Minhas peças

Há quase duas décadas, a Sede da Cia dos Atores ocupa uma casa num dos pontos turísticos mais visitados do Rio de Janeiro, a Escadaria do Selarón, na Lapa. Sob a gestão da Cia dos Atores, renomado grupo teatral com 35 anos de existência, o espaço multicultural é um dos locais há mais tempo em atividade na área das artes cênicas na cidade. No dia 14 de março, a Sede estreia uma nova etapa na sua trajetória: Sede Viva, projeto que reúne espetáculos, leituras e festas até o fim de 2025, com curadoria do ator e diretor Cesar Augusto. A principal atração da abertura é a “Panorâmica Jô Bilac”, reunião de sucessos da obra do dramaturgo carioca, desenvolvida por participantes do projeto Residentes da Sede ao longo do ano passado. Sede Viva foi contemplado pelo edital Pró-Carioca, programa de fomento à cultura carioca, da Prefeitura da Cidade do Rio de Janeiro, através da Secretaria Municipal de Cultura.

A arte da Carroça de Mamulengos é vivencial e transmitida entre pai, mãe, filhos(as), irmãos, tios, sobrinhas e netas. A companhia foi criada em Brasília, em 1977, pelo ator, compositor, artesão e bonequeiro Carlos Gomide (Babau). Em 1980, Carlos conheceu a atriz brasiliense Schirley França. Juntos, constituíram família e itineraram pelo Brasil convivendo com diversos brincantes da cultura popular. Entre o Rio Grande do Norte, o Ceará e o Distrito Federal, nasceram seus oito filhos: Maria (1984), Antônio (1987), Francisco (1989), João (1992), os gêmeos Pedro e Matheus (1996) e as gêmeas Isabel e Luzia (1998).

A coreografia Réquiem SP apresenta um desafio e um exercício que estabelece um diálogo entre distintas linhagens de dança, como o balé, o jumpstyle e as danças urbanas e populares. A proposta investiga de maneira provocativa as possibilidades de articulação entre corpos, contextos e manifestações culturais, destacando as dinâmicas e a singularidade de uma cidade como São Paulo. Nesse cenário, o movimento do elenco vai além da técnica, atuando como matéria para explorar e compreender as interações do corpo com o ambiente.

Este ano, o público poderá acompanhar uma programação intensa e diversa, com mais de 60 processos artísticos, incluindo criações recentes e trabalhos em desenvolvimento. As sessões acontecem ao longo de todo o dia, distribuídas entre manhã, tarde e noite, das 11h às 22h. No total, são mais de 100 horas de atividades voltadas especialmente para o público adulto, oferecendo uma imersão extensa de diferentes linguagens e experimentações da cena artística contemporânea

Vinte! é uma reivindicação ficcional da memória dos movimentos artísticos negros dos anos 1920 no Brasil. A partir de uma crítica à peça Tudo Preto (1926), da Companhia Negra de Revistas, a peça constrói uma relação poética com a cidade do Rio, com as artes e com o tempo, sob uma perspectiva negra e contemporânea.

A peça leva o público a uma viagem teatral e musical pela história de Copacabana, passando por momentos marcantes como a inauguração do lendário Copacabana Palace, o auge da Bossa Nova, os icônicos shows de travestis da Galeria Alaska e a revolução dos Dzi Croquettes. Com muito humor, música e performances envolventes, o espetáculo recria o brilho e a transgressão das noites cariocas, em um mosaico vibrante do bairro que nunca dorme.

Uma carta do jornalista e cineasta Geneton Moraes Netto para sua entao namorada e futura companheira Beth Passi, em 1981 recebe melodia de Soraya em diálogo com Azullllllll e arranjo de Maria Clara Valle para voz e violoncello. A partir desse gesto, com a colaboração na direção e dramaturgia da cena de Laura Sammy, a cena se compõe num diálogo entre duas mulheres, seus rastros, silêncios, memórias, sua música em eterno movimento: “tudo o que é grande e forte é nômade” se torna a frase que desenha essa nova carta endereçada a quem puder ouvi-la.

Disco-inferno é uma leitura-performance. Em cena, a atriz cercada pelos vestidos originais dos anos 70 que pertenceram a mãe agora com Alzheimer, narra a curiosa mistura de uma doença degenerativa com um ambiente charmoso e pop de discotecas dos anos 80, matinês de carnaval cariocas e piscinas dos subúrbios classe média de Los Angeles. A intervenção de um baterista em cena a pontuar os tempos distintos, diferentes vozes. O encontro com o que se perdeu, uma versão dela, ou várias versões delas, se constroem e se desmontam nessa fala dialógica, pontuada com humor, ensaística por vezes, sobre esse apagamento. Disco-Inferno expõe o que resta debaixo do verniz civilizatório quando as memórias que nos constituem se esfacelem.

Apresentação do processo criativo do espetáculo Solo Um Aprendizado. Livremente inspirado no romance Uma aprendizagem ou O Livro dos prazeres, de Clarice Lispector e nos escritos de Tim Etchells, Airton Krenak, Emanuele Coccia, entre outros. Uma mulher chega em casa depois de um dia de trabalho e se arruma para um encontro com uma pessoa que prometeu ensiná-la a viver sem sofrer. Desconfiada e curiosa, ela passa por um ritual de enfeitar-se para o outro. Mas que outro? A perspectiva desse encontro aciona uma aventura que questiona o próprio eu e as relações estabelecidas com o mundo em que vivemos.

Ana Schaefer apresenta uma palestra-performance sobre a criação do espetáculo “O céu provoca o espírito trágico”. A peça, que atualmente é seu objeto de mestrado no PPGAC-UFRJ, é um convite para um mergulho dentro de um caderno/diário, por meio do qual uma mulher artista compartilha seu particular rizoma de escrita. Transitando entre referências da literatura e das artes cênicas, Ana compartilhará esse processo, que será seguido por uma roda de conversa com pesquisadoras e artistas convidadas.

O espetáculo teatral “Uma Carta Para Lady Macbeth", com texto de Thereza Falcão e direção de Isabel Cavalcanti, é um solo inspirado na peça "Macbeth", de Shakespeare, vivida pela atriz Lorena da Silva com a dramaturgia inspirada no clássico.

“Absolvição”, com Andriu Freitas e direção de Daniel Herz, traz as confissões de um homem movido por um propósito obsessivo: caçar padres abusadores de crianças e fazer justiça com as próprias mãos. Com um enredo instigante, reviravoltas e revelações, o texto levanta questões profundas sobre ética e justiça, provocando o público a refletir: ele é um anjo vingador em uma missão divina ou simplesmente um assassino?

Em Não Tem Meu Nome, o público é recebido pelo ator e personagem que se fundem na narrativa. A partir de relatos de sua vivência como pessoa periférica na infância e adolescência, o performer apresenta uma dramaturgia que mistura ficção com elementos e fatos reais, trazendo questões como o silenciamento de comunidades subalternizadas por uma visão particular de mundo que mascara a violência, desprezo e crueldade por meio de uma ideia falsa de visão universal. O ator solitário no palco, utiliza-se de elementos narrativos para contar relatos que propõem uma reflexão urgente a respeito das relações sociais e, sobretudo, humanas. Colocadas todas as reflexões, ao fim, em um depoimento pessoal, revela-se a sua principal necessidade de criação desta obra.

Dois casais de mulheres em diferentes tempos, tentando ocupar os mesmos espaços. Enquanto umas passam pelos principais atos do movimento lésbica-feminista durante a ditadura militar brasileira, outras se recusam a sucumbir à violência dos tempos atuais. Da Operação Sapatão e o Levante no Ferro’s Bar nos anos 1980 a um episódio de lesbofobia ocorrido em 2018, LEVANTE traz o amor e a luta de mulheres lésbicas que existem, resistem e insistem em rir onde esperam suas lágrimas.

No picadeiro do Circo Pimenta, um circo passado de geração em geração, brilham as cores de um circo tradicional, com suas acrobacias, mágicas e números clássicos. Mas, numa noite atípica, o inesperado acontece: o palhaço decide partir. Sua ausência desestabiliza a trupe e acende um grande conflito: de um lado, aqueles que defendem a tradição do circo; do outro, os que enxergam na crise uma oportunidade de se reinventar, propondo a fusão do teatro e do melodrama à magia do picadeiro.

Lorena, uma palestrante de técnicas de comunicação aplicadas à vida corporativa, reconhecida como mestra na sua área, sofre uma crise nervosa em plena apresentação. As consequências desse evento - e os motivos que a levaram a ele - são a espinha dorsal da estória. Sozinha no palco – com a ajuda apenas de um técnico/ator – a protagonista vive em público momentos de mania, depressão e recuperação.

Marta, uma professora paraense sobrevivente de um atentado escolar, compartilha suas reflexões sobre educação e o seu vínculo com a enigmática professora Belmira. Embaladas por ritmos paraenses, as memórias emergem da relação entre as duas na tentativa de elaboração do trauma vivido.

Em POROROCA, Aruá é um caramujo que vive no rio Amazonas. Sua vida segue bem tranquila até que a passagem da pororoca tira tudo do lugar! O fundo do rio vira uma bagunça e o pior: a sua concha desapareceu. Quando finalmente encontra sua concha, Aruá descobre que um outro molusco, menor e mais jovem, tomou posse de seu refúgio e agora vive dentro dele.

A história se passa em uma noite na casa de Roberta, diretora de uma empresa que atua em países em conflito. Dias depois do homicídio de uma jovem, Roberta recebe primos que não vê há 10 anos para jantar. A reunião é interrompida por um telefonema. Uma voz do outro lado anuncia: um plano de vingança está em curso. O alvo? Roberta e sua família. De quem é a culpa? Isso importa? O que o medo revela em nós? Somos civilizados? O que era para ser um jantar tranquilo se transforma em uma comédia de erros terrível. Em cena estão Caio Riscado, Isadora Cecatto, Joana Kannenberg, Julia Horta e Patrick Sampaio.

O espetáculo se passa na Rússia pré-revolucionária e acompanha as disputas entre os irmãos Karamázov e seu pai, Fiódor, pela herança da família e pelo amor da mesma mulher. Nesse caldeirão explosivo de ressentimentos familiares, cada um dos irmãos colabora de sua maneira para o mais temido desfecho: o assassinato do pai tirano com a participação ou omissão de cada um de seus filhos.

Mostra, que conta com espetáculos, rodas de conversa, instalação audiovisual e atividades com os Guarani M’byá, é inspirada na ideia de corpo ancestral, na cosmovisão indígena e nos encontros com o povo Guarani, desembocando na questão ambiental, através das águas do mundo.

Resultado de uma pesquisa sobre literatura oral realizada nas cidades do sertão potiguar, A botija conta a história de três netos que retornam à casa de sua avó no sertão nordestino em busca de uma botija de ouro, da qual ouviram falar na infância. Ao longo dessa busca, se encontrarão com encantados e encantarias, como a caipora, a princesa da serra e a mulher do sonho.

Ao som das trilhas icônicas do universo Colossal, os personagens favoritos da TV Colosso se reúnem para enfrentar uma ameaça: uma invasão de cães cibernéticos comandados pelo terrível Vira-Lata de Aço, vindo do futuro para levar o Gilmar das Candongas para o ano de 2090 e resolver a "TV Colosso das Galáxias", uma versão altamente tecnológica e sem humor. Em cena, momentos marcantes como o “Bom dia, Galera!“ e o clássico “Tá na hora de matar a fomeee!” ganham vida. Priscila, ao lado dos Gilmares, convoca a turma para enfrentar os caninos espaciais, que acabam descobrindo que a verdadeira magia da TV Colosso está na bagunça e amizade da equipe. Será que a TV Colosso volta ao passado, ou o futuro está a caminho? Todos correm para salvar a TV Colosso – afinal, ainda bem que já é hora do almoço!

Com uma performance impecável, o show resgata com fidelidade a obra do Maestro Tom Jobim, trazendo à cena toda a sofisticação e delicadeza de suas composições. A banda, formada por 11 talentosos músicos, promete transportar o público ao mundo encantador do "Sol da música brasileira" em sua melhor versão. Jobim foi um dos grandes expoentes da música brasileira, internacionalizando a bossa nova e fundindo-a com o jazz nos anos 1960, criando assim uma sonoridade inovadora que marcou época. Exaltado mundialmente como um dos compositores mais importantes do século XX, sua obra permanece viva e continua a encantar diferentes gerações.

A história traz, de um lado, um refinado teólogo representante da tradição e dos velhos costumes da Igreja; do outro, um religioso carismático e com fama de rebelde disposto a construir pontes com as mudanças do mundo moderno. O cardeal argentino Jorge Bergoglio está decidido a pedir sua aposentadoria devido a divergências sobre a forma como o Papa Bento XVI tem conduzido a Igreja. No entanto, ele é surpreendido por um convite pessoal que mudará seu destino: um encontro com o próprio Papa.

Criando uma névoa onde real e ficção se fundem, o "belga da gema", como ele próprio se define, conduz um passeio pela sua jornada neste país desde os palcos, paisagens e amores, passando pelos corredores de hospitais, onde experimentou a própria fragilidade, até sua volta para casa.

O espetáculo de teatro de marionetes de fio apresenta uma trupe de artistas circenses que esteve a vida toda entre trapézios, cordas bambas, equilibrismos, malabarismos e até no globo da morte. Agora que eles estão velhos, encontram o desafio de se reinventar e criar números com a realidade de seus corpos. O que era limite agora é inspiração e eles buscam, de forma divertida, novos modos de encantar o público e fazer ecoar o riso nas plateias.

Quatro caminhantes percorrem lugares e histórias da América Latina em uma espécie de busca-viagem por pertencimento. O espetáculo lança mão de expedientes contemporâneos para revelar o lastro da colonização, celebrar a potência da diversidade dos povos, e refletir aspectos contraditórios do nosso continente para mirar além das fronteiras.

Em 1614, em São Luís do Maranhão, Brasil, preso à boca de um canhão, prestes a ser executado por sodomia por soldados franceses, Tybyra, indígena Tupinambá, propaga as últimas palavras, como se depois de relâmpagos, o som dos trovões saíssem de sua boca. Dramaturgia de estreia do artista potyguara Juão Nyn, uma ficção sobre o primeiro caso de LGBTfobia, com um corpo nativo, documentado no país.

Adaptada da HQ sueca de Liv Strömquist, quatro mulheres com diferentes maneiras de amar retratam como os relacionamentos evoluíram ao longo da história. Em esquetes ficcionais, baseadas em romances reais, a peça investiga o por quê as pessoas se apaixonam tão raramente hoje em dia.

Uma grande cidade é um tecido de sonhos, frustrações, desejos, possibilidades, dúvidas, convívios e solidões. Milhões de solidões entrecruzadas. Sem dormir, sem parar. Mas e se decidirmos parar para ver? “Avenida Paulista, da Consolação ao Paraíso”, a peça inédita, é um retrato volante da inquietude da principal avenida de São Paulo, sua história, seu presente, suas ausências.

Um poeta que sofre de esquizofrenia faz um relato comovente e ao mesmo tempo auto-irônico sobre sua internação, suas memórias e reflexões.

Conduzidos por linhas que partem para infinitas direções, somos convidados a seguir a trilha do desenho, desde a garatuja até a representação das formas, descobrindo como nos divertimos e nos desenvolvemos quando criamos livremente.

Sobre a Pele dos Pêssegos é um espetáculo leve, delicado, divertido e cheio de poesia. A encenação evidencia o cotidiano da palhaça Olga, revelando seu jeito atrapalhado, musical e absurdo de realizar os mais simples afazeres domésticos. Através dessa sutil excentricidade que reveste seu dia a dia podemos ver uma camada lúdica, divertida e delicada, tal como a pele dos pêssegos.

"Quem Casa Quer Casa 4.0" é uma adaptação moderna da clássica comédia de Martins Pena, transportando os dilemas familiares para o século 21. Com humor e emoção, a peça explora temas contemporâneos de amor, aceitação e convivência, refletindo as complexidades das relações LGBTQIAPN+ na sociedade atual. Prepare-se para uma narrativa envolvente onde o amor e a compreensão vencem o preconceito.

Cidade de São Paulo, 2025. O casal Nora e Marcelo, com seus três filhos, está de mudança para uma casa no condomínio onde passaram a infância e a adolescência. A ação da peça transcorre nesta nova casa da família, durante um final de semana. Assim como na peça original de Henrik Ibsen, Casa de Bonecas, com a qual o espetáculo dialoga, há fatos do passado recente e toda uma estrutura patriarcal que impelem Nora aos conflitos que resultarão na tomada de consciência da personagem.

O festival reforça o papel fundamental da arte no fortalecimento da identidade e da comunidade de Perus. Nesta edição, o Ato Artístico Coletivo Perus celebra também o aniversário da Ocupação Artística Canhoba, um importante espaço cultural que atua como ponto de resistência e criação, promovendo ações artísticas e educativas no bairro, e fomentando o acesso à cultura de forma inclusiva e transformadora

Não precisa repetir três vezes: "Beetlejuice, Beetlejuice, Beetlejuice!". Apresentado pelo Ministério da Cultura, Ticket e Edenred, o musical mais premiado de 2024 está de volta ao Brasil! Com direção de Tadeu Aguiar, a superprodução da Touché Entretenimento, de Renata Borges, e Artnic Entretenimento, eleita como “Melhor Musical do Ano” nos prêmios Bibi Ferreira, Destaque Imprensa Digital e Arcanjo, reestreia em agosto no Teatro Multiplan, localizado no Shopping VillageMall, no Rio de Janeiro, e segue para São Paulo em outubro, no Teatro Liberdade, em curtíssimas temporadas.

