.

Dois ícones da dramaturgia. De um lado, a lendária Lady Macbeth, personagem imortal de William Shakespeare. Do outro, uma das mais importantes atrizes brasileiras, Susana Vieira. “Lady” promove indiretamente esse encontro, mas não para reencenar a tragédia do autor inglês. Ao contrário, o monólogo inédito de Vana Medeiros é uma viagem bem-humorada, feminina, leve e contemporânea. Um texto moderno escrito especialmente para o humor e o talento de Susana, que desejava retornar aos palcos com uma comédia inteligente e de grande comunicação com o público.

Um pequeno acidente de trânsito, que quase resultou num atropelamento, acaba provocando a aproximação entre o Sr Green, um velho e solitário judeu ortodoxo, e Ross, um jovem executivo de 29 anos que, graças ao juiz Kruger, foi acusado de negligência na direção e considerado culpado pela ocorrência. A pena consiste em fazer com que Ross deva prestar serviço comunitário junto à vítima uma vez por semana, pelos próximos seis meses. A ação da peça se passa no velho apartamento do Sr. Green. Tudo parece ter sido adquirido há muito tempo e se mantido intocável desde então. 

A montagem reúne três textos curtos de Franz Kafka: em Um Artista da Fome é narrada a trajetória de um artista cujo trabalho é passar fome publicamente e que se sente excluído da sociedade após uma mudança cultural que desvalorizou seu ofício; Comunicado a uma Academia apresenta a história de um macaco falante que relata aos membros de uma academia sua transição de animal para quase humano; já em Carta ao Pai, Kafka escreve ao pai uma carta em que expõe a mágoa diante de seu autoritarismo. Abrindo a montagem ainda está o breve texto Diante da Lei, em que um homem vai até a porta da lei pedindo acesso, sempre negado. Com uma linguagem influenciada pelo teatro de Tadeusz Kantor e a linguagem de HQs e desenhos animados, o espetáculo aborda os modos com que os sistemas de violência conduzem à alienação.

Numa conversa bem-humorada com o público, Gala Dalí (Mara Carvalho) revive, de forma não cronológica, momentos marcantes de sua vida desde a infância até os últimos dias: a juventude na Rússia, seu primeiro casamento, com o escritor Paul Éluard, a inadequação à maternidade, o primeiro encontro com Salvador Dalí, a luta para se impor num universo dominado pelos homens, a rejeição por parte das famílias dos seus maridos e o constante julgamento social. Enquanto se diverte revivendo suas lembranças, reflete sobre a paixão, a arte, a gastronomia, dinheiro e poder, vida e morte.

Baseada em histórias reais, a dramaturgia é resultado de uma pesquisa com famílias e pessoas envolvidas com o tema da adoção. No palco, os atores Felipe Oládélè e Ramon Brant constroem uma fábula sobre afeto, empatia e pertencimento, tocando em temas urgentes da sociedade brasileira. “O espetáculo é, antes de tudo, sobre amizade, cuidado e o desejo de ser visto em um mundo anestesiado”, comenta Brant, que também assina a concepção da obra Com base no teatro físico e na dança contemporânea, Chão de Pequenos articula linguagem corporal e discurso político para refletir sobre a invisibilidade de crianças negras nos processos de adoção. O texto conta com colaborações da escritora Ana Maria Gonçalves, autora do romance Um Defeito de Cor, e da atriz e dramaturga Grace Passô, responsável pela provocação dramatúrgica.

A trama acompanha Antônio, um mercador que contrai uma dívida com o agiota judeu Shylock para ajudar seu amigo Bassânio. Como garantia, Antônio oferece uma libra de sua própria carne. Com o não pagamento da dívida, o contrato desencadeia um julgamento dramático, colocando em pauta temas como justiça e preconceito.

Em um mundo que tantas vezes determina quem merece amor, nasce a história de um casal que, desde cedo, aprende a reconhecer os limites impostos aos corpos e às formas de afeto. Entre lembranças de infância e silêncios herdados, eles descobrem que amar é também reconstruir memórias, redefinir o que é família e escolher, todos os dias, viver um amor que não se curva às normas. Um espetáculo sobre o amor. Clichê! Amor. Afeto. Sonhos. Queremos naturalizar essas palavras em nossos corpos, em nossa existência. Queremos um banco, uma escuta, um abraço. Você nos ouve?

Boneco fala, canta e apronta! Nesse espetáculo o grupo traz figuras que encontramos no cotidiano para o teatro de bonecos popular, com muita graça, música ao vivo, forró de rabeca e crítica bem-humorada. O público entra na roda e se diverte. Uma brincadeira para todas as idades!

No palco, tudo começa no vazio, um espaço onde realidade e ilusão se entrelaçam. As cenas surgem como fragmentos de um sonho que ora se constrói, ora se desfaz. Entre gestos sutis e encontros intensos, os dançarinos desenham uma coreografia que percorre ruínas e delicadezas, tensão e silêncio. A escuta entre os dois conduz a performance por uma travessia em que a fisicalidade do corpo se transforma em linguagem poética, revelando camadas profundas do que nos atravessa como indivíduos e como sociedade.

Mais do que uma adaptação, o musical Dom Casmurro é uma celebração da literatura brasileira. A montagem oferece uma experiência teatral vibrante, onde a força de Machado de Assis se encontra com a música e a emoção de um espetáculo contemporâneo, convidando o público a redescobrir um dos maiores clássicos da nossa cultura.

O texto narra a relação de uma Mãe e de uma Filha. A Filha que não consegue ser Mãe porque ainda precisa ser Filha. A Mãe, que para chegar à filha, revela a mulher que sempre foi. A herança do feminino transmitida para além do útero. Um jogo de poder, controle e descontrole que leva a um caminho pelas várias e diferentes formas de amar, para além do Amor.

O que começa como uma fuga solitária de veleiro torna-se uma viagem involuntária ao passado quando a protagonista se vê obrigada a levar consigo sua mãe, que sofre de Alzheimer. Enquanto lida com os esquecimentos repetitivos da mãe, ela é confrontada com suas próprias memórias soterradas: a morte do pai, um amor perdido e o medo de viver plenamente. Em um barco que é ao mesmo tempo abrigo e prisão, mãe e filha reencenam gestos cotidianos, revelando como o passado insiste em habitar o presente.

A jornada começa quando as crianças enfrentam desafios para encontrar a casa do vovô no sítio, envolvendo-se em brincadeiras, trapalhadas e descobertas pelo caminho. Durante essa aventura, elas contam com a presença de um novo amigo, Bob, um garoto autista que se encanta pelo mundo dos animais e pela música, encontrando novas formas de se expressar. Repleto de canções contagiantes, coreografias divertidas e momentos emocionantes, "A Turma do Seu Lobato – O Musical" é um espetáculo vibrante que convida o público a cantar, dançar e se emocionar com uma história que celebra a amizade, a inclusão e os laços familiares.

Mostro e Cia. conta a história de um menino hostilizado pelas outras crianças por sua aparência diferenciada. Um dia ele decide fugir e encontra abrigo em uma casa velha e distante, mais excêntrica do que assombrada, onde acaba se identificando com os moradores, figuras peculiares, as quais lhe ajudam a redescobrir sua autoconfiança e a redefinir a conotação pejorativa da palavra “monstro”. Trata-se de um espetáculo infantojuvenil inspirado nos tradicionais personagens das histórias de terror, porém, assumem uma releitura contemporânea fundamentada em algumas problemáticas da sociedade contemporânea, que permeiam tanto o universo das crianças quanto dos adultos, abordando por meio do teatro de bonecos, temas como preconceito, discriminação e bullying.

Neste musical infantil, Cinderela vive numa vila africana, com a sua madrasta Mama e suas filhas, Kalima e Luena. Ela trabalha dia e noite, mas tem esperança de que dias melhores virão. Até que conhece o Príncipe Zulu, por quem se apaixona. No entanto, o caminho para a felicidade terá muitos obstáculos. Mas, com a ajuda de seu amigo Bunga e a bênção especial de sua protetora, que, nessa narrativa, não será a Fada Madrinha, e, sim, Obá, uma orixá, Cinderela embarca em uma jornada de superação, amor e autodescoberta. Tudo embalado por uma trilha animadíssima, passeando pelo samba, afrobeat, forró, kuduro, marimba, entre outros gêneros musicais.

Uma família formada por Dona Joana, sempre preocupada em realizar os desejos dos filhos, seu Augusto, que quer deixar toda contabilidade da família em ordem, e nunca consegue, e seus filhos Matheus e Catarina, muito unidos e tem um desejo, um segredo aos poucos revelado.

Inspirado na vida e na obra de Milton Nascimento, o musical expõe em cena a ternura e os desafios inerentes ao processo de adoção e as dificuldades de inserção de uma criança negra em um ambiente majoritariamente branco. "Bituca" é o terceiro espetáculo do projeto, que já homenageou Luiz Gonzaga, Braguinha, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Raul Seixas, Elis Regina e Elza Soares, em mais de 10 anos de sucesso.

Denis era um menino comum: ia à escola, jogava futebol, tinha amigos... Mas ele se sentia diferente. Achava que sua vida era chata. Algo de extraordinário simplesmente tinha que acontecer! Com recortes e fragmentos de um inesperado acontecimento, esta trama vai mostrar que nem tudo é o que parece ser.

A loucura desenhada como extrema lucidez é a chave poética de ESBOÇO, espetáculo com foco na atuação e no caráter transformador das criações antimanicomiais. Fruto das investigações sobre a potência dramatúrgica presente nas obras ‘Esboço’ e ‘Com os meus olhos de cão’, de Hilda Hilst, o solo apresenta Riolo, um professor de matemática pura que, após expelir a constatação de que tudo em sua vida é apenas um esboço, passa a conviver diariamente com esta condição. Diante de tudo e todos, a única palavra possível é “esboço”.

Em 1918, durante a Primeira Grande Guerra, após a sangrenta Batalha de Verdun, quatro soldados abandonam seu tanque de guerra e decidem desertar. Tidos como mortos, os quatro homens permanecem em clandestinidade em Mülheim, bairro fabril na Alemanha, sob a constante ameaça de serem presos e fuzilados como desertores. Apesar das dificuldades, os clandestinos lutam para conseguir comida e pactuam nunca se separar. Eles têm a esperança de que uma revolução coletiva possa pôr fim à guerra sem sentido, de modo que sejam perdoados. Os desertores acreditam poder tomar parte na desejada revolução.

No mês de maio, a programação do projeto Sede Viva apresenta três espetáculos na Sede da Cia. dos Atores, na Escadaria do Selarón, na Lapa: “Latitudes dos Cavalos”, “A Mulher de Juan” e “Só percebo que estou correndo quando vejo que estou caindo”. Iniciado em março, o Sede Viva reúne espetáculos, leituras e festas, com curadoria do ator e diretor Cesar Augusto. O projeto Sede Viva foi contemplado pelo edital Pró-Carioca, programa de fomento à cultura carioca, da Prefeitura da Cidade do Rio de Janeiro, através da Secretaria Municipal de Cultura.

Uma protagonista, num momento de recortes, colagens e lembranças, questiona e ressignifica sua vida na contemporaneidade. A poesia está em ser mulher e ser respeitada por isso. Por meio da dança, o trabalho aborda a violência enfrentada por essa população, tanto as agressões físicas quanto as silenciosas.