Ambientada no rígido internato católico St. Cecilia, a obra foca em Peter e Jason, dois jovens que vivem um romance secreto. Peter, determinado a viver sua verdade, enfrenta a resistência de Jason, que, como o aluno popular e admirado da escola, teme as consequências de assumir sua sexualidade. Ao mesmo tempo, a narrativa explora as inseguranças de Ivy, cuja confiança aparente esconde sua vulnerabilidade, e os conflitos de Nadia, a irmã de Jason, que lida com exclusão social e autodepreciação.

"A OLHO NU" é uma jornada coreográfica que mergulha nas profundezas da Era Digital, explorando os impactos multifacetados da internet na sociedade pós-contemporânea. Coreografado na metodologia JORAM, criada por Roberto Amorim, o espetáculo utiliza a linguagem da dança e do teatro para retratar as nuances dessa revolução tecnológica que transformou a vida dos seres humanos. O espetáculo não só desafia os espectadores a refletirem sobre seu uso da internet, mas também celebra a resiliência e a capacidade de adaptação da mente humana diante de novas tecnologias. Através da arte cênica e da dança contemporânea, oferece uma crítica poética e visualmente impactante da Era Digital, convidando todos a se tornarem mais conscientes e proativos em sua interação.

Um início, tudo novo, um começo, mistério. Sensações de descoberta na expectativa de sentir a vida. Sincronia. O movimento toca o pensamento. É preciso seguir em frente. Não é preciso ter medo. Principiar trata da coragem de sermos os autores de nossas vidas.

"O Sarau do Poeta" é uma homenagem à cultura popular brasileira, com ênfase na poesia e na música. Jackson Costa, um dos principais nomes do teatro baiano, traz sua interpretação única e emocionante para o palco, acompanhado por uma equipe de músicos talentosos. A montagem é inspirada nas rodas festivas das manifestações populares do Recôncavo Baiano, que trazem nos seus cantos o lamento do sertão e os festejos da beira-mar. A obra é uma jornada pela cultura brasileira, com paradas em diferentes estados e regiões, sempre com a poesia e a música como guias.

Quatro caras em uma viagem à Serra Pelada tentam entender o garimpo e acabam presos em um quarto de hotel.

A ideia de montar Xadrez III surgiu a partir da primeira apresentação da peça no segundo período da turma, na Casa das Artes de Laranjeiras (CAL), há dois anos. Diante da repercussão positiva do espetáculo na época, os atores decidiram retomar o projeto de maneira profissional, consolidando-o como o primeiro trabalho oficial da Companhia Churros de Polvo. A escolha de revisitar a obra de Plínio Marcos também carrega um propósito comemorativo: em 2025, celebram-se os 90 anos de nascimento do dramaturgo, falecido em 1999. A montagem presta homenagem ao seu legado, trazendo sua visão crítica e provocadora para os palcos contemporâneos.

Apaixonado pela funcionária de um pet shop, Rocky Balboa é um boxeador talentoso, mas com resultados irregulares, que ganha a vida cobrando dívidas para um agiota. Por conta de um golpe de sorte (e marketing), ele é desafiado pelo campeão dos pesos-pesados. O azarão treina, corre pelas ruas da Filadélfia e vira popstar da noite para o dia.

A história de Cady Heron, uma adolescente que se muda para os Estados Unidos após viver na África com seus pais. Ela entra em uma nova escola e é acolhida por Janis e Damian, que a apresentam a uma nova estrutura social (high school). Por sugestão de Janis, Cady se envolve com o grupo popular de Karen, Gretchen e liderado por Regina George, mas logo percebe que elas são cruéis e manipuladoras. Cady então resolve fazer elas provarem do próprio veneno. O musical aborda temas como amizade, sororidade, aceitação e as pressões sociais enfrentadas pelos adolescentes de forma realista e muito engraçada.

Uma das comédias de maior sucesso está de volta! “O Marido da Minha Mulher” conta a história de Alex (Daniel Rocha) um fanfarrão convicto e incorrigível, casado com Bruna (Fefe), uma dona de casa bonita e inteligente, que vive solitária. Numa de suas farras, Alex acaba sofrendo um acidente deixando viúva a bela esposa. Após a morte dele, a jovem viúva será disputada por Nico (Conrado Caputo), um mauricinho convicto, e por Paulo (Ton Prado), melhor amigo de Alex. Para impedir que ela se case com seu desafeto, o morto volta à Terra e pede ajuda a seu melhor amigo. Assim se desenrola uma trama de confusões hilariantes, cheia de surpresas.

Cada cena do musical transporta o público para momentos marcantes da trajetória de Tom Jobim, conduzindo-o por uma jornada leve, bem-humorada e emocionante, que celebra o legado de um artista inesquecível. A experiência é uma verdadeira viagem no tempo, onde todos acabam cantando as canções que ajudaram a formar a identidade do Brasil e ficaram gravadas na memória de várias gerações

O artista traz o show “É Disso Que Eu Tô Falando” e promete movimentar São Paulo com os quatro personagens mais marcantes do humorista como: Jackson Faive, Mustafary, Mary Help e Silas Simplesmente em apresentação no próximo dia 27/02 às 20h. A classificação é 14 anos. A comédia, que tem criação e direção de Marco Luque e Guilherme Rocha, promete surpreender o público com uma narrativa inusitada com os personagens que refletem a cultura e o cotidiano do brasileiro: “Cada um dos personagens tem a sua personalidade e modo de ver o mundo e muitas pessoas podem se identificar e se divertir”, comenta Marco Luque.

Havia um grupo de pessoas que tentava criar, repetidamente, um chão para dançar. Para produzi-lo, lançavam mão de fragmentos de uma história, que podia ser da dança ou não. A cada tentativa, um novo chão surgia, abrindo caminho para outro futuro possível. No entanto, o chão tanto quanto o futuro são instáveis e seguem se transformando constantemente pelo esforço do grupo, revelando o poder do trabalho humano de construir coisas e destruí-las simultaneamente.

O Carnaval Mágico das Crianças é um baile lúdico e interativo com repertório repleto das mais famosas marchinhas de Carnaval. Toda a família é convidada para dançar e brincar ao som de uma grande banda composta por jovens instrumentistas que iniciaram suas carreiras musicais em projetos sociais da periferia de São Paulo. A instrumentação acústica exuberante da Orquestra MU conta com flauta, saxofone, clarinete, trompete, trombone, percussão, violão, teclado e contrabaixo, interpretando arranjos do prestigiado maestro Dino Barioni.

Na peça-jogo, o grande protagonista é o público, que através de sua opinião, muitas vezes decisivas, conduz a dramaturgia, construída coletivamente pelos próprios integrantes do Impacto Agasias em parceria com Verônica Gentilin, da Cia. Mungunzá de Teatro, e o Chat GPT. A interatividade com o público acontece por meio de um aplicativo desenvolvido exclusivamente para o espetáculo pelo programador de software Ian Borges, que deve ser baixado no celular antes da apresentação.

A história acompanha o jovem Leão,que apesar dos ensinamentos que o pai transmitiu acabou caindo na armadilha do seu tio, o que ocasionou a morte de seu pai. Sentindo-se culpado, o leão foge. O jovem torna-se amigo de uma dupla bem engraçada. Ao se tornar adulto, o leão encontra um sábio macaco e decide retornar para o seu reino, derrotar seu tio e assumir o trono que lhe é de direito.

A Ilha das Fadas conta a história de Duda, uma menina que vê sua vida mudar do dia para noite ao ter que se despedir de sua mãe que está muito doente. Ao mesmo tempo descobre que sua mãe sempre foi uma fada, e que veio de uma ilha secreta repleta de magia. Ilha essa que corre grande perigo com a chegada de piratas com um único objetivo, levar um cristal poderoso que é a fonte de toda energia da terra. Agora as fadas precisam de ajuda e a Duda é a única que pode ajudar.

O musical “Gota D’Água” foi criado a partir da tragédia grega "Medeia", de Eurípides, e se passa em um conjunto habitacional do subúrbio do Rio. Faz uma crítica social, abordando temas como a desigualdade, a opressão e as dificuldades enfrentadas pelas classes populares. A protagonista, Joana, papel de Bibi Ferreira na estreia da primeira versão em 1975, e que, agora, é vivida por Izabella Bicalho, representa uma mulher abandonada pelo marido e injustiçada pela sociedade, carregando uma forte carga emocional e política.

Denis era um menino comum: ia à escola, jogava futebol, tinha amigos... Mas ele se sentia diferente. Achava que sua vida era chata. Algo de extraordinário simplesmente tinha que acontecer! Com recortes e fragmentos de um inesperado acontecimento, esta trama vai mostrar que nem tudo é o que parece ser.

A peça acompanha uma mulher enlutada que busca forças para comemorar novamente a vida, lutando contra os fantasmas que a aprisionam nas funções de mãe e esposa, enquanto tenta restabelecer sua própria história.

À Riscar é um número sobre cumplicidade, e sobre a passagem do tempo entre estes três amigos que se divertem. Os artistas Marília, Dyego e Rodrigo imprimem desenhos no espaço e tempo da cena utilizando as técnicas mão a mão e barra russa.

O espetáculo traz ao palco histórias narradas de muitas mulheres, representando desde figuras arquetípicas do universo feminino (como Eva ou Lilith), a figuras representativas do cotidiano urbano, construídas através de histórias orais de cobradoras de ônibus. A trabalhadora das catracas, que cobra o seu espaço numa sociedade patriarcal. Essa personagem cobra de si e do mundo os múltiplos desejos-sonhos que lhe foram roubados. Em cena, a mulher cobradora – a trabalhadora, mas também a insubmissa, que cobra seu direito pela dignidade, igualdade e justiça. Quais os espaços que a mulher pode ocupar?

Antônio, um pobre sapateiro, tem de terminar às pressas, em uma fria véspera de Natal, as botas encomendadas por um cliente misterioso. Insatisfeito com a vida que leva, ele reclama que enquanto os ricos passeiam, comem e se divertem, ele tem de trabalhar e ainda se conformar com as precárias condições em que se encontra. É neste momento que ele adormece de cansaço e sonha com a oportunidade de ter uma vida rica e abundante. Porém, para isso irá enfrentar as condições propostas por uma criatura mágica e assustadora, que o fazem questionar a existência de pobres e ricos.

O musical conta as aventuras do jovem leão Simba, herdeiro de seu pai Mufasa. O tio malvado de Simba, Scar, planeja roubar o trono de Mufasa atraindo pai e filho para uma emboscada, da qual Simba consegue escapar. Com a ajuda de seus amigos, Timão e Pumba, ele reaparece como adulto para recuperar sua terra, que foi roubada e transformada em um território cheio de hienas carniceiras e cruéis. Uma história que envolve luta, amor e autoconhecimento, pelo caminho da ancestralidade, da amizade e da família.

Ester Laccava atriz e diretora da peça “Curtume - Dias secos inundados de acácia” dá vida a uma idosa que recebe um policial em sua casa para investigar a morte do dono de um curtume. A busca pelo esclarecimento das razões da morte do homem, encontrado sem pele, nos leva à narração da história de vida de uma mulher que aprende a caminhar sobre cacos de vidro.

O novo espetáculo da Companhia do Latão acompanha uma banda de rock alternativo que excursiona pelo interior de Minas Gerais no ano de 1972. Quando seu ônibus quebra numa estrada perto do rio Doce, o grupo se depara com imagens realistas e fantásticas de um país violento.

O espetáculo parte da representação de dois mensageiros sagrados: Jesus, que traz a força da poesia marginal, e Exu, que se expressa através da capoeira. Diante de uma crise global, a narrativa evoca a resistência popular, evidenciando a singularidade de quem, assim como na capoeira, entende que cair e se reerguer fazem parte do jogo da vida.

A história se desenrola em um tribunal, onde Diógenes defende seu próprio direito de viver múltiplas vidas, sem ser reduzido a uma única função ou expectativa. Com um tom que mistura comédia, crítica social e introspecção, a peça desafia o público a refletir sobre os papéis que desempenham em suas próprias vidas e questionar o que significa "dar certo" em uma sociedade que muitas vezes valoriza a conformidade.

O Grupo Teatro Terreiro Encantado apresenta o espetáculo Auto do Negrinho, inspirado no cordel Negrinho do Pastoreio, de Klévisson Viana. A montagem, que narra a história da lenda do Negrinho do Pastoreio, uma criança escravizada no sul do Brasil. A obra, que entrelaça oralidade, religiosidade e musicalidade, propõe uma reflexão sobre questões sociais urgentes, como o genocídio da juventude negra, indígena e periférica no Brasil. Com forte influência da literatura de cordel, das Congadas e do uso de máscaras e bonecos típicos de manifestações populares, o espetáculo se constrói como um teatro ritualístico, em que a celebração se transforma em ato de rebeldia e resistência.

Em uma cela de um manicômio judiciário, um jovem assassino homofóbico e uma velha travesti suicida se confrontam, manipulados pelo jogo doentio de um Enfermeiro perverso e sádico. Três partículas excludentes e marginalizadas de uma sociedade hipócrita.

A obra “SONHOS VIVIDOS” traça um percurso poético em que subjazem as relações da história recente do país. Criação de Décio Otero e direção teatral de Márika Gidali, “Sonhos Vividos” percorreu um longo caminho, até se materializar em linguagem coreográfica. Elis Regina Carvalho Costa, a Elis Regina, ao longo dos anos tornou-se uma artista em constante processo de investigação nas obras do Stagium.

Uma pessoa transgênero e seus pais fazem uma peça de teatro na qual rememoram momentos de vida juntos, antes da mastectomia masculinizadora. Através de imagens, refletem sobre as tensões do relacionamento.

Numa cidade cinza e coberta de asfalto e prédios como é São Paulo, a remoção de uma árvore do espaço público costuma tocar até os corações mais duros. É desta observação, e inspiradas por estudos sobre natureza e gênero, a Penca apresenta Viver Com, Morrer Com, utilizando práticas de movimentação aérea de circo e manipulação de objetos.

Você daria o seu anel de casamento para um golfinho faminto? E se um cavaleiro pulasse por cima da sua cabeça enquanto você colhe prímulas inocentemente? É nesse tom de deboche farsesco que ÁGUA FRESCA, a única peça teatral da célebre modernista Virginia Woolf, invade os palcos brasileiros. Nesta sátira sem filtros, onde arbustos de framboesa e cabeças de burro se misturam a ícones vitorianos como Julia e Charles Cameron, Alfred Tennyson e Ellen Terry, Woolf desconstrói a pompa da elite britânica com diálogos ágeis e situações dignas de um teatro do absurdo. A peça usa o riso como arma para questionar hierarquias, convenções e absurdos sociais que ainda ecoam no Brasil de hoje.

Com texto de Gillray Coutinho e direção de Leonardo Netto, o “Show do Gláucio apresenta o teatro aberto de Aderbal” leva à cena um fictício encontro entre Aderbal Freire-Filho e Gláucio Gill. O dramaturgo foi também o precursor dos talk shows no país, ao se tornar apresentador do programa "Show da Noite", da TV Globo. Foi durante uma apresentação de seu programa, ao vivo, que Gláucio Gil sofreu um ataque cardíaco fatal, aos 32 anos. A peça se passa nesse ambiente, quando Gláucio recebe Aderbal para um inusitado e divertido programa de TV, com números musicais, brincadeiras e uma entrevista sobre a obra do diretor. No elenco, estão Ana Barroso, Carmen Frenzel, Cláudio Mendes, Marcello Escorel, Thiago Justino e Xando Graça.

Após o rompimento de uma barragem com mais de uma centena de vítimas e milhares de pessoas desalojadas, o jornalista Rafael (Augusto Zacchi) vai entrevistar Henrique (Pedro Osório), CEO de uma grande empresa de mineração MBS - Mineradora Brasileira do Sudeste. O confronto entre os dois, com visões opostas de mundo, toma um rumo inesperado e caminha para um desfecho trágico.

Idealizado por Moira Braga, o espetáculo parte da descoberta da artista, aos sete anos de idade, de uma condição genética rara - Stargardt -, que causaria a perda de sua visão, para investigar os múltiplos sentidos da hereditariedade, do genético ao social. Há quase duas décadas atuando como autora, bailarina e atriz em espetáculos de dança, teatro e no audiovisual, esta é a primeira vez que Moira traz ao palco sua biografia, e tematiza a doença de Stargardt. A dramaturgia, composta pela atriz junto com o diretor do espetáculo Pedro Sá Moraes, entrelaça eventos da vida pessoal e dos antepassados de Moira a referências históricas e mitológicas — como o mito grego das Moiras: três irmãs funestas que tecem o destino de todos os seres. Entre o biográfico, o poético e o político, Hereditária reflete sobre o quanto de nossas vidas é predeterminado e o quanto temos o poder de escolher.