A obra percorre memórias da diáspora negra e as transforma em gesto. Combinando dança contemporânea, oralidade e ancestralidade, o espetáculo constrói paisagens que evocam permanência, deslocamento e resistência.

A partir do luto pela morte de seu pai, um ator convida o público a mergulhar no universo das memórias em uma conversa íntima e descontraída sobre homens, formigas, armários e saudades. Misturando realidade e ficção, João e Joãozinha se entrelaçam: Joãozinha é uma formiga que queria ser um homem que queria ser uma formiga; João é um homem que queria ser uma formiga que queria ser um homem. Na verdade, o que ele queria mesmo era que seu pai viesse assistir a essa peça. Mas talvez seja mais fácil se transformar em formiga do que esperar que isso aconteça... Será que você pode vir enquanto ele não chega? PS: Vai ter cachaça!

A pesquisa parte da ideia de "primeira e segunda natureza" para refletir sobre a separação entre humanidade e mundo, entendendo como o corpo e a identidade da artista se inserem nesse contexto. Great Fake desafia concepções de finalidade, explorando a interseção entre natureza e invenção. Iara Izidoro dedica-se à integração de linguagens artísticas, tendo o corpo como disparador de questões e a ficção como suporte para suas obras. Em suas criações, valoriza a relação horizontal entre corpo e espaço, bem como entre diferentes corpos e dispositivos de improvisação.

A peça retrata os encontros, desencontros, aventuras e desventuras do cameraman Ronaldo (Charles Myara) e da maquiadora Socorro (Vannessa Gerbelli) para salvar seu casamento. Para completar, em meio à crise na relação, recebem uma visita para lá de inusitada que, de uma forma atrapalhada e hilariante, dá uma nova perspectiva e apimenta a vida do casal. É uma comédia que fala sobre as virtudes e as mazelas de um relacionamento a dois, sobre como não é nada fácil lidar com o dia a dia em uma relação, mas que, com um pouco de leveza e imaginação, tudo pode ser resolvido.

A peça transcorre no consultório de Freud, onde o público acompanha as sessões de análise com Ernest Lanzer, um rapaz de 30 anos atordoado e infeliz, que sofre de pensamentos obsessivos ligados a uma tortura com ratos. Muitas dúvidas o afligem, especialmente em relação a com quem deve se casar: a mulher que ama, mas proibida pela família; ou a prima rica que trará fortuna para gerir os negócios familiares. Por outro lado, ele tem uma relação problemática com um pai jogador, libertino e cruel, a quem odeia, teme e, paradoxalmente, ama. Seus sintomas e angústia o tornaram incapacitado para o trabalho e para o relacionamento amoroso.

Após uma temporada de grande sucesso com Réquiem SP, o Balé da Cidade de São Paulo apresenta duas novas criações, ambas de autoras brasileiras expoentes da dança internacional. A primeira é de Michelle Moura, sob o título de tão carne quanto pedra, e a segunda é de Rafaela Sahyoun, intitulada BOCA ABISSAL.

Manada sensibiliza o público sobre as situações de vulnerabilidade e discriminação que pessoas LGBTQIAPN+ enfrentam, desde a infância, e promove a reflexão sobre desconstrução de padrões normativos e preconceitos estabelecidos socialmente. Para isso, “Selvagem” se propõe a ser um movimento multiplataforma de memória e diálogo na sociedade que inclui ainda trilha sonora nas plataformas digitais e o Museu das Crianças Selvagens, nas redes sociais do projeto.

Sob a direção artística de Christina Streva e Ricardo Nolasco, e com direção musical de Rohl Martinez, a peça é uma viagem continental por um corpo-território guiado por uma tripulação de cabaretas. As histórias são encarnadas por um elenco criador formado por Amnah Asad, Danilo Canindé, Divina Malandra, Lucas Baptista, Natasha Corbelino, Vanessa Dias e Vinícius Rocha. A atriz convidada Josie Antello soma-se à travessia com presença vibrante.

“Yago Luz da Maldade": expõe conflitos humanos como vingança, manipulação, preconceitos e feminicídio”, define o artista. “A obra convida o público a refletir sobre o impacto das falsas narrativas, das injustiças e da luta pela verdade em um mundo onde reputações estão cada vez mais em jogo e a busca por uma imagem perfeita leva jovens à ansiedade”, opina. O autor acrescenta que a montagem destaca a potência da palavra e da interpretação, dispensando a grandiosidade dos cenários. “O ator se transforma na história e nos personagens”, explica.

Uma atriz em sala de ensaio lida com a perda de memória progressiva do avô, revisitando suas lembranças por meio de antigos cartões. Entre o cômico e o trágico, a peça convida o público a refletir sobre afeto, envelhecimento e o que escolhemos guardar quando tudo parece se apagar.

Uma visita guiada a um museu imaginário em que se encontram obras de arte e pensamento crítico criadas por mulheres em 1976. Ao falar dessas obras, Daniele Avila Small compartilha com o público a experiência de olhar para obras de arte com uma perspectiva crítica. O mapa astral da artista dá as cartas da curadoria deste museu, trazendo a astrologia para a cena como uma lente criativa, que oferece um repertório imagético e narrativo inusitado para a abordagem das artes, da história e das narrativas de si.

O mundo está em chamas e mesmo assim não podemos parar. Em Queimada - Estudo nº 1, Stella Rabello compartilha o processo da peça que se dá em uma viagem através da memória e da história, seguindo as indicações de um mapa desconhecido na esperança de encontrar um oásis, uma reserva, um mundo perdido, uma floresta esquecida e intocada pelas motosserras, explosivos, escopetas, agrotóxicos, missionários, garimpeiros, políticos, latifundiários, grileiros. A atriz conduz uma visita guiada em alta velocidade por entre os incêndios dos séculos XX e XXI, através de uma paisagem coberta de cinzas, rumo a um futuro encoberto por nuvens de fumaça. Uma corrida vertiginosa em direção a um abismo flamejante. Um monólogo em moto-contínuo. Uma autocombustão.

Um panorama da produção teatral dos últimos 25 anos de carreira do premiado ator Samir Murad. Essa é a proposta da mostra “Teatro, Mito e Genealogia” da “Cia.Cambaleei, mas não caí…”, que acontece dentro do Programa Funarte Aberta. A mostra, que dá foco para quatro personagens míticos, ocupa no mês de junho o palco do Teatro Glauce Rocha, no centro do Rio, que pertence à Fundação Nacional das Artes - FUNARTE. Os quatro monólogos serão apresentados um a cada semana, de quintas a sábados (às 19h) e domingos (às 18h): “Para Acabar de Vez com o Julgamento de Artaud” (5 a 8/jun); “Édipo e Seus Duplos” (12 a 15/jun); “Cícero - a Anarquia de um Corpo Santo” (19 a 22/jun); e “O Cachorro que se Recusou a Morrer” (26 a 29/jun).

Um ser alado cai no quintal de um ser humano. É a partir dessa premissa que a narrativa se desenvolve. O ser humano, um catador de lixo que tenta sobreviver à miséria que assola sua família, vê sua rotina mudar com a queda de um ser alado em seu quintal. O espanto inicial dá lugar à necessidade de identificar o estranho ser, gerando um permanente questionamento quanto à definição do ser alado. Seria um anjo? Um frango? Um delírio provocado pela fome? É nessa teia que o espectador é convidado a se equilibrar, enquanto os dois seres se digladiam em um intenso confronto dialético. O exílio forçoso de um, e a miséria do outro, pontuam a trama, que apresenta um cenário pós-apocalíptico permeado de desesperança. Um ser alado e um ser humano, no abismo de suas percepções, preconceitos, medos e dúvidas.

Comemorando 20 anos nos palcos, o Grupo Redimunho de Investigação Teatral apresenta COURO DURO: A SAGA DO FIM DO MUNDO, uma sequência de histórias cruzadas entre a literatura e a realidade, que, por consequência, se entrecruzam com o atual momento histórico e político do Brasil.

SANTO CRISTO - FAROESTE CABOCLO mostra a trajetória de João de Santo Cristo, que muda completamente após a morte de seu pai. Sozinho no mundo, seu único fundamento se torna o de sobreviver; após ser enviado para um reformatório militar. Lá ele cria um inimigo; foge na esperança de ver o mar, mas acaba em Brasília. Na capital do Brasil conhece o amor da sua vida, mas mais uma vez o destino o coloca à prova e diante de dois caminhos escolhe aquele que o distancia de uma vida com esperanças.

“O Mundo de Gael” trata de uma história infantojuvenil muito tocante e narra a jornada de um menino autista de 12 anos, que é inteligente e curioso. Gael sente-se deslocado na praça onde as outras crianças brincam. Seu Tato, no entanto, lhe oferece companhia, mas é o enigmático e intrigante Mestre Engrenaldo quem o desafia a enxergar suas dificuldades de outro jeito – ele o ajuda a encontrar seu próprio caminho e também a enxergar suas dificuldades sob uma nova perspectiva. Entre frustrações e descobertas, Gael embarca em uma jornada de autoconhecimento, aprendendo que existem muitas formas de se conectar e encontrar seu próprio caminho.

A história de O Som que Vem de Dentro gira em torno da relação de Bella Lee Baird, interpretada por Gláucia Rodrigues, uma professora de Literatura na Universidade de Yale que se vê diante de um câncer em estágio avançado, e Christopher Dunn, vivido por André Celant, um jovem escritor com um espírito inquieto e desajustado. A cada palavra, a cada gesto, a peça expõe as dores e as esperanças desses dois personagens em uma luta constante contra suas realidades. Ao mesmo tempo, ela revela o que há de mais profundo na existência humana: a busca por significado, por conexão e pela resposta a perguntas que, por vezes, não podem ser respondidas.

O trabalho conta a história de um homem comum que, motivado por uma questão íntima perturbadora, inicia sua trajetória de enfrentamento pessoal com diversos personagens, obstáculos, memórias, objetos e desafios na busca de algum tipo de informação que o possa transformar.

As confissões de um homem que busca justiça com as próprias mãos. Ele é um anjo vingador ou simplesmente um assassino? Monólogo com Andriu Freitas. Direção: Daniel Herz. Texto: Owen O'Neill. Tradução: Diego Teza. TEATRO LAURA ALVIM terças e quartas, 20h. De 13/5 a 28/5.

Uma moça procura ajuda: qualquer truque para enfrentar uma doença misteriosa. Sente sintomas nunca antes sentidos, tem a sensação de estar acompanhada mesmo estando sozinha. Em sua busca por algum alívio das dores, alguma trégua nas tonturas, alguma esperança de cura, ela se depara com estranhas criaturas, todas de olhos voltados para isso e responsáveis pelo inchaço de seu umbigo.

“Carlos Marighella – O Homem que Não Tinha Medo” narra a juventude e a maturidade de Marighella, seus conflitos internos, suas paixões, seus sonhos e sua luta incansável por um Brasil justo. Através de um jogo cênico dinâmico, com comentários de Jorge Amado e Fidel Castro, o espetáculo convida o público a repensar a história oficial e refletir sobre o presente. Uma obra que mistura emoção, crítica e poesia, celebrando a coragem de quem nunca teve medo.

“Nas Ondas do Rádio” é o novo espetáculo dos moradores do Palacete dos Artistas, uma homenagem aos anos dourados da rádio no Brasil, destacando a programação da icônica Rádio Nacional e o Teatro de Revista.

A trama se desenvolve com o personagem apresentando ao público uma roda de samba, ambientada na Lapa das décadas de 20 a 50, recheada de muitas histórias, música e a boa "malandragem", característica da boemia carioca, contando suas aventuras e passeando por fatos importantes da cultura popular e do cenário histórico do Rio de Janeiro da época.

Em cena, a atriz interpreta a si mesma e a sua bisavó, que tem o mesmo nome. Duas Virgínias Martins, separadas pelo tempo e pelas circunstâncias, mas unidas por uma história carregada de percalços na vida amorosa. A bisa Virgínia sonhava com o Rio de Janeiro e com uma paixão proibida, mas viveu no sul da Bahia até falecer precocemente do coração. Já a Virgínia atriz, foi a primeira da sua linhagem a ter sucesso na tentativa de migrar para a cidade maravilhosa, e aproveita a chance para curar, no palco carioca, as dores de um coração tantas vezes partido.

Pai, inspirado em uma história real, é um espetáculo solo que acompanha a jornada de um homem confrontando as marcas profundas deixadas pelos abusos que sofreu de suas figuras paternas. Sozinho em um quarto estéril, ele revive momentos-chave de sua infância — atos de controle, crueldade e ternura fugaz — enquanto busca clareza, encerramento e um sentido de identidade além das memórias que o assombram. À medida que passado e presente colidem, Pai rompe o silêncio, mesclando emoção bruta com momentos de beleza e esperança. Esta performance visceral cria um espaço para o diálogo, a cura e a possibilidade do perdão.

Simone, fisioterapeuta de classe média, e Daniel, estudante de cinema de família rica, são moradores da mesma cidade, mas estão afastados por 20 minutos de metrô, 25 anos de idade, e por seus vizinhos e preconceitos. Num encontro improvável, os dois vão conversar sobre diversos assuntos e descobrir que são mais próximos um do outro do que imaginavam.

O espetáculo conta a história de uma mulher simples do campo, que ergue suas facas por proteção. Foge de casa ainda menina deixando sua mãe e lembranças para trás, seguindo um chamado divino traça um novo rumo para sua vida, onde luta por direitos e os defende até a sua morte. Uma história sobre a luta e direitos feministas, inspirada na história de Joana D’Arc.

Na morte de sua avó amada, Tamikuã vê todo o seu mundo desmoronar. Ela está perdida e sem lar. Assim, acompanhada de seu cachorrinho, Capitão Nemo, embarca em uma jornada de descoberta e autodescoberta para tentar encontrar seu lugar no mundo. Suas viagens a levam por paisagens estranhas onde o ambiente natural corre grande perigo. Tamikuã precisa encontrar coragem para seguir em frente e manter vivos seus sonhos.

Velejando o Barco Mundo e guiados pela Árvore Ancestral, quatro animais encantados buscam a Máquina do Lucro que destruiu a floresta onde moravam.

Joana (Juliane Cruz), uma menina de 7 anos, vive com suas duas mães, Isabel (Monique Vaillé) e Beatriz (Carolina Godinho), em uma casa rodeada pela natureza. Durante uma aula online de ciências, ela descobre que os bebês são gerados em úteros e fica com uma grande dúvida: de qual barriga ela nasceu? Será que pode nascer de duas? Movida por sua curiosidade, e com uma câmera na mão, Joana inicia uma jornada para descobrir a sua origem.

A vida de Jonathan se transforma a partir do momento em que ele se vê obrigado a cuidar da tartaruga mais velha do mundo e zelar por sua vida numa ilha perigosamente reacionária.

Uma terapeuta tem um caso com o marido de sua paciente. Uma paciente se envolve com o ex-marido da terapeuta. E um caseiro que não aparece. Em um final de semana caótico, segredos e traições transformam uma tentativa de reacender o desejo de um casamento desgastado numa comédia de erros. Entre sessões de terapia, shows de stand-up e encontros inesperados, os personagens embarcam em um jogo perigoso de sedução, traição e autodescoberta.

Cabeça de Nego é um espetáculo-brinquedo, uma criação cênica com base no jogo cênico que utiliza habilidades circenses capazes de criar as condições sensíveis de cumplicidade entre ator-plateia, gerando identificação, pertencimento e desejo coletivo para fazer fluir provocações às humanidades. É uma obra em movimento e um diálogo com seu tempo.

Estamos na época da monarquia no Brasil. Athos, Porthos e Aramis são modistas que vivem um período de decadência, por não conseguirem trabalhos, já que exercem funções femininas para a época. Tudo muda quando eles são contratados pela Rainha Bernardete III para produzir um vestido que será utilizado no maior evento da realeza. Mas o que parece um sonho de repente se torna um pesadelo, e os três vão ter que bater muito cabelo pra conseguir entregar um bom modelo.

O Palhaço Tá Sem Graça conta a história de dois amigos palhaços. Enquanto Risadinha faz o público gargalhar sem esforço, Murmúrio vive uma fase de bloqueio criativo, achando mais que nasceu para o drama por conta da frustração de não ter seguido sua vontade de virar cantor nos anos 80 após uma experiência nada agradável. Eis que, durante um ensaio, um balão mágico aparece do nada para transportá-los para um mundo interno, onde eles precisam enfrentar desafios, medos e muita confusão.

Quem tem medo de poesia? Gregorio Duvivier não faz parte deste grupo e usa seu discurso sedutor para mostrar que esse assunto pode ser prazeroso e divertido no solo O Céu da Língua. Essa comédia poética estreou em Lisboa no contexto das comemorações ao aniversário de 500 anos de Luis de Camões e roubou a cena por lá. Gregorio Duvivier, que não estreava uma peça nova há cinco anos, fez essa peça para homenagear sua língua-mãe.

Assim como Os Lusíadas, a montagem tem quatro momentos que percorrem sua dramaturgia ancorada em poesias de Camões e outros poetas de Língua Portuguesa, como: Bocage, Fernando Pessoa, Césario Verde, Sá de Miranda, Florbela Espanca e outros. Abordando temas como a fundação da língua portuguesa, a viagem, a vida e a morte. A dramaturgia é ancorada na poética de autores lusófonos em uma costura que permeia a palavra e os sentimentos abordados nas obras que foram selecionadas a partir de uma pesquisa entre elenco e direção da montagem. Com humor e sutilezas, alguns poemas foram musicados passando por ritmos do fado ao rap, outros interpretados e declamados pelas quatro atrizes da melhor idade, que tiveram a maior parte de suas vidas dedicadas ao ofício do teatro, acompanhadas ao vivo por um músico ao piano.

Ícone da cultura brasileira, com trajetória marcante tanto no cinema como no teatro e na televisão, a atriz Ítala Nandi, de 82 anos, estreia em maio, no Teatro Poeirinha, em Botafogo, o solo performático “Paixão Viva”, com o qual dá início às comemorações dos seus 65 anos de carreira. Escrito a quatro mãos por Ítala e o cineasta Evaldo Mocarzel, que também a dirige, o monólogo revisita importantes momentos da história pessoal e profissional da premiada artista gaúcha. Principal figura feminina no início do Teatro Oficina, Ítala esteve na primeira e antológica montagem de “O Rei da Vela” e foi musa do cinema nacional por quase duas décadas, protagonista do primeiro nu de uma mulher no teatro brasileiro — no espetáculo “Na Selva das Cidades”, em 1969 — e intérprete de memoráveis personagens no palco e na TV. Coleciona grandes momentos em longas emblemáticos das filmografias de Joaquim Pedro de Andrade (“O Homem do Pau Brasil”), Ruy Guerra (“Os Deuses e os Mortos”), Anna Muylaert (“O Clube das Mulheres de Negócios”) e Arnaldo Jabor (“Pindorama”), entre outros.

No espetáculo, um ator é convidado para atuar em um monólogo sobre a vida e a obra de Abdias do Nascimento, considerado o maior ativista pelos direitos dos negros no Brasil. A peça trata do primeiro dia de ensaio da própria. Como personagens, Ator e o Diretor, colocarão suas vivências pessoais como negros brasileiros no palco.

Dois irmãos se reencontram no velório do pai, depois de 25 anos sem se ver. Enquanto o mais velho foi obrigado a ceder suas paixões e ambições para cuidar da família, o irmão mais novo desbravou o mundo e hoje é um premiado fotojornalista. O reencontro, no entanto, é tenso, carregado de ressentimentos e mágoas. Enquanto o irmão mais velho acusa o mais novo de fugir de suas responsabilidades, o irmão mais novo o acusa de ser cúmplice dos erros cometidos pelo pai. No entanto, uma revelação do passado muda totalmente o ponto de vista dos irmãos, que precisam revisitar suas intimidades para dialogar.

Na trama, a protagonista perde a própria casa e o animal de estimação em uma enchente no sul do país. No albergue, ela faz novos amigos e nos mostra, pelo seu olhar doce, a esperança em relação a tudo o que vivenciou. Um relato ficcional que expõe exatamente o drama que afligiu milhares de famílias no Rio Grande do Sul há um ano, em maio de 2024.

Uma carta anuncia que o filho de um casal precisará ser removido do cemitério onde fora enterrado, pois há veneno naquele solo. Um encontro entre esse casal, dez anos depois, escancara as dores de um luto ainda presente. O maravilhoso diálogo entrelaça o sofrimento de duas pessoas que perderam um filho, a si mesmas e uma a outra. Além de tocante e pungente, o espetáculo proporciona que momentos cômicos brilhem até mesmo nas tragédias mais profundas.

Voltado para pessoas de todas as idades e, especialmente, para todas as infâncias, o espetáculo convida o público a olhar para o céu e sonhar com a possibilidade de flutuar, afastando os pés do chão. A apresentação acontece na Praça do Sesc (térreo), com entrada gratuita. No palco, um paraglider de 11 metros atravessa o espaço cênico como uma nuvem, ao lado de outros elementos que reforçam a pesquisa da companhia com objetos e espaços públicos. Com o corpo pleno de ar e a cabeça nas nuvens, a proposta é dar asas à imaginação e criar momentos de suspensão e delicadeza.

Três palhaças em um dia de audição musical passam por inusitadas e engraçadas situações, como esquecer o texto, entrar no palco na hora errada, sentir dor de barriga e enfrentar a impaciência do auditor. A trilha sonora homenageia musicais clássicos como: Cabaret, Chicago, A Noviça Rebelde, Roberto Carlos e Frère Jacques.

O espetáculo solo é uma experiência imersiva na vida da lendária atriz francesa Sarah Bernhardt, que revolucionou o teatro mundial. A narrativa começa com uma atriz contemporânea, no processo de criação de uma performance sobre Bernhardt, e, à medida que a trama se desenrola, momentos emblemáticos da trajetória da grande atriz ganham vida no palco.

A comédia satírica "Diva: Ao Vivo do Inferno - o musical" é um monólogo com apenas um ator em cena e três músicos, a peça conta a trajetória desastrosa de Desmond Channing, um jovem ator que vê seu reinado nos palcos ameaçado pela recém chegada de um galã. Como resposta à sua fúria, comete uma série de crimes que o fazem parar no Inferno após sua morte. Como penitência, está condenado a recontar sua história todas as noites em busca da redenção, nessa hilária comédia musical recheada de humor ácido e consequências catastróficas.