Quando Bel, Rafa e Duda entram na Floresta dos Mistérios conduzidos pelos misteriosos elementais, lutarão pela preservação da floresta e de toda vida lá existente frente aos planos do ambicioso prefeito Lúcio Fernando, que pretende construir ali a maior fábrica de celulares do mundo, Fica então a pergunta: é possível um mundo onde tecnologia e natureza possam conviver?.

Escrita em 1962, “Toda donzela tem um pai que é uma fera” é uma comédia recheada de reviravoltas que se passa em Copacabana nos anos 50. A trama acompanha o coronel (Bruce Gomlevsky), que decide defender a honra da filha (Carolina Pismel), depois que a moça vai morar com o namorado (Lucas Sampaio). Por causa de um mal-entendido, o pai quer forçar a moça a se casar com o amigo mulherengo do namorado dela (Danilo Maia). A vizinha dos rapazes (Leticia Isnard) entra na história, aumentando ainda mais a confusão.

Um barco chamado Ítaca, tripulado por um único, valente e pitoresco marinheiro, cruza o oceano. De repente, uma implacável tempestade muda o rumo da aventura. Barco e barqueiro, levados pela tormenta, encalham em uma ilha deserta. Ali, a urgência da vida se traduzirá em cada gesto, cada rabugice e cada sonho. Com humor sensível e técnica apurada, Ítaca é um espetáculo para todas as idades; uma oportunidade para se divertir e refletir a partir dos desvios do destino.

Na história original, ambientada em Viena, o duque Vincenzo se afasta do governo e deixa o poder nas mãos do severo magistrado Ângelo. Nesta nova gestão, leis esquecidas são ressuscitadas e aplicadas com rigor, portanto, Claudio seria condenado à morte por engravidar sua noiva Julieta. Desesperada para salvar a vida do irmão, Isabela, uma noviça, implora para Ângelo libertá-lo, mas é surpreendida por uma proposta indecente, capaz de provocar um dilema agonizante. A hipocrisia e o abuso de poder emergem com força em um contexto de repressão, toques de recolher e uma epidemia de sífilis, trazendo paralelos contundentes com os dias atuais.

Três cineastas planejam uma ação política-artística: invadir a fazenda do tio de um dos membros do grupo, um dos maiores empresários do agronegócio do país, para denunciar os crimes cometidos no campo. Durante a ação, porém, o grupo é capturado por um jagunço que parece estar fora do seu tempo. Dois filmes narrados sob pontos de vistas opostos, questionam os limites da arte engajada diante do poder das elites empresariais do agronegócio no Brasil.

A história e o legado de Benjamim de Oliveira (1870-1954), primeiro palhaço negro registrado na história brasileira e multiartista propagador do circo-teatro no começo do século XX, são os fios condutores do espetáculo NA LONA DE BENJAMIM. No palco, uma trupe de palhaçaria que viaja no tempo/espaço remendando histórias do passado em busca da herança de Benjamim, encontra uma velha lona de circo, onde existe um morador desmemoriado que não lembra sobre a sua história, muito menos a de Benjamim. Com samba, músicas do congado mineiro, folias de reis, mágicas, números cômicos, teatro de revista, radio novela e melodrama, a trupe embarca nas memórias do circo-teatro brasileiro para combater o surto de desmemória aguda.

Entre fluxos de subjetividades e imaginários comuns à sociedade, os corpos deslizam em estados de sonho, delírio, prazer e sofrimento. Os espectros do amor exigem um mergulho mais profundo, mas também há a possibilidade de recriar onde se deseja mergulhar a partir de agora. A sociedade nos ensina a perseguir o amor, mas na ausência de suas definições mais concretas, seguimos insistindo nas possibilidades.

O espetáculo retrata três momentos significativos da trajetória da escritora: sua vivência na favela que deu origem aos diários, sua ascensão como fenômeno editorial e o período de esquecimento. Quase cinquenta anos após sua morte, o Brasil volta a se debruçar sobre as palavras de Carolina, que um dia afirmou: “ninguém vai apagar as palavras que eu escrevi”.

Palavras é o novo espetáculo da Companhia Ensaio Aberto, com Tuca Moraes e direção de Luiz Fernando Lobo. Uma nova “experimentação”. A literatura como ponto de partida para a pesquisa do teatro narrativo, do teatro épico. A parceria entre a atriz Tuca Moraes e o diretor Luiz Fernando Lobo ganha outra dimensão. A atriz se deixa conduzir pelo pulsar de palavras, de frases, de memórias, de sentimentos, pensamentos, acumulados em camadas uns sobre os outros, como num espiral. Linguagem e sentidos vão se fazendo ali à vista dos espectadores. O encontro com o público torna o espetáculo um experimento único. O diretor faz intervenções de som e luz que provocam a atriz.

O musical “Benjamim, O Palhaço Negro” faz temporada no Espaço Parlapatões. O espetáculo celebra a vida e obra de Benjamim de Oliveira, o primeiro palhaço negro do Brasil. Nascido no final do século XIX, mesmo com desafios em sua trajetória, Benjamim se concretizou um artista múltiplo dos palcos, picadeiros e cinema. A peça tem texto e direção de Tauã Delmiro e direção musical de Thalyson Rodrigues. A dramaturgia é permeada por canções originais criadas especificamente para “Benjamim”, contando com trilhas exclusivas feitas pelo artista James Lau. “Benjamim, O Palhaço Negro” é um projeto idealizado por Isaac Belfort e produzido pela Belfort Produções.

Capitão Gancho e Capitão Jack Daniels embarcam em uma inesperada jornada de transformação, enquanto Peter Pan, Tinker Bell e Wendy tentam desvendar os mistérios dessa nova aliança. Com números musicais eletrizantes e personagens inesquecíveis, a história mistura humor, emoção e coragem em uma experiência única.

Em 1923, no parque Steglitz, Franz Kafka encontra Lia, uma menina que perdeu sua boneca Marielle. Para consolá-la, Kafka escreve cartas fingindo serem da boneca, narrando suas aventuras pelo mundo. As cartas não só confortam Lia, mas também ensinam valiosas lições, ajudando-a a lidar com suas emoções. Paralelamente, Kafka reflete sobre sua própria infância, usando a imaginação para criar aventuras e aprendizados. Kafka e a Boneca destaca a importância da empatia e da criatividade, mostrando como palavras podem transformar tristeza em alegria.

A história de mulheres fortes e destemidas que marcaram o Brasil chega aos palcos cariocas. Com direção artística de Rafaela Amado e produção da Encantarte, “As Cangaceiras - O Musical”, do premiado autor pernambucano Newton Moreno, faz curtíssima temporada no Teatro dos Quatro. Indicada ao Prêmio Shell 2019 na categoria de melhor dramaturgia, indicada ao Bibi Ferreira 2019 em 10 categorias e vencedora do prêmio APCA de melhor dramaturgia, a peça acompanha a saga de Serena, uma mulher do cangaço que busca encontrar seu filho, antes dado como morto, como fio condutor de um enredo que questiona os mecanismos de opressão encontrados dentro do próprio cangaço.

Essa intervenção artística utiliza a metáfora da entrega para propor encontros sensíveis e poéticos com o público. Os “carteiros” do grupo criam conexões únicas, rompendo com os fluxos cotidianos e propondo novas formas de interação.

A peça reflete sobre formas diversas de subtração, além dos bens materiais, provocando reflexão sobre roubos imateriais e fatores sociais relacionados. Questões como a falta de sonhos, igualdade e oportunidades são exploradas em cena, com a dança como meio de denúncia e reflexão.

A proposta desta montagem é encantar, inspirar as crianças a se aventurarem no mundo da literatura e mostrar que a imaginação não tem limites. Juntos, os atores embarcam em aventuras divertidas e educativas, explorando temas como amizade, criatividade e a importância da leitura. Além de abordar parte da vida do cartunista, a apresentação vai tratar das mais marcantes obras do desenhista em ordem cronológica, trazendo elementos para encantar as crianças com música, dança, projeções e entreter os adultos (ou as “antigas crianças”), que também foram os primeiros leitores desse mineiro maluquinho. Turma do Pererê, Menino Maluquinho, Bichinho da Maçã e muito mais, todos juntos, em um espetáculo pra fazer todo mundo sair dançando e cantando, direto para a livraria.

Prepare-se para uma noite inesquecível! O espetáculo "Spotlight" reúne o talento dos alunos do curso São Paulo na Broadway com a participação especial de Thais Piza, uma das grandes estrelas do Teatro Musical brasileiro. Sob a direção de Ricardo Nesi e com performances de renomados professores, este espetáculo promete encantar o público com números de musicais consagrados. "Spotlight" é um espetáculo em formato "in concert" que marca o encerramento do curso intensivo São Paulo na Broadway. Durante a apresentação, os alunos trazem ao palco toda a dedicação e aprendizado adquiridos ao longo de três semanas, interpretando números icônicos de musicais como Alguma Coisa Podre, Cabaret, Chicago, A Família Addams, O Fantasma da Ópera, Se Essa Lua Fosse Minha, Shrek – O Musical e Wicked. O evento ganha brilho especial com a participação de Thais Piza, uma referência no Teatro Musical brasileiro, conhecida por sua atuação em grandes produções como Uma Linda Mulher e Beetlejuice. Sua presença promete emocionar o público!

Sete histórias sobre diferentes expressões do fanatismo, em que um personagem da cena anterior migra para a seguinte levando consigo um comportamento fanático que vai impregnar o outro, formando assim uma cadeia de contágio.

Ao longo dos anos, Tiquequê conquistou mais de 330 milhões de visualizações no YouTube e teve um crescimento notável nas mídias sociais, evidenciando o apreço do público pela abordagem única da dupla em valorizar a inteligência das crianças. "Bailamos", o 7º espetáculo da trajetória de Tiquequê, representa uma fusão excepcional entre a música e a linguagem cênica. Cada canção do espetáculo aborda pequenas alegrias e eventos do universo infantil, em letras perspicazes e melodias contagiantes. Em contraste com a abordagem convencional do que é considerado "infantil", Tiquequê propõe uma experiência visual e sonora complexa e bem elaborada em "Bailamos". A dupla, conhecida por sua criatividade em mesclar diversos estilos artísticos, incorpora movimentos coreografados, percussão corporal e influências de danças brasileiras de maneira inovadora.

Inspirada na tragédia Hécuba, de Eurípides, a história de uma mulher que diante da perda irreparável de sua família e da destruição de sua cidade se revolta contra a ganância e a violência dos homens. Reimaginada no contexto da atual crise ambiental brasileira, a trama, com uma narrativa contemporânea, evidencia os impactos devastadores dos desastres ambientais.

Após se vestir de Oxum - orixá feminino do candomblé – celebrar uma missa e dançar dentro da igreja em 2006, Padre Pinto (1947 - 2019) atrai a ira dos conservadores e a atenção da mídia nacional, enquanto os fiéis se dividem entre a aprovação e o repúdio. Um grupo de católicos pleiteia sua expulsão da paróquia da Lapinha, em Salvador, Bahia, acusando-o de violar o decoro sacerdotal. Apoiado por fiéis e admiradores, Padre Pinto justifica sua atitude como um ato de tolerância religiosa e não aceita sair da paróquia que presidia há 32 anos. Pressionada, a Arquidiocese convoca um emissário do Vaticano para investigar o ocorrido e definir o destino do padre. Em cena, o protagonista é atravessado por um feixe de temas que destacam a intolerância religiosa, a sexualidade, o preconceito social e racial, a solidariedade e as tensões entre vida e morte, o sagrado e o profano. A estrutura dramatúrgica desenvolve-se em três atos: (1) Ascensão e Glória; (2) Queda e Explosão; (3) O silêncio de Deus.

Após o sucesso de sua última temporada, a Cia Paulista de Dança volta aos palcos do Teatro Sérgio Cardoso, espaço da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, gerido pela Associação Paulista dos Amigos da Arte (APAA), para apresentar o clássico O Lago dos Cisnes. O espetáculo acontece no dia 23 de janeiro, quinta-feira, às 20h. Com coreografia original de Marius Petipa e Lev Ivanov e música de Piotr Ilitch Tchaikovsky, a produção traz a história do amor entre o príncipe Siegfried e Odette, que enfrenta os desafios de um feitiço lançado pelo feiticeiro Rothbart. A apresentação contará com a participação especial de alunos do Curso de Férias 2025.

A partir da ideia de que não existe um lugar garantido na cidade para desenvolvimento pleno das crianças por meio das brincadeiras, CIDADE BRINQUEDO reúne os palhaços Batatinha, La Rosa, Pafúncia Maionese e Puntiléia, que inventam brincadeiras no espaço público junto com as crianças da plateia experimentando uma nova ideia de cidade. Porém o personagem Arquivaldo Regrário, que toma conta das regras da cidade, entra em cena para esclarecer que eles não podem violar as regras e que suas brincadeiras não podem acontecer nas ruas.

Finlândia nos coloca em um quarto de hotel junto com as personagens Paula e Jiddu, um casal partido tentando estabelecer um diálogo. Numa narrativa pertinente para os tempos atuais, a peça emerge das complexidades e desafios emocionais enfrentados por um casal em crise. A mudança estrutural de papéis entre homens e mulheres dentro de uma relação nas últimas décadas, as responsabilidades de cada um na criação de uma filha e a relação com seus trabalhos colocam essa discussão de casal em compasso com temas contemporâneos urgentes.

"AS LISISTRATAS" é uma releitura desenvolvida através do olhar de um jovem elenco da famosa e revolucionária peça teatral Grega. Afim de forçar o fim da Guerra do Peloponeso as mulheres de toda Grécia fazem uma greve de sexo. Contemporânea, criativa e provocadora a peça se propõe a pensar uma protagonista plural e livre, de acordo com os desafios atuais.

Doroteia, uma mulher marcada pela beleza idealizada e pelo desejo de se adequar às expectativas sociais, mas que se depara com seus próprios anseios e limitações. Em um cenário de aparências e repressões, os diálogos ácidos e as situações inusitadas revelam os conflitos internos dos personagens, abordando temas como desejo reprimido, busca pela felicidade e confronto com as convenções impostas.

Uma família de aristocratas decadentes enfrenta a venda de sua propriedade, incluindo o jardim das cerejeiras, em um leilão destinado a quitar dívidas. Entre os interessados está Lopakhine, descendente de antigos servos da propriedade, agora um empresário bem-sucedido, que vê na situação uma oportunidade única.

A história acompanha José, um jovem seminarista à beira de sua ordenação como padre, que recebe de Frei Ambrósio, seu orientador espiritual, uma última tarefa: confessar-se de forma completa e sem reservas. Essa confissão se torna um mergulho em memórias marcantes, incluindo o relacionamento que José viveu com Filipe, seu colega no seminário. Durante esse processo, a peça explora episódios que abordam questões relacionadas a vínculos afetivos, limites pessoais e as escolhas que definem trajetórias.

A complexidade da vida contemporânea é representada em nove cenas que revelam a intersecção entre tecnologia e relações humanas. Os 16 atores se revezam em situações que desafiam o público a refletir sobre a experiência humana na era digital.

A narrativa acompanha uma criatura múltipla e fragmentada que tenta compreender sua própria humanidade em um mundo que frequentemente a rejeita. Através de cenas que transitam entre o cotidiano e a auto-reflexão, a montagem convida o público a questionar o que define o humano e o que se torna descartável em tempos de crise e transformação social.

Chuva de Piaba segue a jornada de uma jovem apaixonada pelo rio que atravessa sua pequena cidade na curva do Velho Chico. Criada por sua mãe e avó em um ambiente harmonioso e repleto de natureza, a menina desenvolve uma ligação profunda com o rio. Quando uma criatura mítica ameaça essa conexão, ela embarca em uma jornada de autodescoberta e transformação. Diante da escolha entre ficar em sua terra natal ou buscar um futuro na cidade grande, a peça explora temas de amor, magia e resiliência, revelando a conexão eterna entre humanos e a natureza.

Miguel e Malu moram juntos e vivem um relacionamento estável e duradouro. Ele é um romântico convicto, que gosta dos prazeres cotidianos e deseja oficializar a união de ambos. Mas ela, apesar de gostar da previsibilidade e do controle, anseia por novidades e aventura. Cozinheiro de mão cheia, todo mês Miguel promove um tradicional jantar para Renata e Túlio. Porém, quando os amigos recebem novos convidados para esse jantar, as relações entre esses dois casais serão abaladas.

“As Artimanhas de Molière” reúne protagonistas de quatro peças do autor francês, que desmascaram os falsos sábios, a avareza dos burgueses, as mentiras dos médicos ignorantes e outros comportamentos sociais nada lisonjeiros.

A narrativa acompanha um grupo de artistas que ensaia uma peça a dez dias de sua estreia. Enquanto pressões externas, como dívidas e restrições financeiras, ameaçam o andamento da produção, a trama reflete a precariedade e a persistência da arte em tempos complexos. Com improvisações baseadas em relatos reais de moradores da cidade, o espetáculo revela as tensões sociais e econômicas que permeiam o cotidiano, reafirmando o teatro como espaço de resistência e transformação.