Uma oportunidade única de se divertir com o melhor da humorista mineira, que conquistou o país. “Então… Deu No que Deu” é um mix dos meus melhores momentos das outras produções, porém com novas piadas e interpretações. Além de novidades especiais, é claro, pois o humor é sempre vivo, e cada espetáculo é único”, diz Nany.

Primavera Cega nasce de lembranças pessoais autoficcionadas, mergulhando na relação entre uma mãe e um filho ao longo do tempo. Neste percurso, o espetáculo atravessa temas como a homofobia, o machismo e a Doença de Alzheimer – que se manifestam de diferentes formas, moldando personalidades, apagando histórias e deixando marcas. A partir do olhar desse filho, a narrativa investiga como os padrões herdados da família – e reforçados pela sociedade – se enraízam na identidade pessoal. Histórias não contadas, medos silenciados e afetos interrompidos tornam-se heranças invisíveis. O que não é falado se infiltra nos gestos, nas ausências, nos ciclos que se repetem. Ao transitar entre lembranças reais e inventadas, Primavera Cega é um convite à reflexão sobre a força dos laços afetivos e os impactos do preconceito e da intolerância em seus mais diversos aspectos. Mais do que um resgate de memórias, é uma viagem interior que confronta o protagonista – e o público – com os fantasmas do passado e os limites que ele impõe ao presente.

Num movimento incessante de busca, o corpo atuante se auto esculpe, enterrando-se no material primitivo, erradicando sua identidade e tornando-se a própria obra de arte viva. No entanto, esse material cega, e esse corpo é forçado a ter contato com as profundezas de si mesmo. Em uma performance fascinante, Sagazan muda identidades no palco, de homem para animal e de animal para várias criaturas híbridas, ele perfura, oblitera e desvenda as camadas em seu rosto em uma busca frenética por nova essência e forma. Em TRANSFIGURATION, Sagazan dá um novo significado à noção de vida, oferecendo um vislumbre cativante, perturbador e estimulante de uma individualidade alternativa totalmente livre de inibição. Criada em 1998, a aclamada peça-performance TRANSFIGURATION já foi apresentada em mais de 25 países.

Um pai idoso e sua filha temporã, depois de anos afastados, tentam se comunicar. Ele, um experiente ator. Ela, uma jovem atriz. O pai oscila entre a fina lucidez e descontrolados delírios. A filha tenta se equilibrar entre os cuidados com este pai e a raiva e exaustão. Como estratégia de convivência, decidem ensaiar o personagem Rei Lear, antigo sonho dele. O véu da autoficção agora permite que Pai-Ator-Lear e Filha-Atriz-Cordélia descubram novas formas de expressar o que não pode ser dito, ao mesmo tempo em que vislumbram a finitude na figura do pai.

Em Ser, Danielle Rodrigues convoca o espectador a mergulhar nos complexos processos e caminhos que os seres humanos se propõem diariamente, transformando sentimentos e experiências em uma obra que resgata a essência do viver. Já Vortex, é uma coreografia original de Christian Casarin, que utilizando o conhecimento técnico e a agilidade dos bailarinos, leva o virtuosismo do treinamento do ballet clássico para reorganizar estruturas tradicionais, alternando e misturando códigos do vocabulário da dança. Com música original composta por DallaNoras, que serve como fio condutor para criar um contraponto entre disciplina e tradição numa paisagem sonora eletrônica, a obra coloca no centro os bailarinos e suas experiências, permitindo uma recomposição corporal e rítmica.

Uma máquina foi programada para salvar da autodestruição, e precisa coletar informações do público a fim de criar estratégias para enfrentar os desafios mais urgentes da humanidade como guerras, epidemias, crise climática, intolerância social e a incerteza quanto ao futuro. Para isso, se comunica com o público através de diferentes personas, entre homens, mulheres e crianças em presença virtual. Estes avatares querem aprender a sentir, e colhem depoimentos dos espectadores (que quiserem) numa conversa intimista e informal.

Em 2025 o LUME Teatro celebra seus 40 anos de história com uma programação especial de 23 de abril a 4 de maio no Sesc Santana. A mostra LUME EM CENA: CORPO COLETIVO apresenta uma imersão nas técnicas e na criação cênica que consagraram a companhia de Campinas como referência internacional. Fundado em 1985, o grupo se destaca pela pesquisa constante sobre a arte da atuação, com apresentações em mais de 30 países e colaborações com artistas, coletivos e pensadores de todo o mundo.

"O Controle" se passa em um futuro não muito distante. Um homem está preso sem ter noção do porquê. Ele se considerava um cidadão exemplar. Cumpridor abnegado de todas as medidas governamentais garantidoras da ética coletiva. Tinha orgulho da sua elevada pontuação no esquema de crédito social – e estava quase alcançando uma faixa de pontuação cidadã que lhe permitiria morar numa área mais nobre. Separado do seu iPhone, não tem mais acesso à sua posição social – ou seja, não consegue saber nem quanto tempo vai ficar preso. Vai dividindo sua perplexidade com o companheiro de cela, que se mantém em silêncio até que a morte o alcança, em seus pertences o protagonista encontrará as pistas para o motivo da sua prisão. O espetáculo "O Controle" é uma reflexão sobre a liberdade individual em tempos de ascensão dos mecanismos de controle coletivo.

SEREI SEREIA? é um belíssimo livro para crianças, em que é contada a história da menina Inaê, que nasceu com um grande desafio: ela não pode andar. Sua mãe, então, conta à menina uma história em que, na verdade, Inaê é uma sereia, e por isso ela jamais poderia andar como os humanos. Que ao nascer em nosso mundo, a sua linda cauda de peixe foi transformada em pernas que, porém, não se adaptaram a essa nova condição. Assim, Inaê vive entre um mundo de fantasia, em que ela é a Princesa do Reino do Fundo do Mar, e a sua realidade, onde é uma criança cadeirante que, além das dificuldades diárias impostas pela falta de acessibilidade, também precisa enfrentar preconceitos. O livro, com sensível poesia, narra a trajetória da menina no caminho do entendimento dos limites entre a fantasia e realidade, bem como a luta da sua mãe para que ela se fortaleça e possa crescer de forma animicamente forte e saudável.

Após pouco mais de 20 anos após a estreia, o espetáculo solo "DeCor", de Denise Stutz retorna ao palco onde estreou, o Espaço Cultural Municipal Sergio Porto, no Humaitá, no Rio de Janeiro, no dia 7 de maio. Denise Stutz é premiada atriz e coreógrafa, uma das fundadoras do Grupo Corpo. A apresentação de "DeCor" é uma oportunidade para o público carioca assistir esse espetáculo de teatro e dança que foi premiado e circulou por muitos palcos.

Em 1963, às vésperas do golpe civil-militar, o agente duplo da Marinha e repórter investigativo, José Nogueira, morre misteriosamente ao cair do alto de seu apartamento. A peça “Espião Silenciado: Um Ensaio” reconstrói esse episódio obscuro com linguagem investigativa, convidando o público a refletir sobre os bastidores do poder e as conexões entre passado e presente.

Nora tem tido pesadelos recorrentes com as tragédias causadas pelas mudanças climáticas e é obrigada a botar em ação todo o conhecimento que aprendeu na escola. Depois de uma enxurrada, sozinha em meio à destruição, Nora encontra, um rato que se chama Gato, uma gata que se chama Rata, e o Genro, um menino com delírios de grandeza. O grupo só consegue retornar do Mundo do Fim do Mundo quando entende que não há soluções mágicas e que todos devem trabalhar juntos pela preservação da natureza e da humanidade comum.

Mesclando teatro, dança, música e artes visuais, Instinto expõe o limiar entre o ser humano e a representação de primatas, interrogando com humor e sarcasmo os limites tênues da nossa própria humanidade. A encenação traz à tona o papel do líder frente à sociedade enquanto massa silenciosa e até onde vamos em nome dos nossos ideais.

Num quarto de pensão vivem duas mulheres. A chegada de um misterioso pretendente para uma delas traz consequências inesperadas.

“Por intermédio de uma rádio, Obaluaiê atravessa diversas cenas da vida diária, tornando-se capaz de curar o tempo, uma vez que pode avançar ou retroceder cada vez que gira o seu toca disco. As personagens são orixás em ações cotidianas que enfrentam desafios e dilemas humanos. Jovens pretos fazendo as pazes com os ponteiros e descobrindo a espiritualidade como uma tecnologia de sobrevivência e permanência.”

“Passaporte para o Amor” é uma comédia romântica repleta de humor e amor que conta a história de Ângelo e Marina. Eles se conhecem por um acaso do destino no saguão de um aeroporto. Ela é aeromoça e ele um passageiro; que perderam o horário de voo e terão que passar a noite juntos até que a cia aérea os recoloquem num outro avião. A mulher tem rompantes de humor e desconfia da presença do homem, tentando mantê-lo distante para sua própria segurança. Mas ele não dá trégua e faz questão de ficar por perto tentando criar laços de amizade. Durante a madrugada eles se tornam cumplices e trocam confidências pessoais e amorosas, até que se dão conta que ambos têm mais afinidades do que imaginavam ao se conhecerem horas antes.

Bruna Louise chega com seu novo show de stand-up: “O Que Passa na Cabeça Dela”. A resposta? Muita coisa – e ela vai contar tudo no palco, do jeito que só ela sabe fazer. Relacionamentos, perrengues, empoderamento e as situações mais absurdas do dia a dia viram piada nas mãos de Bruna, que não tem medo de falar o que pensa.

Em cena, Patricia (Ana Carbatti) é uma professora aposentada que se muda para uma cidade pequena e contrata como governanta Nice (Liliane Rovaris), uma mulher de origem simples que fala pelos cotovelos. O relacionamento delas é mediado pela filha de Nice, Bel (Adassa Martins), jovem mãe solteira de duas crianças e que tem que lidar com uma possível transgeneridade/não-binariedade da criança de 8 anos. Apesar de conviverem, elas sentem-se isoladas e incompreendidas. Aos poucos, a trama revela um universo feminino de enorme complexidade e humor, cujas solidão e tormentos serão apaziguados pela solidariedade e pelas pequenas coisas que as unem.

A nova temporada da peça convida o público a refletir sobre os limites da ética diante da escassez, sobre como a ganância pode destruir vínculos sociais e sobre as concessões que fazemos para manter uma aparência de normalidade. A encenação não busca respostas fáceis, mas estimula questionamentos profundos e inquietantes.

Mulher sem fim é uma peça multiartística que transita entre dança, teatro, música e performance para edificar um corpo constantemente trespassado por ecos de mulheres presentes nas memórias de diversas culturas. De Madame Bovary a Lady Macbeth, passando por Carmen Miranda, o trabalho traça uma dramaturgia da transformação corpórea de uma performer que desenha e apaga sua própria identidade de gênero, por meio de citações de outras mulheres.