“DA COR DE COBRE” é uma releitura poética do auto do Bumba-meu-boi, com estórias encantadas sobre alguns dos personagens existentes nesse folguedo. O auto do bumba-meu-boi visto de um lugar mágico, através de uma brecha entre o mundo real e encantado, no qual Pai Francisco e Catirina podem transitar. Uma grande homenagem a todos os grupos existentes e resistentes da cultura tradicional brasileira. Uma forma de chamar atenção para o folclore nacional e ressignificar essa manifestação popular, que acontece na rua, utilizando os elementos técnicos da caixa-preta para recriar os ambientes mágicos das estórias. 

A trama de “Nefelibato” é ambientada na década de 90, mas dialoga muito com o Brasil de hoje. Em cena, os efeitos devastadores do Plano Collor, que levaram Anderson a se tornar morador de rua. O país voltava a ter um governo eleito democraticamente e a inflação galopante exigia medidas drásticas. A saída da nova equipe econômica foi confiscar parte da caderneta de poupança da população, o que levou milhares de brasileiros ao desespero e à bancarrota. Muitos enlouqueceram. Esse é o caso de Anderson, que ainda amarga outras perdas em sua vida.

"ZONA LÉSBICA" reúne sete mulheres — Dani Nega, Carolina Godinho, Iasmin Patacho, Jéssica Lamana, Monique Vaillé, Nely Coelho e Verônica Bonfim — que, além de atuar, trouxeram à cena depoimentos e experiências pessoais. Uma peça mergulhando nas potências e desafios vividos por mulheres lésbicas, ao mesmo tempo que reivindica e celebra sua história. No coração da narrativa está Zami, um espaço utópico imaginado como um refúgio para corpos dissidentes. Este lugar simbólico representa o desejo coletivo das personagens de viverem sem medo, em plenitude e acolhimento, construindo uma realidade onde o amor e a liberdade prevalecem.

Após o sucesso de três apresentações especiais em Juiz de Fora, Minas Gerais, Mouhamed Harfouch leva seu monólogo “Meu Remédio” para o Rio de Janeiro, com estreia marcada para 10 de janeiro de 2025, no Teatro Ipanema. Dirigido por João Fonseca, o espetáculo traz uma narrativa profundamente pessoal e emotiva, onde Harfouch mergulha na sua história de vida, lidando com temas como identidade, pertencimento e aceitação de sua própria história. A peça é uma mistura de comédia e drama, resultado de um processo criativo íntimo que levou o artista a revisitar momentos de sua própria trajetória, especialmente sua relação com seu nome e sua herança cultural.

Completando 70 anos de carreira, com mais de 65 peças no currículo, a atriz Rosamaria Murtinho, de 92 anos, sobe ao palco desta vez para viver três personagens no espetáculo “A Vida Não É Justa”, idealizado pelo produtor Eduardo Barata e baseado no livro da juíza Andréa Pachá. Uma das personagens, a Molhadinha25, comete adultério virtual provocando ciúmes do marido, vivido por Wilson Rabelo. A peça, dirigida por Tonico Pereira, com mais de 60 anos de trajetória artística, tem também no elenco Lorena da Silva, Marta Paret, Duda Barata, Bruno Quixotte e Rafael Sardão.

A montagem, ao empregar as falas de Hamlet, funciona como um espelho da nossa sociedade violenta e segregada. A partir da perspectiva de um ator negro, a peça provoca reflexões profundas sobre as relações humanas, a condição do homem negro no Brasil e a busca por identidade. Ao fazer isso, a obra amplia os dilemas clássicos de Shakespeare, convidando o público a questionar sua própria humanidade em um mundo marcado por desigualdades.

Estreado em Paris em 2022, o espetáculo ganha sua primeira versão brasileira, especialmente criada para a abertura do Teatro-D-Jaraguá. Protagonizado por Maria Fernanda Cândido e criado a partir de diversos textos de Clarice Lispector, o espetáculo Balada Acima do Abismo passeia pelo universo literário da escritora mesclando elementos cênicos e musicais. No palco, momentos emblemáticos da vida e da obra de Clarice dialogam com importantes obras do repertório para piano, interpretadas ao vivo pela premiada pianista Sonia Rubinsky. Concebido e adaptado por Catarina Brandão e inédita aqui em São Paulo, a montagem recebe cenário e figurino de Fábio Namatame, luz de Caetano Vilela e produção de Darson Ribeiro.

Prepare-se para uma temporada de risadas e música com "Paródias In Concert", estrelado por Aquela Dupla, Livia La Gatto e Renata Maciel. Com direção de Ilana Kaplan, o espetáculo traz paródias inéditas e cenas cômicas que abordam temas do cotidiano com leveza e humor. As artistas cantam, tocam e encantam, prometendo uma noite inesquecível no Teatro UOL.

Ao ingressar na escola Mundial, a personagem encontra a professora Anny, que se torna grande aliada, especialmente por apoiar o hábito de leitura e a imaginação fértil de Matilda. No entanto, a escola também apresenta para Matilda a temida, Sra. Trunchbull, a diretora. Com isso, Matilda através de seus super poderes mágicos e muita coragem, embarca em uma jornada de enfrentar a grande vilã, defendendo seu senso de justiça e buscando criar um ambiente melhor para ela e seus amigos. Com músicas que irão deixar a história mais divertida, o espetáculo irá abordar temas como: Estudos, amizades e tecnologia.

Circo de Los Pies é um espetáculo cômico-circense no qual a palhaça Asmeline dá vida e apresenta ao público seus dois pés sem conserto: Pezão e Pezinho – personalidades distintas que dividem um mesmo corpo. De maneira poética, cada pé se revela, com seus sonhos e frustrações, êxitos e fracassos. Juntos, criam um pequeno circo feito de desvios e, número após número, surpreendem o público com o inesperado: pés no chão foram feitos somente para estarem no chão, pés também podem voar. Através da atmosfera circense e do realismo fantástico, o espetáculo aborda, de forma lúdica e aprofundada, as temáticas da acessibilidade, inclusão e capacitismo.

O Sesc Avenida Paulista recebe a estreia de “O sítio do vovô Hermeto”, espetáculo do Silencie Coletivo Percussivo, que apresenta narrativa guiada pela obra de Hermeto Pascoal tocadas ao vivo. A peça mistura música, dança, teatro e bonecos. No palco, três músicos em cena tocam composições lúdicas em que Hermeto remete à sonoridade elementos da natureza e infância, com arranjos originalmente pensados para instrumentos de percussão e instrumentos não convencionais.

A peça tem texto da escritora Regiana Antonini, autora de grandes sucessos no teatro e na TV, como “Doidas e Santas” encenada por Cissa Guimarães, feito sob medida para a atriz Luzimar Trottmann. Ela vive a personagem Samara, conhecida como “Dona Paçoca”, que conta seus “causos” e comenta aquilo que pensa para um censor do IBGE e para seu sobrinho, ambos vividos pelo ator Gabriel Sardinha. Dona de uma sabedoria popular, adora contar uma fofoca, falar dos seus oito gatos, e, é claro, vender a sua paçoca. Ela se diz membro da SSP, “Sociedade Secreta da Paçoca”, diz que ser paçoqueira é uma missão e que só ela possui a receita da verdadeira paçoca. E acaba misturando fatos históricos marcantes (como a Independência do Brasil), com suas fantasias, colocando a paçoca no centro das atenções.

A encenação se baseia no discurso de Medeia, no qual o público tem papel fundamental. Junto com a atriz Debora Lamm, estão em cena As Meninas da Gamboa – um grupo de dez senhoras com mais de 65 anos, moradoras da região da Gamboa, no Rio. Elas formam um coro, espécie de inconsciente de Medeia. Para além de um paralelo sobre o mito, Grace Passô recria a sua feiticeira, performada por Debora Lamm, e a insere nos dias de hoje, criando assim um debate sobre a condição da mulher. Também propõe uma mudança na história, inaugurando uma nova perspectiva e versão para o mito.

Fruto de uma educação rígida e de um pai extremamente preconceituoso, PH se torna um homem de 35 anos refém do que aconteceu com seu melhor amigo no passado, carregando uma culpa por algo que ele não é capaz de reverter. Se na infância, os dois eram inseparáveis, na adolescência PH não mede esforços para deixar claro seu ponto de vista preconceituoso e o machismo, herdados do pai. "Fortaleza" ajuda a entender como foi formada a geração de homens que hoje está com seus 35/40 anos. É um rito de passagem de um dos personagens, que, já maduro, repassa certos acontecimentos da juventude que deixaram cicatrizes na sua relação com o seu melhor amigo e que ele leva pela vida adulta.

O 1º Festival de Férias do Teatro União Cultural acontece de 8 de janeiro a 28 de fevereiro apresentando uma seleção de cinco espetáculos que se alternam de quarta a domingo. Com uma programação eclética, o festival promete agradar a todos os gostos: desde os amantes do drama e musicais até aqueles que buscam boas risadas com comédias que prometem muitas risadas. Entre as atrações, destaca-se o aclamado espetáculo Clô, pra sempre, que retrata a vida do costureiro e apresentador Clodovil Hernandez. No festival, o talentoso elenco é liderado pelo renomado, e incansável, ator, produtor e gestor do teatro, Eduardo Martini.

Baseado no livro de Kiusam Oliveira O Black Power de Akin, o espetáculo de afro-narração conta a história de Akin, um menino de 12 anos que tenta se impor bravamente aos ataques preconceituosos de seus colegas de classe, escondendo seus cabelos crespos em um boné. Quando o avô Seu Dito Pereira descobre os ataques sofridos pelo neto, revela um artefato preservado pela família há séculos e ensina Akin a preparar uma das tecnologias africanas para fortalecer a autoestima do neto a partir da valorização de sua coroa, seus cabelos crespos.

No espetáculo, o espectador terá acesso a intimidade de um personagem transgressor com recorte focado nos seus momentos mais intensos, regados a momentos de lirismo. Com linguagem poética e visceral, o texto propõe uma conversa com o seu público, a quem o protagonista autoriza uma imersão em seu universo particular abrindo o seu diário, compartilhando histórias de seus encontros e amores com seres que costumavam viver à margem da sociedade, elevando-os à categoria de heróis.

No final da década de 50, Théo herda uma caixa misteriosa, após a morte de seus pais. Ele se vê obrigado a deixar seu lar no interior de São Paulo e seguir rumo à capital, para proteger sua irmã, Júlia, dos segredos guardados. Ao chegar lá, o rapaz começa a trabalhar no bar “Joia Rara”, cujo dono é Iago, um homem ressentido e ambicioso, que está sempre muito atento a tudo que se passa em seu bar. Ali também trabalha Olívia, uma jovem que sonha em ser cantora. Entre os frequentadores do bar, estão a jornalista, Nina, e a estrela de cinema, Lola Braga. Juntas, elas ajudarão Théo a entender que aquilo que carrega em sua caixa poderia ser, na verdade, uma solução para diversas dores e problemas sociais que afligem gerações há muito tempo. Essa história é contada por um narrador, sedutor e sarcástico, que guia o público nessa incessante busca por respostas.

Quando se ausenta de seu país, o Presidente Vicente deixa o poder nas mãos de Ângelo, um rigoroso juiz que faz cumprir à risca a lei contra a fornicação em vigor na cidade. A aplicação da lei resulta na separação de dois inocentes: a gravidez de Julieta, antes do casamento, rende a Cláudio o encarceramento e uma condenação à morte. Isabella, freira noviça e irmã do prisioneiro, tenta reverter a sentença, apelando para Ângelo que se mostra irredutível. O texto foi atualizado por abordar temas como o poder, a justiça, a corrupção e os dilemas éticos e morais da vida pública e privada.

O musical transporta para o palco a obra de L. Frank Baum, de 1900, criador de um dos  mais populares livros escritos na literatura americana infantil. Trata-se da história de Dorothy e seu cãozinho Totó, que são levados por um terrível ciclone de uma fazenda no Kansas, nos Estados Unidos, até o Mundo de Oz. Uma terra mágica e distante, além do arco-íris.

Em 2025, O Grupo Tapa inicia os seus trabalhos incorporando um novo autor em seu repertório: Georges Feydeau (1862-1921). Permeando o universo da sátira social e o absurdo da vida doméstica e política, o Festival de Comédias do Grupo Tapa reúne duas peças curtas do dramaturgo francês com direção de Eduardo Tolentino de Araujo: A Falecida Senhora Sua Mãe e Não Andes Nua Por Aí.

As Fulanas é um grupo que há 5 anos encanta São Paulo com suas peças repletas de humor, emoção e criatividade. Com Ana Pereira, Camila Penna, Cathy Blanco, Carol Petrucci e Iara Perri no elenco, encerramos o ano em grande estilo com "Um Milagre de Natal!", um especial repleto dos nossos jogos de improviso mais amados pelo público.

Na trama, Norma viveu as grandes transformações do país de forma intensa e apaixonada: a infância e adolescência em plena ditadura militar, a luta pela redemocratização com os colegas de faculdade e uma inesquecível história de amor no desbunde dos anos 80 com as Diretas Já. E mesmo nos momentos mais difíceis, com uma relação familiar conturbada após o falecimento de sua mãe, Norma nunca se sentiu completamente sozinha: era como se Chico Buarque de Hollanda adivinhasse todos os seus sentimentos e criasse as músicas pensando nela. Agora, aos 60 anos, ela decide realizar um sonho acalentado desde menina: homenagear seu ídolo e cantar a trilha sonora de sua vida.

A peça convida a uma reflexão sobre as múltiplas formas de se compreender Deus através de um passeio pela história da humanidade desde o homo sapiens até os dias atuais.

Com Juliana Martins, direção e Bel Kutner, texto de Beto Brown, direção de produção de Jorge Elali, argumento e idealização de Juliana Martins. Uma mulher sozinha em cena, contando, de maneira natural e engraçada suas experiências sexuais. Confissões misturadas com situações de amigas próximas e relacionadas à trajetória do empoderamento feminino e de soltura de amarras que colocaram cadeados e correntes na liberdade de exercer a libido da mulher.

Vencedora de dois prêmios Molière em 2003, incluindo o de Melhor Comédia, e fenômeno de público em Paris, UMA IDEIA GENIAL, escrita por Sébastien Castro, marca a volta do ator CÁSSIO GABUS MENDES ao teatro, depois de 30 anos, respaldado pelo talento de um elenco de peso - ARY FRANÇA, SUZY REGO e ZEZEH BARBOSA. Trata-se de uma comédia delirante que explora coincidências absurdas e o poder do ciúme. Um vaudeville contemporâneo com todos os ingredientes dos grandes clássicos desse gênero, nas palavras do diretor. Foram 400 apresentações em Paris, 100 datas de turnê por vários países e vista por 300 mil espectadores.

A Turbilhão de Ideias, produtora fundada por Gustavo Nunes em 2008, informa a abertura da pré-venda de ingressos para Vital, o Musical dos Paralamas, sua grande novidade para 2025. Reconhecida por sucessos como Cássia Eller, o musical e O Rei do Rock, o musical, além de produções cinematográficas como Maria – ninguém sabe quem sou, a Turbilhão soma mais de 2,5 milhões de espectadores em 15 anos. Para o ano que vem, além da estreia de Vital, a produtora prepara um musical inédito sobre a obra de Djavan. Vital celebra os 40 anos de trajetória dos Paralamas do Sucesso, destacando a amizade de Herbert Vianna, Bi Ribeiro e João Barone como pilar central de sua longevidade e sucesso. Idealizado por Gustavo Nunes e Marcelo Pires, com texto de Patrícia Andrade e direção de Pedro Brício, o musical une narrativa emocionante, direção musical de Daniel Rocha e arranjos que trazem nova vida aos clássicos da banda. A estreia nacional aconteceu no Rio de Janeiro, em outubro, e o espetáculo segue para São Paulo em 2025, com estreia marcada para 3 de maio no Teatro Sabesp Frei Caneca.

Com texto e atuação de Hermes Carpes e Rodrigo Brich, a peça acompanha a jornada de Bruno, um homem maduro que se vê envolvido em um relacionamento desafiador com Matheus, um jovem cheio de sonhos e inquietações. Inspirada em histórias reais, "Meu Garoto" revela as nuances das relações afetivas atuais, abordando questões como diferenças geracionais, expectativas sociais e os dilemas emocionais que atravessam a vida contemporânea. "Meu Garoto" aborda temas universais como o amor, o desejo e as ilusões, mas também convida à reflexão sobre questões contemporâneas, como a influência das redes sociais nos relacionamentos e os desafios das diferenças de geração. Além disso, o espetáculo questiona as normas impostas pela sociedade e abre espaço para debates importantes sobre autenticidade, empatia e liberdade emocional.

‘Rock in Rio 40 anos – O Musical’ se passa justamente nos últimos meses de 1984 e naqueles primeiros dias no ano seguinte. Enquanto o Brasil experimentava uma série de transformações políticas e sociais, Medina comandava uma equipe que perseguia o sonho – praticamente impossível – de realizar um festival de rock de proporções gigantescas em um País ainda fora do grande circuito de shows internacionais. Os obstáculos eram intermináveis: da negativa de centenas de patrocinadores e artistas até o local onde o evento se instalou: um terreno pantanoso e em declive na então inóspita região de Jacarepaguá. Criado pela dupla Charles Möeller & Claudio Botelho e com trilha sonora e supervisão musical de Zé Ricardo, ‘Rock in Rio 40 anos – O Musical’ chega ao palco da Cidade das Artes em formato de superprodução, com 30 atores no elenco e banda de nove músicos liderados pelo maestro Marcelo Castro. O espetáculo é apresentado pela Ipiranga através da Lei Federal de Incentivo à Cultura.

Jesse e Celine sentem a necessidade um do outro, de maneiras e intensidades diferentes. Com a detecção de uma incompatibilidade, a necessidade continua sendo o mote da relação do casal, mas não a do amor dependente, cinematográfico e de últimos capítulos. Que o amor gera sofrimento todos sabemos, ao menos aqueles que já amaram, de fato. O quanto as pessoas estão disponíveis a assumir esses momentos de sofrimento durante a vida? Isso é o que nos questiona “Brilho Eterno” de maneira lúdica, mas não leve de efeitos colaterais.

Entre a busca e a espera, modos distintos de estar no mundo colidem quando um Homem e uma Mulher se encontram por acaso. Em meio a diálogos sensíveis, o espetáculo revela desdobramentos inesperados ao trazer a perspectiva de um Velho e uma Velha, que ampliam os conflitos e questionam o sentido da existência.

A autora, atriz e diretora Susana Ribeiro, é a grande idealizadora da comédia dramática “Sonhei com Você”. Uma peça que relata a intimidade em um encontro improvável, abordando temas como o preconceito entre as classes sociais, o etarismo, e entre outros assuntos discutidos na sociedade com a mulher.

A comédia mostra o encontro de uma mulher de meia-idade com sua versão 35 anos mais jovem. A peça é uma bem-humorada aventura sobre o tempo e os seus contratempos. Os sonhos de uma jovem e a maturidade de uma mulher, os encontros e desencontros que o tempo causam, um jogo teatral que convida o público a refletir também sobre a sua própria história.

‘Outros Toms’, o novo espetáculo da Studio3 Cia. de Dança, propõe uma imersão na obra do criador da Bossa Nova, explorando os diferentes “tons” de Tom Jobim. Com coreografia de Anselmo Zolla, direção cênica de William Pereira, direção musical do maestro Wagner Polistchuk e a participação especial do ator Gabriel Braga Nunes, ‘OUTROS TOMs’ revela o lado menos conhecido de Antônio Carlos Jobim: o de habilidoso sinfonista e orquestrador. Estruturado em três partes, o projeto conecta sua rica obra musical a paisagens simbólicas do Brasil e a figuras importantes da cultura nacional.

Nesta história, acompanhamos Sidarta, inteligente filho de Brâmane, a deixar a casa dos pais. Seguido por seu melhor amigo, Govinda, ambos aderem aos samanas, vertente espiritual que busca a iluminação através da mortificação do corpo. Em seguida, desconfiado e desiludido com as doutrinas, Sidarta conhece o próprio Buda e dele também se afasta, determinado a encontrar seu próprio caminho ou a morte. Estabelece relação com uma cortesã da cidade, torna-se comerciante, embrenha-se no vício e no materialismo, para novamente deixar tudo para trás e retornar à simplicidade, junto a um barqueiro que se revela um mestre e amigo. Continuamente, encontramos ao longo do texto dramaturgias de aprisionamento e libertação, que descortinam suas ilusões e aprofundam sua subjetividade.

Aliando a sua voz à de outras autoras, Sara Carinhas procura confundir na sua auto-biografia, ficções e relatos que não lhe pertencem. Virginia Woolf, eterna autora-fantasma revisitada por Sara, voltará a aparecer, desta vez através dos seus textos de não-ficção, acompanhada por outras autoras que ocupam discursos diversos do seu - por lá estarão também imagens, árvores genealógicas, cartas recebidas, medo do fim do mundo e a literatura necessária para manter o sonho. Um espetáculo que se pode confundir com uma festa, -- com todos os perigos que possa conter, através da qual a atriz partilha referências que alimentem ideias, frames de vida, pensamentos inacabados, dúvidas e propostas, oscilando entre o roteiro que redigiu e a improvisação, ou esquecimento, do momento.

Maria no Fio da Navalha conta a história de Maria Navalha, a primeira entidade brasileira, traçando um paralelo entre sua trajetória no século passado e os desafios enfrentados pelas mulheres nos dias de hoje. O espetáculo destaca questões sobre desigualdade de gênero e o significado de ser mulher, através de uma narrativa intensa e emocionante. Mais do que uma peça, a proposta é uma experiência sensorial e reflexiva, que une elementos de história, religião e ritual.

Três atrizes se reúnem em um teatro para ensaiar um espetáculo que desafia as fronteiras entre a ficção e a realidade, criando um metateatro que propõe dinâmicas intrigantes, nas quais elas começam a imitar os dramas que encenam. Ao receber uma nova atriz, juntas elas dão vida à história de "Mar Aberto", que narra a vivência de duas irmãs que alugam um quarto de sua casa a uma estranha, desencadeando uma série de mistérios e conflitos. No centro da trama, uma janela intransponível e uma dinâmica familiar ambígua revelam um passado repleto de segredos, culminando em uma morte que paira sobre a narrativa.

CLOUD é uma reflexão sobre a política das imagens e sobre a representação midiática dos corpos, organizada em torno dos conceitos de duração e repetição: a performance se desenrola ao longo de um período de uma hora e é composta por duas repetições de cerca de trinta minutos cada; o público pode entrar e sair entre uma e outra. O conteúdo é o mesmo, mas o corpo e o espírito do performer não serão os mesmos entre a primeira e a última réplica. A relação com a violência das imagens adquire assim um caráter ritual e se inscreve no contexto da fadiga física e mental, da obstinação de uma permanência prolongada em cena, em um percurso repleto de imagens e vídeos do vórtice da web ao arquivo pessoal de dados.

Vanitas revisita a história da pintura italiana e dialoga com o presente ao questionar a vaidade. Três jovens artistas da dança, oriundos da Itália meridional e insular - Giovanfrancesco Giannini (Nápoles), Fabio Novembrini (Sicília) e Roberta Racis (Sardenha) - usam projeções e referências de obras na cena, misturando com imagens dos próprios artistas. “Hoje penso na vaidade como uma das causas que levam à alienação e ao egoísmo solitário que caracterizam o nosso tempo, uma espécie de estrutura saturada de medos, obsessões capitalistas e um grande senso de inadequação que habita cada um de nós e que, em nós, não pode encontrar solução. Sinto que, muitas vezes, se prefere o preconceito à experiência, que se gasta demasiado tempo se definindo através do olhar alheio para ser mais do que uma imagem”, diz Roberta Racis sobre a criação da obra.

A narrativa se passa em Nuremberg, na Alemanha, no final do século XIX e conta a história de Drosselmeyer, um misterioso fabricante de relógios e brinquedos. Drosselmeyer trabalhava no palácio Real, onde inventou uma armadilha que exterminou a metade dos ratos do reino. Para se vingar, o Rei dos Ratos decidiu raptar o sobrinho de Drosselmeyer e o enfeitiçou fazendo com que seu tio não mais o reconhecesse, deixando-o no orfanato para meninos. O menino também se transformaria em um boneco Quebra-Nozes nas noites de Natal. A única maneira para que Drosselmeyer voltasse a reconhecer seu sobrinho, seria o boneco Quebra-Nozes lutar com o Rei dos Ratos e derrotá-lo. É véspera de Natal. O médico e Prefeito da Cidade, Jans Stahlbaum e sua esposa, atendendo ao pedido de sua generosa filha Clara e imbuídos pelo espírito natalino, convidam os meninos do orfanato para sua linda festa que oferecem todo ano para seus parentes e amigos. A tradicional celebração é esperada com ansiedade pelos filhos do casal, Clara, Fritz e Louise, pois nesta noite eles terão a oportunidade de fazerem novos amigos. Para Clara este será um Natal ainda mais especial!

Um manifesto escrito por gestos. Uma orquestra movida por corpos. Ainda há tempo para tantos “eus” se implicarem num “nós”? Em ATO, a Cia Fragmento de Dança convida onze artistas para se juntarem ao elenco, construindo uma estrutura coreográfica que convoca o movimento em uníssono para fortalecer a imagem de grupo. São muitas vozes juntas criando tensões polifônicas. Seriam esses espaços a possibilidade de um comum? Ainda que de forma passageira, por alguns momentos, nos encontramos como grupo. O que isso nos diz?

FormAção Ação da Cidadania e Shell está na reta final de sua primeira largada, com um projeto de inclusão em todas as possibilidades que a exclusão insiste em se apresentar. Usando a arte como ferramenta e sua linguagem representada em 9 cursos, o projeto conclui sua primeira edição com um espetáculo, produzido integralmente por suas crias. Os alunos cantam, dançam, interpretam, produzem cenários, roteirizam, caracterizam, vestem, saltam e produzem o “Abrigo” vivido em 2024 dentro do FormAção. Um abrigo que acolhe para deixar voar, onde uma turma é a soma de cada presença, onde uma árvore é o símbolo escolhido para o sentido de Abrigo no projeto, árvores possuem raízes que servem de base, crescem até onde a nuvem dos sonhos permite e desfolham seus medos para renascer sua esperança.

Baseada no livro de Itamar Vieira Junior, a peça retrata a história das irmãs Bibiana e Belonísia, e da avó Donana. Através do olhar delas, vamos adentrar um universo repleto de seres encantados, e percorrer o chão de barro do Brasil do interior, de cada um de nós. Um diálogo entre os atabaques da cultura afro-brasileira, a viola sertaneja, e os pífanos do nordeste, promovendo uma gira em cena.

Na cidade litorânea de Aracati, no estado do Ceará, Mãe Anaya recebeu de herança o Terreiro dos Aflitos, local onde os escravos eram sacrificados e agora funciona como um espaço religioso de Umbanda. Jesus dos Santos, um poderoso empresário da mesma cidade, decide expandir seus negócios, construindo um mercado e para isso, precisa do terreno do Terreiro, mas Mãe Anaya se recusa a sair do mesmo, por considerar o local sagrado. Jesus dos Santos tenta conseguir o apoio de Padre Francisco, sem sucesso, a situação se complica quando Zola, filho adotivo de Mãe Anaya é assassinado.

Meursault, o personagem central de O Estrangeiro, leva uma vida banal: recebe a notícia da morte da mãe, comete um crime, é preso e julgado, em meio à controversa relação entre o indivíduo e a lei, sendo assim mais um homem arrastado pela correnteza da vida e da história. Seu drama pode ser lido como o drama de qualquer pessoa que se depara com o absurdo, ponto central da obra de Albert Camus. Na trama, Meursault não encontra explicação nem consolo para o que acontece em sua trajetória, tudo acontece à sua revelia e nada faz o menor sentido. Ele não acha explicação na fé, religião ou ideologia, não tem onde se amparar. O que pode ser visto como uma vantagem: esse homem é livre, pode se fazer a si mesmo, sua vida está em aberto. Ele se depara e se angustia diante da liberdade e do absurdo e, quando descobre que essas duas condições são intrínsecas, finalmente encontra a paz.

De quanto amor precisa uma pessoa? é o novo monólogo de Ivam Cabral, uma obra intimista que nasce da relação visceral entre humanos e animais de estimação, abordando como esses vínculos foram essenciais para enfrentar os momentos de solidão e incerteza durante a pandemia de Covid-19. Com um tom autobiográfico e profundamente poético, o espetáculo reflete sobre os desafios emocionais vividos no isolamento e sobre como o amor, especialmente pelos animais, torna-se um refúgio e uma força vital em tempos de crise. Inspirado pela obra Escute as Feras, de Natassja Martin, Ivam Cabral transforma sua experiência pessoal em uma celebração do afeto e da resiliência humana.

O musical conta a história de uma pequena princesa africana predestinada a se tornar a grande Rainha de Sabá. Ela foi educada por seu trisavô, um sábio ancestral que transmite à pequena importantes lições, sobretudo como usar o poder da imaginação para viajar por universos imaginários, visitar seu passado e, assim, superar os seus medos.

O espetáculo mergulha em um intenso dilema moral através da história de Claire Zachanassian, uma milionária que retorna à sua cidade natal após ser rejeitada e humilhada anos atrás. Sua chegada, inicialmente recebida como uma oportunidade de redenção para a cidade, logo revela uma proposta surpreendente que desafia a ética dos moradores, testando até onde cada um está disposto a ir em troca de dinheiro e poder. Ao expor as contradições e fraquezas humanas frente à tentação financeira, a peça leva o público a refletir sobre o preço da integridade e os limites de nossas convicções. "A peça explora como a ganância e as concessões graduais podem corroer a integridade, refletindo sobre a fragilidade da moralidade humana e o poder sedutor do dinheiro," comenta o diretor Ronaldo Saad.

Tem estado escuro entre nós. Como se estivéssemos que nos apresentar. Qual foi a morte que te trouxe aqui? Você lembra? Os tempos movem as memórias de lugar, a química das células caminha. Tem estado escuro entre nós. Há quanto tempo?

Dirigida por Richard Riveiro, com versão brasileira de Beatriz Sayad, a peça conta a história das gêmeas siamesas Yvonne e Mabel, nascidas em um circo criollo do Rio da Prata, uma forma de espetáculo do início do século XX que combinava números circenses — como acrobacias, truques de mágica e apresentações com animais — com peças teatrais melodramáticas, semelhante ao circo-teatro no Brasil. Unidas em um só corpo, as irmãs enfrentam os desafios do crescimento pessoal e da carreira artística ao longo de suas vidas, revelando segredos e refletindo sobre sucesso e esquecimento. Em formato de falso documentário (mockumentary), o espetáculo apresenta a trajetória das irmãs por meio de depoimentos, entrevistas e números artísticos, intercalando cenas musicais e elementos circenses.

Sobre o processo de As Bacantes, 1oº e mais recente experimento de montagem teatral do Núcleo, desde o início a intenção foi abrir o processo de seleção de participantes para o Núcleo já com a definição de que o trabalho seria sobre o texto de Eurípedes, ideia que nasceu pelo interesse em pesquisar a linguagem da tragédia demonstrado por participantes do Núcleo em edições anteriores.

Que tempo Bom - Um Show de Improviso Que tempo Bom é um espetáculo de improviso teatral que convida o público a embarcar numa viagem nostálgica através das lembranças mais queridas e momentos inesquecíveis. Nesta experiência única, os talentosos improvisadores Allan Benatti, Glaura Lacerda e Edson Duavy criam cenas e jogos inspirados pelas suas próprias memórias e sugestões nostálgicas da plateia. Cada apresentação é única, tecendo histórias que mesclam humor, emoção e a doce saudade dos tempos que não voltam mais. Venha reviver suas memórias e ser parte de uma noite inesquecível onde o passado ganha vida no palco se tornando um belo presente.

O espetáculo “Natal Mágico” retrata essa época de renovação e esperança. O musical começa com a saída do Papai Noel da Lapônia, em um trenó, para ir ao encontro de três crianças no Brasil: Nesta nova megaprodução, Papai Noel volta para realizar um sonho de Clarinha e Felipe que, por ventura, acabam lhe mostrando valiosas lições de fraternidade e amor. Clarinha solicita em sua cartinha ao bom velhinho que seu irmão se interesse e participe deste universo.

A peça Chef Psi - Como Comer Como Como propõe uma reflexão sobre a conexão entre fome, alimentação e identidade, com foco na trajetória das mulheres. Idealizada e protagonizada por Maíra Maciel, e dirigida por Tati Caltabiano, do Coletivo Petit Comité, a peça é inspirada nas experiências pessoais da atriz, que convive com anorexia nervosa desde a adolescência. Sua vivência como psiquiatra e psicanalista enriquece a narrativa, trazendo à tona histórias de pacientes que enfrentam pressões relacionadas à imagem corporal.

‘Peixe que é planta é pássaro’ não é um espetáculo de dança, não é uma leitura de poemas, não é um concerto, mas é composto de tudo isso. A Antônima Cia de Dança selecionou 16 poemas do livro Veludo Rouco, da escritora, artista visual, compositora fluminense Bruna Beber, e criou para cada um uma cena. Nas apresentações, Bruna lerá seus poemas e os músicos Bernardo Pacheco, Ritamaria, Flavio Lazarin e Ivan Vilela criarão a trilha sonora. Tudo acontece ao vivo e as linguagens vão se sobrepondo, contrapondo, complementando e se transformando.

O ator e diretor Beto Marden entrou em contato com a obra de Renato Russo (1960-1996) a partir de trechos de um texto escrito durante os 29 dias em que o cantor e compositor, vocalista do Legião Urbana, esteve internado em uma clínica de recuperação, no Rio de Janeiro, para tratar a dependência química. As tocantes reflexões de Russo, publicadas no livro-diário Só por hoje e para sempre (2015, Companhia das Letras), acionaram a faísca de inspiração para Marden criar Será, um Grito Musical.