De 17 a 20 de abril (quinta-feira a domingo), a Sala Itaú Cultural recebe o 31º Porto Alegre em Cena, festival que chega a São Paulo em uma itinerância para além do Rio Grande do Sul, movida pela busca de manter a produção teatral gaúcha ativa e em circulação, após as enchentes sofridas no ano passado. Na capital paulista, serão apresentados os espetáculos A Mulher que queria ser Micheliny Verunschk e Idade é um Sentimento, ainda inéditos na cidade

Com dramaturgia do uruguaio Sergio Blanco e direção de Victor Garcia Peralta, a peça é uma autoficção que acompanha os encontros entre um jovem parricida e um dramaturgo interessado em escrever a história do crime.

O espetáculo Mona Canta Dalva retorna aos palcos em 2025, homenageando Dalva de Oliveira (1917-1972), eleita Rainha do Rádio em 1951 e reconhecida como uma das maiores intérpretes da história da música brasileira. Sob a direção de Márcia do Valle, Mona Vilardo interpreta 18 sucessos imortalizados por Dalva, como Bandeira Branca, Ave Maria no Morro e Errei Sim, acompanhada pelos músicos Daniel Sant’ana (violão), Ricardo Nascimento (trompete) e Rui Lessa (bateria). Além das canções, o espetáculo compartilha histórias da vida de Dalva, conhecida como o “Rouxinol Brasileiro” e eleita “A Rainha da Voz”.

A paixão entre Lourdes e Amaro, já na casa dos 60 anos, abre espaço para o questionamento dos valores e estigmas que a sociedade, e a família, impõe aos mais velhos. O que se segue é uma linda jornada de autodescoberta, onde os dois personagens, através de suas fragilidades e forças, demonstram que o amor não tem prazo de validade.

Manifesto do Sonho é uma ação cênica que propõe um instante onírico de reflexão e diálogo. O trabalho parte da concepção de “sonho” e “assombro”, enquanto discurso, para refletir questões sobre discursos e ações que controlam, gerenciam e ameaçam a possibilidade do sonhar negro. Colocando em trânsito a dança com as artes visuais, produzindo um campo cênico sensorial, instalativo e imersivo, com sua bicicleta e mochila nas costas, eis um corpo. Um entregador que carrega encantarias e a sorte em estar vivo. Seu exercício é encruzar fronteiras, propagar o anúncio e ter nos sonhos o lugar no qual o assombro não entra. Um mensageiro que sua função é ser guardião que escuta os caminhos e entrega um manifesto aos viajantes. Confere agora, neste exato momento, a agilidade e rapidez de compartilhar uma mensagem antes que o assombro tome de conta e cubra os nossos olhos.

O espetáculo tem como protagonista a personagem Sabrina, uma mulher livre, moderna e cheia de personalidade, que trabalha como digital influencer. No entanto, ao conhecer Theo, ela se deixa envolver por sua doçura inicial e se agarra à esperança de que ele volte a ser aquele homem do começo da relação.

Inspirado em obra psicografada por Chico Xavier, Claudio Torres Gonzaga lembra a luta de Inês e de Pedro para estarem juntos em meio a uma teia de intrigas, ódio e conflitos de interesses. Na peça, a paixão vence. Narrada pela própria Inês, após a sua morte, a narrativa acompanha a dama galega no plano espiritual e sua tentativa de acalmar o coração do amado com o apoio de Santa Isabel, avó de Pedro. O objetivo das duas é reconciliar pai e filho e devolver a paz a Portugal. Ao tornar-se Rei, Pedro realiza o mais impressionante cortejo já visto, com o traslado do corpo de sua amada entre Coimbra e Alcobaça, culminando na coroação de Inês, a Rainha Morta.

No monólogo Sebastian, o autor sueco Lars Norén dá voz a um jovem de 18 anos prestes a invadir sua antiga escola com o objetivo de cometer um massacre. A peça é inspirada no caso real de Sebastian Bosse, ocorrido na Alemanha em 2006, e parte de uma extensa pesquisa realizada por Norén em diários, textos e vídeos deixados pelo próprio jovem. Em cena, o personagem expõe as violências que sofreu — verbais, físicas e psicológicas —, seu sentimento de não pertencimento e sua visão distorcida de liberdade.

O Cabaret do Gláucio apresenta CABARÉ Te Vê, um espetáculo cômico e musical que brinca com o universo da televisão brasileira. A cada cena, o elenco improvisa e recria momentos icônicos da TV nacional, misturando homenagens, sátiras e críticas bem-humoradas. Esta é a segunda montagem do ciclo de cabarés que vai ocupar o novo espaço do Teatro Glaucio Gill, ao longo de um ano.

Saltando vertiginosamente do drama à comédia, da década de 1960 aos anos 2000 e vice-versa, “Cobras, lagartos e minhocas” é um sensível retrato da luta de um homem em busca de acolhimento e de sua autêntica identidade. As cenas se apresentam como ritos de passagem entre a infância e juventude. Toda a tensão das primeiras experiências, dúvidas e inseguranças estão em cena, transformando o simples ato de viver em marcas do tempo. Se, por um lado, estão lá evidências de uma vida heterossexual, como as namoradas da juventude, a iniciação sexual, o casamento e os filhos, também habitam esse imaginário a expansão do desejo, abusos sexuais, bullyings e traumas comuns à infância e juventude que reverberam na vida adulta.

Violette Toussaint é uma mulher comum, zeladora de um cemitério numa pequena vila da Borgonha. Seu dia-a-dia é preenchido pelo cuidado com as plantas e animais que lá habitam, e pelas confidências comoventes, trágicas ou até cômicas dos visitantes do cemitério, que divide com o público, assim como suas memórias pessoais. Apesar da infância conturbada, de um marido desaparecido e de vários reveses, encontra conforto entre os rituais e as flores do cemitério. Acredita de forma obstinada na felicidade.

Uma mulher contemporânea desperta de repente, sem saber por que, em uma ponte à beira do abismo e, a partir daí, começa a reconstruir, através de sutil jogo entre linguagem e memória, sua vida e realidade. Algumas lembranças pessoais somadas a imagens daquilo que certamente não viveu diretamente, mas que lhe parecem ser verdadeiras, começam a se fundir e revelar a ela o porquê da sua situação.

Américo é um vendedor de café, que em seu carro ambulante leva histórias, sua dignidade e muitos objetos cotidianos que são transformados em elementos acrobáticos. Em um universo de sabores e ritmos latinos, o espetáculo integra clown e comédia física, com recursos de parada de mãos, dança, acrobacias de solo e aéreas, em uma proposta cênica autêntica e ao mesmo tempo popular.

O espetáculo investiga a ideia de contágio em episódios que ficaram conhecidos como “histeria coletiva”, atualmente chamada de “doença psicogênica de massa”. Partindo da hipótese de que essa psicopatologia pode ser disparada em ambientes muito opressivos, o que isso diz sobre situações da nossa modernidade? A composição coreográfica é quase como um passeio pela Idade Média que se relaciona de forma distópica com a contemporaneidade.

Stabat Mater abre a mostra de espetáculos com apresentações de 3 a 6 de abril, quinta-feira a sábado, 20h e domingo, 18h e na sequência, de 12 a 27 de abril, sexta-feira e sábado, 19h e domingo, 17h, é a vez de História do Olho – um conto de fadas pornô-noir, ambos com sessões gratuitas no Tusp. Já Deeper faz temporada – também com ingressos gratuitos – de 22 de maio a 1º de junho, de quinta-feira a domingo, 14h30 às 19h30, no Centro Cultural Olido.

Uma criança brasileira cresce nas ruas e descobre carregar consigo uma força ancestral. Se torna uma pombagira após seu trágico falecimento, tornando-se uma figura poderosa no mundo espiritual, capaz de proteger e livrar todos que tenham caminhos semelhantes aos seus. A história entrega um verdadeiro presente ancestral, apresentando ao espectador os elementos de relevância da ritualística de terreiro: sons do tambor, o aroma das ervas e os pontos cantados. Assim são apresentadas as entidades e suas características de vestimenta e trejeitos, com dança, música e muita energia feminina, oferecendo ao espectador uma experiência única de teatro.

Manifesto musical-cênico-poético no qual as mulheres reafirmam as lutas de ontem, de hoje e de amanhã, enquanto sonham e tecem futuros de amor e esperança.

Acompanhamos o encontro de duas meninas, Chica e Maria, uma vinda de Alagoas, a outra de Minas Gerais. Ao se mudarem para São Paulo, elas são obrigadas a lidar com os desafios da migração, especialmente na escola. Com saudade de suas terras natais, embarcam em uma fuga imaginada: uma viagem fantástica pelo Rio São Francisco, que as ensina a superar medos e desafios, mostrando a elas o poder da amizade. É na brincadeira que compartilham a importância da cultura popular na construção de suas identidades, se fortalecem e ganham coragem para enfrentar os obstáculos que surgem pelo caminho.

"Um Mês no Campo" é uma peça ambientada em uma fazenda aristocrática na Rússia do século XIX, onde a vida de Natalya Petrovna, esposa do proprietário da fazenda, é drasticamente transformada pela chegada de um jovem tutor. Envolvida em um casamento estável, mas sem paixão, Natalya é arrebatada por sentimentos intensos e proibidos, desencadeando um dilema entre o desejo e as rígidas normas da sociedade que regem sua vida.

O livro Tubarão é uma história de paixão e perigo, escrita em versos. Uma epopeia erótica em que a narradora se dirige diretamente à destinatária de sua obsessão. Ambas são cercadas pela presença constante de um tubarão, sempre pronto para o ataque. Na performance, trechos do livro ganham forma como composições, incorporando ritmo e musicalidade. O texto se expande como experiência sonora, e transita entre gêneros como trip hop, música eletrônica, ritmos brasileiros, música experimental eletroacústica, pop e tango. Maria Isabel e Barulhista dividem a cena. Enquanto ela encena pequenos gestos que evocam perigos sutis, ele manipula sua máquina sonora em um movimento que lembra uma dança. Alguns trechos se repetem como refrões distorcidos, enquanto outros funcionam como um duplo da artista, tocando independentemente de sua fala. O trabalho, que defende a paixão sem apaziguamento, encerra-se com um tango, dançado pelos dois artistas.

Na comédia O Doente Imaginário, Molière faz uma sátira ácida à classe médica e às relações humanas guiadas por interesses egoístas. Argan, um hipocondríaco que vive em busca de tratamentos para doenças inexistentes, é explorado por seu médico, por seu farmacêutico e sua ambiciosa esposa, Belina, que finge cuidado enquanto planeja herdar sua fortuna. Para garantir assistência vitalícia, Argan decide casar sua filha, Angélica, com um médico, ignorando os verdadeiros sentimentos dela. Com humor e sarcasmo, a peça expõe a ganância, a falsidade e os excessos da medicina em um retrato atemporal da sociedade.

A história começa com o desaparecimento de Feiurinha, uma princesa pouco conhecida, cujo risco de ser esquecida ameaça apagar sua existência do Reino dos Contos de Fadas. Preocupadas com o que isso pode significar para o mundo mágico e para a memória coletiva, as princesas dos contos mais famosos decidem unir forças para resgatar Feiurinha antes que ela desapareça para sempre.