No segundo episódio da série cômica mais desvairada de SP. Maluco, Doido e Louco iniciam a viagem da vida deles, com uma única certeza: "normal mesmo e não ter rumo". Se una aos mais de 2 mil espectadores que já viram o primeiro episódio e venha se divertir com esse elenco sensacional.

Em uma jornada mágica, Dorothy, uma jovem sonhadora, é levada por um ciclone ao encantado mundo de Oz, onde tudo é colorido e diferente. Em busca do caminho de volta para casa, ela segue a estrada de tijolos amarelos e encontra amigos inesquecíveis: o Espantalho, que deseja um cérebro, o Homem de Lata, que almeja um coração, e o Leão Covarde, que precisa de coragem. Juntos, eles enfrentam desafios e aventuras, confrontando seus medos e superando obstáculos, enquanto descobrem que a verdadeira magia está dentro de cada um.

O Grande Circo Científico traz de volta a magia, o encantamento e a nostalgia do circo de antigamente, com 2 cientistas muito malucos e atrapalhados revelando os mais divertidos números do picadeiro de um modo que você nunca viu. Surpreenda-se com os segredos da magia do grande Houdini e a coragem do homem que cospe fogo. A bailarina, a vidente e as habilidades de faquir, também completam o maior espetáculo da terra. E para o grande final, um gigantesco espirro de elefante.

Em uma viagem encantadora pelo universo, um piloto que caiu com seu avião no deserto do Saara encontra uma figura curiosa: um Pequeno príncipe vindo de um distante asteroide. Ao longo de sua jornada, o príncipe compartilha histórias sobre os planetas que visitou e os personagens únicos que conheceu, como um rei solitário, um vaidoso e uma raposa sábia.

“O Pequeno Dom Quixote” narra a história de Quixano, um garoto que viaja com sua mãe, atriz em uma trupe de circo-teatro. Fascinado pelos livros de sua "biblioteca" improvisada e pelas encenações da trupe, ele se imagina como um cavaleiro andante. Ao ser repreendido por sua tia Quixano decide fugir e viver suas próprias aventuras. Ele encontra Sancha, uma menina de rua que se torna sua fiel escudeira. Juntos, enfrentam “dragões” e “exércitos”, reinterpretando o mundo ao seu redor como as clássicas aventuras de Dom Quixote.

E se sempre fosse dia? Nunca escurece, sempre claro, sempre branco. A obra apresenta um fim do mundo pelo intenso e quente sol como uma metáfora da branquitude no Brasil. Um casamento acontece numa cidade do interior, alguns personagens alegóricos convivem nessa distopia de uma “cegueira branca” que vêm contaminando os moradores dessa cidade. Bispos, peões, fazendeiros, políticos e uma noiva apresentam a visão e as atitudes extremas das diversas classes reagindo ao apocalipse branco.

Discutir os dilemas enfrentados pela população feminina hoje é um dos objetivos do projeto 5 Mulheres e Um Destino: a Arte, o Teatro, a Vida enfim!, que reúne cinco espetáculos seguidos por bate-papos entre os dias 30 de novembro e 18 de dezembro. Todas as apresentações são gratuitas e acontecem no Teatro Studio Heleny Guariba. Cada uma das atrizes se debruçou sobre um tema e, para enriquecer a discussão, todas as sessões são seguidas por bate-papos. As peças serão apresentadas três vezes ao longo do evento

O espetáculo traz à cena a mulher Helene Weigel, atriz e cofundadora do grupo teatral Berliner Ensemble, a intérprete de Mãe Coragem, de A Mãe, da Senhora Carrar de Os Fuzis, da Leocádia Begbick em Um Homem é um Homem e em Mahagonny... e a esposa e maior colaboradora de Bertold Brecht em sua obra cênica. São muitos papéis que somente uma mulher determinada poderia desempenhar ao mesmo tempo. A peça vai buscar o significado da vida desta mulher e atriz, nos anos de criação teatral e ação política, no exílio vivido em vários países, em fuga do nazismo, nos novos confrontos na Alemanha Oriental, a RDA, no pós-guerra, criando e mantendo com Brecht o grupo Berliner Ensemble.

“Onde houver céu”, trabalho concebido por Marcus Moreno, que também integra o elenco formado por Maria Basulto, Maria Fernanda Machado, Mariana Molinos, Rebeca Tadiello e Raony Iaconis, estreia nos dias 29 e 30 de novembro, dentro da programação do Festival Arquivo Aberto, que acontece no Arquivo Histórico Municipal, e segue em temporada no mesmo espaço, de 3 a 6 de dezembro

Desamada: Uma Dramaturgia Poética é um experimento cênico, que assim como o livro, é dividido em atos, pretende falar de amor, solidão e a poesia que os habita – com humor, e uma certa fluidez entre a densidade e a leveza, que só alguém como Midria, mas que não deixa de convidar o público a dividir o palco e os sentimentos – ora tensos, corriqueiros, divertidos ou extremamente dolorosos. Esse espetáculo é uma visita ao mais íntimo de autore, bem como ao de quem assiste.

“Saudade na Miragem" questiona a relação entre religião, espiritualidade, conflito, e a ambivalência da justiça. Inspirada no livro “A Guerra do Fim do Mundo", de Mario Vargas Llosa, que se debruça sobre a Guerra de Canudos, ocorrida no sertão da Bahia no final do século XIX a obra reimagina este evento histórico como um espelho das lutas contemporâneas, interligando questões como a memória coletiva, a dor e a regeneração. A narrativa é composta por personagens complexos que representam a diversidade e os conflitos da experiência humana. Através de uma linguagem teatral que mistura elementos de diversas tradições artísticas, o espetáculo explora a tensão entre caos e harmonia, questionando o que significa viver em um mundo tão fragmentado.

No meio da floresta amazônica, as palhaças Bifi e Quinan procuram chegar a um lugar utópico e desconhecido, que vai se construindo à medida que se movimentam. O seu dia a dia na canoa e nas terras por onde pisam, assim como o encontro com a onça pintada, a singela alegria de um peixe pescado, os sons, a solidão e o medo, revelam ao espectador o imaginário misterioso da floresta e de suas figuras. Divagar e Sempre é fruto de todos os anos de pesquisa e vivências da dupla de palhaças na região amazônica, onde conheceram histórias de povos originários e de comunidades ribeirinhas e suas situações vividas.

Na trama, um único homem, o escritor, desdobra-se em dois personagens, que estão em um mesmo ambiente, mas não se encontram, por pertencerem a contos diferentes. Os atores Hilton Vasconcellos e Rick Yates são cérebro e coração do autor, num mesmo espaço-tempo, contracenando indiretamente. Quando um é autor, o outro é personagem e vice-versa. A encenação optou por explorar uma imagem bastante popular da famosa tela de Van Gogh, que retrata seu quarto, como suporte para a cena de Caio F. Os personagens habitam esse mesmo quarto, onde suas memórias e impressões do mundo e da vida se expressam através das imagens daqueles tempos. No espaço, também haverá uma exposição sobre o escritor, com textos, projeções e músicas de artistas citados em suas cartas e contos, de Maria Bethânia e Maysa a Fassbinder e Oscar Wilde.

É possível criar um mundo verdadeiramente justo? O que fazer quando cada movimento com esse objetivo parece gerar novas e desconhecidas injustiças? Esses questionamentos guiam o espetáculo “Aqueles que deixam Omelas”, solo narrativo baseado no conto homônimo da renomada autora americana Ursula K Le Guin (1929-2018), nunca publicado no Brasil. Com tom de fábula moral filosófica, a narrativa apresenta uma trama repleta de paradoxos: beleza e sofrimento, liberdade e opressão, justiça e injustiça, dor e prazer. O espectador se vê envolvido por um turbilhão de imagens e acontecimentos, que vão sendo narrados pelo viajante, e mediados por esse jogo de opostos incômodos. A história que está sendo contada, em alguma medida, pode ser a história de qualquer um que esteja ali sentado, ouvindo aquele curioso relato.

Em “Isto não é uma dança”, Nastaran Razawi Khorasani apresenta uma performance de dança que lida com a censura. É uma homenagem ao corpo que quer se mover, um tributo à arte que simplesmente deve ser feita, de qualquer maneira ou formato. O que pode ser mostrado, o que deve permanecer oculto? À medida em que a música e as luzes se transformam em um frenesi, Nastaran tenta manter seu corpo dançante sob controle, enquanto traz para o palco as vozes de coreógrafos e bailarinos que vivem no Irã.

Estragão (Marcelo Drummond) e Vladimir (Alexandre Borges) são dois palhaços vagabundos que se encontram no fim do mundo, na encruzilhada entre a paralisia e a tomada da ação. Enquanto esperam Godot, embora não saibam quem ou o que é, a dupla se encontra com as personagens que passam pela estrada: Pozzo – O Domador (Ricardo Bittencourt), Felizardo – A Fera (Roderick Himeros) e O Mensageiro (Tony Reis), que traz notícias inquietantes que podem determinar a perpetuação da inércia ou a libertação total da paralisia numa reviravolta absurda. Mas afinal, até quando Esperar Godot?

O respeitável público da cidade de São Paulo não pode deixar de prestigiar a 2ª edição do Festival FOLIA de Circo na Fábrica de Cultura Vila Nova Cachoeirinha. Com uma programação diversa, o evento permite um mergulho na cultura circense e nas possibilidades de atuação nesta área hoje em dia. O Festival é organizado pelo FOLIA, projeto de formação profissional nas artes circenses das Fábricas de Cultura - Programa da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, e gerenciado pela Organização Social Poiesis.

ÚLTIMO SETOR se passa em um futuro distópico e debate questões políticas, sociais e geográficas que afetam as periferias, principalmente na cidade de São Paulo. No palco, os intérpretes-criadores Alex Bingó, Gabriel Madrigrano, Pedro Vinicius e Wilson Guilherme, refletem sobre as possibilidades de resistência e adaptação enquanto as periferias são engolidas pela verticalização urbana e o avanço impiedoso da tecnologia. Combinando elementos da arte povera e uma cenografia composta de vários elementos que remetem a um ferro velho, ÚLTIMO SETOR explora questões profundas sobre sobrevivência, poder e adaptação em meio à desolação. No centro desse cenário árido e sucateado, os artistas utilizam suas habilidades para construir e interagir com um imponente totem em números de circo contemporâneo, como manipulação de objetos, acrobacias, dança e técnicas aéreas.

Narrado pela atriz, Luana Piovani, Zbura – Campeões do Mundo da Patinação, em O Globo Mágico, conta a história de Maia, que, ao completar dez anos, recebe um presente especial que está em sua família há gerações e promete mudar sua vida, mas não sem que ela enfrente as consequências primeiro. Além de apresentar uma aventura, que aborda as transições da vida sob a ótica de uma criança em busca de compreensão sobre o que parte, o que chega e o que permanece, Zbura reúne os melhores patinadores do mundo e integra a arte e a magia do teatro ao domínio técnico do esporte. Com um elenco de 23 patinadores, o espetáculo conta com a participação dos atuais campeões dos jogos mundiais: Madalena Costa, de Portugal, e o italiano, Alessandro Liberatore.

"Um Mês no Campo" narra a história de Natalya Petrovna, uma mulher aristocrática russa do século XIX, cuja vida muda quando um jovem tutor chega à fazenda de sua família. Presa a um casamento sem paixão e às convenções sociais, Natalya é surpreendida por um amor proibido, o que a faz questionar o papel imposto às mulheres. Em meio ao cenário tranquilo do campo, a peça revela as tensões entre desejo e dever, explorando a luta entre o amor e a busca pela liberdade feminina.

De 21 a 24 de novembro (quinta-feira a domingo), o Itaú Cultural recebe uma edição especial da mostra As Crespas, realizada pela companhia teatral Os Crespos, para celebrar uma década de Legítima Defesa – Uma Revista de Teatro. A publicação foi criada em 2014 com a proposta de reunir entrevistas, artigos e dramaturgia sobre questões pertinentes ao grupo. Nesta celebração, assuntos como os 80 anos do Teatro Experimental do Negro, o cenário atual das produções negras no Brasil e a ação de grupos como o mineiro Teatro Negro e Atitude (TNA) e o paulista Grupo Clariô de Teatro, dividem espaço com pílulas poéticas, além de uma homenagem à atriz Lizette Negreiros (1940-2022) e da apresentação, na íntegra, do espetáculo À Sombra da Goiabeira.

A peça traz uma conversa entre Ernesto e Marta, um casal de idosos que comparam suas lembranças sobre os relacionamentos anteriores e suas reminiscências. O esquecimento atinge o casal, que confunde histórias, datas e, principalmente, os nomes. O passado é tão presente quanto o presente, mas tem a vantagem de ser, justamente, o passado e a ordem e os fatores já não importam tanto. Eles servem como peças de um grande quebra-cabeça onde o que importa é justamente a tentativa de colocar tudo em seu devido lugar independente do fato de estar certo ou errado. A importância de tudo está no estar junto e não no tempo ou no espaço.

“Acidentalmente Amor” é um musical com canções pop dos anos 2000, em formato de pocket show, com sucessos que marcaram a época. Conta a história de Daniel, um menino de 17 anos que vive numa pequena cidade do interior. Ele se apaixona pelo recém-chegado Bernardo. Daniel enfrenta os desafios da primeira paixão com a ajuda de seus dois melhores amigos, Amanda e Vinícius, enquanto lida com a dificuldade de contar para seu avô sobre sua sexualidade. Em meio aos ensaios da peça “Romeu e Julieta”, a turma da escola acaba vivenciando de maneira profunda, o clássico de William Shakespeare dentro do próprio universo da peça, ao mesmo tempo em que traz à tona importantes pautas LGBTQIA+.

Um espetáculo sobre natureza, finitude, desejo, ímpeto de vida e morte. Um homem, um menino, uma mulher, um rio, um lugar, um tempo. Personagens do celebrado escritor moçambicano Mia Couto são envolvidos por canções africanas, pela sonoridade dos tambores e pela interpretação de um ator.

Em uma comunidade tomada pelo tráfico, Christopher, um jovem negro, luta contra a opressão das minorias proveniente de líderes violentos, buscando a evolução de seu povo. Na ânsia de um futuro melhor, os moradores do Morro das Oliveiras tentam mudar seu destino que está nas mãos daqueles que só visam o poder e o dinheiro.

O romance do escritor mineiro conta a história de Hilda, uma jovem bela e rebelde que rompe com as expectativas ao abandonar sua vida de prestígio e refugiar-se na zona boêmia da capital mineira. Sua jornada se entrelaça com a de Frei Malthus, um jovem religioso determinado a transformar a vida dos habitantes da região. Esse encontro desencadeia uma série de conflitos éticos e sociais, em um confronto entre desejo e dever, liberdade e moralidade. Uma narrativa que encontra na ópera a linguagem perfeita para seu desenvolvimento dramático se somando ao panteão de grandes heroínas do gênero, como Carmem e Aída, consolidando o caminho para a criação de uma ópera nacional e que dialoga com nossa história, cores e sons.

Misturando humor e poesia, o espetáculo é protagonizado pela Autora, que busca escrever uma peça navegando pelas memórias de cenas que ela mesma escreveu - mas que nunca terminou. No meio do caminho, em uma noite estranha, ela é confrontada pelo seu passado e pelo luto, através de personagens simbióticos, espelhos dos seus sentimentos que organizam uma festa surpresa indesejada. Explorando a metalinguagem, a peça dilui as fronteiras entre o real e o ficcional, à medida que leva à cena textos extremamente pessoais enquanto expõe a própria tentativa de fazer teatro através deles.

A instalação coreográfica “O Banho” é uma reflexão sobre as questões propostas pela vida de Dona Sebastiana de Mello Freire, Dona Yayá. Mulher da elite paulistana que ao ser diagnosticada doente mental teve a sua casa no bairro da Bela Vista, São Paulo, parcialmente transformada em um hospital psiquiátrico privado e nela permaneceu isolada por ordens medicas entre 1919 e 1961.

PARA ACABAR DE VEZ COM O JULGAMENTO DE ARTAUD explora a trajetória de Antonin Artaud, que abalou com suas ideias avançadas para a época, as certezas do Teatro e da Vida e por conta dessa inadequação social, foi considerado louco e internado durante nove anos em diversos manicômios. No palco, Samir debate as sutis fronteiras entre arte e loucura, colocando em cheque os parâmetros da normalidade e da saúde mental, a partir de textos escritos pelo poeta, dramaturgo, ator e diretor francês do início do século XX que criou o conceito de “teatro da crueldade”.

“Gabriela, Cravo e Canela” traz a história de Gabriela, uma jovem que, ao chegar em Ilhéus, Bahia, na década de 1920, conquista os moradores com sua simplicidade e beleza, especialmente o sírio Nacib, dono do bar Vesúvio. O romance entre os dois se desenvolve em meio às mudanças sociais e econômicas da cidade, abordando conflitos entre tradição e modernidade. Em “Gabriela - O Musical” a narrativa faz um paralelo com temas atuais, como a liberdade feminina, convidando o público a refletir de forma leve e divertida, além de valorizar a força da cultura brasileira.“Gabriela - O Musical” faz um paralelo com a atualidade, abordando temas como a liberdade feminina e os direitos das mulheres, incentivando o público a refletir de forma leve e divertida, mostrando ainda a força da cultura brasileira.

Carla e Marta são irmãs que se reencontram após 15 anos de distanciamento. Com a morte do pai, Carla retorna querendo reassumir seu lugar na casa da família.

A peça narra a história de dois irmãos e artistas de teatro, Rose e Tom, que enquanto se preparam para entrar em cena, recebem a crítica do espetáculo que estão prestes a iniciar. Frente à dureza da análise do crítico, Tom – que além de ator também é dramaturgo – resolve reescrever a peça como uma resposta à exclusão artística, intolerância às novas ideias de construção teatral e, de forma subliminar, a atitude conservadora e homofóbica da crítica de então. A narrativa percorre fatos relevantes da vida e aspectos importantes da obra de Tennessee Williams – que é sem dúvida um dos autores mais importantes do Teatro Moderno do século XX.

Os cuidados de fim de vida de um pai e o cotidiano trivial de uma cuidadora de idosos entrelaçam-se nesta narrativa poética sobre a finitude, o luto e estafa do cuidar.

Com dramaturgia e direção de Cecilia Ripoll, “Pança” acompanha a história de um talentoso e endividado escritor que, de seu pequeno vilarejo, escuta falar sobre a mais nova invenção da capital: a famosa máquina de imprensa. Com desejo de ampliar a venda de seu mais recente romance, o autor se endivida ainda mais para conseguir comprar a copiadora mecânica. Cheia de peripécias e reviravoltas, a trama faz referência ao surgimento histórico da máquina de tipos móveis (a primeira versão ocidental de copiadora mecânica), divisor de águas na história da humanidade que permitiu a produção em série dos livros, até então copiados um a um a mão.

A peça é inspirada na história das Rainhas das Congadas e de Moçambique e ganha ainda mais profundidade ao incorporar referências aos grupos de cultura popular do Vale do Paraíba , uma região rica em tradições que dialogam com a herança africana no Brasil. A peça conta com as atrizes Illane de Paula e Pérola Mello no elenco narrando a história de uma rainha africana que liderou seu povo com sabedoria, ensinando sobre a preservação da natureza e a importância das relações culturais. Com essa nova produção, Dionísio reafirma seu compromisso com a valorização da cultura afrodescendente e das tradições populares do Brasil, em especial do Vale do Paraíba, que agregam para a riqueza cultural da peça.

O Festival Maré Cearense desembarca em São Paulo, trazendo ao público paulistano um panorama vibrante da cena artística cearense. Durante os dias 23 de novembro a 01 de dezembro, as águas da Maré vão movimentar o Sesc Ipiranga em um verdadeiro encontro de dança e teatro. O festival que foi idealizado pelo Instituto Dragão do Mar, celebra a diversidade cultural do Ceará e é uma oportunidade de encontros e intercâmbios entre regiões tão ricas culturalmente.

Formado por Renato Carrera, Dani Ornellas, José Karini e Hugo Germano, o elenco mergulha em feridas profundas provocadas pelo assédio moral, sexual e familiar na sociedade contemporânea e na igreja católica. A peça se passa numa pequena cidade, onde um jovem religioso, funcionário dos Correios e filho de uma mãe dominadora, tem sua fé abalada por conflitos sexuais e morais ocorridos dentro da igreja que frequenta. Ele decide fazer justiça com as próprias mãos e, assim, modificar sua vida para sempre.

O espetáculo, baseado no clássico da literatura árabe As Mil e Uma Noites, é recriado em um cenário formado por bambus em que dois atores criam mundos, ilhas, barcos, baleias, pássaros gigantescos, tempestades e perigos, manipulando estruturas de bambus que dão suporte para as acrobacias, integrando a literatura e a arte do circo. Quem conta a história de Simbad são dois artistas de rua que se confrontam o tempo todo, na clássica situação da dupla de palhaços – dois artistas mambembes que vão de cidade em cidade, de praça em praça, contando suas histórias e sempre brigando, para ver quem fará o herói. Com sua carroça de bambus e as técnicas que o circo que o circo lhe ensinou, eles usam os bambus para criar animais imensos, barcos, pássaros, serpentes, elefantes, desfiladeiros, ilhas.

“TA” significa Grande para os Tikunas – povo originário do Amazonas, que ocupa uma vasta área. Os sons do ambiente fazem parte do idioma que eles falam, sejam pardos, roncos, chiados e tantos quantos conseguem escutar. No meio que habitam, espaço, tempo e corpo são uma coisa só. A união de tudo que está fora e dentro, “TA”, derrama e espalha, navega, escala, sobrevoa. Nessa imensidão, não existe pausa e nem silêncio, pois a vida pulsa intermitentemente.

Pela primeira vez no palco do Theatro Municipal do Rio de Janeiro, a ópera Rusalka, de Antonín Dvořák, com Coro e Orquestra Sinfônica da casa, estreia no dia 14 de novembro, com récitas também nos dias 16/11 e 22/11, às 19h e 24/11, às 17h. Haverá ainda em 13/11, às 14h, o Projeto Escola Arte Educação Petrobras. A montagem é uma coprodução com o Auditório de Tenerife, na Espanha, país onde esteve em cartaz em março deste ano e agora, chega ao Municipal. A concepção e direção cênica é de André Heller-Lopes e a direção musical e regência ficam a cargo de Luiz Fernando Malheiro

Enfim, chegou o tão esperado dia sobre o tema Empatia! A turma está ansiosa e a doce Professora Ana, muito inspirada, começa a ministrar o assunto que empolga a todos. O espetáculo leva o público a um verdadeiro mergulho na aula que perpassa pelas temáticas de respeito, igualdade, inclusão, TEA, dislexia, dispraxia, TDAH, Síndrome de Asperger, profissões, não ao bullying e não ao cancelamento, regras de convivência e direito de preferência, preservação do meio ambiente e cuidado com os animais.

Já imaginou os cabelos como árvores? O ato de cuidar, crescer e criar raízes são algumas das similaridades que os cabelos compartilham com as árvores. Inspirada nesse universo mágico, “Emaranhada” celebra os fios de nossa ancestralidade. No centro dessa história está Mavi, uma heroína negra, menina inventora de palavras, com braços e mãos tagarelas e uma cabeleira exuberante. Protagonizada pela atriz Amarilis Irani, Mavi trança suas próprias aventuras, algumas solitárias, outras recheadas de amigos: flores, árvores e animais. Após uma série de eventos misteriosos, Mavi descobre que seus fios guardam poderes extraordinários. Numa fascinante saga de empoderamento feminino, a personagem faz dos cabelos o caminho para encontrar aceitação, emaranhando a força, beleza e poesia da representatividade negra. Novos mundos emergem dos tecidos, com raízes que se espalham do palco aos olhos da plateia, celebrando a diversidade de maneira lúdica e emocionante.

O espetáculo traz para o palco elementos de ambos os universos, como DJs, Chants, Bailes/Ball, batalhas, passinhos, vestuário, a atitude e suas coreografias próprias. Organizamos uma série coreográfica, explorando gestos radicais que desafiam convenções, buscando reposicionar as relações históricas e culturais. Investimos em poses insubordinadas para elaborar resistências e nutrir repertórios de memórias, criando imagens que disputam novos significados e valores - destaca a diretora do espetáculo, Patfudyda. A obra reúne artistas como Mother Juju Ninja, líder de uma das maiores house Ballroom do mundo; André Oliveira DB, referência mundial do passinho, vencedor do Red Bull Dance Internacional; Yure IDD, DJ que coleciona parceria com artistas relevantes da cena, como Gloria Groove; e Kill Bill Balenciaga, uma das maiores referências do Vogue no Brasil.

“A Menina do Meio do Mundo – Elza Soares para Crianças” traz uma história ficcional que resgata algumas passagens da trajetória de Elza Soares. Em uma delas, a cantora é ridicularizada em um programa de calouros apresentado por Ary Barroso, mas dá a volta por cima ao falar da fome do povo pobre. Na trilha sonora, estão grandes clássicos da MPB imortalizados por Elza Soares, como “Meu Guri”, “A Carne”, “Se Acaso você Chegasse”, “Mas que nada”, “Lata D’Água”, “A Mulher do Fim do Mundo” e muitos outros, em arranjos pensados para as novas gerações.

Cinco amigos de infância se reúnem para comemorar o casamento de um deles. Durante o evento, descobrimos que o noivo está em crise existencial; em dúvida sobre seus sentimentos. Acreditando que poderia se livrar do enlace, faz uma revelação surpreendente. Por sua vez, a noiva também está em conflito, devido a uma descoberta que a abalou profundamente. Nesta trama de contrastes, os amigos de ambos se reúnem para que os noivos caminhem para uma decisão clara e definitiva.

Em um clima leve e envolvente, Flavio mistura temas atuais com observações divertidas do cotidiano, criando uma atmosfera de bate-papo descontraído, onde o público se sente parte de cada momento. Sem recorrer a polêmicas ou temas controversos, Flavio Andradde conduz a plateia por reflexões engraçadas e situações comuns do dia a dia, garantindo uma noite repleta de boas risadas e aquela sensação de que estamos todos entre amigos, jogando conversa fora.

O texto teatral de Júlio Conte expõe a trajetória de sete amigos, vizinhos na mesma rua, em abril de 1964. Como pano de fundo, impõe-se uma forte realidade: um golpe militar em um país democrático da América Latina. A peça expõe essa vivência, desde a infância até a vida adulta, que mexeu com os sonhos e a esperança de toda uma geração. Escrita em meados dos anos 80, a peça ainda se mantém atual, tendo em vista os últimos anos de ataque às instituições democráticas do país. A peça desenha, ao mesmo tempo, um quadro divertido e implacável da realidade. Divertido sob o ponto de vista da pureza e ingenuidade dos personagens, que, durante sua trajetória, enfrentam as transformações do final da infância, adolescência e juventude. Implacável, graças às consequências de um golpe militar que vão refletir na vida adulta dessas personagens.

O texto de Analy Alvarez e Isaías Almada retrata lembranças dolorosas de um período que, apesar das cicatrizes do tempo, ainda machuca e envergonha. Esta peça teatral, que aborda o período militar, não se apresenta para reabrir feridas que a generosidade da anistia nos impõe esquecer, mas como uma garantia de que o desrespeito aos direitos humanos e a intolerância — seja ela política, racial, de gênero ou de qualquer outro tipo — nunca mais tenham espaço em nossa sociedade. O teatro, como forma de resistência cultural durante a ditadura militar, questionava o regime. A censura às manifestações artísticas no período pretendia silenciar a resistência à violência que se implantava no país.

Com a proposta de ampliar a diversidade de linguagens artísticas no Teatro Pyndorama, a anfitriã Companhia Antropofágica convida outros artistas para apresentar em sua sede a mostra Moquém em Pyndorama. Os espetáculos de dança e teatro adulto e infantil acontecem entre os dias 23 de novembro e 9 de dezembro. Parte das apresentações terá acessibilidade de Audiodescrição e outra de Libras. No nome do projeto, a palavra “moquém” vem do tupi antigo “moka”, uma grelha de madeira usada para defumar e preparar alimentos. A forma do Moquém é a representação de uma metáfora para a ideia de fazer o público se “alimentar” coletivamente de várias linguagens artísticas, possibilitando a articulação de diversos saberes.

Restinga de Canudos mergulha nas pequenas histórias de resistência do vilarejo de Canudos, dando voz a personagens comuns como duas professoras, uma poeta popular, agricultores, beatos, cantadores, um juremeiro e um indígena. O espetáculo ilumina o cotidiano dessas pessoas e, especialmente, o papel das educadoras no fortalecimento da consciência crítica e na luta por um Brasil mais justo. Com uma narrativa poética e sensível, faz uma homenagem à docência militante, destacando a educação popular como força transformadora e essencial para a construção de um futuro coletivo.

"OUTONO" é um espetáculo que retrata os bastidores da filmagem de um longa-metragem, onde nada é o que parece. Reviravoltas inesperadas surgem a cada cena, transformando a trama em um jogo de realidades que flutua entre a ficção e o processo criativo do cinema. Eloisa Vitz constrói uma narrativa instigante, onde as relações entre os personagens são constantemente reavaliadas, revelando as fragilidades e tensões próprias dessa estação que expressa um momento de transição.

Com base num cordel de sua própria autoria, Fagerlande narra, de forma cômica e fantasiosa, a história de um jumento brasileiro que, por se destacar pela inteligência, é inscrito num concurso mundial de animais, em que o campeão irá participar de uma expedição da Nasa para a Lua.

Em uma instalação cênica que remete a um apartamento, a trama acompanha Ana Beatriz, uma mulher de 40 anos que retorna à sua cidade natal em meio a uma profunda crise de meia-idade, após o fracasso de um projeto profissional importante. Nesse retorno, ela reencontra Ricardo, seu ex-professor universitário, uma figura crucial em sua vida, a quem não via há duas décadas. Prestes a completar 65 anos, ele também vive um momento delicado, marcado pelo fim de um ciclo importante. Em um cenário de reflexões e ressignificações, ambos compartilham os últimos acontecimentos de suas vidas, seus fracassos e perdas, e divagam sobre o futuro e o desejo de recomeçar.

O monólogo teatral é baseado na terceira parte do livro Os sertões, de Euclides da Cunha (1866-1909), que transforma o ator Amaury Lorenzo em um rapsodo que conta, em uma longa prosa épica, as batalhas ocorridas em Canudos, em 1896, entre os homens e mulheres chefiados por Antônio Conselheiro e as forças militares da República, recém-proclamada no Brasil (1889). Lorenzo foi indicado aos prêmios Cesgranrio e Fita de Melhor Ator pelo trabalho, e atualmente também se destaca como o personagem Chico, da novela “Volta por cima”.

O espetáculo acompanha as aventuras de Toninho, um garoto que sai de uma pequena cidade do interior do Maranhão, rumo a São Paulo, para resgatar o pai, João Antônio, que acredita ter sido engolido por um peixe e levado por um grande pássaro.

O espetáculo Itinerário do Maldito- uma viagem pelo universo de Plinio Marcos traz aos palcos uma colagem cênica com fragmentos da obra teatral daquele que era uma figura polêmica e que foi um dos primeiros a levar pro palco a vida dos marginalizados. Com direção de Virgínia Nascimento o espetáculo mergulha nas complexidades do escritor, jornalista, ator e palhaço Plínio Marcos e também faz uma homenagem póstuma aos 25 anos da partida de um dos maiores dramaturgos do teatro brasileiro contada pelos seus principais personagens.

Na nova montagem, o príncipe se vê triste e amargurado ao ser transformado em Fera perto do Natal. Entretanto, sua vida mudará para sempre com a chegada de Bela em seu castelo, assim como o destino dos outros personagens. A Fera voltará a acreditar no milagre de Natal? Será que Papai Noel irá na festa de Natal nesta aldeia? É claro que sim; afinal, nada como as músicas mais famosas desta época do ano para encantar o público

Renata Costa teve seu trabalho contemplado no projeto "Cessão de Espaço", de 2024, do Centro Cultural Espaço Tápias. O espetáculo “A(s) - isso não é um solo” chega à Barra da Tijuca. Segundo Renata, “A(s) - isso não é um solo” é um exercício de vislumbrar a construção da feminilidade a partir das palavras, do pensamento e do corpo das próprias mulheres e não pela visão dos homens, como está posto em nossa sociedade e comprovado historicamente, como aponta autora, professora, teórica feminista, artista e ativista antirracista estadunidense Bell Hooks. Instigada pela escritora, Renata Costa, neste novo trabalho, se coloca em contato intenso com mulheres que conseguiram ao longo da história algum espaço de visibilidade, assim como, com aquelas que foram escondidas pelo patriarcado, invocando-as em sua dança.

Malgranda, quer dizer pequeno em Esperanto (língua de origem do nome Suno), e consiste em um espetáculo de circo em miniatura, com pano de roda, espias, camarim e picadeiro. Apresentado pela atriz circense Helena Figueira e o palhaço e malabarista Duba Becker, possui um formato de esquetes (cenas curtas), com duração em média de 20 minutos.

No centro do palco, duas mulheres encarceradas, que discutem as próprias vidas e o sistema carcerário, emolduradas pelas canções de Chico Buarque de Holanda, o compositor brasileiro que mais exaltou as mulheres em suas canções.

O Grupo de Teatro Fatal Companhia apresenta a peça DESAPROPRIAÇÃO, que conta a história de um homem, Nicolas, que vive com sua família em uma fazenda no litoral do Brasil e que tem um processo de desapropriação de suas terras iniciado pelo Estado para que a moradia e, ao mesmo tempo, seu local de trabalho, se transformem na nova sede da Prefeitura e em um templo religioso. Nicolas recorre a um advogado, amigo de longa data, Dimas, para se defender do processo de desapropriação. Nesse enfrentamento ao Estado, Nicolas se vê diante de inúmeras injustiças que podem desapropriá-lo não só de sua propriedade, mas de sua esposa, de seu filho, de seus amigos e até de sua vida.