Uma embarcação conduz mulheres que marcaram a história com suas histórias de amor e de dor. Com suas glórias e suas mágoas. Vidas que se cruzam em tempos e espaços diferentes. Vidas semelhantes no sentir. São elas Elizeth Cardoso, Maysa, Dalva de Oliveira e Dolores Duran. Que se encontram com Maria Callas, Barbara, Edith Piaf, Mercedes Sosa e Marlene Dietrich. As canções permeiam o espetáculo e o texto navega nos mais profundos sentimentos humanos. Na alegria da vida, o abandono. No prazer, o medo. Na chegada, a partida. A peça traz o mistério da morte e o mistério da vida. Tudo com a leveza musical, que compõe para alguns a recordação de lindas canções e para outros o aprendizado. O amor nunca sai de cena.

Nos anos 1960, um triângulo amoroso se desenvolve entre Érica, seu marido Roberto e Jeremias, melhor amigo de Roberto, todos moradores do mesmo condomínio. Nesta montagem imersiva e itinerante, o público é levado a circular entre os apartamentos dos personagens para desvendar os seus segredos e mentiras, pelo período de 9 anos.

A libanesa Adibe, uma camponesa grávida do primeiro filho, fica em sua aldeia no Líbano à espera do marido Miguel, um mascate libanês que foge da 1ª Guerra imigrando para Brasil com o intuito de prosperar e sustentar a família. Numa contínua troca de cartas, dividem anseios, descobertas e dores na expectativa de um possível reencontro futuro.

“A menina e o cubo” conta a história de uma menina que vive em um cubo perfeito, onde tudo é previsível e seguro. Uma tempestade repentina muda drasticamente esse mundo perfeito, e ela é lançada para uma aventura mágica que desafia tudo o que conhece. Durante essa viagem, a personagem faz novos amigos, desde uma sábia baleia até um extravagante arco-íris, que a ajudam a lidar com seus medos e a mostrar que os obstáculos podem trazer crescimento e aprendizado.

O monólogo “Absolvição”, com Andriu Freitas e direção de Daniel Herz, traz as confissões de um homem movido por um propósito obsessivo: caçar padres abusadores de crianças e fazer justiça com as próprias mãos. Com um enredo instigante, reviravoltas e revelações, o texto levanta questões profundas sobre ética e justiça, provocando o público a refletir: ele é um anjo vingador em uma missão divina ou simplesmente um assassino?

Na trama, uma socialite falida reúne em seu apartamento, que será vendido, amigos que não via há muito tempo: um coach influenciador e um motorista de aplicativo. Esse chá de despedida oscila entre a expectativa do reencontro e a incerteza da ausência de uma outra pessoa. Enquanto aguardam, o trio revira um baú de memórias, revelando dilemas que atravessam gerações. Os atores Thales Huebra, Renata Mariane e também o diretor Klever Schneider dão vida a essas personagens.

A distopia criada por Nelson Baskerville a partir da tragédia carioca de Nelson Rodrigues ressurge como um espelho cruel das hipocrisias brasileiras, amplificadas pelo recente avanço da extrema direita. Edgard, um homem marcado pela miséria apesar de anos de dedicação ao patrão Werneck, recebe uma proposta tentadora: casar-se com Maria Cecília, jovem rica e "bonitinha" , mas envolta em um passado controverso. O dilema entre dinheiro e moralidade o arrasta por um universo de desejos reprimidos, traições e valores distorcidos.

Com texto de Ricardo Alvarenga Hirata, direção de Fernando Philbert e interpretação de Luciana Borghi, o monólogo “Minha Vida: Lou Andreas-Salomé” traz à cena a força e a complexidade de uma vida inspiradora capaz de atravessar os tempos. Luciana Borghi, que interpreta Lou, mergulhou em uma extensa pesquisa para capturar a essência dessa mulher à frente de seu tempo, desde sua relação com grandes nomes como Nietzsche, Rilke e Freud até sua própria produção literária e teórica. O texto de Ricardo Alvarenga Hirata se baseia em anos de pesquisa e em traduções inéditas realizadas por ele, assim como Borghi que mergulhou em uma extensa pesquisa em oficinas terapêuticas de teatro no hospital psiquiátrico da UFRJ, culminando no encontro com a obra de Lou Andreas-Salomé.

Peça mergulha no lado obscuro e hilariante do mercado de trabalho contemporâneo. Dois atores, no papel de candidatos desesperados, enfrentam testes insanos e absurdos em busca de um papel/emprego. Parte da Trilogia “Pessoas Trabalhando”, o trabalho mistura humor e ironia para expor os limites extremos que os candidatos enfrentam e as crueldades do processo seletivo.

O projeto Mãos Empoderadas 2025 promove o empoderamento feminino a partir do encontro entre artesãs e do compartilhamento de técnicas e processos de criação e divulgação. Além das oficinas principais, que já tiveram suas inscrições encerradas, diversos espaços na Cidade Tiradentes recebem uma Mostra Cultural, com atrações gratuitas de teatro, dança e música, até dia 15 de maio.

Embalados por sucessos como “Your Song”, “I’m still standing”, “Tiny Dancer", "Rocket man" e outros sucessos o espetáculo volta aos anos 90 quando Elton John se vê diante de uma triste realidade: a luta diária contra as drogas. "It's me: Elton" explora momentos e canções marcantes na trajetória do cantor, sem seguir necessariamente uma ordem cronológica. O espetáculo aproveita este pano de fundo para abordar temas relevantes para a sociedade contemporânea como a liberdade, a opressão, a persistência e a vulnerabilidade na condição humana.

Para representar toda a versatilidade de temas, técnicas e públicos do teatro de bonecos, a Cia Caravan Maschera volta a São Paulo para realizar uma mostra gratuita no Espaço Sobrevento.

O texto, divertido e mordaz, faz uma homenagem à palavra, esta ferramenta para entender o mundo. Uma professora discute a gramática, tomando um caminho inusitado, uma reflexão sobre as mudanças impostas pela crise e pela comunicação dos novos tempos e de que forma estas mudanças contribuem para esvaziar, enganar, banalizar conceitos e influenciar nossas vidas.

O enredo gira em torno de um personagem dividido entre sua persona virtual, criada para as redes sociais, e seu eu essencial. Sob o olhar da Fama, que atua como musa e algoz, o protagonista enfrenta um embate consigo mesmo. A encenação utiliza elementos visuais e sonoros que criam um distanciamento crítico, forçando o público a refletir sobre poder, status e identidade na sociedade contemporânea.

João Cabral de Melo Neto, o poeta e dramaturgo do rigor estético, do texto objetivo e popular, que deixava até a última gota de suor em cada palavra, volta a entrar em cena com sua obra-prima Morte e Vida Severina, em um momento crucial da humanidade. Morte e Vida Severina segue viva nesse mundo cada vez mais desigual. Não mais como um poema regional brasileiro, pois os que vivem e morrem de morte severina agora estão em todas as serras magras e ossudas do mundo. A sombra da fome se espalha pelo planeta impulsionada pela crescente desigualdade.

KA é uma performance da série Entrevidas, criada em 1981 durante a ditadura militar no Brasil. Assim como na versão original, a artista caminha em meio a ovos espalhados pelo chão em referência à fragilidade da vida em tempos de incerteza. Na adaptação contemporânea, além do caminhar, Maiolino incorpora o gesto das palmas das mãos levantadas, como expressão de rendição. O gestual conecta-se tanto com a história de guerras e conflitos globais quanto com a violência urbana em cidades brasileiras, tornando-se um apelo poético-político por paz e desarmamento.

Santa Selene do Olho Tapado é um lugar onde se pode subir na vida e realizar todos os seus sonhos, desde que você consiga pescar para isso. Mas cuidado: "aquário de peixe beta não é lugar de tubarão alfa". Nesta história, o público embarca na jornada de Novata, que ao chegar no navio Santa Selene se depara com Capitão e suas histórias. Sem experiência alguma, ela tenta pescar, falha miseravelmente e recebe a ajuda de Fenita, que junto a Junico, Pira e Paco, a ensina sobre as dinâmicas abusivas de trabalho no Santa Selene. Indignada, Novata decide enfrentar Capitão, mas será que ela conseguirá manter sua integridade ou será engolida pelo sistema?

Protagonizada por Sarah Cintra e Felipe Maia – mãe e filho na vida real –, “Por que não cantando?” explora as complexas dinâmicas de aceitação, amor e preconceito dentro de uma família que desafia os padrões heteronormativos. A peça acompanha a história de uma mãe lésbica, Tânia (Sarah Cintra), que, apesar de ter enfrentado discriminação e rejeição ao se assumir, nos anos 2000,,se vê reproduzindo com seu filho trans, Davi (Felipe Maia), os mesmos julgamentos que sofreu no passado.

Na mais famosa tragédia de Shakespeare, Hamlet, a única cena cômica é a dos coveiros. Hamlet pega caveiras nas mãos e se depara com a de Yorick, que foi o bobo da corte e alegrou sua infância. A imagem que mais representa a tragédia do velho bardo é de Hamlet com caveira erguida. Ou seja, o momento da tragédia que ficou imortalizado no imaginário é exatamente aquele no qual a comédia está presente na tragédia. Neste espetáculo com texto e direção de Hugo Possolo, os atores buscam uma inversão levantando imagens trágicas dentro do ambiente cômico. Em cena, três velhos palhaços dão sua visão sobre a morte pelo olhar cômico e crítico dos Parlapatões.

A trama se desenrola quando uma mãe sai de casa para levar a cabra da família para cruzar com o bode de um vizinho e nunca mais retorna. Dias se passam e seus dois filhos, jovens adultos, decidem iniciar uma busca desesperada pela mãe. Ao longo do caminho, eles se deparam com situações desconhecidas que os levam a atos impróprios e até criminosos, tudo em nome da Mãe.

Um quintal, um varal, um lençol e dois velhos palhaços que se reencontram para viajar ao passado e relembrar seus tempos de criança. Entre baldes, prendedores, séries antigas, cinema mudo, super-heróis, cachorros, bruxos, sombras e risadas eles vão transformando quintais em lugares mágicos, trazendo ao palco o clima de ingenuidade da palhaçaria em um espetáculo singelo, onde o fio condutor da história é dado a partir da inocência das velhas brincadeiras e recordações da infância de outras gerações.

A vida ordinária de Gesualdo Brilhante, um motorista de Uber com uma inclinação incorrigível para ceder às vontades alheias, sofre uma guinada surreal. Ao sair para comprar mariscos, Gesualdo é surpreendido por três soldados do exército que, desesperados com a ausência de um colega em uma missão inesperada, o convencem a assumir o lugar do desertor. O soldado ausente, preso após um roubo malfadado em um terreiro de candomblé́, desencadeia uma sequência de eventos que obriga Gesualdo a mergulhar em um universo de autoritarismo e violência. Em meio à tensão crescente de uma guerra iminente, Gesualdo, incapaz de resistir ao fluxo, se transforma de um homem comum em uma engrenagem implacável de um sistema bélico. Enquanto isso, o espetáculo se desenrola ao som de tambores e confetes, mesclando a iminência do conflito à efervescência de um desfile de carnaval, onde os personagens transitam entre o riso e o desespero, entre o grotesco e o sublime. Com humor mordaz e reviravoltas imprevisíveis, “Gente é Gente?!” reflete sobre as escolhas, ou a falta delas, que nos moldam, e sobre a fragilidade de quem somos diante das forças que insistem em nos transformar.