Uma comunidade é construída por centenas de acordos entre si. Acordos que operam na manutenção da vida, da pulsão existencial, dos prazeres e das partilhas que possam gerar sentido. O toque de IKU é um portal ambíguo que despeja desconfortos. Os ciclos de nascimento – vida e passagem – são a integração do vir a ser. Como um organismo vivo que se revitaliza e se transforma a cada movimento, é nesse movimento que descobre suas subjetividades. IKU é a energia surpresa que cria rupturas na circulação do axé, puxando outras camadas de renovação. É um gozo que descarrega os excessos. É a possibilidade de ancestralizar. A fuga da morte é o que temos em comum, mas IKU nos alcançará de uma forma ou de outra. O beijo de IKU é temido e a força desse temor é o que faz nossos corpos buscarem a revitalização das experiências comunitárias.

O meteorito Bendegó, o maior já encontrado no Brasil, é o símbolo central do espetáculo homônimo da Definitiva Cia. de Teatro. Resgatado da Bahia e preservado no Museu Nacional, onde sobreviveu ao incêndio de 2018, Bendegó se transforma em um emblema de resistência e memória. A partir de sua história, o espetáculo explora os incêndios — literais e simbólicos — que moldam o passado e o futuro da humanidade. Em um "museu vertical" de camadas de história e identidade, a peça reflete sobre a violência, colonização e transformação que marcam a trajetória do Brasil e do mundo.

O espetáculo de ballet, com músicas de J. Offenbach, R. Drigo, J. Strauss, M. Viana, popular americana e alemã, é apresentado com movimentos, cores, luzes, figuras e formas, promovendo o prazer estético e estimulando o potencial criativo em cada espectador. A principal intenção é reforçar, para crianças de todas as idades, a importância de valores preciosos como o afeto, a empatia, a amizade e o respeito, em busca de um mundo sem guerras, mais justo e fraterno, onde a generosidade supera a ganância, a tolerância supera a ira e o sorriso devolve o amor.

A obra aborda as dores inerentes à existência humana, discutindo temas como identidade, percepção da finitude, prazer e impotência, além das contradições e conflitos da vida contemporânea.

Ao explorar as fricções entre corpo e máquina, o espetáculo performático intermídia CORPOMÁQUINA propõe a reflexão sobre o limite entre o biológico e o sintético, e sua inevitável fusão proporcionada pela busca incessante da superação das limitações humanas. A obra, que mescla dança, performance e tecnologia, aborda o questionamento fronteiriço sobre até onde o corpo é humano, onde se torna máquina e em qual instante há campos simbióticos, éticos, poéticos e políticos a serem investigados.

Em cena, a privacidade de cinco mulheres negras é flagrada quando expõem suas trajetórias afetivas, permitindo ao público entrar em seus respectivos cotidianos. Elas tentam enxergar e modificar seus destinos, como lagartas aprendendo a voar. revelando seus medos, dores, amores e sonhos.

Ao se ver consumida pelo desejo de fama e reconhecimento, a influenciadora digital Laika resolve largar tudo que tem para se tornar andarilha. Durante a peregrinação, ela descobre sua espiritualidade e levanta questionamentos acerca da existência, compartilhando suas angústias, reflexões e conhecimento com uma massa de seres animados e inanimados que a acompanha.

Luque apresentará ao público cenas de alguns dos seus personagens mais icônicos: o Mustafary, um vegetariano irônico e controverso, que prega a sustentabilidade do planeta, ama os animais, a natureza e, principalmente, seu cachorro “Serumaninho”; e Jackson Faive, o motoboy paulistano mais famoso do Brasil para trocar ideia sobre tudo de mais dilatado que vem ocorrendo nessa biosfera terrestre.

Alegria é a Prova dos Nove é uma “devoração oswaldiana”, uma conversa poética entre Oswald de Andrade, suas paixões femininas cruciais na formação de sua personalidade, seus amigos companheiros na atuação artística e seus personagens ficcionais, buscando “comer” seu espírito de juventude, seu ímpeto de festa, ideias, transgressões, descaminhos e utopias.

A peça explora o cancioneiro de Zé Ramalho, sua literatura e os cenários marcantes de sua trajetória de maneira inovadora e não biográfica. Sob a dramaturgia de Pedro Kosovski e a direção de Marco André Nunes, os elementos da obra ganham vida no palco. Nesse formato, Zé, o personagem, se manifesta apenas nos números musicais, resultando em uma experiência inédita.

Baseado na obra de Michele Iacocca, Vacamundi conta a jornada épica-histórica da conquista e ocupação, por “valentes” parasitas desbravadores, de um “território não-civilizado”: uma vaca. Para contar essa saga, o Maracujá Laboratório de Artes criou um espetáculo cômico-musical que mostra, de forma irônica, os parasitas que ocupam não só a vaca, mas o nosso planeta Terra.

“Camille em Fuga” traça uma relação sensível entre três mulheres, duas humanas e uma em óleo sobre tela. Em cena, estão as atrizes, Denise Stutz e Eli Carmo, que vivem Aura e Camille, respectivamente. Toda segunda-feira, Aura visita a mesma galeria, onde Camille trabalha, para admirar uma instalação inspirada no quadro de Monet. É ali o seu refúgio, onde consegue ser ela mesma, sem precisar desempenhar qualquer papel para ninguém. A partir de um jogo de enquadramentos e pontos de vistas, essas mulheres se entrelaçam construindo uma intimidade incomum no mundo individualista contemporâneo.

O monólogo traz à tona toda a atualidade deste livro genial de Machado de Assis, oferecendo ao público um olhar agudo sobre a sociedade brasileira do século XIX. A equipe conta com profissionais já conhecidos da cena paulistana: além de Damigo, que tem mais de 30 anos de experiência nos palcos, o diretor musical e arranjador Pedro Paulo Bogossian, que trabalhou as músicas originais da peça criadas por Mário Manga, do antológico Premeditando o Breque, e Fábio Namatame no figurino. Regina Galdino assinou e dirigiu, em 1998, uma montagem desta mesma adaptação, interpretada por Cássio Scapin, quando o espetáculo recebeu vários prêmios e elogios da crítica.

A peça conta a história de três mulheres desconhecidas que acabam se unindo pela falta, pela raiva e pela solidão. Úrsula, uma viúva excêntrica, confunde Aisha, uma mulher que acabou de ser abusada em um bar, com sua enteada desaparecida e as duas constroem uma relação fingindo ser quem elas não são. Quando a gata de Úrsula some, elas iniciam uma busca que termina no apartamento de Bete, uma senhora que parece esconder algum segredo.

Maria é uma jovem atriz, estudante de artes cênicas, obcecada por treinamento e em busca de total aperfeiçoamento metodológico. No entanto, ela é possuída por entidades e criaturas como Antonin Artaud e Stanislavisk, grandes teatrólogos e influências em sua formação acadêmica. Esses seres e a mãe, retrograda e pragmática, a levam ao estado órfico da loucura. Apresentando toda a ludicidade, a brincadeira e os riscos de estar em cena, Maria traz o humor, o autoescárnio e seus poderosos instrumentos, físicos e metafísicos.

Charles é um homem recluso que sofre com suas decisões do passado das quais, apesar de achar certas no momento, acabou lhe trazendo muita angústia e dor ao longo dos anos. De repente, tudo muda, quando ele recebe em sua casa a rebelde Ellen, sua filha que ele abandonou aos 8 anos para seguir um novo amor. Com muita emoção, revelações e dificuldades, "O Peso da Vida" é uma história incisiva, crua, que faz a gente pensar em como a vida vale, e em como as pessoas podem fazer a diferença.

A turnê nacional do espetáculo já passou por lugares como Rio de Janeiro, Niterói, Volta Redonda e Belo Horizonte, e todas as sessões com ingressos esgotados. “Kysha e Mine: Lance de Escola” apresenta músicas dançantes e uma história inspiradora ao ressaltar a importância da amizade e do autoconhecimento para superar obstáculos e alcançar os sonhos. Os artistas Stefan Baby, Argentino e Fidelis também fazem parte do elenco. A direção musical é de Umberto Tavares e Jefferson Junior, renomados nomes da indústria fonográfica, enquanto a direção e coreografia são assinadas por Babi Gomes e Bru Gomes.

A peça tem texto e direção de Nautilio Portela e reúne três atores, que dão vida a mais de 8 personagens. A trama conta a história do aviador perdido num deserto que encontra um principezinho de um planeta distante, o B612. Este Pequeno Príncipe – que conheceu muitos planetas antes de chegar à Terra – passa, então, a contar suas aventuras: ele já conheceu um geógrafo, um homem de negócios e até mesmo um rei. Com cada um deles, aprendeu uma lição diferente. Juntos, os dois novos amigos convidam o público a participar desta jornada, apresentando ainda a melhor amiga do Príncipe: uma rosa linda, inteligente e divertida, que ele deve reencontrar em breve, quando voltará para seu planeta, o Asteroide B612. O Pequeno Príncipe é interpretado por Catharine Moreira, atriz surda. Outros dois atores interpretam todas as demais personagens. Mais de 40 peças de figurino compõem a viagem conduzida pelo elenco bilíngue.

A vertente rítmica brasileira está espalhada pelos quatro cantos do país, e a riqueza dos cantos e contos populares também emerge de atividades produtivas. Nos dias (02) e (03) de novembro o Sesc Santana recebe o espetáculo infantil “Cantinho de Nois”, da Jorge Garcia Cia de dança. Atividade econômica que marcou o período imperial brasileiro e segue em voga atualmente, a montagem mergulha no modo de vida dos cortadores de cana-de-açúcar.

Com uma linguagem coreográfica rica e envolvente, o espetáculo explora a profunda conexão entre corpo, memória e espaço, revelando como nossas experiências corporais são moldadas pelas histórias e contextos que vivemos, refletindo a subjetividade de indivíduos muitas vezes marginalizados. Uma jornada de movimento e emoção, transformando a marginalidade em força, revelando a beleza e a resiliência dos corpos que dançam suas histórias.

Rita, uma atriz-performer, conduz o público por uma jornada psicológica e emocional através de sua pesquisa sobre relacionamentos abusivos. O espetáculo ganha vida quando ela descobre uma série de cartas encontradas dentro do colchão de um presidiário em São Paulo. Essas correspondências, trocadas entre uma mulher intrigante, "M", e o "maníaco da flor" — um psicopata condenado por assassinar e esquartejar mais de 40 mulheres, tornam-se o fio condutor de sua performance.

Nesta produção, o público é convidado a conhecer uma Frida Kahlo lúcida, solar e cáustica, celebrando o triunfo paradoxalmente no Dia dos Mortos. Enquanto prepara um jantar para seus convidados, sejam eles vivos ou mortos, Frida revisita sua vida, trazendo à tona personagens marcantes como Diego Rivera, Trotsky, Rockfeller, e André Breton.

Jonathan, um atendente de fast food, Luiz Felipe, um garoto de programa e Antônio, um professor universitário aposentado são três homens gays que têm suas vidas cruzadas. Através dos desenvolvimentos de suas trajetórias e das relações que se estabelecem entre eles, “Selva: Solidão” convida o público a refletir sobre os efeitos de se crescer como uma pessoa LGBTQIAPN+ em um mundo heteronormativo, e sobre o constante sentimento de solidão presente na comunidade.

Mostra a Tua Cara fala sobre o passado recente do Brasil. De quatro locais diferentes, quatro personagens revivem, por meio de diálogos fragmentados, o fim do regime militar no país e o começo da Nova República. A história se passa no Rio de Janeiro, no dia 23 de junho de 1996, o dia do assassinato de Paulo César Farias: em quatro bares diferentes do Rio, quatro personagens – um michê de sauna (Thadeu Matos), uma dona de casa classe-média (Ângela Rebello), um empresário (Alexandre Galindo) e uma cantora de axé (Letícia Isnard) – revivem os anos Collor e como estes mudaram suas vidas.

Tina, uma jornalista recém-formada, realiza o sonho de trabalhar em uma prestigiada redação. Imersa no ineditismo das notícias, a vida de Tina ganha outro ritmo, com novas amizades e, sobretudo, novas oportunidades para sua carreira. Ela só não esperava que, no auge de seu entusiasmo, tivesse que lidar com uma situação paralisante, que traz à tona os dilemas e desafios que mulheres enfrentam cotidianamente na sociedade. Há coisas que não são negociáveis e Tina precisará decidir usar ou não sua voz para garantir para si mesma e para outras mulheres RESPEITO. Com a atriz Isabelle Drummond como Tina, a obra aborda questões atuais de gênero e assédio à mulher, com o objetivo de despertar a conscientização para a importância do exercício pleno e abrangente do respeito como fio condutor de todas as relações

Empolgado e complemente envolvido com seu universo de games, Nata deixa de cumprir suas obrigações e compromissos domésticos, mas quando dorme acaba fazendo uma viagem para o mundo do folclore. Lá, o Saci, a Iara, o Curupira, os sapos e a onça, dão uma lição de moral nessa criança moderna.

Com dois personagens, um banco e uma praça, Arap diz evocar “Dois Perdidos Numa Noite Suja”, de Plínio Marcos, e mais especificamente “Zoo Story”, do norte-americano Edward Albee, 79. CHORINHO é um espetáculo que trata da vida urbana, no qual a narrativa traz duas personagens, a tia (Cida Lima) e o morador de rua (Ronaldo Barbosa), completamente díspares, mas que sofrem do mesmo mal: a solidão. Com poesia e humor, a peça apresenta em sete momentos a construção inusitada de uma amizade, em que as personagens passam a compartilhar seus pensamentos, e sentimentos comuns.

A Cia. Casca de Noz apresenta Patunts, um espetáculo circense que explora a relação entre percussão e movimento de forma colaborativa. Três intérpretes percorrem por um cenário abstrato de madeira, criando sons a partir dos objetos que manipulam. À medida que esses sons emergem, malabarismos, acrobacias e dança moldam os personagens e configuram suas ações, guiados pela exploração do som e do espaço.

O espetáculo é ambientado em um grande jardim, onde vários animais e insetos buscam viver em harmonia. Assim, à medida que segue em direção ao lago, Babi, a borboleta sem asas, conhece o caramujo Magnólio, a abelha Abel e o vagalume Lamparino, entre outros, cada um com sua particularidade. E vai descobrir, nessa caminhada, que as deficiências são eficiências singulares, um modo particular de ser e estar na vida.

A narrativa é transmitida através dos olhos de Violeta, uma menina de quatro anos, que está ansiosa pela chegada de seu irmãozinho, Azul. O que ela não imagina, é que ele acabará ocupando um espaço inesperado na vida da família. Entre os ciúmes e a aceitação de um irmão tão diferente, Violeta descobre que é preciso aprender a lidar com o que a vida propõe para a solução natural dos conflitos. Afinal, o amor entre os irmãos é maior do que qualquer diferença que possa existir entre eles. O espetáculo é mais uma imersão do grupo no teatro de animação, com uso de bonecos e máscaras executados pelo artista visual Dante. A trilha sonora traz marchinhas de carnaval, blues, clássicos da música erudita e música minimalista, agindo como elemento narrativo da cena, oferecendo ao público um espetáculo lúdico e engraçado, que vai emocionar as pessoas de todas as idades.

Jean-Claude Romain vive uma farsa por duas décadas. Todos acreditam que ele é um respeitado médico da Organização Mundial de Saúde, enquanto sua vida é uma construção de mentiras para atender às expectativas de sua família e sociedade. Quando prestes a ser desmascarado, sua pressão psicológica o leva a atos extremos, questionando o que é ser "normal" em um mundo que oprime. O falso médico então assassina seus pais, filhos, esposa e cachorro, novamente para que não se decepcionem com papeis que ele não conseguia mais suportar.

Realizado nos princípios do teatro documentário, “Um homem sem importância” parte da carta escrita por Leo Lama a seu pai, o dramaturgo Plínio Marcos, no dia de sua morte. Através do relato íntimo e contundente de um filho a respeito da trajetória única de seu pai, o solo narrativo mescla memória pessoal e coletiva, conduzindo o público pelos bastidores de duas gerações marcadas pela ditadura civil-militar de 1964.

O Ballet Stagium apresenta o espetáculo Mané Gostoso, em homenagem ao icônico cantor e compositor pernambucano Luiz Gonzaga, no Teatro Sérgio Cardoso (Sala Paschoal Carlos Magno), gerido pela Associação Paulista dos Amigos da Arte e vinculado à Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo. Mané Gostoso é uma obra genuinamente nacional, marcada pela forte identidade nordestina e pelo bom-humor, além de uma grandeza poética que permeia todo o espetáculo. O título faz referência ao famoso boneco de madeira, típico das feiras do Nordeste, e carrega a essência da cultura popular da região. Com coreografia de Décio Otero e direção teatral de Marika Gidali, a obra destaca a versatilidade do povo brasileiro, retratando a riqueza cultural e a criatividade presente no cotidiano nordestino.

Em cena, Antonio Quinet dá vida à Freud e Juliana Teixeira à poeta Hilda Doolittle, uma mulher à frente de seu tempo, com vida afetiva libertária e conturbada, que busca na psicanálise um tratamento para seu bloqueio na escrita. A peça faz o espectador entrar no consultório de Freud e ver por dentro como é o processo de tratamento psicanalítico. Os medos, amores, lutas, sonhos e alucinações da paciente suscitam em seu analista intervenções geniais que mudam a vida da escritora, além de selar uma forte amizade entre os dois.