Vou Lá No Fundo! proporciona uma jornada exagerada e ácida pelos altos e baixos do amor. Tratado como um sentimento nobre, almejável e cobiçado, o espetáculo procura trazer à tona todas as partes do amor que não cabem no romance best-seller ou na novela das 19h. A peça é uma comédia misturada com sarcasmo e autocrítica para explorar as experiências românticas e sexuais da sociedade contemporânea.

O espetáculo conta a história de Carmen e Leonor, duas senhoras que vivem juntas e planejam realizar uma grande festa para reencontrar amigos do passado. No entanto, ninguém aparece para o festejo. Sozinhas, elas têm uma à outra para conversar. As revelações sobre a vida dessas figuras somadas às ações cotidianas, envolvem a todos em uma reflexão em torno da solidão e o companheirismo feminino na velhice.

A montagem é inspirada no livro O Papel de Parede Amarelo. Publicado em 1892, o conto de Charlotte Perkins Gilman (1860-1935) é considerado um marco da literatura feminista por abordar temas como o controle sobre o corpo feminino e saúde mental, que permanecem atuais. A narrativa retrata a história de uma mulher confinada em um quarto pelo marido, que desenvolve uma obsessão pelo papel de parede. No entanto, a peça vai além do conto de Gilman e traz o posicionamento da própria Gabriela como mulher.

Escrita nos anos 1990 pelo canadense Daniel Danis, a peça foi inspirada por notícias sobre a superlotação nas prisões infantis do leste europeu e pelo processo de gentrificação em cidades que sediam grandes eventos, como os Jogos Olímpicos. A história mostra uma cidade que, para celebrar a festa olímpica, expulsa antigos moradores da região destinada ao legado olímpico.

“O jovem Frankenstein” conta a história de um renomado médico de Nova York que recebe uma carta com um comunicado urgente: que ele comparecesse ao velório de seu avô na Transilvânia. O que ele não sabia era que a sua família era muito temida na cidade, já que é conhecida por criar monstros. Ele se depara com novos amigos, uma criatura extraordinária e um grande amor.

No solo, a atriz e dramaturga Beatriz Belintani e a diretora Fabiana Monsalú propõem o formato de uma palestra-performance para falar da tecnologia do corpo lésbica a partir da luta pela sobrevivência das tartarugas marinhas. Através da tessitura entre fatos reais da história, depoimentos em verbatim e textos de autoras de diferentes territórios Belintani cria um espaço de diálogo entre a realidade de perigo iminente e a aspiração por um futuro utópico, oferecendo um mergulho profundo sobre o tema na contemporaneidade.

O musical transita entre passado e presente para contar a trajetória de Assis Chateaubriand e seu impacto na comunicação brasileira, enquanto acompanha Fabiano, um jornalista desempregado que, ao encontrar a estátua de Chatô em Recife, é levado por ele a revisitar momentos icônicos da mídia nacional, como a criação de O Cruzeiro e a inauguração da TV Tupi, a primeira emissora de televisão do Brasil. Em paralelo, o relacionamento de Fabiano com Juliana, uma colega jornalista, se desenrola, explorando conflitos pessoais e profissionais que refletem os desafios do jornalismo contemporâneo. A trama mescla história, romance e música para destacar o legado cultural do comunicador.

Uma atriz ou um ator, e ninguém mais: pode ser o começo de um solo como qualquer outro, mas também pode ser o terrível resultado de um naufrágio. A cada noite se sorteia um(a) integrante da Cia de Teatro Acidental para estar em cena nesta ilha deserta, mas sempre obedecendo ao roteiro decidido pelo coletivo. Esse(a) Robinson Crusoé dos palcos deverá não apenas sobreviver em condições adversas, como ainda encarnar a oposição entre indivíduo e sociedade, solidão e desejo por companhia.

A peça transcorre no consultório de Freud, onde o público acompanha as sessões de análise com Ernest Lanzer, um rapaz de 30 anos atordoado e infeliz, que sofre de pensamentos obsessivos ligados a uma tortura com ratos. Muitas dúvidas o afligem, especialmente em relação a com quem deve se casar: a mulher que ama, mas proibida pela família; ou a prima rica que trará fortuna para gerir os negócios familiares. Por outro lado, ele tem uma relação problemática com um pai jogador, libertino e cruel, a quem odeia, teme e, paradoxalmente, ama. Seus sintomas e angústia o tornaram incapacitado para o trabalho e para o relacionamento amoroso.

Uma mostra de espetáculos teatrais para todas as idades cuja temática central é a educação e como, por meio dela, é possível se propor diferentes leituras de mundo estreia em São Paulo com a primeira MOSTRA DE TEATRO PARA EDUCAÇÃO. O evento acontece de 24 a 28 de março no Centro Cultural Arte em Construção | Grupo Pombas Urbanas com uma programação formada por cinco montagens.

Um ascensorista, uma executiva ambiciosa e um porteiro que sonha em ser policial. Pressionados pelo sistema, os três se cruzam dentro de um prédio empresarial no centro de uma metrópole brasileira. Através de três vidas que se entrelaçam, a peça expõe o isolamento e a alienação da vida urbana atual.

Um narrador nos conta a história de Zaíra da Conceição, mulher, negra, retinta, grávida. E de Osvaldo, homem, negro, que acabou de se tornar pai. Uma está desempregada, outro acabara de conseguir emprego em uma rede de varejo. Zaíra sofre uma acusação infundada de roubo no supermercado. Zaíra e Osvaldo, então, lutam: pai contra mãe.

Com uma abordagem leve e divertida, a obra nos convida a refletir sobre os rótulos que limitam as pessoas à medida que envelhecem. Através dessa trama, o espetáculo ousa quebrar barreiras intelectuais ao desmistificar o gênero da comédia, demonstrando que ela pode ser um poderoso instrumento de transformação social. Ao criar uma identificação profunda, entre a personagem de ficção e a realidade dos espectadores, MODERNINHA promove uma reflexão sobre o cotidiano de uma mulher, que alcançou a terceira idade, e vive a experiência de ser avó.

Amana significa, em tupi, “água que cai do céu”. Neste espetáculo, a água, esse elemento feminino, conduz o caminho do rito para evocar a história de duas irmãs separadas por uma tragédia. Uma cena em que o momento presente e a memória se misturam para contar as lembranças amorosas, a luta e o luto. Em Amana, a narrativa foi construída com movimento, palavra e depoimento, revelando um corpo pulsante e memorioso. De forma poética e sensível, as criadoras Ana Clara Poltronieri e Tânia Farias fizeram do espetáculo um gesto de basta ao feminicídio e à violência que todas as mulheres vivem cotidianamente.

Key Sawao se lança em uma série de apresentações solo, criando danças para (e com) Takao Kusuno (1945 – 2001), considerado o precursor da dança butô no Brasil. Danças do dia emerge como uma prática artística em que memória, imaginação e presente se entrelaçam em uma tessitura contínua, com explica Key: “cada dança do dia nasce do instante, mas evoca rastros de gestos passados, criando um ciclo de atualização e ressignificação”.

Elegante e intimista, o bolero é uma referência de romantismo e sofisticação no mundo da música e da dança. A fluidez e sensualidade dos passos, combina giros suaves e harmoniosos com um ritmo lento e marcado, criando uma atmosfera que transmite paixão e melancolia.

Neste monólogo, Othon Bastos, com 91 anos de idade e mais de 70 anos de carreira, percorre histórias divertidas e dramáticas de sua vida pessoal e profissional. Com uma atuação artística marcada por papéis no cinema e no teatro, ele parte dessas memórias para criar um mural sobre o trabalho, o amor, o teatro, o cinema e a política. Citando e trazendo referências a grandes autores da dramaturgia, o espetáculo se estabelece como uma reflexão sobre a vida e a resiliência, uma ode ao enfrentamento dos obstáculos que se apresentam na existência humana.

Inspirada em fatos reais, ocorridos no Agreste pernambucano, em 2011, a peça narra a incrível história de uma agricultora, de 44 anos, que mandou matar o próprio pai.

Em uma cena com ares vitorianos que poderia estar no século XIX, como nos dias de hoje, diferentes vozes e corpos femininos se entrelaçam na construção de Uma Mulher, persona destituída de um nome ou características específicas, mas definida por seu gênero. É entre a intimidade da cozinha e o campo de convivência - e confronto - da sala de jantar, que a personagem entra em um delírio ao receber um quilo de carne para preparar ao marido. A ação cotidiana adquire ares espetaculares quando ao tentar cortar a carne ela vê Jesus Cristo à sua imagem e semelhança e passa a contar e questionar o seu passado atravessado pela violência patriarcal num mundo representado por um Deus no masculino, enquanto ela busca algum tipo de redenção frente a uma tragédia anunciada em sua vida cotidiana. Um dos primeiros textos escritos pela autora Luh Maza, aos 16 anos, o monólogo de fluxo de consciência, declaradamente uma tragédia, flerta com elementos do terror. A obra mistura o sagrado da liturgia cristã ao profano da violência doméstica, evocando o papel onde a mulher foi aprisionada socialmente. Através da ficção, a peça questiona o papel designado à mulher na instituição matrimonial ocidental, historicamente manipulado e subjugado pela domesticação servil e violenta, com a mulher muitas vezes vista como posse de seu marido, como um pedaço de carne.

Mestiço Florilégio é um espetáculo multidisciplinar constituído de canções, interpretações instrumentais, cenas teatrais, cinematografia e peças coreográficas criadas e interpretadas por Antonio Nóbrega e Rosane Almeida ao longo de 40 anos de história artística comum. O título faz referência aos poetas românticos, que tinham o hábito de empregar as palavras “florilégio” e “ramalhete” com o significado de reunião ou antologia de poemas. Mestiço, pelo fato de se tratar de um “florilégio” de canções, textos dramáticos, danças etc fruto do amálgama do mundo cultural popular brasileiro com a cultura ocidental.

Em uma encruzilhada na Bela Vista abre-se uma fresta na cidade para resgatar a memória de José Miranda Rosa, Mineirinho. Eternizado em uma crônica de Clarice Lispector, Mineirinho, considerado pelo morro da Mangueira como Robin Hood brasileiro, foi encontrado morto com 13 tiros em uma chacina praticada por policiais no dia 1 de maio de 1962, segurando a guia de Ogum do pescoço, descalço e com uma oração de Santo Antônio no bolso. A encenação que se aproxima de um ato festa traz fragmentos da história de Mineirinho, a partir de elementos da cultura da umbanda, objetivando revelar um projeto colonialista que persiste até nossos dias.

"Pa'ra - rio de memórias" conta a trajetória de Dalú: uma menina indígena do povo Sateré-Mawé que é levada a uma viagem no mundo dos ancestrais para retomar as riquezas de seu povo e ajudar a sua família a lidar com conflitos territoriais na cidade grande. Ao se encontrar com encantados e antepassados, a peça convida o público a navegar por esse rio de memórias e dialogar em torno das infâncias indígenas dentro e fora das aldeias.

No palco, Luiza Moreira Salles divide a cena com os atores Carolina Fabri e Diego Chilio. O espetáculo mescla a história real de Cecilia Payne-Gaposchkin com uma aventura espacial, trazendo o fascínio que os fenômenos celestes despertam nas crianças. De forma lúdica e poética, a peça fortalece a importância da curiosidade e incentiva crianças a serem autênticas e seguirem seus sonhos, desconstruindo a antiga ideia de que certas coisas não são para menina.

Uma liga de heróis com poderes inusitados viaja no tempo e chega em meio ao caos urbano da São Paulo de 2025 para tentar deter a maldição do esquecimento, que se renova a cada 100 anos. Vindos da revolta esquecida de 1924, os guerreiros pretendem formar a resistência unindo forças com o coro de cidadãos da cidade contra os abutres e soldados da opressão. Guiados pelas águas soterradas e pelos enigmas do Oráculo dos Tempos, os heróis procuram um quebra-feitiço percorrendo as ruas dos Campos Elísios, cruzando memórias capazes de erguer monumentos populares, enquanto as máquinas do futuro constroem o progresso.

Itaú Cultural recebe espetáculos da MITsp sobre mulheres negras em cárcere e sobre convivência e comunicação de surdos na sociedade Em sua décima edição, a Mostra Internacional de Teatro de São Paulo chega ao IC com o espetáculo paulista Parto Pavilhão, com Aysha Nascimento, e Língua, dos artistas cariocas Vinicius […]

Neste espetáculo adaptado do clássico de Ariano Suassuna, conta as aventuras e confusões de João Grilo e Chicó, dois espertos sertanejos que recebem uma missão de seus patrões - Dona Dorinha e Seu Eurico - para que convençam o Padre a rezar uma missa para cachorra que está doente. A confusão aumenta quando os cangaceiros atacam a cidade, causando um alvoroço danado. Diante da bagunça geral, somente "A Compadecida" poderá intervir por eles.

Neste espetáculo adaptado do clássico de Ariano Suassuna, conta as aventuras e confusões de João Grilo e Chicó, dois espertos sertanejos que recebem uma missão de seus patrões - Dona Dorinha e Seu Eurico - para que convençam o Padre a rezar uma missa para cachorra que está doente. A confusão aumenta quando os cangaceiros atacam a cidade, causando um alvoroço danado. Diante da bagunça geral, somente "A Compadecida" poderá intervir por eles.

Há quase duas décadas, a Sede da Cia dos Atores ocupa uma casa num dos pontos turísticos mais visitados do Rio de Janeiro, a Escadaria do Selarón, na Lapa. Sob a gestão da Cia dos Atores, renomado grupo teatral com 35 anos de existência, o espaço multicultural é um dos locais há mais tempo em atividade na área das artes cênicas na cidade. No dia 14 de março, a Sede estreia uma nova etapa na sua trajetória: Sede Viva, projeto que reúne espetáculos, leituras e festas até o fim de 2025, com curadoria do ator e diretor Cesar Augusto. A principal atração da abertura é a “Panorâmica Jô Bilac”, reunião de sucessos da obra do dramaturgo carioca, desenvolvida por participantes do projeto Residentes da Sede ao longo do ano passado. Sede Viva foi contemplado pelo edital Pró-Carioca, programa de fomento à cultura carioca, da Prefeitura da Cidade do Rio de Janeiro, através da Secretaria Municipal de Cultura.

A arte da Carroça de Mamulengos é vivencial e transmitida entre pai, mãe, filhos(as), irmãos, tios, sobrinhas e netas. A companhia foi criada em Brasília, em 1977, pelo ator, compositor, artesão e bonequeiro Carlos Gomide (Babau). Em 1980, Carlos conheceu a atriz brasiliense Schirley França. Juntos, constituíram família e itineraram pelo Brasil convivendo com diversos brincantes da cultura popular. Entre o Rio Grande do Norte, o Ceará e o Distrito Federal, nasceram seus oito filhos: Maria (1984), Antônio (1987), Francisco (1989), João (1992), os gêmeos Pedro e Matheus (1996) e as gêmeas Isabel e Luzia (1998).

A coreografia Réquiem SP apresenta um desafio e um exercício que estabelece um diálogo entre distintas linhagens de dança, como o balé, o jumpstyle e as danças urbanas e populares. A proposta investiga de maneira provocativa as possibilidades de articulação entre corpos, contextos e manifestações culturais, destacando as dinâmicas e a singularidade de uma cidade como São Paulo. Nesse cenário, o movimento do elenco vai além da técnica, atuando como matéria para explorar e compreender as interações do corpo com o ambiente.

Este ano, o público poderá acompanhar uma programação intensa e diversa, com mais de 60 processos artísticos, incluindo criações recentes e trabalhos em desenvolvimento. As sessões acontecem ao longo de todo o dia, distribuídas entre manhã, tarde e noite, das 11h às 22h. No total, são mais de 100 horas de atividades voltadas especialmente para o público adulto, oferecendo uma imersão extensa de diferentes linguagens e experimentações da cena artística contemporânea

Vinte! é uma reivindicação ficcional da memória dos movimentos artísticos negros dos anos 1920 no Brasil. A partir de uma crítica à peça Tudo Preto (1926), da Companhia Negra de Revistas, a peça constrói uma relação poética com a cidade do Rio, com as artes e com o tempo, sob uma perspectiva negra e contemporânea.

A peça leva o público a uma viagem teatral e musical pela história de Copacabana, passando por momentos marcantes como a inauguração do lendário Copacabana Palace, o auge da Bossa Nova, os icônicos shows de travestis da Galeria Alaska e a revolução dos Dzi Croquettes. Com muito humor, música e performances envolventes, o espetáculo recria o brilho e a transgressão das noites cariocas, em um mosaico vibrante do bairro que nunca dorme.

Uma carta do jornalista e cineasta Geneton Moraes Netto para sua entao namorada e futura companheira Beth Passi, em 1981 recebe melodia de Soraya em diálogo com Azullllllll e arranjo de Maria Clara Valle para voz e violoncello. A partir desse gesto, com a colaboração na direção e dramaturgia da cena de Laura Sammy, a cena se compõe num diálogo entre duas mulheres, seus rastros, silêncios, memórias, sua música em eterno movimento: “tudo o que é grande e forte é nômade” se torna a frase que desenha essa nova carta endereçada a quem puder ouvi-la.

Disco-inferno é uma leitura-performance. Em cena, a atriz cercada pelos vestidos originais dos anos 70 que pertenceram a mãe agora com Alzheimer, narra a curiosa mistura de uma doença degenerativa com um ambiente charmoso e pop de discotecas dos anos 80, matinês de carnaval cariocas e piscinas dos subúrbios classe média de Los Angeles. A intervenção de um baterista em cena a pontuar os tempos distintos, diferentes vozes. O encontro com o que se perdeu, uma versão dela, ou várias versões delas, se constroem e se desmontam nessa fala dialógica, pontuada com humor, ensaística por vezes, sobre esse apagamento. Disco-Inferno expõe o que resta debaixo do verniz civilizatório quando as memórias que nos constituem se esfacelem.

Apresentação do processo criativo do espetáculo Solo Um Aprendizado. Livremente inspirado no romance Uma aprendizagem ou O Livro dos prazeres, de Clarice Lispector e nos escritos de Tim Etchells, Airton Krenak, Emanuele Coccia, entre outros. Uma mulher chega em casa depois de um dia de trabalho e se arruma para um encontro com uma pessoa que prometeu ensiná-la a viver sem sofrer. Desconfiada e curiosa, ela passa por um ritual de enfeitar-se para o outro. Mas que outro? A perspectiva desse encontro aciona uma aventura que questiona o próprio eu e as relações estabelecidas com o mundo em que vivemos.

Ana Schaefer apresenta uma palestra-performance sobre a criação do espetáculo “O céu provoca o espírito trágico”. A peça, que atualmente é seu objeto de mestrado no PPGAC-UFRJ, é um convite para um mergulho dentro de um caderno/diário, por meio do qual uma mulher artista compartilha seu particular rizoma de escrita. Transitando entre referências da literatura e das artes cênicas, Ana compartilhará esse processo, que será seguido por uma roda de conversa com pesquisadoras e artistas convidadas.

O espetáculo teatral “Uma Carta Para Lady Macbeth", com texto de Thereza Falcão e direção de Isabel Cavalcanti, é um solo inspirado na peça "Macbeth", de Shakespeare, vivida pela atriz Lorena da Silva com a dramaturgia inspirada no clássico.

Em Não Tem Meu Nome, o público é recebido pelo ator e personagem que se fundem na narrativa. A partir de relatos de sua vivência como pessoa periférica na infância e adolescência, o performer apresenta uma dramaturgia que mistura ficção com elementos e fatos reais, trazendo questões como o silenciamento de comunidades subalternizadas por uma visão particular de mundo que mascara a violência, desprezo e crueldade por meio de uma ideia falsa de visão universal. O ator solitário no palco, utiliza-se de elementos narrativos para contar relatos que propõem uma reflexão urgente a respeito das relações sociais e, sobretudo, humanas. Colocadas todas as reflexões, ao fim, em um depoimento pessoal, revela-se a sua principal necessidade de criação desta obra.

Dois casais de mulheres em diferentes tempos, tentando ocupar os mesmos espaços. Enquanto umas passam pelos principais atos do movimento lésbica-feminista durante a ditadura militar brasileira, outras se recusam a sucumbir à violência dos tempos atuais. Da Operação Sapatão e o Levante no Ferro’s Bar nos anos 1980 a um episódio de lesbofobia ocorrido em 2018, LEVANTE traz o amor e a luta de mulheres lésbicas que existem, resistem e insistem em rir onde esperam suas lágrimas.

No picadeiro do Circo Pimenta, um circo passado de geração em geração, brilham as cores de um circo tradicional, com suas acrobacias, mágicas e números clássicos. Mas, numa noite atípica, o inesperado acontece: o palhaço decide partir. Sua ausência desestabiliza a trupe e acende um grande conflito: de um lado, aqueles que defendem a tradição do circo; do outro, os que enxergam na crise uma oportunidade de se reinventar, propondo a fusão do teatro e do melodrama à magia do picadeiro.

Lorena, uma palestrante de técnicas de comunicação aplicadas à vida corporativa, reconhecida como mestra na sua área, sofre uma crise nervosa em plena apresentação. As consequências desse evento - e os motivos que a levaram a ele - são a espinha dorsal da estória. Sozinha no palco – com a ajuda apenas de um técnico/ator – a protagonista vive em público momentos de mania, depressão e recuperação.

Marta, uma professora paraense sobrevivente de um atentado escolar, compartilha suas reflexões sobre educação e o seu vínculo com a enigmática professora Belmira. Embaladas por ritmos paraenses, as memórias emergem da relação entre as duas na tentativa de elaboração do trauma vivido.

Em POROROCA, Aruá é um caramujo que vive no rio Amazonas. Sua vida segue bem tranquila até que a passagem da pororoca tira tudo do lugar! O fundo do rio vira uma bagunça e o pior: a sua concha desapareceu. Quando finalmente encontra sua concha, Aruá descobre que um outro molusco, menor e mais jovem, tomou posse de seu refúgio e agora vive dentro dele.

Depois de anos, três primos se reencontram. O anfitrião, diretor de uma ONG reconhecida, revela estar envolvido em um estranho assassinato, fato que desencadeia manifestações de violência entre os convidados. Este encontro aparentemente familiar torna-se cada vez mais terrível com o aparecimento de personagens que vão agravar as ideias que cada um construiu sobre o outro, sobre o inimigo.